Begyndelserne af Art Nouveau
Fremkomsten af Art Nouveau - bogstaveligt "Ny Kunst" - kan tilskrives to forskellige indflydelser: den første var introduktionen, omkring 1880, af den britiske bevægelse Arts and Crafts, som, ligesom Art Nouveau, var en reaktion mod det kaotiske design og kunstneriske sammensætninger af dekoration fra den victorianske æra.
Den anden var den nuværende mode for japansk kunst, især træsnit, som væltede mange europæiske kunstnere i 1880'erne og 1890'erne, herunder kunstnere som Gustav Klimt, Emile Gallé og James Abbott McNeill Whistler. De japanske træsnit, især, indeholdt blomster- og pæreformede former samt "pisk"-kurver, som alle er nøgleelementer i det, der til sidst ville blive Art Nouveau.
Art Nouveau japansk - Bølgen af Katsushika Hokusai
Det er svært at pege på de første kunstværker, der officielt lancerede Art Nouveau. Nogle hævder, at de trykte, flydende linjer og de blomsterdekorerede baggrunde, der findes i malerierne af Vincent van Gogh og Paul Gauguin, repræsenterer fødslen af Art Nouveau, eller måske endda de dekorative litografier af Henri de Toulouse-Lautrec, som Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Imidlertid peger de fleste på urspringerne af de dekorative kunsten, og især på omslaget til en bog af arkitekten og den engelske designer Arthur Heygate Mackmurdo for bindet af 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: tilskrevet som den første repræsentation af Art Nouveau
Bogs design viser snoede blomsterstængler, der strækker sig fra et fladt blok i bunden af siden, hvilket klart minder om japansk træsnit.
Art Nouveau-udstillinger
Art Nouveau var ofte mere iøjnefaldende på internationale udstillinger under sin storhedstid. Den nye stil nød et centralt scenarie på fem særlige messer: de Expositions Universelles i 1889 og 1900 i Paris; Tervueren-udstillingen i 1897 i Bruxelles, hvor Art Nouveau i høj grad blev brugt til at vise mulighederne for håndværk med de eksotiske træsorter fra Belgisk Congo; den internationale udstilling for moderne dekorative kunst i Torino 1902; og den internationale udstilling i øst Frankrig i 1909 i Nantes.
På hver af disse messer var stilen dominerende i form af de præsenterede dekorative kunstarter og arkitektur, og i Torino i 1902 var Art Nouveau virkelig den valgte stil for praktisk talt alle designere og alle repræsenterede nationer, udelukkende af enhver anden.
Plakat for den Internationale Udstilling for Moderne Dekorativ Kunst
Art Nou
veau: en kunstnerisk strøm med tusinde navne
Siegfried Bing, en tysk købmand og kender af japansk kunst bosat i Paris, åbnede en butik kaldet L'Art Nouveau i december 1895, som blev en af de førende leverandører af stilen inden for møbler og dekorative kunstarter. På kort tid blev navnet på butikken synonymt med stilen i Frankrig, Storbritannien og USA. Dog betød den store popularitet af Art Nouveau i Vesteuropa og Centraleuropa, at den havde flere forskellige navne. I de tysktalende lande blev den generelt kaldt Jugendstil (ungdomstil), taget fra et tidsskrift fra München kaldet Jugend, der populariserede den. I mellemtiden blev den i Wien, hjemsted for Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann og de øvrige grundlæggere af Wien-secesjonen, kendt som Sezessionsstil (secessionsstil).
Den blev også kendt som Modernisme på spansk, Modernisme på katalansk og Stile Floreale (blomsterstil) eller Stile Liberty i Italien, sidstnævnte opkaldt efter Arthur Libertys stofbutik i London, som hjalp med at popularisere stilen. I Frankrig blev den almindeligt kaldt Style Moderne og lejlighedsvis Style Guimard til ære for sin mest berømte udøver der, arkitekten Hector Guimard, mens den i Nederlandene ofte kaldes Nieuwe Kunst (Ny Kunst).
Det skal bemærkes, at dens talrige modstandere også gav den flere nedladende navne: Style Nouille (nudelstil) i Frankrig, Paling Stijl (ålestil) i Belgien og Bandwurmstil (bandestil) i Tyskland, alle navne, der legede med Art Nouveaus tilbøjelighed til at benytte bølgende og flydende linjer.
Art Nouveau: begreber, stilarter og tendenser
Udbredelsen af Art Nouveau i slutningen af det 19. århundrede må delvist forklares med mange kunstneres brug af populære og let reproducerbare former, der findes i grafik. I Tyskland trykte Jugendstil-kunstnere som Peter Behrens og Hermann Obrist deres arbejde på bogomslag og udstillingskataloger, magasinannoncer og plakater.
Men denne tendens var langt fra begrænset til Tyskland. Den engelske illustrator Aubrey Beardsley, måske den mest kontroversielle figur inden for Art Nouveau for sin kombination af det erotiske og makabre, skabte en række plakater i sin korte karriere, der benyttede lette og rytmiske linjer. De højt dekorative tryk af Beardsley, såsom The Peacock Skirt(1894), var både dekadente og enkle, og de repræsenterer det mest direkte bånd, vi kan identificere mellem Art Nouveau og japonisme / Ukiyo-e tryk.
Den påfugleskørt af Aubrey Beardsley - Art Nouveau
I Frankrig populariserede plakaterne og den grafiske produktion fra Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen og nogle andre den luksuriøse og dekadente livsstil fra belle époque, cirka perioden mellem 1890-1914, generelt forbundet med det skræmmende kabaretdistrikt Montmartre i det nordlige Paris.
Deres grafiske værker benyttede nye kromolitografiske teknikker til at promovere alt fra nye teknologier som telefoner og elektriske lamper til barer, restauranter, natklubber og endda individuelle kunstnere, og de frembragte energien og vitaliteten fra det moderne liv. I processen hævede de snart plakaten fra rækkerne af fodgængerannoncer til den høje kunst.
Den modernistiske arkitektur af Art Nouveau
Ud over de grafiske og visuelle kunstarter skal enhver seriøs diskussion om Art Nouveau overveje arkitekturen og dens store indflydelse på den europæiske kultur. I urbane centre som Paris, Bruxelles, Glasgow, Torino, Barcelona, Antwerpen og Wien, såvel som i mindre byer som Nancy og Darmstadt, sammen med steder i Østeuropa som Riga, Prag og Budapest, dominerede Art Nouveau-arkitektur i høj grad, både i størrelse og udseende, og den er stadig synlig i dag i så varierede strukturer som små rækkehuse til store institutionelle og kommercielle bygninger. Især i arkitektur blev Art Nouveau udstillet i en bred vifte af sprog.
Mange bygninger indeholder en prodig brug af terracotta og farverige fliser. Den franske keramiker Alexandre Bigot blev for eksempel berømt i vid udstrækning gennem produktion af terracotta dekorationer til facader og skorstene i parisisk bolig- og lejlighedsbyggeri. Andre Art Nouveau-strukturer, især i Frankrig og Belgien, hvor Hector Guimard og Victor Horta var vigtige udøvere, viser de teknologiske muligheder med jernstrukturer forbundet med glasskiver.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
I mange områder af Europa var den boligmasonske Art Nouveau karakteriseret ved lokale sten, som gul kalksten eller en rustikal, klippesten-æstetik med træbeslag. Og i flere tilfælde blev en skulpturel hvid stucco-hud brugt, især i Art Nouveau-bygninger, der blev brugt til udstillinger, såsom pavillionerne på den verdensomspændende udstilling i Paris i 1900 og Secession-bygningen i Wien. Selv i USA betragtes de vegetabilske former, der pryder Louis Sullivans skyskrabere, som Wainwright-bygningen og Chicago Stock Exchange, ofte blandt de bedste eksempler på det brede arkitektoniske spænd af Art Nouveau.
Den bue, der er tilbage fra Chicago Stock Exchange - Art Nouveau
Møbler i Art Nouveau-stil og indretningsdesign
Ligesom de stilistiske renæssancer og Arts and Crafts-bevægelsen var Art Nouveau nært forbundet med indretning lige så meget som udtalt i de udvendige facader. Også ligesom disse andre stilarter fra det 19. århundrede stræbte Art Nouveau-interiører også efter at skabe et harmonisk og sammenhængende miljø uden at efterlade nogen overflade intakt. Møbel design indtog en central placering i denne henseende, især i produktionen af træskærerskaber, der præsenterede spidse og uregelmæssige konturer, ofte lavet i hånden, men nogle gange maskinfremstillede. Møbelproducenter producerede stykker til alle tænkelige anvendelser: senge, lænestole, spiseborde og -stole, skabe, skænk og lysestager. De bølgende kurver af designene trak ofte på træets naturlige årer og blev ofte permanent installeret som vægpaneler og lister.
I Frankrig omfattede de førende Art Nouveau-designere Louis Majorelle, Emile Gallé og Eugène Vallin, alle baseret i Nancy, samt Tony Selmersheim, Édouard Colonna og Eugène Gaillard, der arbejdede i Paris, de to sidstnævnte specifikt for butikken L'Art Nouveau af Siegfried Bing, hvilket gav hele bevægelsen sit mest almindelige navn.
Møbel fra designeren - Louis Majorelle Art Nouveau
I Belgien kan den bølgende linje og de mere vinklet og reserverede konturer ses i designs fra Gustave Serrurier-Bovy og Henry van de Velde, som beundrede værkerne fra de engelske Arts & Crafts-kunstnere. De italienske Alberto Bugatti og Augustino Lauro var også godt kendt for deres indtrængen i stilen dér. Mange af disse designere bevægede sig frit mellem medierne, hvilket ofte gjorde dem svære at kategorisere: Majorelle, for eksempel, fremstillede sine egne træmøbel designs og åbnede et smedeværk,
Alberto Bugatti Møbler Art Nouveau
Maleri Art Nouveau og de høje kunstarter
Få stilarter kan hævde at være repræsenteret i næsten alle former for visuelle medier og materialer så fuldstændigt som Art Nouveau. Ud over dem, der primært arbejdede med grafik, arkitektur og design, har Art Nouveau nogle fremtrædende repræsentanter inden for maleri, som secessionisten fra Wien Gustav Klimt, kendt for Hope II og The Kiss (begge fra 1907-08), og Victor Prouvé i Frankrig.
La Esperanza II de Klimt - Art Nouveau
Men malerne af Art Nouveau var få og langt imellem: Klimt havde næsten ingen studerende eller tilhængere (Egon Schiele trak i retning af ekspressionismen), og Prouvé er lige så kendt som skulptør og møbeldesigner. I stedet kan det siges, at Art Nouveau var ansvarlig, mere end nogen anden stil i historien, for at mindske kløften mellem de dekorative eller anvendte kunster til nyttige genstande og de skønne kunster eller ren ornamentale maleri, skulptur og arkitektur, kunster, der traditionelt blev anset for vigtigere, renere udtryk for talent og kunstneriske færdigheder, selvom det er diskutabelt, om denne kløft er blevet lukket helt.
Tegning af Victor Prouvé Art Nouveau
Smykker og glasarbejde Art Nouveau
Den luksuriøse rygte af Art Nouveau var også tydelig gennem dens udnyttelse af nogle af de mest kendte glaskunstnere i historien. Emile Gallé, Daum-brødrene, Tiffany og Jacques Gruber fandt først berømmelse, i det mindste delvist, gennem deres Art Nouveau-glas og dets anvendelser i mange nyttige former. Gallé og Daums firmaer etablerede deres omdømme med designs af vaser og glas kunst, og var pionerer i nye teknikker i syreindsyngede stykker, hvis bløde, snoede former så ud til at flyde mellem gennemsigtige nuancer med lethed.
Daum-brødrene og Tiffany udnyttede også de kunstneriske muligheder i glas til nyttige formål, såsom lampeafskærmninger og kontorartikler. Både Tiffany og Jacques Gruber, der havde lært i Nancy hos Daum-brødrene i smykker, samt René Lalique, Louis Comfort Tiffany og Marcel Wolfers, skabte nogle af de mest skattede stykker fra århundredeskiftet og producerede alt fra øreringe til halskæder, armbånd og brocher, hvilket sikrede, at Art Nouveau altid ville være forbundet med fin- luxe fra århundredeskiftet, på trods af håbet om, at dens udbredelse kunne gøre det universelt tilgængeligt.
Den korporative identitet i Art Nouveau
Art Nouveau sprang til berømmelse samtidig med at detailhandelen ekspanderede for at tiltrække et reelt massivt publikum. Det havde en fremtrædende plads i mange af de førende bymæssige stormagasiner, der blev etableret i slutningen af det 19. århundrede, herunder La Samaritaine i Paris, Wertheim's i Berlin og Magasins Reunis i Nancy.
Desuden blev det aggressivt markedsført af nogle af de mest berømte designbutikker af tiden, begyndende med butikken L'Art Nouveau af Siegfried Bing i Paris, som forblev et tilholdssted for udbredelsen af stilen indtil sin lukning i 1905, kort efter Bings død. Hans butik var langt fra den eneste i byen, der specialiserede sig i Art Nouveau-interiører og møbler.
I mellemtiden var Liberty & Co. den primære distributør af stilens genstande i Storbritannien og Italien, hvor navnet Liberty således næsten blev synonymt med stilen.
Liberty & Co - Art Nouveau
Mange Art Nouveau-designere blev berømte ved at arbejde eksklusivt for disse detailhandlere, før de bevægede sig i andre retninger. Arkitekten Peter Behrens designede for eksempel stort set alt fra tepotter til bogomslag, reklameplakater, indretningsdesign af udstillingspaviljoner, køkkenredskaber og møbler, og blev til sidst den første industrielle designer, da han i 1907 var ansvarlig for al designarbejde for AEG, den tyske General Electric.
Indflydelsen af Art Nouveau på kulturen: hvad der kom efter
Hvis Art Nouveau hurtigt tog Europa med storm i de sidste fem år af det 19. århundrede, forlod kunstnere, designere og arkitekter det med samme hastighed i det første årti af det 20. århundrede.
Selvom mange af dens udøvere havde gjort doktrinen "formen skal følge funktionen" centralt i deres ethos, havde nogle designere en tendens til at være overdådige i brugen af dekoration, og stilen begyndte at blive kritiseret for at være for omfattende. På en måde, efterhånden som stilen modnede, begyndte den at vende tilbage til de samme vaner, den havde foragtet, og et stigende antal modstandere begyndte at hævde, at den, snarere end at forny design, blot havde ændret det gamle til noget overfladisk nyt. Selv ved at bruge nye masseproduktionsmetoder forhindrede det håndværk, der var involveret i meget af Art Nouveau-design, at det reelt kunne blive tilgængeligt for et massivt publikum, som dens udøvere oprindeligt havde håbet på. I nogle tilfælde, som i Darmstadt, forhindrede de slap internationale ophavsretter også kunstnere i at få økonomisk fordel af deres designs.
Art Nouveau's tilknytning til messer bidrog også snart til dens undergang. For det første var de fleste messebygninger midlertidige strukturer, der blev revet ned umiddelbart efter afslutningen af arrangementet. Men vigtigere var, at messerne i sig selv, selvom de blev afholdt under påskud af at fremme uddannelse, international forståelse og fred, havde en tendens til at nære rivalisering og konkurrence mellem nationerne på grund af den indbyggede sammenlignende natur af udstillingen. Mange lande, herunder Frankrig og Belgien, betragtede Art Nouveau som potentielle kandidater til titlen "national stil", og der blev rejst anklager om udenlandske oprindelser eller subversive politiske nuancer af Art Nouveau, som for eksempel i Frankrig blev det på forskellige måder associeret med belgiske designere og tyske handlende, og blev nogle gange stilen, der blev brugt i socialistische bygninger, hvilket vendte offentligheden imod det. Med nogle bemærkelsesværdige undtagelser, hvor det nød en dedikeret cirkel af lokale sponsorer, var Art Nouveau i 1910 næsten helt forsvundet fra den europæiske designscene.
Fra Wiener Werkstätte til Art Deco
Døden af Art Nouveau begyndte i Tyskland og Østrig, hvor designere som Peter Behrens, Josef Hoffmann og Koloman Moser begyndte at adoptere en mere sober og strengt geometrisk æstetik allerede i 1903. Dette år grundlagde mange designere, der tidligere var tilknyttet Wien-secesjonen, det kollektive kendt som Wiener Werkstätte, hvis præference for markant vinklet og rektangulær former mindede om en mere præcis, industriel-inspireret æstetik, der udelod enhver åben reference til naturen.
Denne genstandgørelse af de maskinfremstillede designkvaliteter blev understreget i 1907 af to vigtige begivenheder: installationen af Behrens som ansvarlig for hele det forretningsmæssige design for AEG, fra bygninger til produkter og reklame, hvilket gjorde ham til verdens første industrielle designer; og grundlæggelsen af den tyske Werkbund, den formelle alliance mellem industrielle og designere, der forsøgte i stigende grad at definere et system af produkttyper baseret på standardisering. I kombination med en ny respekt for klassicismen og inspireret delvist af den verdensomspændende udstilling i Chicago i 1893 og med den officielle velsignelse fra City Beautiful-bevægelsen i USA, ville denne maskin-inspirerede æstetik udvikle sig efter Første Verdenskrig til den stil, som vi nu sent kalder Art Deco.
Dens tydeligt kommercielle karakter blev mere kortfattet udtrykt i Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes i Paris i 1925, det arrangement, der i 1960'erne ville give det navn til Art Deco. I kombination med en ny respekt for klassicismen, inspireret delvist af den verdensomspændende udstilling i Chicago i 1893 og med den officielle velsignelse fra City Beautiful-bevægelsen i USA, udviklede denne maskin-inspirerede æstetik sig senere efter Første Verdenskrig til den stil, som vi nu sent kalder Art Deco.
Postmoderne indflydelser fra Art Nouveau
På trods af sin korte levetid ville Art Nouveau være indflydelsesrig i 1960'erne og 1970'erne for designere, der ønskede at frigøre sig fra den begrænsende, austere, upersonlige og stadigt mere minimalistiske æstetik, der prægede grafikken. De lineære kvaliteter af frit flydende og ukontrollerede Art Nouveau blev en inspiration for kunstnere som Peter Max, hvis evocation af en alternativ, psykedelsk og drømmende oplevelse minder om den imaginative, flygtige og frit flydende æstetik fra begyndelsen af århundredet.
Og altid anerkendt fra begyndelsen som et vigtigt skridt i udviklingen af modernismen både i kunst og arkitektur, forstås Art Nouveau i dag mindre som en overgangsbro mellem kunstneriske perioder og mere som et udtryk for stil, ånd og intellektuel tænkning inden for en bestemt tidsramme, centreret omkring århundredeskiftet, i 1900. I sin søgen efter at etablere en ægte moderne æstetik blev Art Nouveau det definerende visuelle sprog for et flygtigt øjeblik af tiden.
KUADROS ©, et berømt maleri på din væg.
