Grundlaget for kunsthistorie går tilbage til titusinder af år til, da gamle civilisationer brugte teknikkerne og de tilgængelige midler til at repræsentere et kulturelt betydningsfuldt tema. Fra disse første eksempler har de fulgt en masse kunstneriske bevægelser, hver med deres egne forskellige stilarter og egenskaber, der afspejler den politiske og sociale indflydelse fra den periode, de opstod.
Hvad betyder fauvisisme, og hvad er konceptuel kunst? At tale om kunst virker som en disciplin i sig selv, og hvis du er ny i kunstverdenen, har du sandsynligvis mange spørgsmål, især om hver bevægelse i kunst og forskellige typer kunst.
De indflydelsesrige kunstgenrer, fra renæssancen til fremkomsten af modernismen, har utvivlsomt efterladt deres præg i historien.
Når vi har de klare begreber om historie og vigtigheden af dens kunstneriske bevægelser, vil vi have en klarere forståelse af, hvordan berømte kunstnere som Van Gogh, Picasso og Warhol revolutionerede kunstverdenen.
Kadros har lavet en liste over de vigtigste bevægelser for dig.
Nr. 1 Italiensk renæssance (1400–1550)
Nogle eksponenter: Giberti Doors, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel ángel, Rafael.
Mot slutningen af det fjortende århundrede d. C., en håndfuld italienske tænkere erklærede, at de boede i en ny æra. Barbara, ikke oplyst "middelalder" var forbi; Den nye ville være en "rinincità" ("renæssance") af læring og litteratur, kunst og kultur. Dette var fødslen af den periode, der nu blev kendt som renæssancen. I århundreder er lærde enige om, at den italienske genfødsel (et andet ord for "genfødsel") skete nøjagtigt på den måde: at mellem det fjortende og det syttende århundrede, en ny og moderne måde at tænke på verden og menneskets sted i det Han erstattede de gamle ideer. Faktisk deler mange af de videnskabelige, kunstneriske og kulturelle resultater af den såkaldte renæssance almindelige spørgsmål, især den humanistiske tro på, at mennesket var centrum for sit eget univers.
Den italienske renæssance i kontekst Italien i det femtende århundrede var forskellig fra ethvert andet sted i Europa. Det blev opdelt i uafhængige bystater, hver med en anden form for regering. Firenze, hvor den italienske genfødsel begyndte, var en uafhængig republik. Det var også en bank og kommerciel kapital og efter London og Konstantinopel den tredje største by i Europa. De rige Florentines flaunted deres penge og for at være i stand til at blive protektor eller tilhængere af kunstnere og intellektuelle. På denne måde blev byen det kulturelle centrum af Europa og renæssancen.
Det kan siges, at renæssancen blev opdelt i to dele:
Under den tidlige genfødsel begyndte kunstnere at afvise den byzantinske stil med religiøst maleri og kæmpede for at skabe realisme i deres repræsentation af menneskelig form og rum. Dette mål mod realisme begyndte med Cimabue og Giotto og nåede sit højdepunkt i kunsten at "perfekte" kunstnere, såsom Andrea Mantegna og Paolo Uccello. Mens religion var et vigtigt element i dagligdagen for de mennesker, der boede under renæssancen, ser vi også en ny rute åben for gisp: Det mytologiske tema. Mange lærde påpeger Fødslen af Venus af Botticelli som det første panelmaleri af en mytologisk scene.
Den periode, der er kendt som den høje genfødsel, repræsenterer kulminationen af målene for den tidlige genfødsel. De bedst kendte kunstnere i denne fase er Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano og Miguel ángel. Hans malerier og friske er blandt de bedst kendte kunstværker. Den sidste nadver Da Vinci, Athen -skolen Rafael og malerierne af taget af det sixtinske kapel i Miguel ángel er mesterværkerne i denne periode og legemliggør elementerne i den høje renæssance.
Køb en reproduktion af Lisa Mona i online butikken i Kadros
No.2 Barocco (1600–1750)
Nogle eksponenter: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Det barokke udtryk stammer i sidste ende fra det italienske ord Barocco, som filosofer brugte i middelalderen til at beskrive en hindring i skematisk logik. Derefter kom ordet til at betegne enhver snoet idé eller tankegang, der var involveret. En anden mulig kilde er det barokke portugisiske ord (spansk Barrueco), der bruges til at beskrive en uregelmæssig eller ufuldkommen perle, og denne anvendelse overlever stadig i juvelerens barokke perleperi. Barokken er en bevægelse inden for kunst og arkitektur udviklet i Europa fra begyndelsen af det syttende århundrede indtil midten af -18. århundrede. Det understreger den dramatiske og overdrevne bevægelse og den klare og lette at fortolke detaljer, som er langt fra surrealisme, for at producere drama, spænding, begejstring og storhed.
De første manifestationer, der fandt sted i Italien, stammer fra de sidste årtier af det 16. århundrede, mens i nogle regioner, især i Tyskland og Colonial Sydamerika, forekom visse kulminerende resultater af barokken først i det 18. århundrede.
Kunstnerne fortsatte med at genoplive idealerne om renæssancens skønhed, hvilket indførte værkerne med kunst, musik og arkitektur i det tidspunkt, hvor et Wink genoplivede til klassisismen endnu mere forbedret af en ny sprudlende ekstravagance og tilbøjelighed til det udsmykkede. Denne meget pyntede stil blev opfundet som en barok og var kendetegnet ved dens innovative teknikker og detaljer, der tilbyder et nyt og frodigt visuelt sprog i det, der havde været en relativt svækket periode for kunst. Den barokke spredte sig over hele Europa, der hovedsageligt blev instrueret af paven i Rom og de katolske herskere i Italien, Frankrig, Spanien og Flandern. Det spredte sig endnu mere med magtfulde religiøse ordrer gennem sit omfattende netværk af klostre og kloster. Stilen udvides hurtigt til Frankrig, Norditalien, Spanien og Portugal, derefter til Østrig og det sydlige Tyskland.
Den barokke stil, der udviklede sig fra dette program, var paradoksalt nok sensuel og åndelig; Mens en naturalistisk behandling fik det religiøse image til at være mere tilgængelig for den gennemsnitlige sognebarn, blev dramatiske og illusoriske effekter brugt til at stimulere fromhed og hengivenhed og overføre et indtryk af den guddommelige pragt. Tagene i de barokke kirker opløst i malede scener, der præsenterede levende visioner om uendeligheden til observatøren og rettede sanserne mod de himmelske bekymringer.
Mens temaet og endda stilen kan variere mellem barokke malerier, har de fleste af stykkerne i denne periode en almindelig ting: drama. I arbejdet af malere, der er kendt som Caravaggio og Rembrandt, interesse for drama materialiseres som intense kontraster mellem strålende lys og forestående skygger.
Den store lærer i den katolske region, stort set styret af spanierne, var maleren Peter Paul Rubens, hvis stormfulde diagonale sammensætninger og brede figurer af komplet blod er indbegrebet af barok maling. De elegante portrætter af Anthony Van Dyck og de robuste figurative værker af Jacob Jordaens emulerede eksemplet med Rubens. Kunst i Holland blev konditioneret af den realistiske smag af deres dominerende middelklasse -mønstre, og derfor forblev både den utallige genre og landskabsmalerne i dette land og de imponerende lærere som Rembrandt og Frans Hal . Den barokke havde imidlertid en bemærkelsesværdig indflydelse på England, især i de kirker og paladser, der blev designet af henholdsvis Sir Christopher Wren og Sir John Vanbruch.
Ligesom statuerne af renæssancen, inklusive den ikoniske David fra Miguel ángel, var de barokke skulpturer ofte bestemt til at dekorere majestætiske bygninger. De blev også bestilt til andre store scenarier, såsom interiør i gyldne kirker og ægte haver.
Den sidste barokblomstring var stort set katolsk romersk i det sydlige Tyskland og Østrig, hvor indfødte arkitekter adskilte sig fra italienske konstruktionsmodeller i 1720'erne.
Køb en gengivelse af Meninas i online butikken i Kadros
No.3 Realisme (1848–1900)
Nogle eksponenter: Corot, domstol, Daumier, hirse.
Realisme, i kunsten, den nøjagtige, detaljerede repræsentation og uden ornamenter af natur eller nutidig liv. Realisme afviser den fantasifulde idealisering til fordel for en tæt observation af eksterne optrædener. Som sådan har realisme i sin brede forstand dækket mange kunstneriske strømme i forskellige civilisationer. I billedkunst kan for eksempel realisme findes i de gamle hellenistiske græske skulpturer, der nøjagtigt fremstiller boksere og gamle afvigelser. Værkerne fra malere fra det 17. århundrede som Caravaggio, malerne af den hollandske genre, de spanske malere José de Ribera, Diego Velázquez og Francisco de Zurbarán og brødrene Le Nain i Frankrig er realistisk tilgang. Værkerne fra de engelske forfattere fra det 18. århundrede Daniel Defoe, Henry Fielding og Tobias Smollett kan også kaldes realistiske.
Realisme opstod i Frankrig i 1850'erne. Umiddelbart efter 1848 -revolutionen introducerede en begivenhed, der etablerede "retten til arbejde" i landet som anstændige kunstneriske temaer.
Realisme strækkede sig over hele Europa, fra Rusland af Alejandro II til Storbritannien i dronning Victoria, fra Guillermo I -tysklandet til Risorgimento -Italien og fra Habsburgs imperium til Skandinavien og lande ud over. Året 1855 var signifikant i oprettelsen af realisme i Europa.
Gustave -coubet Det betragtes ofte som hovedfiguren af realisme. Han lagde grundlaget for bevægelsen i 1840'erne, da han begyndte at fremstille bønder og arbejdere. Det faktum, at Courbet ikke glorificerede dem, men at han frimodigt præsenterede dem og skabte en voldelig reaktion i kunstverdenen alvorligt.
Courbet's stil og udstedte arbejde blev bygget i et felt, der allerede var brudt af malerne på Barbizon -skolen. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet og andre i de tidlige 1830'ere blev oprettet i den franske by Barbizon med det formål at trofast gengive landskabets lokale karakter.
Billedrealisme uden for Frankrig var måske bedre repræsenteret i det 19. århundrede i USA. Der er de magtfulde og udtryksfulde malerier af Winslow Homer om marine problemer og portrætter, navigationsscener og andre værker af Thomas Eakins Frank, uattraktive og meget observerede optegnelser over det moderne liv. Realisme var en anden strøm i kunsten i det tyvende århundrede og blev generelt afledt af kunstnerens ønske om at præsentere mere oprigtige, oprigtig .
De uslebne, skitserede, næsten journalistiske scener i bylivet med søm af gruppen af amerikanske malere kendt som de otte (8) falder i den første kategori. Den tyske kunstneriske bevægelse kendt som Neue Sachlichkeit. Socialistisk realisme, officielt sponsoreret i Sovjetunionen, brugte naturalistiske idealiseringsteknikker til at skabe portrætter af uærlige arbejdere og ingeniører, der overraskende var ens både i deres heroiske positivisme og i deres mangel på reel troværdighed.
Derudover inspirerede realisme direkte vigtige bevægelser af moderne kunst, såsom fotorealisme og hyperrealisme. På grundlag af den bemærkelsesværdige moderne tilgang til realisme demonstrerer disse genrer den vedvarende og evolutionære arv fra den innovative bevægelse.
Køb en reproduktion af spimatorer i online butikken i Kadros
No.4 Impressionism (1865–1885)
Nogle eksponenter: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransk impressionisme er en vigtig bevægelse, først i maleri og derefter i musik, der hovedsageligt udviklede sig i Frankrig i slutningen af det 19. og det tidlige tyvende århundrede. Det mest bemærkelsesværdige kendetegn ved impressionisme i maleriet var et forsøg på nøjagtigt og objektivt at registrere sig til realistiske repræsentationer af flygtige indtryk af deres omgivelser, som ofte var udenfor. I musik var det at overføre en idé eller en effekt gennem en lydvask i stedet for en streng formel struktur.
I slutningen af 1860'erne Manet Det afspejlede en ny æstetik, som skulle være en guide kraft i det impressionistiske arbejde, hvor vigtigheden af det traditionelle tema blev reduceret, og opmærksomheden flyttede til manipulation af kunstnerens farve, tone og struktur. Det ender i sig selv.
I 1874 kaldte en gruppe kunstnere malere, billedhuggere, optagere osv. Han arrangerede en udstilling i Paris, der lancerede bevægelsen kaldet Impressionism. Dens grundlæggende medlemmer omfattede blandt andet Claude Monet, Edgar Degas og Camille Pissarro. Gruppen lavede sit første show, uafhængigt af den officielle Hall of the French Academy, som konstant havde afvist de fleste af sine værker. Monets maleri Stigende solprint (1872) tjente dem det oprindeligt hånlige navn "impressionister" af journalisten Louis Leroy, der skrev i det satiriske magasin Le Charivari i 1874. Kunstnerne vedtog snart navnet som beskrivende for deres intention om nøjagtigt at overføre de "visuelle indtryk". Mens konservative kritikere kritiserede deres arbejde for deres ufuldstændige udseende og skitse, roste de mest progressive forfattere ham for hans beskrivelse af det moderne liv. Edmond Duranty skrev for eksempel i sit essay af 1876 Nouvelle Peinture (det nye maleri) om hans repræsentation af det moderne tema i en tilstrækkelig innovativ stil som en revolution inden for maleri.
Siden dens opfattelse er impressionisme blevet defineret af et sæt egenskaber. Disse inkluderer: billedbørstestrokker, karakteristiske farver, repræsentationer af almindelige problemer, fokus på lys og kompositioner inspireret af fotografering.
I midten af -1880'erne var den impressionistiske gruppe begyndt at opløses, da hver maler forfulgte mere og mere deres egne æstetiske interesser og principper. I sin korte eksistens opnåede det imidlertid en revolution i kunsthistorien, hvilket gav et teknisk udgangspunkt for post -impressionistiske kunstnere Cézanne, Af gas, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh og Georges Seurat og frigiver alt det bageste vestlige maleri af traditionelle teknikker. og tilgange til emnet.
Arv og tilstedeværelse af impressionisme i dag
Som udgangspunkt for modernisme påvirkede impressionismen naturligvis mange efterfølgende bevægelser. Postimpressionister vedtog deres billedbørstebrus; Abstrakte ekspressionister fandt inspiration til den ukonventionelle tilgang til formen af Monet; Og mange moderne kunstnere fortsætter endda med at arbejde i en neo -impressionistisk stil.
Køb en kvinde reproduktion med en paraply i online butikken af Kadros
No.5 Post -Impressionism (1885–1910)
Nogle eksponenter: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impressionisme er et udtryk, der bruges til at beskrive reaktionen i 1880'erne mod impressionisme. Det blev instrueret af Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh og Georges Seurat. Post -impressionister afviste bekymringen for impressionisme omkring den spontane og naturalistiske repræsentation af lys og farve.
Alle disse malere undtagen Van Gogh var franske, og de fleste af dem begyndte som impressionister; Hver af dem opgav stilen for at danne deres egen meget personlige kunst.
Ligesom impressionisterne fremhævede de billedets kunstighed. Post -impressionister troede også, at farve kunne være uafhængig af formen og sammensætningen som en følelsesladet og æstetisk bærer af mening. Både impressionisme og post -impressionisme inkluderer nogle af de mest berømte moderne kunstværker, såsom Monet Water Lilies, en række akvatiske landskaber og Den stjerneklare aften af Van Gogh.
Post -impressionister delte deres arbejde med offentligheden gennem uafhængige udstillinger i hele Paris. I 1910 opfandt den fremtrædende kunstkritiker, historiker og kurator Roger Fry udtrykket "post -impressionisme" med sit show, Manet og Post -impressionister. Ligesom Post -impressionister selv troede Fry, at skønheden i kunsten i sig selv er forankret i opfattelsen. "Kunst er et udtryk og en stimulus for fantasifuldt liv i stedet for en kopi af det virkelige liv," forklarer Fry i et essay i æstetik.
Som Fry forklarede, troede post -impressionister, at et kunstværk ikke skulle dreje sig om stilen, processen eller æstetisk tilgang. I stedet skal du understrege symbolik og kommunikere beskeder fra kunstnerens underbevidsthed.
Post -impressionister udstillede ofte sammen, men i modsætning til impressionisterne, der begyndte som en meget samlet og hjertelig gruppe, malede hovedsageligt alene. Cézanne malede isoleret i Aix-en-Provence i det sydlige Frankrig; Hans ensomhed blev matchet af Paul Gauguin, der i 1891 blev installeret i Tahiti, og Van Gogh, der malede i marken i Arles. Både Gauguin og Van Gogh afviste den ligeglade objektivitet af impressionisme til fordel for et mere personligt åndeligt udtryk.
"Hvilken dyb og mystisk farve!
I modsætning til de impressionister, der kæmpede for at fange effekten af naturligt lys på farvetone, anvendte post -impressionister med vilje en kunstig farvepalet som en måde at fremstille deres opfattelse af verden, der omringede dem. Mættede toner, flerfarvede skygger og rige farveområder er tydelige i de fleste postimpressionistiske malerier, hvilket demonstrerer den innovative og fantasifulde tilgang fra kunstnerne til repræsentation.
Generelt flyttede post -impressionisme væk fra en naturalistisk tilgang og gik til de to hovedbevægelser af kunsten i det tidlige tyvende århundrede, der erstattede den: kubisme og fauvisisme, der forsøgte at fremkalde følelser gennem farve og linje.
Køb en stjerne reproduktion i online butikken i Kadros
No.6 Fauvism and Expressionism (1900–1935)
Maleri placeret i tykke farver, der kommer ud af siden og antinaturlige toner: fauvisisme og ekspressionisme er to af de bevægelser, der gav liv til disse egenskaber. Så hvad er forskellen mellem dem, hvis de kan beskrives på samme måde? Først forklarer vi fauvism og ekspressionisme på egen hånd.
Fauvism
Nogle eksponenter: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo greb den kunstneriske scene fra 1905 til 1910, mere eller mindre, og er kendetegnet ved en intens farve og fed penselstrøg. I nogle tilfælde anvendte kunstnerne i denne periode maling direkte fra flasken. Farverne behøvede ikke nødvendigvis at være tro mod naturen. De kunne ændre sig for at vise følelser. De valgte enkle problemer, og på grund af dette virkede malerierne næsten abstrakte. Kunstkritiker Louis Vauxcelles opfandt udtrykket, efter at han beskrev værket af Henri Matisse og Andre Derain som "Les Fauves" eller Beasts under en udstilling fra 1905 i stuen d’m Automne i Paris. Arbejdet i udstillingen af Matisse og Derain var fuld af unaturalistiske farveindstillinger og vilde malingspletter på lærredet. Det ville være begyndelsen på fauvismen.
Fauvism -kunstnere var dybt interesseret i den videnskabelige teori om farven i det nittende århundrede. Specifikt, med brugen af komplementære farver, forstod Fauvistas, hvordan man får farver til at virke lysere og dristige til at integrere disse teorier.
Henri Matisses maleri "kvinde med en hat". Det blev kritiseret af de anti -naturlige farver på kvindens ansigt. Paul Signac (1863-1935) er berømt for sit punkt. Han var også en mentor for Henri Matisse. Puntillismo er en teknik, hvor små punkter med primærfarver placeres sammen. Når du flytter væk, kombineres det i et enkelt billede. Dette kan sammenlignes med pixels på en computerskærm. Hver enkelt pixel er en anden farve, men når du ser en lille afstand, skaber de et billede. Stilen til Point Rill viste, hvad kunstnere kunne gøre med primærfarver, og hvordan de kunne bruge optiske illusioner i deres arbejde.
Foruden Matisse og Derain inkluderer andre vigtige Fauvistas -kunstnere Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault og Maurice de Vlaminck.
Ekspressionisme
Nogle eksponenter: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Ekspressionisme er en generel betegnelse for ethvert kunstværk, der forvrænger virkeligheden for at falde sammen med interne følelser, synspunkter eller ideer fra kunstneren. Kort sagt er det en kunst, der udtrykker interne realiteter i omverdenen. Dette er en ret generaliseret definition, men der er nogle karakteristiske egenskaber ved ekspressionisme. Især vil de farver, der bruges i ekspressionisme, være intense og ofte unaturalister, hvilket betyder, at nogens hud kan males blå i stedet for solbrun eller brun. Malingen bruges også ofte i store mængder i den ekspressionistiske stil, der skaber en masse tekstur på lærredet.
Ekspressionisme kom fra "indefra" og var en afspejling af kunstnerens følelser mere end en repræsentation af en scene. To indflydelsesrige ekspressionistiske kunstnere var Emily Carr og Edvard Munch.
Hvad angår emnet, har ekspressionistisk kunst en tendens til at være følelsesladet og undertiden endda mytisk, hvis man antager, at ekspressionisme er en udvidelse af romantikken. Da ekspressionisme er et så bredt udtryk, er det let at begynde at tilskrive den til kunsten af enhver tid. Derefter gælder ekspressionisme for det meste generelt for kunsten i det tyvende århundrede. Det siges, at det begyndte med Vincent Van Goghs arbejde og strækker sig til moderne kunst, som vi kender det i dag.
De vigtigste skatteydere til den ekspressionistiske bevægelse er kunstnere som Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch og andre.
Køb en gengivelse af råbet i online butikken i Kadros
Fauvisisme kan ses som en undergruppe af ekspressionisme. Ekspressionisme kan omfatte en så bred vifte af kunst og bevægelser, at det næsten er umuligt at adskille dem for at være virkelig anderledes. De bruger de samme teknikker og klassificeres af de samme egenskaber, og den eneste virkelige forskel er den specifikke karakter af fauvisisme i modsætning til ekspressionismens generelle karakter.
Noget, der kan betragtes som Fauvista, kan også være en del af ekspressionismeområdet. Men noget, der betragtes som en ekspressionist, er ikke nødvendigvis i Fauvista -stilen. Fauvism er lidt mere vild, men med et mere forenklet tema.
Så fauvisisme versus ekspressionisme er ikke en ting. De konkurrerer ikke med hinanden, fordi den ene simpelthen er den ene version af den anden.
No.7 Cubism (1905–1920)
Nogle eksponenter: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubisme, meget indflydelsesrig visuel kunststil i det tyvende århundrede, der hovedsageligt blev skabt af kunstnere Pablo Picasso og Georges Braque i Paris mellem 1907 og 1914. Den kubistiske stil understregede den flade og to -dimensionelle overflade af billedets plan og afviser traditionelle teknikker . af perspektiv, scorzo, modellering og klar og tilbagevenden de gamle teorier om, at kunsten skulle efterligne naturen. Kubisterne mente, at traditionerne for vestlig kunst var udmattet og til at genoplive deres arbejde, de ty til den udtryksfulde energi fra kunsten at andre kulturer, især afrikansk kunst.
Kubismen henter sit navn fra kommentarerne fra kritikeren Louis Vauxcelles, der bortskaffede Braque's arbejde i 1908 huse i L’estaque som sammensat af terninger. I Braque's maleri husker husene, de cylindriske former for træerne og det brune og grønne skema, de cylindriske former og det brune og grønne skema, som dybt inspirerede kubisterne i deres første udviklingsstadium (indtil 1909). Imidlertid var det Les Demoiselles d'Avignon, malet af Picasso i 1907, der forudsagde den nye stil; I dette arbejde bliver formerne for fem kvindelige nøgenheder kantede og brudte former.
Det kan ses, at kubismen udviklede sig i to forskellige faser: den indledende og mere stramme analytiske kubisme og en posterior fase af kubismen kendt som syntetisk kubisme. Analytisk kubisme blev udviklet mellem 1908–12. Hans kunstværker ser mere alvorlige ud og dannes af en kombination af fly og linjer i toner fra sorte, grå og oker. Syntetisk kubisme er den bageste fase af kubismen, det betragtes generelt, at den stammer fra ca. 1912 til 1914 og er kendetegnet ved enklere former og lysere farver. Syntetiske kubistværker inkluderer også kombinerede reelle elementer, såsom aviser. Inkluderingen af virkelige genstande direkte i kunsten var begyndelsen på en af de vigtigste ideer om moderne kunst.
Mens oprettelsen af dette nye visuelle sprog tilskrives Picasso og Braque, blev det vedtaget og udviklet af mange malere, herunder Fernand Léger, Robert og Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de La Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes og Jean Metzinger. Selvom det hovedsageligt er forbundet med maleri, udøvede kubismen også en dyb indflydelse på skulpturen og arkitekturen i det tyvende århundrede. De vigtigste cubistiske billedhuggere var Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon og Jacques Lipchitz. Vedtagelsen af kubistisk æstetik af den schweiziske arkitekt Le Corbusier afspejles i formerne for de huse, han designede i 1920'erne.
I løbet af vinteren 1912–13 henrettede Picasso et stort antal papiers collés. Med denne nye teknik til at indsætte stykker farvet eller trykt papir i deres kompositioner fejede Picasso og Braque de sidste rester af tre -dimensionelle rum (illusionisme), der stadig forblev i deres "høje" analytiske arbejde.
De formelle befriende koncepter, der blev indledt af kubismen, havde også høje konsekvenser for Dada og Surrealism, såvel som for alle kunstnere, der forfølger abstraktion i Tyskland, Holland, Italien, England, USA og Rusland.
No.8 Dada og Surrealism (1917–1950)
Dadaist
Nogle eksponenter: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
International rækkevidde og forskelligartet kunstnerisk produktion, både den givne og surrealisme var kunstneriske, litterære og intellektuelle bevægelser i det tidlige tyvende århundrede, der var grundlæggende for at definere modernismen. Den givne bevægelse, der blev lanceret i Zürich i 1916 af digtere og kunstnere som Tristan Tzara og Hans Arp, var en direkte reaktion på massakren, propaganda og galskab i første verdenskrig. Uafhængige grupper knyttet til almindelige ideer dukkede op kort efter i New York. , Berlin, Paris og andre steder. Disse forskellige grupper delte ikke en universel stil, men var forbundet med deres afvisning af idealisme, forældede kunstneriske og intellektuelle konventioner og det ukontrollerede kram i det moderne samfund til "rationalisme" og "fremskridt."
I betragtning af det var en europæisk avant -garde kunstnerisk bevægelse med tidlige centre i Zürich, Schweiz og New York.
Navnet, der blev uddraget fra en ordbog i Zürich i 1916, betyder "rockende hest" på fransk eller "ja" på rumænsk og russisk. Men da navnet på en bevægelse virkelig ikke betyder noget overhovedet. Syg af kultur, der havde produceret blodbadet fra første verdenskrig, i betragtning af det udfordrede alle hellige køer, kastede udtrykket og forfatterskabet gennem vinduet og fejrede chance og absurd.
Dada Roots findes i avant -Garde før krigen. Udtrykket Antiart, en forløber for Dada, blev opfundet af Marcel Duchamp omkring 1913 for at karakterisere værker, der udfordrer de accepterede kunstbegrænsninger.
Dadaistbevægelsen omfattede offentlige møder, demonstrationer og offentliggørelse af kunst / litterære magasiner; Den lidenskabelige dækning af kunst, politik og kultur blev ofte drøftet i en række medier.
Bevægelsen påvirkede bageste stilarter som avant -garde og centrale musikbevægelser og grupper, der inkluderer surrealisme og popkunst.
Derefter ankom surrealisme for at kanalisere de anti -dadiske energier fra dadaisterne som Marcel Duchamp tilbage til museet, som udløste en enorm succesrig, men hektisk bevægelse, der ødelagde Europa mellem krige og omfavnede mange medier.
Surrealisme
Nogle eksponenter: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
En af de vigtigste og undergravende bevægelser i det tyvende århundrede, surrealisme blomstrede især i 1920'erne og 1930'erne og gav et radikalt alternativ til kubismens rationelle og formelle kvaliteter. En litterær, filosofisk og kunstnerisk bevægelse i det tyvende århundrede, der udforskede sindets funktion, forsvarede det irrationelle, det poetiske og det revolutionære.
I modsætning til Dada, hvorfra den opstod på mange måder, understregede den positive afvisning snarere end pessimistiske for tidligere traditioner.
Ordet 'surrealist' (som antyder 'ud over virkeligheden') blev opfundet af den franske avant -garde -digter Guillaume Apollinaire i et værk skrevet i 1903 og repræsenteret i 1917. Men det var André Breton, leder af en ny gruppe af digtere og kunstnere I Paris, der i sit surrealistiske manifest (1924) definerede surrealisme som: ren psykisk automatisme, gennem hvilken det foreslås at udtrykke, enten verbalt, skriftligt eller på anden måde, den virkelige funktion af tanke. Diktat af tanke i mangel af nogen kontrol, der udøves af grund, ud over enhver æstetisk og moralsk bekymring.
Flere forskellige tråde kan skelnes i den visuelle manifestation af surrealisme. Kunstnere som Max Ernst og André Masson favoriserede den automatisme, hvor bevidst kontrol undertrykkes, og underbevidstheden får lov til at tage kontrol. Tværtimod forfulgte Salvador Dalí og René Magritte en fantastisk følelse af superrealitet, hvor scenerne repræsenterede ikke har nogen reel mening. En tredje variation var sammenlægningen af ikke -relaterede elementer, der etablerede en urealiserbar virkelighed uden for grænserne for den normale virkelighed. Surrealisme stammer oprindeligt i Paris. Dens indflydelse blev udvidet gennem en række internationale magasiner og udstillinger, idet de var de vigtigste eksempler på sidstnævnte den internationale surrealistiske udstilling i den nye Burlington, London og Fada af fantastisk kunst, surrealisme i Museum of Modern Art New York, begge lavet i 1936. Med udbruddet af 2. verdenskrig blev centrum for den surrealistiske aktivitet overført til New York, og i slutningen af krigen havde bevægelsen mistet sin sammenhæng. Imidlertid har det bevaret en stærk indflydelse, tydeligt tydeligt i aspekter af abstrakt ekspressionisme og andre kunstneriske manifestationer af anden halvdel af det tyvende århundrede.
Mange hævder, at surrealisme, som en identificerbar kulturel bevægelse, endte med Bretons død i 1966. Andre mener, at det forbliver en vigtig og relevant styrke i dag.
No.9 Abstract Expressionism (1940–1950)
Nogle eksponenter: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
Den "abstrakte ekspressionisme" var aldrig en ideel etiket til bevægelse, der blev udviklet i New York i 1940'erne og 1950'erne. På en eller anden måde var det bestemt til ikke kun og abstrakte former, men også dem, der angreb deres lærreder med et kraftigt gestusudtryk. Alle var forpligtet til kunst som udtryk for jeget, født af dybe følelser og universelle temaer, og de fleste blev dannet af arven af surrealisme, en bevægelse, der blev oversat til en ny stil, der blev tilpasset til post -krigsstemning af angst og traumer. I deres succes stjal disse New York -malere Paris som deres mantel som leder af moderne kunst og forberedte scenen til mestring af De Forenede Stater i den internationale kunstverden. Abstrakt ekspressionisme markerede begyndelsen på indflydelsen fra New York City som centrum for den vestlige kunstverden. Verden af abstrakte ekspressionistiske kunstnere var fast forankret i lavt Manhattan. En tur langs 8th Street ville tage den fra Waldorf Cafeteria, hvor kunstnere uden penge lavede "tomatsuppe" med varmt vand og gratis ketchup; Efter Hans Hofmann School of Plastic -kunstnere, der blev grundlagt af maleren med samme navn; Til klubben fortsatte et loft, hvor konferencer og opvarmede argumenter om kunst, indtil sent om aftenen. Jackson Pollocks undersøgelse var på East 8th Street, Kooning og Philip Guston Willem var i øst 10., og selvom Franz Kline flyttede til flere huse og studier i området, fandt de fleste af nætterne ham og mange af hans samtidige i Cedar Street Tavern på Universitetswebsted.
Bevægelsen omfattede mange forskellige billedstilarter, der varierede både i teknikken og i kvaliteten af udtrykket. De bruger ofte grader af abstraktion; Det vil sige, de repræsenterer urealistiske eller i de ekstreme former, former, der ikke er udvundet fra den synlige verden (ikke -objektive). De understreger fri, spontan og personlig følelsesmæssig udtryk og udøver betydelig teknik og udførelse for at nå dette mål med særlig vægt på udnyttelsen af maleriets variable fysiske karakter for at fremkalde udtryksfulde egenskaber (for eksempel sensualitet, dynamik ). , vold, mysterium, lyrik).
De fleste af de kunstnere, der var forbundet med abstrakt ekspressionisme, modnet i 1930'erne. De blev påvirket af datidens venstreorienterede politik og kom til at værdsætte en kunst baseret på personlig oplevelse. Få ville opretholde deres tidligere radikale politiske synspunkter, men mange fortsatte med at indtage positionen for den ærlige avant -garde.
På trods af mangfoldigheden af den abstrakte ekspressionistiske bevægelse kan tre generelle tilgange skelnes. Den ene, actionmaleriet, er kendetegnet ved løs, hurtig, dynamisk eller energisk håndtering af maling i scanning eller skærebørstestrøg og i teknikker, der er delvis dikteret ved en tilfældighed, såsom dryppende eller spild af malingen direkte på lærredet. Kunstnere: Pollock, Kooning.
Den gennemsnitlige betegnelse inden for abstrakt ekspressionisme er repræsenteret af flere forskellige stilarter, der spænder fra mere lyriske, delikate og flydende former. Kunstnere: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Den tredje mindre udtryksfulde tilgang var Rothko, Newman og Reinhardt. Disse malere brugte store områder eller felter, flad og fin maling og diaphanous for at opnå tavse, subtile og næsten meditative effekter.
Selvom bevægelsen stort set er blevet repræsenteret i hele den historiske dokumentation som tilhørende den heroiske mandlige kunstner, der var prikket med maleri, var der flere vigtige kvindelige abstrakte ekspressionister, der kom ud af New York og San Francisco i 1940'erne og 1950'erne, der nu modtager kredit som elementære medlemmer af gebyret.
No.10 Pop Art (1960)
Nogle eksponenter: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Claes Oldenburg
Pop Art begyndte med New York -kunstnere Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Claes Oldenburg, der var inspireret af populære billeder og faktisk var en del af et internationalt fænomen.
Det var en oprør mod de dominerende tilgange fra kunst og kultur og traditionelle meninger om, hvad kunst skulle være. Unge kunstnere følte, at det, de lærte dem på School of Art, og hvad de så på museerne, havde intet at gøre med deres liv eller de ting, de så omkring dem hver dag. I stedet er kilder som Hollywood -film, reklame, produktemballage, popmusik og tegneserier for at få deres billeder. Efter populariteten af abstrakte ekspressionister var genindførelsen af identificerbare billeder fra POP (ekstraheret fra medierne og populærkulturen) en vigtig ændring i modernismens retning.
I 1957 listede popartist Richard Hamilton 'Pop Art' egenskaber i et brev til sine venner, arkitekterne Peter og Alison Smithson: Pop Art Is: Popular (designet til et massepublikum), forbigående (kort -term -løsning), der kan bruges (let at glemme), lave omkostninger, produceret af masse, ung (rettet til ungdom), genial, sexet, truculent, glamorøse, store virksomheder. Modernistiske kritikere blev forfærdet over brugen af popartister af et sådant 'lavt' tema og for deres tilsyneladende lidt kritiske behandling af det. Faktisk bragte Pop kunst til nye tematiske områder og udviklede nye måder at præsentere den i kunst og kan ses som en af de første manifestationer af postmodernismen.
Selvom de blev inspireret af lignende problemer, ses britisk pop ofte som en karakteristisk amerikansk pop. Tidlig popkunst i Storbritannien blev drevet af amerikansk populærkultur set på afstand, mens amerikanske kunstnere blev inspireret af det, de så og oplevede at leve inden for denne kultur. I USA var POP -stil en tilbagevenden til repræsentativ kunst (kunst, der repræsenterede den visuelle verden på en genkendelig måde) og til brugen af hårde kanter og forskellige former efter den billedlige løshed af abstrakt ekspressionisme. Ved at bruge upersonlige og dagligdags billeder ønskede popartister også at komme væk fra vægten på personlige følelser og personlig symbolik, der karakteriserede abstrakt ekspressionisme. I Storbritannien var bevægelsen mere akademisk i sin tilgang. Mens han brugte ironi og parodi, fokuserede han mere på, hvad amerikanske populære billeder og deres magt til at manipulere folks livsstil repræsenterede. Kunstgruppen i 50'erne, den uafhængige gruppe (IG), betragtes som forløber for den britiske popkunstbevægelse. Popkunst var en efterkommer af Dada.
De fleste popkunstnere stræbte efter en upersonlig og urban holdning i deres værker. Nogle eksempler på popkunst udtrykte imidlertid subtilt social kritik, for eksempel har Oldenburgs faldne genstande og de monotone gentagelser af Warhol af det samme banale image en utvivlsomt foruroligende virkning, og nogle, som de mystiske og ensomme segale cadres, er de åbent ekspressionister.
Måske på grund af inkorporering af kommercielle billeder er popkunst blevet en af de mest genkendelige stilarter af moderne kunst.
No.11 Postmodernism (1970–)
Nogle eksponenter: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn på himlen af ©James Gill
Denne postmodernitet er udefinerbar er en sandhed. Imidlertid kan det beskrives som et sæt kritiske, strategiske og retoriske praksis, der bruger koncepter som forskel, gentagelse, spor, simulering og hyperrealitet til at destabilisere andre begreber, såsom tilstedeværelse, identitet, historisk fremgang, sikkerhedsepistemisk og univocity af mening.
Udtrykket "postmodernistisk kunst" henviser til en bred kategori af moderne kunst skabt af ca. 1970 og fremefter. Den karakteristiske segl af "postmodernistisk kunst" er dens afvisning af æstetik, som dens forgænger, "Modern Art" (1870-1970) var baseret på. En af disse afviste værdier er ideen om, at "kunst" er noget "specielt", der skal være "højt for den" populære smag. Sammenfaldende med en række nye teknologiske udviklinger har postmodernismen ført til næsten fem årtier med kunstnerisk eksperimentering med nye medier og nye kunstformer, herunder "konceptuel kunst", forskellige typer "performancekunst" og "installationskunst", samt assisteret Bevægelser såsom dekonstruktivisme og projektionskunst. Ved hjælp af disse nye former har postmoderne kunstnere udvidet definitionen af kunst til det punkt, at "alt er værd."
Den første vigtige kunststil efter renæssancen var akademisk kunst, det klassiske materiale, der blev undervist af lærere i akademier. Akademisk kunst er det kunstneriske ækvivalent med den traditionelle "dragt og slips". Derefter kommer omkring 1870 den "moderne kunst". Dette er det kunstneriske ækvivalent med "skjorte og bukser" eller "jakke og bukser". Derefter kommer omkring 1970 den "postmoderne kunst", som er det kunstneriske ækvivalent med "jeans og t -shirt". På samme måde som tøjkoderne er blevet mindre formelle og mere "alt er værd", er dagens kunstnere mindre imponeret over de gamle ideer om, hvad kunst skal være og mere fokuseret på at skabe noget (noget) end det bemærkes.
Anti-autoritær af natur nægtede postmodernismen at anerkende autoriteten af enhver stil eller definition af, hvad kunst skal være. Forskellen mellem høj kultur og massekultur blev sammenbrudt mellem kunst og dagligdag. Fordi postmodernitet brød de etablerede regler for stil, introducerede en ny æra af frihed og følelsen af, at "alt er værd." Ofte sjove, ironiske eller latterlige; Det kan være modstridende og kontroversielt og udfordre smagsgrænser; Men det vigtigste er, at det afspejler en selvvægt af selve stilen. Ofte kan blanding af forskellige stilarter og kunstneriske og populære medier, postmodernistisk kunst også låne bevidst eller bevidst eller ironisk nok kommentere en række fortidens stilarter. Således overvejer postmoderne, at deres teoretiske holdning er usædvanligt inkluderende og demokratisk, da det giver dem mulighed for at genkende det urimelige hegemoni for diskurserne om illustrationen om de lige så gyldige perspektiver fra de ikke -elite -grupper.
I 1980'erne og 1990'erne vedtog akademiske forsvarere i navnet på flere etniske, kulturelle, racemæssige og religiøse grupper postmoderne kritik af det moderne vestlige samfund, og postmodernismen blev den uofficielle filosofi om den nye bevægelse af "identitetspolitik"
Kuadros ©, en berømt maling på din væg.
