Begyndelsen på Art Nouveau
Fremkomsten af Art Nouveau - bogstaveligt talt "ny kunst" - kan tilskrives to forskellige påvirkninger: den første var introduktionen, omkring 1880, af den britiske kunst- og håndværksbevægelse, som ligesom Art Nouveau var en reaktion mod dissensdesignet og dekorative kunstkompositioner i den victorianske æra.
Den anden var den nuværende mode af japansk kunst, især trægraveringer, der fejede mange europæiske kunstnere i 1880'erne og 1890'erne, herunder kunstnere som Gustav Klimt, Emile Gallé og James Abbott McNeill Whistler. Japanske indgraveringer i træblokke indeholdt især blomster og bulbous former og "pisk" -kurver, alle nøgleelementer i, hvad der til sidst ville blive kunst nouveau.
Art Nouveau Japanese - Katsushika Hokusai's Wave
Det er vanskeligt at påpege de første kunstværker, som Art Nouveau officielt lancerede. Nogle hævder, at de stemplede og væskelinjer og blomsterfonde, der findes i malerierne af Vincent Van Gogh og Paul Gauguin, repræsenterer fødslen af Art Nouveau, eller måske endda de dekorative litografier af Henri de Toulouse-Lautrec, såsom Moulin Rouge: Goulue ( 1891).
Majoriteten peger imidlertid på oprindelsen af dekorativ kunst og især på støvkappen i en arkitekts bog og Engelsk designer Arthur Heygate Mackmurdo For mængden af 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: Tilskrives som den første repræsentation af Art Nouveau
Designet af bogen viser, at Serpenteante stængler af blomster, der stammer fra en fladet blok i bunden af siden, som klart husker graveringerne i japansk stil træ.
Art Nouveau -udstillinger
Art Nouveau var ofte mere iøjnefaldende i internationale udstillinger under sit højdepunkt. Den nye stil nød den centrale fase på fem private messer: Universelleres udstillinger fra 1889 og 1900 i Paris; Eksponering af tervueren fra 1897 i Bruxelles, hvor Art Nouveau stort set blev brugt til at vise mulighederne for håndværk med de eksotiske skove i den belgiske Congo; Den internationale udstilling af moderne dekorativ kunst i Torino fra 1902; og den internationale udstilling af L'est fra Frankrig i 1909 i Nantes.
På hver af disse messer var stilen dominerende med hensyn til den dekorative kunst og arkitektur udstillet, og i Torino i 1902 var Art Nouveau virkelig den stil, der blev valgt af praktisk talt alle designere og alle nationer repræsenteret, eksklusive udelukkende andet.
International udstilling af moderne dekorativ kunst
Art Nou
Veau: En kunststrøm med tusind navne
Siegfried Bing, en tysk købmand og opmærksomhed om japansk kunstbosiddende i Paris, åbnede en butik kaldet L'Art Nouveau i december 1895, som blev en af de vigtigste leverandører af stilen i møbler og dekorativ kunst. På kort tid blev butikens navn synonymt med stil i Frankrig, Storbritannien og De Forenede Stater. Imidlertid betød den store popularitet af Art Nouveau i Vest- og Centraleuropa, at den havde flere forskellige titler. I tyske -talende lande blev det generelt kaldet Jugendstil (Ungdomsstil), hentet fra et München -magasin kaldet Jugend, der populariserede det. I mellemtiden i Wien, Hogar af Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann og de andre grundlæggere af Wien's løsrivelse, blev kendt som Sezessionstil (Secession Style).
Det var også kendt som Modernisme På spansk, modernisme i katalansk og Stile Floreale (blomsterstil) eller Stile Liberty I Italien var sidstnævnte fra Arthur Liberty Fabric Store i London, som hjalp med at popularisere stilen. I Frankrig blev det ofte kaldet Style Modrne og lejlighedsvis Stil Guimard Til ære for sin mest berømte udøver der, arkitekten Hector Guimard, mens han i Holland normalt kaldes Nieuwe Kunst (Ny kunst).
Det skal bemærkes, at hans mange krænkere også gav ham flere nedsættende navne: Style Nouille (Noodle Style) i Frankrig, Paling stijl (ålstil) i Belgien og Bandwurmstil (Tenia Style) I Tyskland, alle navne, der henviste til en legende henvisning til tendensen fra Art Nouveau til at bruge svære og væske linjer.
Art Nouveau: koncepter, stilarter og tendenser
Art Nouveau allestedsnærværende i slutningen af det 19. århundrede skal delvis forklares ved den anvendelse, som mange kunstnere af populære og lette -tilproducerede måder gør, der findes i grafisk kunst. I Tyskland trykte Jugendstil -kunstnere som Peter Behrens og Hermann Obrist deres arbejde på bogomslag og udstillingskataloger, magasin og plakatannoncer.
Men denne tendens var ikke på nogen måde begrænset til Tyskland. Den engelske illustratør Aubrey Beardsley, måske figuren af Art Nouveau mest kontroversiel for hans kombination af erotisk og makabre, skabte en række plakater i hans korte karriere, der brugte yndefulde og rytmiske linjer. Beardsleys meget dekorative tryk, såsom påfuglskørt (1894), var på samme tid dekadent og enkle og repræsenterer det mest direkte link, som vi kan identificere mellem Art Nouveau og japansk / indgraveret ukiyo-e.
Påfuglskørt af Aubrey Beardsley - Art Nouveau
I Frankrig er plakaterne og den grafiske produktion af Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen og nogle andre populariseret den luksuriøse og dekadente livsstil af den smukke époque, omtrent nok æraen mellem 1890-1914, generelt forbundet med det uhyggelige distrikt i Cabaret de Montmartre i det nordlige Paris.
Hans grafiske værker brugte nye kromolitografiske teknikker til at fremme alt fra nye teknologier som telefoner og elektriske lys til barer, restauranter, natklubber og endda individuelle kunstnere, der fremkalder energien og vitaliteten i det moderne liv. I processen hævede de snart plakaten af rækkerne af fodgængermeddelelsen til høj kunst.
Den modernistiske arkitektur af Art Nouveau
Ud over grafisk og visuel kunst bør enhver seriøs diskussion om Art Nouveau overveje arkitektur og den store indflydelse, den havde på europæisk kultur. I bycentre som Paris, Bruxelles, Glasgow, Torino, Barcelona, Antwerpen og Wien såvel som i mindre byer som Nancy og Darmstadt sammen med steder i Østeuropa som Riga, Prag og Budapest, Art Nouveau Arkitektur sejrede i vid udstrækning, både i størrelse og tilsyneladende, og er stadig synlig i dag i strukturer, der er så forskellige som små huse knyttet til store institutionelle og kommercielle bygninger. Især inden for arkitektur blev Art Nouveau udstillet på en lang række sprog.
Mange bygninger indeholder en vidunderlig brug af terracotta og farverige fliser. Den franske keramiker Alexandre Bigot blev for eksempel berømt i stor del af produktionen af terracotta -ornamenter til facader og skorstene i bopæl og bygninger i parisiske lejligheder. Andre Art Nouveau -strukturer, især i Frankrig og Belgien, hvor Héctor Guimard og Victor Horta var vigtige praktikere, viser de teknologiske muligheder med jernstrukturer forbundet med glaspaneler.
Batlló Casa - Barcelona - Art Nouveau
I mange områder af Europa var Art Nouveau -boligarkitekturen kendetegnet ved den lokale sten, såsom gul kalksten eller landdistrikterne landdistrikter æstetik af tilfældig bane med trælister. Og i flere tilfælde blev der anvendt en skulpturel hvid stukkethud, især i Art Nouveau -bygninger, der blev brugt til udstillinger, såsom pavillonerne i den universelle udstilling i Paris fra 1900 og Wien -løsrivelsesbygningen. Selv i USA danner planten, der pryder skyskrabere fra Louis Sullivan, såsom Wainwright -bygningen og Chicago -børsen, tælles ofte blandt de bedste eksempler på det brede arkitektoniske omfang af Art Nouveau.
Den resterende bue fra Chicago Stock Exchange - Art Nouveau
Art Nouveau Style møbler og interiørdesign
Ligesom victoriansk stilistisk genfødt og kunst- og håndværksbevægelsen var Art Nouveau tæt forbundet med indvendig udsmykning mindst lige så meget som iøjnefaldende i de ydre facader. Ligesom disse andre stilarter i det 19. århundrede kæmpede Interiors Art Nouveau også for at skabe et harmonisk og sammenhængende miljø, der ikke ville efterlade nogen intakt overflade. Møbeldesignet besatte et centralt sted i denne henseende, især i produktionen af udskåret træ, der præsenterede skarpe og uregelmæssige konturer, ofte håndlavet, men undertiden lavet med maskiner. Møblerproducenter producerede stykker til alle tænkelige anvendelser: senge, lænestole, spiseborde og stole, skabe, sidelæns og lysestager. De svulmende kurver af designene blev ofte fodret med den naturlige vene af træet og blev ofte permanent installeret som vægpaneler og lister.
I Frankrig inkluderede de vigtigste designere af Art Nouveau Louis Majorelle, Emile Galle og Eugène Vallin, alle med base i Nancy, og Tony Selmersheim, Édouard Colonna og Eugène Gaillard, der arbejdede i Paris, de to sidste specifikt for Siegfried Store Bing kaldet L. 'Art Nouveau, og giver derefter hele bevægelsen sit mest almindelige navn.
Designer's møbler - Louis Majorelle Art Nouveau
I Belgien kan cervikale whiplash-linjen og de mest kantede og reserverede konturer ses i design af Gustave Serrurier-Bovy og Henry Van de Velde, der beundrede værkerne fra de engelske kunstnere i kunst og håndværk. Italienerne Alberto Bugatti og Augustino Lauro var velkendte for deres indtrængen i stilen der. Mange af disse designere bevægede sig frit blandt medierne, hvilket ofte gjorde dem vanskelige at kategorisere: Majorelle, for eksempel, fremstillede deres egne træmøbeldesign og åbnede en hestesko, der smelter,
Alberto Bugatti Furniture Art Nouveau
Art Nouveau -maleri og High Arts
Få stilarter kan hævde at være repræsenteret i næsten alle former for visuelle og materielle medier så komplette som Art Nouveau. Foruden dem, der hovedsageligt arbejdede inden for grafik, arkitektur og design, har Art Nouveau nogle fremragende repræsentanter i maleriet, såsom secessionist for Wien Gustav Klimt, kendt af Hope II og The Kiss (begge 1907-08), og Victor Prouvé i Frankrig.
Hope II af Klimt - Art Nouveau
Men Art Nouveaus malere var få og fjerne fra hinanden: Klimt havde praktisk talt ikke studerende eller tilhængere (Egon Schiele var i ekspressionismens retning), og Prouvé er lige så kendt som en billedhugger og møbeldesigner. På den anden side kan det siges, at Art Nouveau var ansvarlig, mere end nogen anden stil i historien, for at reducere kløften mellem dekorativ kunst eller anvendt på utilitaristiske genstande og den fint dekorative kunst af maleri, skulptur og arkitektur, kunst, der havde traditionelt været betragtet som vigtigere, reneste udtryk for talent og kunstneriske færdigheder, idet de kunne diskuteres, hvis dette hul blev lukket fuldstændigt.
Victor Prouvé Art Nouveau -tegning
Art Nouveau smykker og glasvarer
Art Nouveau's luksus omdømme var også tydeligt for sin udnyttelse af nogle af de mest kendte glasartister i historien. Emile Galle, Daum -brødrene, Tiffany og Jacques Gruber fandt først berømt, i det mindste delvist, gennem deres Art Nouveau -glas og deres anvendelser i mange utilitaristiske former. Virksomhederne i Galleé og Daum etablerede deres omdømme inden for vasedesign og glasskunst, idet de var pionerer i nye teknikker i syreoptagede stykker, hvis svage og velformede overflader, der syntes at strømme mellem gennemskinnelige toner ubesværet.
Daum og Tiffany Brothers udnyttede også de kunstneriske muligheder for glas til utilitaristiske formål, såsom lampeskærme og desktop redskaber. Både Tiffany og Jacques Gruber, der havde trænet i Nancy med Daum -brødrene i smykker, samt René Lalique, Louis Comfort Tiffany og Marcel Wolfers, skabte nogle af de mest dyrebare stykker af århundredets skift, der producerer alt fra øreringe Til halskæder, armbånd og broscher og sikrer således, at Art Nouveau altid ville være forbundet med slut-luksus af Siècle, på trods af håb om, at hans allestedsnærværende kunne gøre det universelt tilgængeligt.
Virksomhedsidentitet hos Art Nouveau
Art Nouveau sprang til berømmelse på samme tid som detailsalg udvidede for at tiltrække et virkelig massivt publikum. Han havde en fremragende plads i mange af de vigtigste bymæsgelige stormagasiner, der blev oprettet i slutningen af det 19. århundrede, inklusive Samaritaine i Paris, Wertheim's i Berlin og Magasins Resunis i Nancy.
Derudover blev det aggressivt markedsført af nogle af datidens mest berømte designpunkter, startende med L'Art Nouveau -butikken i Siegfried Bing i Paris, som forblev en bastion af formidlingen af stilen indtil dens lukning i 1905 lidt efter Bing's død. Hans var langt fra at være den eneste butik i byen, der specialiserede sig i interiør og møbler Art Nouveau.
I mellemtiden var Liberty & Co. den vigtigste distributør af stilobjekter i Storbritannien og Italien, hvor navnet på frihed som et resultat næsten blev synonymt med stil.
Liberty & Co - Art Nouveau
Mange designere Art Nouveau blev berømt og arbejdede udelukkende for disse detailhandlere, før de bevægede sig i andre retninger. Arkitekten Peter Behrens designede for eksempel praktisk talt alt fra tekande til bogomslag, reklameplakater, interiør af udstillingspaviljonder, redskaber og møbler og blev til sidst den første industrielle designer, da han i 1907 var ansvarlig for hele designarbejdet for AEG, den tyske elektriske general.
Indflydelsen af Art Nouveau på kultur: hvad der kom efter
Hvis Art Nouveau hurtigt tog overfaldet på Europa i de sidste fem år af det nittende århundrede, opgav kunstnere, designere og arkitekter ham hurtigt i det første årti af det tyvende århundrede.
Selvom mange af dens praktikere havde gjort læren "Formen skal følge til funktionen" centrum for deres etos, havde nogle designere en tendens til at være luksuriøse i brugen af dekoration, og stilen begyndte at blive kritiseret for at være for detaljeret. På en måde, som den stil modne, begyndte den at vende tilbage til de samme vaner, som den havde foragtet, og et stigende antal modstandere begyndte at bekræfte, at den gamle mand i stedet for at fornye designet simpelthen havde ændret sig for det overfladiske nye. Selv ved hjælp af nye masseproduktionsmetoder forhindrede intensivt håndværk involveret i meget af Art Nouveau -designet det i at blive virkelig tilgængeligt for et massepublikum, som dets eksponenter oprindeligt havde forventet, at det kunne være. I nogle tilfælde, som i Darmstadt, forhindrede LAX International Copyright -love også kunstnere i at drage fordel af deres design.
Art Nouveau -foreningen med udstillingerne bidrog også snart til dens ruin. For at starte med var de fleste af messen bygninger midlertidige strukturer, der blev revet umiddelbart efter afslutningen af begivenheden. Men hvad der er mere vigtigt, udstillingerne i sig selv, selvom de blev holdt under påskud af at fremme international uddannelse, forståelse og fred, havde en tendens til at fodre rivaliseringen og konkurrencen mellem nationer på grund af den iboende komparative karakter af udstillingen. Mange lande, herunder Frankrig og Belgien, betragtede Art Nouveau som potentielle kandidater til titlen "National Style", i betragtning af beskyldningerne om udenlandske oprindelser eller undergravende politiske nuancer af Art Nouveau, for eksempel i Frankrig Designere belgiere og tyske købmænd, og nogle gange var det den stil, der blev brugt i socialistiske bygninger, der vendte tilbage til den offentlige mening mod ham. Med nogle bemærkelsesværdige undtagelser, hvor han nød en engageret cirkel af lokale sponsorer dedikeret, var Art Nouveau i 1910 forsvundet fra det europæiske designpanorama næsten fuldstændigt.
Fra Werkstätete til Art Deco
Art Nouveau's død begyndte i Tyskland og Østrig, hvor designere som Peter Behrens, Josef Hoffmann og Koloman Moser begyndte at indtage en mere ædru og mere alvorlig æstetik, gruppen kendt som Wiener Werkstätte, hvis præference for markant vinkel- og retlinet form huskede en Mere præcis, industriel inspiration, som udeladte enhver reference, der er åben for naturen.
Denne grunde til maskinlavede designkvaliteter blev understreget i 1907 af to nøglebegivenheder: installationen af Behrens som leder af hele virksomhedsdesignet af AEG, fra bygninger til produkter og reklame, hvilket gør det til den første industrielle designer i verden; og det tyske Werkbund Foundation, den formelle alliance mellem industrialister og designere, der i stigende grad forsøgte at definere et system af typer produkter baseret på standardisering. Kombineret med en ny respekt for klassisismen og inspireret af den universelle Chicago -udstilling i 1893 og den officielle velsignelse af byens smukke bevægelse i USA, ville denne æstetiske inspireret af maskiner til sidst udvikle sig efter første verdenskrig, i den stil, som vi nu Ring sent Art Deco.
Dens rent kommercielle karakter blev udtrykt mere kortfattet i den internationale udstilling des Arts Decoraratifs et Industries Modernes i Paris i 1925, begivenheden, der i 1960'erne ville give sit navn til The Art Deco. Kombineret med en ny respekt for klassisismen, inspireret af Chicago Universal -udstillingen i 1893 og den officielle velsignelse af byens smukke bevægelse i USA, ville denne æstetiske inspireret af maskiner til sidst udvikle sig efter første verdenskrig, i den stil, som vi nu kalder sent Art Deco.
Postmoderne påvirkning af kunst Nouveau
På trods af hans korte liv ville Art Nouveau være indflydelsesrig i 1960'erne og 1970'erne for designere, der ønskede at frigøre sig fra restriktive, stramme, upersonlige og stadig mere minimalistiske æstetik, der hersket i grafisk kunst. De lineære egenskaber ved fri og ukontrolleret strøm af Art Nouveau blev en inspiration for kunstnere som Peter Max, hvis evokation af en alternativ psykedelisk og drømmeoplevelse husker den fantasifulde, flygtige og fri æstetiske verden af fri strøm i begyndelsen af århundrede.
Genkendet fra begyndelsen som et vigtigt skridt i udviklingen af modernismen både inden for kunst og arkitektur, i dag forstås Art Nouveau som en overgangsbro mellem kunstneriske perioder og er et udtryk for stil, ånd og intellektuel tænkning på et bestemt tidspunkt ramme, fokuseret omkring århundredets tilbagevenden, i 1900. I sin søgning efter at etablere en virkelig moderne æstetik Nouveau Det blev det endelige visuelle sprog i et flygtigt øjeblik på den tid.
Kuadros ©, en berømt maling på din væg.
