Sanat tarihinin temelleri, eski uygarlıkların kültürel olarak önemli bir temayı temsil etmek için mevcut teknikleri ve araçları kullandığı on binlerce yıla dayanmaktadır. Bu ilk örneklerden, her biri ortaya çıktıkları dönemin siyasi ve sosyal etkilerini yansıtan kendi farklı stilleri ve özelliklerine sahip birçok sanatsal hareket izlediler.
Fauvizm ne anlama geliyor ve kavramsal sanat nedir? Sanat hakkında konuşmak kendi içinde bir disiplin gibi görünüyor ve sanat dünyasında yeniyseniz, muhtemelen sanattaki her hareket ve farklı sanat türleri hakkında birçok sorunuz var.
Rönesanstan modernizmin ortaya çıkmasına kadar etkili sanat türleri şüphesiz tarihte izlerini bıraktı.
Tarih ve sanatsal hareketlerinin önemi hakkında net kavramlara sahip olarak, Van Gogh, Picasso ve Warhol gibi ünlü sanatçıların sanat dünyasında nasıl devrim yarattıklarını daha iyi anlayacağız.
Kadros sizin için en önemli hareketlerin bir listesini yaptı.
No.1 İtalyan Rönesans (1400-1550)
Bazı üsler: Giberti Doors, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
On dördüncü yüzyılın sonuna doğru d. C., bir avuç İtalyan düşünür yeni bir çağda yaşadıklarını açıkladı. Aydınlatılmayan Barbara, "Orta Çağ" bitti; Yenisi öğrenme ve edebiyat, sanat ve kültürün "rinincità" ("rönesans") olacaktır. Bu, şimdi Rönesans olarak bilinen dönemin doğuşu idi. Yüzyıllar boyunca, akademisyenler İtalyan yeniden doğuşunun ("yeniden doğuş" için başka bir kelimenin) tam olarak bu şekilde gerçekleştiğini kabul ettiler: on dördüncü ve on yedinci yüzyıl arasında, dünya hakkında yeni ve modern bir düşünce tarzı ve insanın insanı için yer Eski fikirlerin yerini aldı. Aslında, bu SO -adlandırılan Rönesans'ın bilimsel, sanatsal ve kültürel başarılarının birçoğu ortak sorunları, özellikle de insanın kendi evreninin merkezi olduğu hümanist inancı paylaşıyor.
Onbeşinci yüzyılın İtalya bağlamında İtalyan rönesansı, Avrupa'daki diğer yerlerden farklıydı. Her biri farklı bir hükümet biçimine sahip bağımsız şehir devletlerine ayrıldı. İtalyan yeniden doğuşunun başladığı Floransa bağımsız bir cumhuriyetti. Aynı zamanda bir banka ve ticari sermayeydi ve Londra ve Konstantinopolis'ten sonra Avrupa'nın üçüncü büyük şehri. Zengin Florentinler paralarını gösterdiler ve sanatçıların ve entelektüellerin patronu veya destekçisi olabildiler. Bu şekilde şehir Avrupa'nın kültür merkezi ve Rönesans oldu.
Rönesansın iki bölüme ayrıldığı söylenebilir:
Yeniden doğuşun erken dönemlerinde sanatçılar, Bizans tarzını dini tabloyu reddetmeye başladılar ve insan formu ve mekanı temsillerinde gerçekçilik yaratmak için mücadele ettiler. Gerçekçiliğe yönelik bu hedef, Cimabue ve Giotto ile başladı ve Andrea Mantegna ve Paolo Uccello gibi "mükemmel" sanatçıların sanatında zirveye ulaştı. Din, Rönesans sırasında yaşayan insanların günlük yaşamında önemli bir unsur olsa da, Gasp'a açık yeni bir yol görüyoruz: mitolojik tema. Birçok akademisyen işaret ediyor Venüs'ün Doğumu Mitolojik bir sahnenin ilk panel resmi olarak Botticelli.
Yüksek yeniden doğuş olarak bilinen dönem, erken yeniden doğuşun hedeflerinin doruk noktasını temsil eder. Bu aşamanın en iyi bilinen sanatçıları Leonardo Da Vinci, Rafael, Tiziano ve Miguel Ángel. Resimleri ve taze en iyi bilinen sanat eserleri arasında. Son Akşam Yemeği Da Vinci, Atina Okulu Rafael ve Miguel Ángel'in Sistine Şapeli çatısının resimleri bu dönemin başyapıtlarıdır ve yüksek rönesans unsurlarını somutlaştırır.
Kadros çevrimiçi mağazasında Lisa Mona'nın bir reprodüksiyonunu satın alın
No.2 Barocco (1600-1750)
Bazı üsler: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Barok terimi nihayetinde, filozofların Orta Çağ boyunca şematik mantıktaki bir engel tanımlamak için kullandıkları İtalyanca Barocco kelimesinden kaynaklanmaktadır. Daha sonra, kelime herhangi bir bükülmüş fikri veya düşünce sürecini belirtti. Başka bir olası kaynak, düzensiz veya kusurlu bir inci tanımlamak için kullanılan Barok Portekizce kelimesi (İspanyol Barrueco) ve bu kullanım hala kuyumcu barok inci teriminde hayatta kalıyor. Barok, on yedinci yüzyılın başından 18. yüzyılın ortalarına kadar Avrupa'da geliştirilen sanat ve mimaride bir harekettir. Dramatik ve abartılı hareketi ve gerçeküstücülükten uzak olan drama, gerginlik, coşku ve büyüklük üretmek için açık ve yorumlanması kolay detayı vurgular.
İtalya'da meydana gelen ilk tezahürler, 16. yüzyılın son on yıllarından kalma, bazı bölgelerde, özellikle Almanya ve Sömürge Güney Amerika'da, Barok'un bazı doruklu başarıları 18. yüzyıla kadar gerçekleşmedi.
Sanatçılar, rönesansın güzellik ideallerini canlandırmaya devam etti, klasikliğe geri döndüğü zamanın sanat, müzik ve mimariye aşıladılar, klasikliğe daha da iyileştirildi. Bu son derece süslenmiş stil bir barok olarak üretildi ve yenilikçi teknikleri ve detayları ile karakterize edildi, sanat için nispeten zayıflatılmış bir dönemde yeni ve yemyeşil bir görsel dil sunuyordu. Barok, esas olarak Roma'daki Papa ve İtalya, Fransa, İspanya ve Flanders'daki Katolik yöneticileri tarafından yönetilen Avrupa'ya yayıldı. Kapsamlı manastırlar ve manastırlar ağı aracılığıyla güçlü dini emirlerle daha da yayıldı. Stil hızla Fransa, Kuzey İtalya, İspanya ve Portekiz'e, daha sonra Avusturya ve Güney Almanya'ya kadar uzandı.
Bu programdan geliştirilen barok stil paradoksal, şehvetli ve manevi idi; Doğal bir tedavi, dini görüntünün ortalama cemaat için daha erişilebilir olmasına neden olsa da, dindarlığı ve bağlılığı teşvik etmek ve ilahi olanın ihtişamının izlenimini iletmek için dramatik ve yanıltıcı etkiler kullanılmıştır. Barok kiliselerin çatıları, sonsuzluğun canlı vizyonlarını gözlemciye sunan ve duyuları göksel kaygılara yönlendiren boyalı sahnelerde çözüldü.
Tema ve stil bile Barok resimler arasında değişebilirken, bu dönemin parçalarının çoğunun yaygın bir şeyi vardır: drama. Olarak bilinen ressamların çalışmasında Caravaggio Ve Rembrandt, dramaya ilgi, ışıltılı ışık ve yakın gölgeler arasında yoğun kontrastlar olarak gerçekleşir.
Büyük ölçüde İspanyollar tarafından yönetilen Katolik bölgesinin büyük öğretmeni ressamdı Peter Paul RubensFırtınalı diyagonal kompozisyonlar ve geniş kan figürleri barok boyanın özüdür. Anthony van Dyck'in zarif portreleri ve Jacob Jordaens'in sağlam figüratif eserleri Rubens örneğini taklit etti. Hollanda'daki sanat, baskın orta sınıf kalıplarının gerçekçi zevkleri ile koşullandırıldı ve bu nedenle, hem o ülkenin sayısız türü hem de manzara ressamları ve Rembrandt ve Frans Hals gibi heybetli öğretmenler, önemli yönlerde stil baroktan bağımsız kaldı. . Bununla birlikte, Barok, özellikle Sir Christopher Wren ve Sir John Vanbruch tarafından tasarlanan kiliseler ve saraylarda İngiltere üzerinde dikkate değer bir etkiye sahipti.
Miguel Ángel'in ikonik David'i de dahil olmak üzere Rönesans heykelleri gibi, Barok heykeller genellikle görkemli binaları süslemeye mahkum edildi. Ayrıca altın kiliselerin iç mekanları ve gerçek bahçeler gibi diğer büyük senaryolar için de görevlendirildiler.
Son Barok Çiçeklenme, yerli mimarların 1720'lerde İtalyan inşaat modellerinden ayrıldığı Güney Almanya ve Avusturya'da büyük ölçüde Katolik Roma idi.
Kadros Çevrimiçi Mağazasında Meninas'ın bir reprodüksiyonunu satın alın
No.3 Gerçekçilik (1848–1900)
Bazı üsler: Corot, Mahkeme, Daumier, Millet.
Gerçekçilik, sanatta, kesin, ayrıntılı temsil ve doğa veya çağdaş yaşam süsleri olmadan. Gerçekçilik, dış görünüşlerin yakından gözlemlenmesi lehine yaratıcı idealizasyonu reddeder. Bu nedenle, gerçekçilik geniş anlamda farklı medeniyetlerdeki birçok sanatsal akımı ele almıştır. Örneğin, görsel sanatlarda, gerçekçilik boksörleri ve eski yıpranmaları doğru bir şekilde tasvir eden eski Helenistik Yunan heykellerinde bulunabilir. Caravaggio, Hollanda türünün ressamları, İspanyol ressamları José de Ribera, Diego Velázquez ve Francisco de Zurbarán ve Fransa'daki Le Nain kardeşler gibi 17. yüzyıl ressamlarının eserleri gerçekçi bir yaklaşımdır. 18. yüzyıl Daniel Defoe, Henry Fielding ve Tobias Smollett'in İngiliz romancılarının eserleri de gerçekçi olarak adlandırılabilir.
1850'lerde Fransa'da gerçekçilik ortaya çıktı. 1848 devriminden hemen sonra, ülkede "çalışma hakkı" nı kuran bir olay, hareket ortalama, işçi sınıfı, çağdaş senaryolar, çağdaş senaryolar ve günlük sahneler fikrini tanıttı. iyi sanatsal temalar olarak.
Gerçekçilik, Avrupa çapında, Alejandro II Rusya'dan Kraliçe Victoria'nın Büyük Britanya'sına, Guillermo I Almanya'dan Risorgimento İtalya'ya ve Habsburg İmparatorluğu'na, İskandinavya'ya ve ötesindeki ülkelere kadar uzandı. 1855 yılı Avrupa'da gerçekçiliğin kurulmasında önemliydi.
Gustave kupeti Genellikle gerçekçiliğin ana figürü olarak kabul edilir. 1840'larda köylüleri ve işçileri tasvir etmeye başladığında hareketin temellerini attı. Courbet'in onları yüceltmediği, onları cesurca sunduğu ve sanat dünyasında şiddetli bir tepki yarattığı gerçeği.
Courbet'in tarzı ve işleri, Barbizon okulunun ressamları tarafından zaten kırılmış bir alanda inşa edildi. 1830'ların başında Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet ve diğerleri, manzaranın yerel karakterini sadakatle yeniden üretmek amacıyla Fransız kasabası Barbizon'da kuruldu.
Fransa dışındaki resimsel gerçekçilik belki de Amerika Birleşik Devletleri'nde 19. yüzyılda daha iyi temsil edildi. Orada, Winslow Homer'ın deniz meseleleri ve portreleri, navigasyon sahneleri ve Thomas Eakins'in diğer eserleri üzerine güçlü ve etkileyici resimleri, çağdaş yaşamın açık, çekici olmayan ve çok gözlemlenen kayıtlarıdır. Gerçekçilik, yirminci yüzyıl sanatında farklı bir akımdı ve genellikle sanatçıların daha samimi, samimi ve günlük yaşam hakkında görüşlerini idealize etmeden ya da sanatı sosyal ve politik eleştiriler için bir araç olarak kullanma girişimlerinden türetilmesinden türetildi. .
Sekiz (8) olarak bilinen Amerikalı ressam grubunun dikişiyle kentsel yaşamın kaba, özetlenmiş, neredeyse gazetecilik sahneleri ilk kategoriye düşüyor. Neue Sachlichkeit olarak bilinen Alman sanatsal hareketi. Resmi olarak Sovyetler Birliği'nde sponsor olan sosyalist gerçekçilik, hem kahramanca pozitivizmlerinde hem de gerçek güvenilirlik eksikliğinde şaşırtıcı derecede benzer olan cesur işçilerin ve mühendislerin portrelerini oluşturmak için doğalcı idealizasyon tekniklerini kullandı.
Buna ek olarak, gerçekçilik, fotogeralizm ve hiperrealizm gibi çağdaş sanatın önemli hareketlerine doğrudan ilham verdi. Oldukça modern gerçekçiliğin yaklaşımına dayanarak, bu türler yenilikçi hareketin kalıcı ve evrimsel mirasını göstermektedir.
Kadros Çevrimiçi Mağazasında Spimatörlerin Bir Reprodüksiyonu Alın
4 izlenimcilik (1865-1885)
Bazı üsler: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransız izlenimciliği, önce 19. ve yirminci yüzyılın sonunda Fransa'da gelişen resim ve daha sonra müzikte önemli bir harekettir. Resimdeki izlenimciliğin en dikkat çekici özelliği, genellikle dışarıda olan çevrelerinin geçici izlenimlerinin gerçekçi temsillerine kesin ve objektif olarak kayıt olma girişimiydi. Müzikte, katı resmi bir yapı yerine sağlam bir yıkama yoluyla bir fikir veya bir etki iletmekti.
1860'ların sonunda, sanatı Manet İzlenimci çalışmada, geleneksel temanın öneminin azaltıldığı ve dikkatin sanatçının renginin, tonunun ve dokusunun manipülasyonuna taşındığı yeni bir estetiği yansıtıyordu. Kendi içlerinde biter.
1874'te ressamlar, heykeltraşlar, kaydediciler vb. Paris'te İzlenimcilik adı verilen hareketi başlatan bir sergi düzenledi. Kurucu üyeleri arasında Claude Monet, Edgar Degas ve Camille Pissarro vardı. Grup, eserlerinin çoğunu sürekli olarak reddeden Fransız Akademisi Resmi Salonu'ndan bağımsız olarak ilk şovunu yaptı. Monet'in Resmi Yükselen güneş baskısı (1872) onlara 1874'te hiciv dergisi Le Charivari'de yazan gazeteci Louis Leroy'un başlangıçta "İzlenimciler" adını almışlardır. Muhafazakar eleştirmenler, eksik görünümleri ve eskizleri için çalışmalarını eleştirirken, en ilerici yazarlar modern yaşam tanımından dolayı onu övdü. Edmond Duranty, örneğin, 1876 Makalesinde Nouvelle Peinture (yeni resim), çağdaş temayı resimdeki bir devrim olarak yeterince yenilikçi bir tarzda temsil etmesi hakkında yazdı.
Anlayışından bu yana, izlenimcilik bir dizi özellik ile tanımlanmıştır. Bunlar şunları içerir: resimsel fırça darbeleri, ayırt edici renkler, ortak sorunların temsilleri, ışığa odaklanma ve fotoğrafçılıktan esinlenen kompozisyonlar.
1880'lerin ortalarında, izlenimci grup, her ressamın gittikçe daha fazla kendi estetik çıkarlarını ve ilkelerini takip ettiği için çözülmeye başlamıştı. Bununla birlikte, kısa varoluşunda, post -impresyonist sanatçılar için teknik bir başlangıç noktası sağlayarak sanat tarihinde bir devrim elde etti. Cézanne, Gazlı, Paul Gauguin, Vincent van Gogh ve Georges Seurat ve geleneksel tekniklerin tüm arka batı resmini serbest bırakıyor. ve konuya yaklaşımlar.
Bugün izlenimciliğin mirası ve varlığı
Doğal olarak, modernizmin bir başlangıç noktası olarak, izlenimcilik sonraki birçok hareketi etkiledi. Postimresyonistler resimsel fırça darbelerini benimsediler; Özet Ekspresyonistler, alışılmadık yaklaşım hakkında ilham buldular. Monet; Ve birçok çağdaş sanatçı, neo -impresyonist tarzda çalışmaya devam ediyor.
Kadros çevrimiçi mağazasında bir şemsiye ile bir kadın üremesi satın alın
5 No'lu -Empresyonizm (1885–1910)
Bazı üsler: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -Bironpresyonizm, 1880'lerde izlenimciliğe karşı tepkiyi tanımlamak için kullanılan bir terimdir. Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh ve Georges Seurat tarafından yönetildi. Post -Bironpresyonistler, ışık ve rengin kendiliğinden ve natüralist temsili hakkındaki izlenimcilik endişesini reddetti.
Van Gogh hariç tüm bu ressamlar Fransızdı ve çoğu izlenimci olarak başladı; Her biri kendi son derece kişisel sanatlarını oluşturmak için stili terk etti.
İzlenimciler gibi, görüntünün yapaylığını vurguladılar. Post -pmpressionistler ayrıca rengin duygusal ve estetik bir anlam taşıyıcısı olarak formdan ve kompozisyondan bağımsız olabileceğine inanıyorlardı. Hem İzlenimcilik hem de Post -Empressionismis, en ünlü modern sanat eserlerinden bazılarını içerir, örneğin Monet su zambakları, bir dizi su manzarası ve Yıldızlı Gece Van Gogh tarafından.
Post -Bironpresyonistler, Paris'teki bağımsız sergilerle çalışmalarını halkla paylaştılar. 1910'da önde gelen sanat eleştirmeni, tarihçi ve küratör Roger Fry, şovu, Manet ve Post -pressionists ile "Post -impresyonizm" terimini yarattı. Post -impresyonistler gibi Fry, sanatın güzelliğinin doğal olarak algılamaya dayandığına inanıyordu. "Sanat, gerçek hayatın bir kopyası yerine yaratıcı yaşam için bir ifade ve uyarandır," diye açıklıyor Fry estetik bir makalede.
Fry'ın açıkladığı gibi, post -pripresyoncular bir sanat eserinin stil, süreç veya estetik yaklaşım etrafında dönmemesi gerektiğine inanıyorlardı. Bunun yerine, sanatçının bilinçaltından mesaj ileterek sembolizmi vurgulamalısınız.
Post -impresyonistler genellikle birlikte sergilediler, ancak çok birleşik ve samimi bir grup olarak başlayan izlenimcilerin aksine, esas olarak tek başına boyandı. Cézanne, Güney Fransa'daki Aix-en-provence'de tecrit halinde boyanmış; Yalnızlığı, 1891'de Tahiti'ye kurulmuş olan Paul Gauguin ve Arles'teki tarlada boyanan Van Gogh tarafından eşleştirildi. Hem Gauguin hem de Van Gogh, izlenimcinin kayıtsız tarafsızlığını daha kişisel bir manevi ifade lehine reddetti.
"Ne derin ve gizemli bir renk!
Doğal ışığın ton üzerindeki etkisini yakalamak için mücadele eden izlenimcilerin aksine, post -baskılayıcı, yapay bir renk paletini, onları çevreleyen dünya algılarını tasvir etmenin bir yolu olarak amaçladılar. Doymuş tonlar, çok renkli gölgeler ve zengin renk aralıkları, çoğu postimresyonist tabloda belirgindir ve sanatçıların temsil için yenilikçi ve yaratıcı yaklaşımını gösterir.
Genel olarak, post -impresyonizm doğal bir yaklaşımdan uzaklaştı ve yirminci yüzyılın başlarındaki sanatın yerini alan iki ana hareketine gitti: duyguları renk ve çizgi yoluyla uyandırmaya çalışan Kübizm ve Fauvizm.
Kadros Çevrimiçi Mağazasında Yıldız Üreme Satın Alın
No.6 Fauvizm ve Ekspresyonizm (1900–1935)
Sayfa'dan çıkan renklere ve antinatör tonları ortaya koyan resim: Fauvizm ve Ekspresyonizm bu özelliklere hayat veren hareketlerden ikisidir. Peki, aynı şekilde tanımlanabilirlerse, aralarındaki fark nedir? Birincisi, Fauvizmi ve Ekspresyonizm'i kendi başınıza açıklayacağız.
Fauvizm
Bazı üsler: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo, 1905'ten 1910'a kadar sanatsal sahneyi az çok ele geçirdi ve yoğun bir renk ve cesur fırça darbeleri ile karakterize edildi. Bazı durumlarda, bu dönemin sanatçıları doğrudan şişeden boya uyguladılar. Renklerin doğaya sadık olması gerekmiyordu. Duygu göstermek için değişebilirlerdi. Basit sorunlar seçtiler ve bu nedenle resimler neredeyse soyut görünüyordu. Sanat eleştirmeni Louis Vauxcelles, Henri Matisse ve Andre Derain'in 1905 sergisinde Paris'teki Salon D’Om Automne'de bir sergi sırasında "Les Faavves" veya Canavarlar gibi çalışmalarını tanımladıktan sonra terimi icat etti. Matisse ve Derain sergisindeki çalışma, tuvaldeki doğal olmayan renk seçenekleri ve vahşi boya lekeleriyle doluydu. Fauvizmin başlangıcı olurdu.
Fauvizm sanatçıları, on dokuzuncu yüzyılın renginin bilimsel teorisiyle derinden ilgileniyorlardı. Özellikle, tamamlayıcı renklerin kullanımı ile Fauvistalar, bu teorileri dahil etmek için renklerin nasıl daha parlak ve cesur görüneceğini anladı.
Henri Matisse'nin "Şapkalı Kadın" resmi. Kadının yüzündeki anti -doğal renklerle eleştirildi. Paul Signac (1863-1935) amacıyla ünlüdür. Aynı zamanda Henri Matisse'nin akıl hocasıydı. Puntillismo, birincil renklerin küçük noktalarının bir araya getirildiği bir tekniktir. Uzaklaştığınızda, tek bir görüntüde birleştirilir. Bu, bilgisayar ekranındaki piksellerle karşılaştırılabilir. Her bir piksel farklı bir renktir, ancak hafif bir mesafe gördüğünüzde bir görüntü oluştururlar. Rill'in tarzı, sanatçıların birincil renklerle neler yapabileceğini ve çalışmalarında optik yanılsamaları nasıl kullanabileceklerini gösterdi.
Matisse ve Derain'e ek olarak, diğer önemli Fauvistas sanatçıları arasında Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault ve Maurice de Vlaminck yer alıyor.
DIŞAVURUMCULUK
Bazı üsler: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Ekspresyonizm, gerçeği sanatçının iç duygularına, görüşlerine veya fikirlerine denk gelecek şekilde bozan herhangi bir sanat eseri için genel bir terimdir. Kısacası, dış dünyadaki iç gerçekleri ifade eden bir sanattır. Bu oldukça genelleştirilmiş bir tanımdır, ancak ekspresyoncunun bazı ayırt edici özellikleri vardır. Özellikle, ekspresyonizmde kullanılan renkler yoğun ve genellikle doğal olmayan uzmanlar olacaktır, bu da birinin cildinin bronz veya kahverengi yerine mavi boyanabileceği anlamına gelir. Boya ayrıca tuval üzerinde çok fazla doku oluşturan ekspresyonist tarzda büyük miktarlarda kullanılır.
Ekspresyonizm, sanatçının duygularının bir sahnenin temsilinden daha fazla bir yansıması olarak "içeriden" geldi. İki etkili ekspresyonist sanatçı Emily Carr ve Edvard Munch.
Konuya gelince, ekspresyonist sanat, ekspresyonizmin romantizmin bir uzantısı olduğunu varsayarak duygusal ve bazen efsanevi olma eğilimindedir. Ekspresyonizm çok geniş bir terim olduğundan, onu herhangi bir zamanın sanatına atfetmeye başlamak kolaydır. Daha sonra, çoğunlukla dışavurumculuk genellikle yirminci yüzyılın sanatı için geçerlidir. Vincent van Gogh'un çalışmasıyla başladığı ve bugün bildiğimiz gibi modern sanata yayıldığı söyleniyor.
Ekspresyonist hareketin ana vergi mükellefleri Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch ve diğerleri gibi sanatçılar.
Kadros çevrimiçi mağazasında Cry'nin bir reprodüksiyonunu satın alın
Fauvizm, Ekspresyonizm'in bir alt kümesi olarak görülebilir. Ekspresyonizm o kadar geniş bir sanat ve hareket yelpazesini içerebilir ki, onları gerçekten farklı oldukları için ayırmak neredeyse imkansızdır. Aynı teknikleri kullanırlar ve aynı özelliklere göre sınıflandırılırlar ve tek gerçek fark, dışavurumcunun genel doğasının aksine Fauvizmin özel doğasıdır.
Fauvista olarak kabul edilebilecek bir şey de dışavurumculuk alanının bir parçası olabilir. Ancak, bir dışavurumcu olarak kabul edilen bir şey, Fauvista tarzında olması gerekmez. Fauvizm biraz daha vahşi, ama daha basit bir temaya sahip.
Dolayısıyla, Fauvizm'e karşı ekspresyonizm tek bir şey değildir. Birbirleriyle rekabet etmiyorlar çünkü biri diğerinin sadece bir versiyonu.
7 Kübizm (1905–1920)
Bazı üsler: Pablo Picasso, Georges Braque
Yirminci yüzyılın, esas olarak sanatçılar Pablo Picasso ve Georges Braque tarafından 1907-1914 yılları arasında yaratılan yirminci yüzyılın çok etkili görsel sanatlar tarzı. . Perspektif, Scorzo, Modelleme ve Açık Modelleme ve Açık ve Yedekleme Sanatın doğayı taklit etmesi gereken eski teorileri. Kübistler, Batı sanat geleneklerinin tükendiğine ve çalışmalarını canlandırmak için, diğer kültürlerin, özellikle Afrika sanatının sanatının etkileyici enerjisine başvurdular.
Kübizm, Braque'nin 1908 evinde L’Estaque'deki evlerinde küplerden oluşan çalışmalarını atan eleştirmen Louis Vauxcelles tarafından yapılan yorumlardan adını alıyor. Braque'nin resminde, evlerin hacimleri, ağaçların silindirik şekilleri ve kahverengi ve yeşil şema, Kübistlere ilk gelişim aşamalarında (1909'a kadar) derinden ilham veren Paul Cézanne manzaralarını hatırlıyor. Ancak, 1907'de Picasso tarafından boyanan ve yeni stili önceden haber veren Les Demoiseles D'Avignon'du; Bu çalışmada, beş dişi çıplak formları açısal ve kırık formlar haline gelir.
Kübizmin iki farklı aşamada geliştiği görülebilir: başlangıç ve daha sade analitik kübizm ve sentetik Kübizm olarak bilinen Kübizm'in arka fazı. Analitik Kübizm 1908-12 yılları arasında geliştirilmiştir. Sanat eserleri daha şiddetli görünüyor ve siyahlar, gri ve sarıdaki tonlardaki uçak ve çizgilerin bir kombinasyonu ile oluşturuluyor. Sentetik Kübizm Kübizmin arka fazıdır, genellikle yaklaşık 1912'den 1914'e kadar uzandığı ve daha basit şekiller ve daha parlak renklerle karakterize edildiği düşünülmektedir. Sentetik Kübist eserleri genellikle gazeteler gibi kombine gerçek unsurları da içerir. Gerçek nesnelerin doğrudan sanata dahil edilmesi, modern sanatın en önemli fikirlerinden birinin başlangıcıydı.
Bu yeni görsel dilin yaratılması Picasso ve Braque'e atfedilirken, Fernand Léger, Robert ve Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes ve Jean Metzinger gibi birçok ressam tarafından benimsendi ve geliştirildi. Esas olarak resim ile ilişkili olmasına rağmen, Kübizm yirminci yüzyılın heykeli ve mimarisi üzerinde de derin bir etki yarattı. Ana Kübist heykeltıraşlar Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon ve Jacques Lipchitz idi. Kübist estetiğin İsviçre mimarı Le Corbusier tarafından benimsenmesi, 1920'lerde tasarladığı evlerin biçimlerine yansıyor.
1912-13 kışında Picasso çok sayıda Papier Collés yaptı. Kompozisyonlarında renkli veya basılı kağıt parçalarını yapıştırmanın bu yeni tekniği ile Picasso ve Braque, hala "yüksek" analitik çalışmalarında kalan üç boyutlu alanın (illüzyonizm) son izlerini süpürdü.
Kübizm tarafından başlatılan resmi özgürleştirici kavramlar, Dada ve sürrealizm için ve Almanya, Hollanda, İtalya, İngiltere, Amerika Birleşik Devletleri ve Rusya'da soyutlama izleyen tüm sanatçılar için yüksek aralıklı sonuçlara sahipti.
No.8 Dada ve Sürrealizm (1917-1950)
Dadist
Bazı üsler: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Uluslararası kapsam ve çeşitli sanatsal üretim, hem verilen hem de gerçeküstücülük, yirminci yüzyılın başlarında modernizmi tanımlamak için temel olan sanatsal, edebi ve entelektüel hareketlerdi. 1916'da Zürih'te Tristan Tzara ve Hans Arp gibi şairler ve sanatçılar tarafından başlatılan verilen hareket, I. Dünya Savaşı'nın katliamına, propagandasına ve deliliğine doğrudan tepki verdi. Kısa bir süre sonra New York'ta ortak fikirlerle bağlantılı bağımsız gruplar ortaya çıktı. , Berlin, Paris ve diğer yerler. Bu çeşitli gruplar evrensel bir tarzı paylaşmadılar, ancak idealizmi, eski sanatsal ve entelektüel sözleşmeleri ve modern toplumun kontrolsüz kucaklamalarını "rasyonalizm" ve "ilerlemeye" reddetmeleri için bağlantılıdır.
Göz önüne alındığında, Zürih, İsviçre ve New York'ta erken merkezleri olan bir Avrupa avant -garde sanatsal hareketti.
1916'da Zürih'teki bir sözlükten çıkarılan isim, Fransızca'da "sallanan at" veya Romanya ve Rusça'da "evet" anlamına geliyor. Ancak bir hareketin adı gerçekten hiçbir şey ifade etmiyor. Tüm kutsal ineklere meydan okuduğu, ifadeyi ve yazarlığı pencereden atması ve şans ve saçma kutladığı göz önüne alındığında, I. Dünya Savaşı'nın katliamını üreten kültürden bıkmış.
Dada kökleri savaştan önce Avant -Garde'de bulunur. Dada'nın öncüsü olan Antiarte terimi, 1913 civarında Marcel Duchamp tarafından kabul edilen sanat kısıtlamalarına meydan okuyan eserleri karakterize etmek için birleştirildi.
Dadaist hareket, kamusal toplantılar, gösteriler ve sanat / edebi dergilerin yayınlanmasını; Sanat, siyaset ve kültürün tutkulu kapsamı genellikle çeşitli medyada tartışıldı.
Hareket, Avant -Garde ve Merkezi Müzik Hareketleri gibi arka stilleri ve gerçeküstücülük ve pop sanatını içeren grupları etkiledi.
Daha sonra, gerçeküstücülük, Marcel Duchamp gibi Dadaistlerin anti -üvey enerjilerini, savaşlar arasında harap eden ve birçok medyaya sarılan muazzam başarılı ama çılgın bir hareketi tetikleyen müzeye geri döndü.
Gerçeküstücülük
Bazı üsler: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Yirminci yüzyılın en önemli ve yıkıcı hareketlerinden biri olan gerçeküstücülük, özellikle 1920'lerde ve 1930'larda gelişti ve Kübizmin rasyonel ve resmi niteliklerine radikal bir alternatif sağladı. Yirminci yüzyılın zihnin işleyişini araştıran, irrasyonel, şiirsel ve devrimci savunan edebi, felsefi ve sanatsal bir hareket.
Birçok yönden ortaya çıktığı Dada'nın aksine, önceki geleneklerin kötümserinden ziyade olumlu reddi vurguladı.
'Sürrealist' ('gerçekliğin ötesinde') kelimesi, 1903'te yazılmış ve 1917'de temsil edilen bir çalışmada Fransız Avant -Garde şair Guillaume Apollinaire tarafından üretildi. Ama yeni bir grup şair ve sanatçı lideri André Breton'du. Gerçeküstü manifestosunda (1924), gerçeküstücülüğü tanımlayan Paris'te şu şekilde tanımladı: Saf psişik otomatizm, sözlü olarak, yazılı olarak ya da başka bir şekilde düşüncenin gerçek işleyişini ifade etmesi önerildi. Herhangi bir estetik ve ahlaki kaygının ötesinde, akıl için uygulanan herhangi bir kontrolün yokluğunda düşüncenin dikte edilmesi.
Sürrealizmin görsel tezahüründe birkaç farklı iplik ayırt edilebilir. Max Ernst ve André Masson gibi sanatçılar, bilinçli kontrolün bastırıldığı ve bilinçaltının kontrolü ele geçirmesine izin verilen otomatizmi tercih ettiler. Aksine, Salvador Dalí ve René Magritte, temsil edilen sahnelerin gerçek bir anlamı olmayan inanılmaz bir süper gerçeklik duygusu izlediler. Üçüncü bir varyasyon, ilişkisiz unsurların bir araya getirilmesi, normal gerçekliğin sınırları dışında gerçekleştirilemez bir gerçeklik oluşturmasıydı. Gerçeküstücülük orijinalinde Paris'te ortaya çıktı. Etkisi, bir dizi uluslararası dergi ve sergi ile genişletildi, ikincisi yeni Burlington, Londra ve fantastik sanatın Fada'daki uluslararası gerçeküstü sergisinin en önemli örnekleri, her ikisi de Modern Sanat Müzesi'nde gerçeküstücülük, her ikisi de yapılmıştır. 1936. II. Dünya Savaşı'nın patlak vermesiyle, sürrealist faaliyetin merkezi New York'a aktarıldı ve savaşın sonunda hareket tutarlılığını kaybetmişti. Bununla birlikte, soyut ekspresyonizm ve yirminci yüzyılın ikinci yarısının diğer sanatsal tezahürlerinin yönlerinde açıkça görülen güçlü bir etkiyi korumuştur.
Birçoğu, gerçeküstücülüğün, tanımlanabilir bir kültürel hareket olarak, 1966'da Breton'un ölümü ile sona erdiğini savunuyor. Diğerleri bunun bugün hayati ve alakalı bir güç olarak kaldığına inanıyor.
9 Soyut Ekspresyonizm (1940–1950)
Bazı üsler: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
"Soyut Ekspresyonizm", 1940'larda ve 1950'lerde New York'ta geliştirilen hiçbir zaman hareket için ideal bir etiket değildi. Bir şekilde, sadece tuvallerini tarlalarla dolduran ressamların çalışmalarını kapsayacaktı. ve soyut şekiller, aynı zamanda tuvallerine güçlü bir jest ifadesi ile saldıranlar. Hepsi, derin duygular ve evrensel temalardan doğan benliğin ifadeleri olarak sanata bağlıydı ve çoğu, kaygı ve travma sonrası havaya ayarlanan yeni bir stile dönüşen bir hareket olan gerçeküstücülük mirası tarafından oluşturuldu. Başarılarında, bu New York ressamları Paris'i modern sanatın lideri olarak manto olarak çaldılar ve uluslararası sanat dünyasında ABD'nin ustalığına sahne hazırladılar. Özet Ekspresyonizm New York'un etkisinin başlangıcını Batı Sanatı Dünyası'nın merkezi olarak işaretledi. Soyut ekspresyonist sanatçıların dünyası, düşük Manhattan'a kök salmıştı. 8. Cadde boyunca bir yürüyüş, parasız sanatçıların sıcak su ve serbest ketçap ile "domates çorbası" yaptıkları Waldorf kafeteryasından alacaktı; Hans Hofmann Plastik Sanatçılar Okulu'ndan sonra aynı adı taşıyan ressam tarafından kurulan; Kulübe, sanatla ilgili konferansların ve ateşli argümanların gece geç saatlere kadar devam ettiği bir çatı katı. Jackson Pollock'un çalışması East 8th Street'teydi, Kooning ve Philip Guston Willem, 10. Doğu'daydı ve Franz Kline bölgedeki birkaç ev ve çalışmaya taşınsa da, gecelerin çoğu onu ve Cedar Street Tavern'deki çağdaşlarının çoğunu Cedar Street Tavern'de buldu. Üniversite sitesi.
Hareket, hem teknikte hem de ifadenin kalitesinde değişen birçok farklı resimsel stil içeriyordu. Genellikle soyutlama dereceleri kullanırlar; Yani, gerçekçi olmayan veya aşırı formlarda görünür dünyadan çıkarılmayan formları (nesnel olmayan) temsil ederler. Özgür, kendiliğinden ve kişisel duygusal ifadeyi vurgularlar ve bu hedefe ulaşmak için önemli bir teknik ve yürütme özgürlüğü kullanırlar, resmin değişken fiziksel karakterinin etkileyici nitelikleri uyandırması için özel bir vurgu yaparak (örneğin, duygusallık, dinamizm ). , şiddet, gizem, lirizm).
1930'larda soyut ekspresyonizmle ilişkili sanatçıların çoğu. Zamanın solcu politikasından etkilenmiş ve kişisel deneyime dayalı bir sanata değer vermeye başladılar. Çok azı önceki radikal siyasi görüşlerini sürdürecekti, ancak birçoğu Frank Avant -Garde'nin pozisyonunu benimsemeye devam etti.
Soyut ekspresyonist hareketin çeşitliliğine rağmen, üç genel yaklaşım ayırt edilebilir. Birincisi, aksiyon resmi, tarama veya kesme fırçalarında ve kısmen şans eseri dikte edilen tekniklerde, boyayı doğrudan tuval üzerine damlama veya dökme gibi gevşek, hızlı, dinamik veya enerjik bir şekilde kullanımı ile karakterize edilir. Sanatçılar: Pollock, Kooning.
Soyut Ekspresyonizm içindeki ortalama terim, daha lirik, hassas ve akıcı formlardan değişen çeşitli stillerle temsil edilir. Sanatçılar: Guston, Frankenhaler, Motherwell, Gottlieb.
Üçüncü daha az etkileyici yaklaşım Rothko, Newman ve Reinhardt'ın yaklaşımıdır. Bu ressamlar, sessiz, ince ve neredeyse meditatif etkiler elde etmek için düz ve ince boya ve diyafat geniş alanlar veya tarlalar kullandılar.
Hareket büyük ölçüde tarihsel belgeler boyunca resim ile noktalı kahramanca erkek sanatçıya ait olarak temsil edilmiş olsa da, 1940'larda ve 1950'lerde New York ve San Francisco'dan ortaya çıkan birkaç önemli kadın soyut ekspresyonist vardı. Ücret.
No.10 Pop Art (1960)
Bazı üsler: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist ve Claes Oldenburg
Pop Art, popüler görüntülerden ilham alan ve aslında uluslararası bir fenomenin parçası olan New York sanatçıları Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist ve Claes Oldenburg ile başladı.
Sanat ve kültürün baskın yaklaşımlarına ve sanatın ne olması gerektiğine dair geleneksel görüşlere karşı bir isyandı. Genç sanatçılar, Sanat Okulu'nda onlara öğrettiklerinin ve müzelerde gördüklerinin hayatlarıyla veya her gün gördükleri şeylerle ilgisi olmadığını hissettiler. Bunun yerine, Hollywood filmleri, reklam, ürün ambalajı, pop müzik ve görüntülerini elde etmek için çizgi roman gibi kaynaklar. Soyut ekspresyonistlerin popülaritesinden sonra, tanımlanabilir görüntülerin POP tarafından (medya ve popüler kültürden çıkarılır) yeniden üretilmesi, modernizm yönünde önemli bir değişiklikti.
1957'de pop sanatçısı Richard Hamilton, arkadaşlarına bir mektupta 'pop sanatının özelliklerini' listeledi. (Unutması kolay), düşük maliyet, Mass tarafından üretilen, Young (gençliğe yönelik), ustaca, seksi, truculent, göz alıcı, büyük işletmeler. Modernist eleştirmenler, böyle 'düşük' bir temaya sahip pop sanatçılarının kullanımı ve görünüşe göre çok az eleştirel muamelesi nedeniyle dehşete düştüler. Aslında, Pop sanat yeni tematik alanlara getirdi ve onu sanatta sunmanın yeni yollarını geliştirdi ve postmodernizmin ilk tezahürlerinden biri olarak görülebilir.
Benzer konulardan ilham almasına rağmen, İngiliz pop genellikle ayırt edici bir Amerikan popu olarak görülüyor. İngiltere'deki erken pop sanatları, uzaktan görülen Amerikan popüler kültürü tarafından yönlendirilirken, Amerikalı sanatçılar bu kültürde yaşadıklarını ve yaşadıklarından ilham aldı. Amerika Birleşik Devletleri'nde pop tarzı, temsilci sanata (görsel dünyayı tanınabilir bir şekilde temsil eden sanata) ve soyut ekspresyonizmin resimsel gevşekliğinden sonra sert kenarların ve farklı formların kullanımına geri dönüştü. Pop sanatçıları, kişisel olmayan ve sıradan görüntüler kullanarak, soyut ekspresyoncuyu karakterize eden kişisel duygulara ve kişisel sembolizme vurgu yapmaktan kurtulmak istediler. İngiltere'de hareket yaklaşımında daha akademikti. İroni ve parodi kullanırken, daha çok Amerikan popüler görüntülerine ve insanların yaşam tarzlarını temsil ettiği güçlerine odaklandı. 50'lerin sanat grubu, Bağımsız Grup (IG), İngiliz Pop Art hareketinin öncüsü olarak kabul edilir. Pop Art, Dada'nın soyundan geliyordu.
Çoğu pop sanatçısı, eserlerinde kişisel olmayan ve kentsel bir tutuma sahipti. Bununla birlikte, pop sanatının bazı örnekleri, örneğin Oldenburg'un düşmüş nesneleri ve aynı banal görüntünün Warhol'un monoton tekrarları şüphesiz rahatsız edici bir etkiye sahiptir ve bazıları, gizemli ve yalnız segal kadroları olarak açık bir şekilde ekspresistlerdir.
Belki de ticari görüntülerin dahil edilmesi nedeniyle, pop art, modern sanatın en tanınmış stillerinden biri haline gelmiştir.
No.11 Postmodernizm (1970–)
Bazı üsler: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn gökyüzünde ©James Gill
Postmodernitenin tanımlanamaz olduğu bir gerçektir. Bununla birlikte, varlık, kimlik, tarihsel ilerleme, kesin epistemik ve anlamın tekil olmayanlığı gibi diğer kavramları istikrarsızlaştırmak için fark, tekrarlama, iz, simülasyon ve hiperlik gibi kavramları kullanan bir dizi eleştirel, stratejik ve retorik uygulamalar olarak tanımlanabilir.
"Postmodernist sanat" terimi, yaklaşık 1970'den itibaren oluşturulan geniş bir çağdaş sanat kategorisini ifade eder. "Postmodernist sanat" ın ayırt edici mührü, selefi "Modern Sanat" ın (1870-1970) dayandığı estetiği reddetmesidir. Reddedilen bu değerlerden biri, "sanat" ın popüler tadı "yüksek" olması gereken "özel" bir şey olduğu fikridir. Bir dizi yeni teknolojik gelişmeyle çakışan Postmodernizm Yapısalcılık ve projeksiyon sanatı gibi hareketler. Bu yeni formları kullanarak, postmodern sanatçılar sanat tanımını "her şeyin değerli olduğu" noktasına kadar genişlettiler.
Rönesans sonrası ilk önemli sanat tarzı, akademilerdeki öğretmenler tarafından öğretilen klasik materyal olan akademik sanattı. Akademik sanat, geleneksel "takım elbise ve kravat" ın sanatsal eşdeğeridir. Sonra, 1870 civarında "modern sanat" geliyor. Bu, "gömlek ve pantolon" veya "ceket ve pantolon" un sanatsal eşdeğeridir. Daha sonra, 1970 civarında, "kot pantolon ve t -shirt" in sanatsal eşdeğeri olan "postmodern sanat" geliyor. Giyim kodları daha az resmi ve daha fazla "her şey değer" haline geldiği gibi, bugünün sanatçıları, sanatın ne olması gerektiğine dair eski fikirlerden daha az etkileniyor ve bir şey yaratmaya (herhangi bir şey) fark edildiğinden daha fazla odaklanıyorlar.
Doğası gereği anti-otoriter Postmodernizm, sanatın ne olması gerektiğinin herhangi bir tarzının otoritesini veya tanımını tanımayı reddetti. Yüksek kültür ve kitle kültürü arasındaki ayrım sanat ve günlük yaşam arasında çöktü. Postmodernity stil üzerine belirlenmiş kuralları kırdığı için, yeni bir özgürlük çağını ve "her şeyin değerli olduğu" hissini tanıttı. Genellikle komik, ironik veya saçma; Tatın sınırlarına meydan okuyarak çelişkili ve tartışmalı olabilir; Ancak en önemli şey, tarzın kendisinin bir farklılığını yansıtmasıdır. Çoğu zaman, farklı stilleri ve sanatsal ve popüler medyayı karıştıran postmodernist sanat, geçmişin çeşitli stilleri hakkında bilinçli veya bilinçli veya ironik bir şekilde yorum yapabilir. Bu nedenle, postmodern olanlar, teorik konumlarının olağanüstü kapsayıcı ve demokratik olduğunu düşünmektedir, çünkü illüstrasyonun söylemlerinin haksız hegemonyasını, eşik olmayan grupların eşit derecede geçerli perspektifleri üzerine tanımalarına izin verir.
1980'lerde ve 1990'larda, çeşitli etnik, kültürel, ırksal ve dini gruplar adına akademik savunucular, çağdaş Batı toplumunun postmodern eleştirilerini benimsedi ve postmodernizm, "kimlik politikası" nın yeni hareketinin gayri resmi felsefesi haline geldi.
Kuadros ©, duvarınızda ünlü bir boya.
