Grunden för konsthistoria går tillbaka till tiotusentals år till när forntida civilisationer använde de tekniker och medel tillgängliga för att representera ett kulturellt betydande tema. Från dessa första exempel har de följt en hel del konstnärliga rörelser, var och en med sina egna olika stilar och egenskaper som återspeglar den politiska och sociala påverkan av den period som de uppstod.
Vad betyder fauvism och vad är konceptkonst? Att prata om konst verkar som en disciplin i sig själv och om du är ny i konstvärlden har du förmodligen många frågor, särskilt om varje rörelse i konst och olika typer av konst.
De inflytelserika konstgenrerna, från renässansen till modernismens uppkomst, har utan tvekan lämnat sitt märke i historien.
Med de tydliga begreppen om historia och vikten av dess konstnärliga rörelser kommer vi att ha en tydligare förståelse för hur berömda konstnärer som Van Gogh, Picasso och Warhol revolutionerade konstvärlden.
Kadros har gjort en lista över de viktigaste rörelserna för dig.
No.1 italiensk renässans (1400–1550)
Vissa exponenter: Giberti -dörrar, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Mot slutet av det fjortonde århundradet d. C., en handfull italienska tänkare förklarade att de levde i en ny era. Barbara, inte upplyst "medelålder" var över; Den nya skulle vara en "rinincità" ("renässans") av lärande och litteratur, konst och kultur. Detta var födelsen av perioden nu känd som renässansen. I århundraden har forskare kommit överens om att den italienska återfödelsen (ett annat ord för "återfödelse") hände exakt på det sättet: att mellan det fjortonde och sjuttonhundratalet, ett nytt och modernt sätt att tänka på världen och människans plats i den människan i den Han ersatte de gamla idéerna. Faktum är att många av de vetenskapliga, konstnärliga och kulturella prestationerna i den så kallade renässansen delar gemensamma frågor, särskilt den humanistiska tron att människan var centrum för sitt eget universum.
Den italienska renässansen i sammanhanget Italien från det femtonde århundradet skilde sig från någon annan plats i Europa. Det delades upp i oberoende städer, var och en med en annan form av regering. Florens, där den italienska återfödelsen började, var en oberoende republik. Det var också en bank- och kommersiellt kapital och, efter London och Konstantinopel, den tredje största staden i Europa. De rika florentinerna flauntade sina pengar och för att kunna bli beskyddare eller anhängare av konstnärer och intellektuella. På detta sätt blev staden Kulturcentret i Europa och renässansen.
Det kan sägas att renässansen delades upp i två delar:
Under tidig återfödelse började konstnärer att avvisa den bysantinska stilen för religiös målning och kämpade för att skapa realism i deras representation av mänsklig form och rum. Detta mål mot realism började med Cimabue och Giotto och nådde sin topp i konsten av "perfekta" konstnärer, som Andrea Mantegna och Paolo Uccello. Medan religion var ett viktigt inslag i det dagliga livet för de människor som levde under renässansen, ser vi också en ny väg öppen för att gispa: det mytologiska temat. Många forskare påpekar Venus födelse av Botticelli som den första panelmålningen av en mytologisk scen.
Den period som kallas den höga återfödelsen representerar kulminationen på målen för den tidiga återfödelsen. De bästa -kända artisterna i denna fas är Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano och Miguel Ángel. Hans målningar och färska är bland de mest kända konstverken. Sista måltiden Da Vinci, Aten -skolan Rafael och målningarna av taket i det sixtinska kapellet i Miguel Ángel är mästerverken i denna period och förkroppsligar elementen i den höga renässansen.
Köp en reproduktion av Lisa Mona i onlinebutiken i Kadros
No.2 Barocco (1600–1750)
Vissa exponenter: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Barocktermen härstammar i slutändan från det italienska ordet Barocco, som filosofer använde under medeltiden för att beskriva ett hinder i schematisk logik. Därefter kom ordet att beteckna alla tvinnade idéer eller tankeprocesser. En annan möjlig källa är det barock portugisiska ordet (spansk barrueco), som används för att beskriva en oregelbunden eller ofullständig pärla, och denna användning överlever fortfarande i juvelerarens barock pärlter. Barocken är en rörelse inom konst och arkitektur som utvecklats i Europa från början av sjuttonhundratalet till mitten av -18 -talet. Det betonar den dramatiska och överdrivna rörelsen och den tydliga och enkla att tolka detaljer, som är långt ifrån surrealism, för att producera drama, spänning, överflöd och storhet.
De första manifestationerna, som inträffade i Italien, datum från de senaste decennierna av 1500 -talet, medan i vissa regioner, särskilt i Tyskland och koloniala Sydamerika, inträffade vissa kulminerande prestationer av barocken inte förrän på 1700 -talet.
Konstnärerna fortsatte att återuppliva skönhetens skönhet i renässansen, införa konst, musik och arkitektur och arkitekturen en blinkning återupplivade till klassismen ännu mer förbättrad av en ny sprudlande extravagans och lutning för utsmyckningen. Denna mycket prydda stil myntades som en barock och kännetecknades av dess innovativa tekniker och detaljer, och erbjuder ett nytt och frodigt visuellt språk i det som hade varit en relativt dämpad period för konst. Barocken spriddes över hela Europa, riktad huvudsakligen av påven i Rom och de katolska härskarna i Italien, Frankrike, Spanien och Flandern. Det sprids ännu mer av kraftfulla religiösa ordningar genom dess omfattande nätverk av kloster och kloster. Stilen sträckte sig snabbt till Frankrike, norra Italien, Spanien och Portugal, sedan till Österrike och södra Tyskland.
Den barockstil som utvecklades från detta program var paradoxalt, sensuell och andlig; Medan en naturalistisk behandling fick den religiösa bilden att vara mer tillgänglig för den genomsnittliga församlingen, användes dramatiska och illusoriska effekter för att stimulera fromhet och hängivenhet och överföra ett intryck av det gudomliga prakt. Taken i de barockkyrkorna upplöstes i målade scener som presenterade livliga visioner om oändligheten till observatören och riktade sinnena mot de himmelska problemen.
Medan temat och till och med stilen kan variera mellan barockmålningar, har de flesta bitar av denna period en vanlig sak: drama. I arbetet med målare som kallas Husvagn och Rembrandt, intresset för drama materialiseras när intensiva kontraster mellan strålande ljus och överhängande skuggor.
Den stora läraren i den katolska regionen, till stor del styrd av spanjorerna, var målaren Peter Paul Rubens, vars stormiga diagonala kompositioner och breda figurer av komplett blod är symbolen för barock färg. De eleganta porträtten av Anthony Van Dyck och de robusta figurativa verken av Jacob Jordaens emulerade exemplet med Rubens. Konst i Nederländerna konditionerades av den realistiska smaken av deras dominerande medelklassmönster, och därför förblev både den otaliga genren och landskapsmålarna i det landet och de imponerande lärarna som Rembrandt och Frans Hals förblev oberoende av stilen barock i viktiga aspekter . Barocken hade emellertid en anmärkningsvärd inverkan på England, särskilt i kyrkorna och palatserna utformade, respektive av Sir Christopher Wren och Sir John Vanbruch.
Liksom statyerna av renässansen, inklusive den ikoniska David av Miguel Ángel, var barockskulpturerna ofta avsedda att dekorera majestätiska byggnader. De beställdes också för andra fantastiska scenarier, till exempel interiörer i gyllene kyrkor och riktiga trädgårdar.
Den sista barockblomningen var till stor del katolsk romerska i södra Tyskland och Österrike, där infödda arkitekter skilde sig från italienska byggmodeller på 1720 -talet.
Köp en reproduktion av Meninas i onlinebutiken i Kadros
No.3 Realism (1848–1900)
Vissa exponenter: Corot, Court, Daumier, Millet.
Realism, i konsten, den exakta, detaljerade representationen och utan prydnader i naturen eller samtida liv. Realism avvisar den fantasifulla idealiseringen till förmån för en nära observation av yttre uppträdanden. Som sådan har realism i sin breda mening täckt många konstnärliga strömmar i olika civilisationer. I visuell konst, till exempel, kan realism hittas i de forntida hellenistiska grekiska skulpturerna som exakt skildrar boxare och gamla förfall. Verken från 1700 -talets målare som Caravaggio, målarna av den nederländska genren, de spanska målarna José de Ribera, Diego Velázquez och Francisco de Zurbarán och bröderna Le Nain i Frankrike är realistiska tillvägagångssätt. De engelska romanförfattarna från 1700 -talet Daniel Defoe, Henry Fielding och Tobias Smollett kan också kallas realistiska.
Realism uppstod i Frankrike på 1850 -talet. Omedelbart efter revolutionen 1848, en händelse som etablerade "rätten att arbeta" i landet, introducerade rörelsen idén om genomsnittet, arbetarklassen, samtida scenarier, samtida scenarier och vardagliga scener som anständiga konstnärliga teman.
Realismen utvidgades i hela Europa, från Ryssland i Alejandro II till Storbritannien av drottning Victoria, från Tyskland i Guillermo I till Italien i Risorgimento och från Habsburgs imperium till Skandinavien och länder bortom. Året 1855 var betydande vid inrättandet av realism i Europa.
Gustavak Det betraktas ofta som huvudfiguren i realismen. Han lägger grunden för rörelsen på 1840 -talet, då han började skildra bönderna och arbetarna. Det faktum att Courbet inte förhärligade dem, utan att han djärvt presenterade dem och skapade kraftigt en våldsam reaktion i konstvärlden.
Courbets stil och arbete som utfärdades byggdes i ett fält som redan var trasiga av målarna från Barbizon -skolan. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet och andra i början av 1830-talet etablerades i den franska staden Barbizon med syftet att troget reproducera landskapets lokala karaktär.
Bildrealism utanför Frankrike representerades kanske bättre på 1800 -talet i USA. Där är de kraftfulla och uttrycksfulla målningarna av Winslow Homer om marina frågor och porträtt, navigationsscener och andra verk av Thomas Eakins uppriktiga, oattraktiva och mycket observerade register över samtida liv. Realismen var en annan ström i konsten från det tjugonde århundradet och härstammade generellt från konstnärernas önskan att presentera mer uppriktiga, uppriktiga och utan att idealisera åsikter om vardagen eller deras försök att använda konst som ett fordon för kritik för kritik socialt och politiskt .
De grova, beskrivna, nästan journalistiska scenerna i stadslivet med söm av gruppen av amerikanska målare som kallas de åtta (8) faller i den första kategorin. Den tyska konstnärliga rörelsen känd som Neue Sachlichkeit. Socialistisk realism, officiellt sponsrad i Sovjetunionen, använde naturalistiska idealiseringstekniker för att skapa porträtt av oförskämda arbetare och ingenjörer som var förvånansvärt lika både i sin heroiska positivism och i deras brist på verklig trovärdighet.
Dessutom inspirerade realismen direkt viktiga rörelser av samtida konst, såsom fotorealism och hyperrealism. På grundval av den anmärkningsvärda moderna tillvägagångssättet för realism visar dessa genrer den bestående och evolutionära arvet från den innovativa rörelsen.
Köp en reproduktion av spimatorer i onlinebutiken i Kadros
No.4 Impressionism (1865–1885)
Vissa exponenter: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransk impressionism är en viktig rörelse, först i målning och sedan i musik, som främst utvecklades i Frankrike i slutet av 1800- och tidiga tjugonde århundradet. Det mest anmärkningsvärda kännetecknet för impressionism i målningen var ett försök att exakt och objektivt registrera sig för realistiska representationer av flyktiga intryck av deras omgivningar, som ofta var utanför. I musik var det för att överföra en idé eller en effekt genom en sund tvätt istället för en strikt formell struktur.
I slutet av 1860 -talet Mantel Det återspeglade en ny estetik, som borde vara en styrkraft i det impressionistiska arbetet, där vikten av det traditionella temat minskades och uppmärksamheten flyttades till manipulationen av konstnärens färg, ton och struktur. Det slutar i sig själva.
1874 kallade en grupp konstnärer målarna, skulptörerna, inspelare etc. Han organiserade en utställning i Paris som lanserade rörelsen som kallas impressionism. Dess grundande medlemmar inkluderade bland andra Claude Monet, Edgar Degas och Camille Pissarro. Gruppen gjorde sin första show, oberoende av den officiella Hall of the French Academy, som ständigt hade avvisat de flesta av sina verk. Monets målning Stigande soltryck (1872) fick dem det ursprungligen hånliga namnet "impressionister" av journalisten Louis Leroy som skrev i den satiriska tidningen Le Charivari 1874. Konstnärerna antog snart namnet som beskrivande för deras avsikt att exakt överföra "visuella intryck". Medan konservativa kritiker kritiserade sitt arbete för deras ofullständiga utseende och skiss, berömde de mest progressiva författarna honom för hans beskrivning av det moderna livet. Edmond Duranty, till exempel, i sin uppsats 1876 The Nouvelle Peinture (The New Målning), skrev om sin representation av det samtida temat i en tillräckligt innovativ stil som en revolution i målningen.
Sedan dess uppfattning har impressionism definierats av en uppsättning egenskaper. Dessa inkluderar: Bildpenslatser, distinkta färger, representationer av vanliga frågor, ett fokus på ljus och kompositioner inspirerade av fotografering.
I mitten av -1880 -talet hade den impressionistiska gruppen börjat lösa upp när varje målare förföljde mer och mer sina egna estetiska intressen och principer. Men i sin korta existens uppnådde den en revolution i konsthistoria och gav en teknisk utgångspunkt för post -impressionistiska konstnärer Cézanne, Av gas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh och Georges Seurat och släpper all den bakre västerländska målningen av traditionella tekniker. och tillvägagångssätt till ämnet.
Arv och närvaro av impressionism idag
Naturligtvis, som en utgångspunkt för modernism, påverkade impressionismen många efterföljande rörelser. Postimpressionister antog sin bildpensstke; Abstrakta expressionister fann inspiration till den okonventionella inställningen till formen av Monet; Och många samtida konstnärer fortsätter till och med att arbeta i en neo -impressionistisk stil.
Köp en kvinnlig reproduktion med ett paraply i onlinebutiken i Kadros
No.5 Post -impressionism (1885–1910)
Vissa exponenter: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impressionism är en term som används för att beskriva reaktionen på 1880 -talet mot impressionism. Det leddes av Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh och Georges Seurat. Post -impressionister avvisade oro för impressionism för den spontana och naturalistiska representationen av ljus och färg.
Alla dessa målare, utom Van Gogh, var franska, och de flesta började som impressionister; Var och en av dem övergav stilen för att bilda sin egen mycket personliga konst.
Liksom impressionisterna markerade de bildens konstgjorda. Post -impressionister trodde också att färg kunde vara oberoende av formen och sammansättningen som en emotionell och estetisk bärare av mening. Både impressionism och post -impressionism inkluderar några av de mest berömda moderna konstverk, till exempel Monet vattenliljor, en serie vattenlevande landskap och Den stjärnklara natten av Van Gogh.
Post -impressionister delade sitt arbete med allmänheten genom oberoende utställningar i hela Paris. 1910 myntade den framstående konstkritikern, historikern och kuratoren Roger Fry termen "post -impressionism" med sin show, manet och post -impressionister. Liksom post -impressionister själva trodde Fry att konstens skönhet i sig är förankrad i uppfattningen. "Konst är ett uttryck och en stimulans för fantasifullt liv istället för en kopia av det verkliga livet", förklarar Fry i en uppsats i estetik.
Som Fry förklarade trodde post -impressionister att ett konstverk inte borde kretsa kring stil, process eller estetisk strategi. Istället måste du betona symbolik och kommunicera meddelanden från konstnärens undermedvetna.
Post -impressionister ställde ofta ut tillsammans, men till skillnad från impressionisterna, som började som en mycket förenad och hjärtlig grupp, målade huvudsakligen ensam. Cézanne målade isolerat i Aix-en-provence i södra Frankrike; Hans ensamhet matchades av Paul Gauguin, som 1891 installerades i Tahiti och Van Gogh, som målade i fältet i Arles. Både Gauguin och Van Gogh avvisade impressionismens likgiltiga objektivitet till förmån för ett mer personligt andligt uttryck.
"Vilken djup och mystisk färg!
Till skillnad från impressionisterna som kämpade för att fånga effekten av naturligt ljus på nyans, post -impressionister som användes med avsikt en konstgjord färgpalett som ett sätt att framställa deras uppfattningar om världen som omringade dem. Mättade toner, mångfärgade skuggor och rika färgområden är tydliga i de flesta postimpressionistiska målningar, vilket visar den innovativa och fantasifulla tillvägagångssättet för konstnärer för representation.
I allmänhet flyttade post -impressionismen bort från en naturalistisk inställning och gick till de två huvudrörelserna i konsten från det tidiga tjugonde århundradet som ersatte den: kubism och fauvisism, som försökte framkalla känslor genom färg och linje.
Köp en stjärnåtergivning i onlinebutiken i Kadros
No.6 FAUVISM OCH Expressionism (1900–1935)
Målning placerad i tjocka, färger som kommer ut från sidan och antinaturliga toner: fauvism och expressionism är två av rörelserna som gav liv till dessa egenskaper. Så vad är skillnaden mellan dem om de kan beskrivas på samma sätt? Först kommer vi att förklara fauvism och expressionism på egen hand.
Fauvism
Några exponenter: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo grep den konstnärliga scenen från 1905 till 1910, mer eller mindre, och kännetecknas av en intensiv färg och djärva penseldrag. I vissa fall applicerade konstnärerna från denna period direkt från flaskan. Färgerna behövde inte vara trogen mot naturen, nödvändigtvis. De kunde förändras för att visa känslor. De valde enkla problem och på grund av detta verkade målningarna nästan abstrakta. Konstkritiker Louis Vauxcelles myntade termen efter att han beskrev arbetet med Henri Matisse och Andre Derain som "Les Fauves" eller djuren under en utställning 1905 i vardagsrummet D’Am Automne i Paris. Arbetet i utställningen av Matisse och Derain var fullt av onaturalistiska färgalternativ och vilda färgfläckar på duken. Det skulle vara början på fauvism.
Fauvismkonstnärer var djupt intresserade av den vetenskapliga teorin om färgen på 1800 -talet. Specifikt, med användning av kompletterande färger, förstod fauvistas hur man får färger att verka ljusare och djärva för att integrera dessa teorier.
Henri Matisses målning "kvinna med en hatt". Det kritiserades av de anti -naturliga färgerna i kvinnans ansikte. Paul Signac (1863-1935) är känd för sin poäng. Han var också en mentor för Henri Matisse. Puntillismo är en teknik där små punkter i primärfärger placeras tillsammans. När du flyttar bort kombineras den i en enda bild. Detta kan jämföras med pixlar på en datorskärm. Varje enskild pixel har en annan färg, men när du ser ett litet avstånd skapar de en bild. Stilen på Point Rill visade vad konstnärer kunde göra med primärfärger och hur de kunde använda optiska illusioner i sitt arbete.
Förutom Matisse och Derain inkluderar andra viktiga fauvistas artister Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault och Maurice de Vlaminck.
Expressionism
Några exponenter: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expressionism är en allmän term för alla konstverk som snedvrider verkligheten för att sammanfalla med interna känslor, åsikter eller idéer från konstnären. Kort sagt, det är en konst som uttrycker interna verkligheter i omvärlden. Detta är en ganska generaliserad definition, men det finns några distinkta egenskaper hos expressionism. I synnerhet kommer färgerna som används i expressionism att vara intensiva och ofta onaturalister, vilket innebär att någons hud kan målas blå istället för solbrun eller brun. Färgen används också ofta i stora mängder i den expressionistiska stilen, vilket skapar mycket struktur på duken.
Expressionism kom från "från insidan", och var en återspegling av konstnärens känslor mer än en representation av en scen. Två inflytelserika expressionistkonstnärer var Emily Carr och Edvard Munch.
När det gäller ämnet tenderar expressionistisk konst att vara emotionell och ibland till och med mytisk, förutsatt att expressionism är en förlängning av romantiken. Eftersom expressionism är en så bred term är det lätt att börja tillskriva den konsten. Sedan gäller för det mesta expressionism i allmänhet för det tjugonde århundradet. Det sägs att det började med Vincent van Goghs arbete och sträcker sig till modern konst som vi känner till det idag.
De viktigaste skattebetalarna till den expressionistiska rörelsen är konstnärer som Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch och andra.
Köp en reproduktion av Cry i onlinebutiken i Kadros
Fauvisism kan ses som en delmängd av expressionism. Expressionism kan inkludera ett så brett utbud av konst och rörelser att det är nästan omöjligt att skilja dem för att vara riktigt annorlunda. De använder samma tekniker och klassificeras av samma egenskaper och den enda verkliga skillnaden är den specifika karaktären av fauvism i motsats till expressionismens allmänna karaktär.
Något som kan betraktas som FauVista kan också vara en del av expressionismens område. Men något som betraktas som en expressionist är inte nödvändigtvis i Fauvista -stilen. Fauvism är lite mer vild, men med ett mer förenklat tema.
Så, fauvism kontra expressionism är inte en sak. De tävlar inte med varandra eftersom den ena helt enkelt är en version av den andra.
No.7 Cubism (1905–1920)
Några exponenter: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubism, mycket inflytelserik visuell konststil under det tjugonde århundradet som skapades främst av konstnärerna Pablo Picasso och Georges Braque i Paris mellan 1907 och 1914. Den kubistiska stilen betonade den platta och två dimensionella ytan på bildplanet och avvisade traditionella tekniker . av perspektiv, Scorzo, modellerar och tydlig och motbevisar de forntida teorierna om att konst ska imitera naturen. Kubisterna trodde att traditionerna för västerländsk konst hade varit uttömda och att återuppliva sitt arbete, de tyckte till den uttrycksfulla energin i konsten från andra kulturer, särskilt afrikansk konst.
Kubismen härstammar sitt namn från kommentarerna från kritikern Louis Vauxcelles, som avyttrade Braques arbete 1908 hus i L’Estaque som sammansatt av kuber. I Braques målning, volymerna i husen, de cylindriska formerna av träden och det bruna och gröna schemat minns landskapen av Paul Cézanne, som djupt inspirerade kubisterna i deras första utvecklingsstadium (fram till 1909). Det var emellertid Les Demoiselles d'Avignon, målad av Picasso 1907, som förskuggade den nya stilen; I detta arbete blir formerna av fem kvinnliga naken vinklade och sprickade former.
Det kan ses att kubismen utvecklades i två olika faser: den initiala och mer stränga analytiska kubismen och en bakre fas av kubismen känd som syntetisk kubism. Analytisk kubism utvecklades mellan 1908–12. Hans konstverk ser allvarligare ut och bildas av en kombination av plan och linjer i toner av svarta, grå och ockra. Syntetisk kubism är den bakre fasen av kubismen, det anses generellt att den är från ungefär 1912 till 1914 och kännetecknas av enklare former och ljusare färger. Syntetiska kubistiska verk inkluderar vanligtvis kombinerade verkliga element, såsom tidningar. Införandet av verkliga föremål direkt i konst var början på en av de viktigaste idéerna om modern konst.
Medan skapandet av detta nya visuella språk tillskrivs Picasso och Braque, antogs och utvecklades det av många målare, inklusive Fernand Léger, Robert och Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes och Jean Metzinger. Även om det huvudsakligen är förknippat med målning, utövade kubismen också ett djupt inflytande på skulpturen och arkitekturen under det tjugonde århundradet. De viktigaste kubistiska skulptörerna var Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon och Jacques Lipchitz. Antagandet av kubistisk estetik av den schweiziska arkitekten Le Corbusier återspeglas i formerna av husen han designade under 1920 -talet.
Under vintern 1912–13 genomförde Picasso ett stort antal pappers colléer. Med denna nya teknik med att klistra in bitar av färgat eller tryckt papper i sina kompositioner, svepte Picasso och Braque de sista resterna av tre dimensionella utrymme (illusionism) som fortfarande förblev i deras "höga" analytiska arbete.
De formella befriande begreppen som initierades av kubismen hade också höga konsekvenser för Dada och surrealism, liksom för alla konstnärer som strävar efter abstraktion i Tyskland, Holland, Italien, England, USA och Ryssland.
No.8 Dada and Surrealism (1917–1950)
Dadaist
Några exponenter: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Internationell omfattning och mångfaldig konstnärlig produktion, både den givna och surrealismen var konstnärliga, litterära och intellektuella rörelser under det tidiga tjugonde århundradet som var grundläggande för att definiera modernismen. Den givna rörelsen, som lanserades i Zürich 1916 av poeter och konstnärer som Tristan Tzara och Hans ARP, var en direkt reaktion på massakern, propaganda och galenskap under första världskriget Oberoende grupper kopplade till vanliga idéer dök upp strax efter i New York. , Berlin, Paris och andra platser. Dessa olika grupper delade inte en universell stil, men var kopplade för deras avslag på idealism, föråldrade konstnärliga och intellektuella konventioner och den okontrollerade kramen i det moderna samhället till "rationalism" och "framsteg".
Med tanke på att det var en europeisk avant -garde konstnärlig rörelse, med tidiga centra i Zürich, Schweiz och New York.
Namnet, extraherat från en ordbok i Zürich 1916, betyder "gunghäst" på franska eller "ja" på rumänska och ryska. Men eftersom namnet på en rörelse egentligen inte betyder något alls. Sjuk av kultur som hade producerat Carnage från första världskriget, med tanke på att det utmanade alla heliga kor, kastade uttrycket och författarskapet genom fönstret och firade chans och absurd.
Dada rötter finns i avant -garde före krig. Termen Antiarte, en föregångare till Dada, myntades av Marcel Duchamp omkring 1913 för att karakterisera verk som utmanar de accepterade begränsningarna av konst.
Dadaiströrelsen inkluderade offentliga möten, demonstrationer och publicering av konst / litterära tidskrifter; Den passionerade täckningen av konst, politik och kultur diskuterades ofta i en mängd olika medier.
Rörelsen påverkade bakre stilar som avant -garde och centrala musikrörelser och grupper som inkluderar surrealism och popkonst.
Sedan anlände Surrealism för att kanalisera de antidadiska energier från dadaisterna som Marcel Duchamp tillbaka till museet, som utlöste en oerhört framgångsrik men hektisk rörelse som förstörde Europa mellan krigarna och kramade många medier.
Surrealism
Några exponenter: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
En av de viktigaste och subversiva rörelserna under det tjugonde århundradet, surrealism blomstrade särskilt på 1920- och 1930 -talet och gav ett radikalt alternativ till kubismens rationella och formella egenskaper. En litterär, filosofisk och konstnärlig rörelse under det tjugonde århundradet som utforskade sinnets funktion och försvarade det irrationella, det poetiska och den revolutionära.
Till skillnad från Dada, från vilken det uppstod på många sätt, betonade det positiva avslaget snarare än pessimistiken för tidigare traditioner.
Ordet "surrealist" (som föreslår "bortom verkligheten") myntades av den franska avant -garde poeten Guillaume Apollinaire i ett verk skriven 1903 och representerades 1917. Men det var André Breton, ledare för en ny grupp poeter och konstnärer I Paris, som i sitt surrealistiska manifest (1924) definierade surrealism som: ren psykisk automatism, genom vilken det föreslås att uttrycka, antingen muntligt, skriftligt eller på något annat sätt, den verkliga funktionen av tankar. Tankdiktat i frånvaro av någon kontroll som utövas av förnuft, utöver alla estetiska och moraliska problem.
Flera olika trådar kan särskiljas i den visuella manifestationen av surrealism. Konstnärer som Max Ernst och André Masson gynnade automatiken där medveten kontroll undertrycks och det undermedvetna får ta kontrollen. Tvärtom förföljde Salvador Dalí och René Magritte en fantastisk känsla av superrealitet där scenerna representerade inte har någon verklig mening. En tredje variation var sammansättningen av icke -relaterade element som skapade en orealiserbar verklighet utanför gränserna för den normala verkligheten. Surrealism ursprungligen har sitt ursprung i Paris. Dess inflytande utvidgades genom en serie internationella tidskrifter och utställningar, var de viktigaste exemplen på den senare den internationella surrealistiska utställningen i den nya Burlington, London och Fada of Fantastic Art, Surrealism in the Museum of Modern Art New York, båda gjorda i 1936. Med utbrottet av andra världskriget överfördes centrum för surrealistisk verksamhet till New York och i slutet av kriget hade rörelsen tappat sin sammanhållning. Det har emellertid bevarat ett kraftfullt inflytande, tydligt tydligt i aspekter av abstrakt expressionism och andra konstnärliga manifestationer under andra hälften av det tjugonde århundradet.
Många hävdar att surrealism, som en identifierbar kulturrörelse, avslutades med Bretons död 1966. Andra tror att det förblir en viktig och relevant styrka idag.
No.9 Abstract Expressionism (1940–1950)
Några exponenter: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
Den "abstrakta expressionismen" var aldrig en idealisk etikett för rörelse, som utvecklades i New York på 1940- och 1950 -talet. På något sätt var det avsett att täcka inte bara arbetet för målarna som fyllde sina dukar med fält med fältfärg och abstrakta former, men också de som attackerade sina dukar med ett kraftfullt gestuttryck. Alla var engagerade i konst som uttryck för jaget, födda av djupa känslor och universella teman, och de flesta bildades av arvet från surrealism, en rörelse som översattes till en ny stil som anpassade sig till post -kriget av ångest och trauma. I deras framgång stal dessa New York -målare Paris som sin mantel som ledare för modern konst och förberedde scenen för att behärska USA i världen av internationell konst. Abstrakt expressionism markerade början på påverkan av New York City som centrum för västra konstvärlden. Världen av abstrakta expressionistiska konstnärer var fast förankrad i Low Manhattan. En promenad längs 8th Street skulle ta den från Waldorf Cafeteria, där konstnärer utan pengar tjänade "tomatsoppa" med varmt vatten och gratis ketchup; Efter Hans Hofmann School of Plastic Artists grundad av målaren med samma namn; Till klubben fortsatte ett loft där konferenser och upphettade argument om konst fram till sent på natten. Jackson Pollocks studie var på East 8th Street, Kooning och Philip Guston Willem var i East 10th, och även om Franz Kline flyttade till flera hus och studier i området, hittade de flesta nätter honom och många av hans samtida i Cedar Street Tavern på The Tavern på The the the the the the the the Universitetssidan.
Rörelsen inkluderade många olika bildstilar som varierade både i tekniken och i uttrycket. De använder ofta grader av abstraktion; Det vill säga de representerar orealistiska eller, vid extrema former, former som inte extraheras från den synliga världen (icke -objektiv). De betonar fritt, spontant och personligt känslomässigt uttryck och utövar betydande teknikfrihet och genomförande för att uppnå detta mål, med särskild tonvikt på utnyttjandet av målningens varierande fysiska karaktär för att framkalla uttrycksfulla egenskaper (till exempel sensualitet, dynamik ). , våld, mysterium, lyrik).
De flesta konstnärer som är förknippade med abstrakt expressionism mognades på 1930 -talet. De påverkades av tidens vänsterpolitik och kom till en konst baserad på personlig erfarenhet. Få skulle behålla sina tidigare radikala politiska åsikter, men många fortsatte att anta Frank avant -garde.
Trots mångfalden i den abstrakta expressionistiska rörelsen kan tre allmänna tillvägagångssätt särskiljas. Den ena, handlingsmålningen, kännetecknas av lös, snabb, dynamisk eller energisk hantering av färg vid skanning eller skärpstrokes och i tekniker som delvis dikteras av en slump, såsom att droppa eller spilla färgen direkt på duken. Konstnärer: Pollock, Kooning.
Den genomsnittliga termen inom abstrakt expressionism representeras av flera olika stilar, allt från mer lyriska, känsliga och flytande former. Konstnärer: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Den tredje mindre uttrycksfulla metoden var Rothko, Newman och Reinhardt. Dessa målare använde stora områden, eller fält, platt och fin färg och diaphanous för att uppnå tysta, subtila och nästan meditativa effekter.
Även om rörelsen till stor del har representerats genom den historiska dokumentationen som tillhörde den heroiska manliga konstnären prickad med målning, fanns det flera viktiga kvinnliga abstrakta expressionister som kom från New York och San Francisco under 1940- och 1950 -talet som nu får kredit som elementära medlemmar i avgiften.
No.10 Pop Art (1960)
Några exponenter: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist och Claes Oldenburg
Pop Art började med New York -konstnärer Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist och Claes Oldenburg, som inspirerades av populära bilder och faktiskt var en del av ett internationellt fenomen.
Det var en uppror mot de dominerande tillvägagångssätten för konst och kultur och traditionella åsikter om vad konst borde vara. Unga konstnärer kände att det de lärde dem på School of Art och vad de såg på museerna inte hade något att göra med sina liv eller de saker de såg runt dem varje dag. Istället källor som Hollywood -filmer, reklam, produktförpackningar, popmusik och serier för att få sina bilder. Efter populariteten hos abstrakta expressionister var återinförandet av identifierbara bilder med POP (extraherad från media och populärkultur) en viktig förändring i modernismens riktning.
1957 listade popkonstnären Richard Hamilton "Pop Arts egenskaper i ett brev till sina vänner Arkitekterna Peter och Alison Smithson: Pop Art Is: Popular (designad för en masspublik), övergående (kortvarig lösning), utgifter för utgifter (Lätt att glömma), låg kostnad, producerad av massa, unga (riktade till ungdomar), geniala, sexiga, truculent, glamorösa, stora företag. Modernistiska kritiker blev förskräckta av användningen av popartister av ett sådant "lågt" tema och för deras uppenbarligen lilla kritiska behandling av det. Faktum är att Pop förde konst till nya tematiska områden och utvecklade nya sätt att presentera den i konst och kan ses som en av de första manifestationerna av postmodernism.
Även om de inspirerades av liknande frågor, ses brittisk pop ofta som en distinkt amerikansk pop. Tidig popkonst i Storbritannien drevs av amerikansk populärkultur sett på avstånd, medan amerikanska konstnärer inspirerades av vad de såg och upplevde att leva inom den kulturen. I USA var Pop -stil en återgång till representativ konst (konst som representerade den visuella världen på ett igenkännligt sätt) och till användning av hårda kanter och olika former efter bildens losshet i abstrakt expressionism. Genom att använda opersonliga och vardagliga bilder ville popkonstnärer också komma bort från betoningen på personliga känslor och personlig symbolik som kännetecknade abstrakt expressionism. I Storbritannien var rörelsen mer akademisk i sin strategi. När han använde ironi och parodi fokuserade han mer på vilka amerikanska populära bilder och deras makt att manipulera människors livsstilar representerade. Konstgruppen på 50 -talet, den oberoende gruppen (IG), anses föregångaren till den brittiska popkonströrelsen. Pop Art var en ättling till Dada.
De flesta popkonstnärer strävade efter en opersonlig och urban attityd i sina verk. Vissa exempel på popkonst uttryckte emellertid subtilt social kritik, till exempel Oldenburgs fallna föremål och de monotona repetitionerna av Warhol av samma banala bild har en utan tvekan störande effekt, och vissa, som de mystiska och ensamma segal kadrerna som de är öppet uttryckister.
Kanske på grund av införlivandet av kommersiella bilder har popkonst blivit en av de mest kännbara stilarna i modern konst.
No.11 Postmodernism (1970–)
Några exponenter: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn på himlen av ©James Gill
Att postmodernitet är odefinierbar är en sanning. Det kan emellertid beskrivas som en uppsättning kritiska, strategiska och retoriska praxis som använder begrepp som skillnad, upprepning, spår, simulering och hyperrealitet för att destabilisera andra begrepp som närvaro, identitet, historisk framsteg, säkerhetsepistemisk och entydighet av mening.
Termen "postmodernistisk konst" hänvisar till en bred kategori av samtida konst skapad från ungefär 1970 och framåt. Den distinkta tätningen av "postmodernistisk konst" är dess avslag på estetik som dess föregångare, "modern konst" (1870-1970) baserades på. Ett av dessa avvisade värden är idén att "konst" är något "speciellt" som borde vara "hög av den" populära smaken. Sammanfattningsvis med en serie ny teknisk utveckling har postmodernism lett till nästan fem decennier av konstnärlig experiment med nya medier och nya konstformer, inklusive "konceptuell konst", olika typer av "performancekonst" och "installationskonst", samt assisterad Rörelser som dekonstruktivism och projektionskonst. Med hjälp av dessa nya former har postmoderna konstnärer utökat definitionen av konst till att "allt är värt."
Den första viktiga konststilen efter renässansen var akademisk konst, det klassiska materialet som lärdes av lärare i akademier. Akademisk konst är den konstnärliga motsvarigheten till den traditionella "kostym och slips". Därefter, omkring 1870, kommer den "moderna konsten". Detta är den konstnärliga motsvarigheten till "skjorta och byxor" eller "jacka och byxor". Därefter, omkring 1970, kommer den "postmoderna konsten", som är den konstnärliga motsvarigheten till "jeans och t -tröja". På samma sätt som klädkoderna har blivit mindre formella och mer "allt är värt" är dagens konstnärer mindre imponerade av de gamla idéerna om vad konst ska vara och mer fokuserade på att skapa något (vad som helst) än det märks.
Anti-autoritär av naturen vägrade postmodernism att erkänna myndigheten i någon stil eller definition av vad konst ska vara. Skillnaden mellan högkultur och masskultur kollapsade mellan konst och det dagliga livet. Eftersom postmodernitet bröt de etablerade reglerna för stil, införde en ny era av frihet och känslan av att "allt är värt." Ofta roligt, ironiskt eller löjligt; Det kan vara motstridiga och kontroversiellt, utmana smakgränserna; Men det viktigaste är att det återspeglar en självmedvetenhet i själva stilen. Ofta, blandning av olika stilar och konstnärliga och populära medier, kan postmodernistisk konst också låna medvetet eller medvetet eller ironiskt kommentera en mängd olika stilar. Således anser postmoderna att deras teoretiska ståndpunkt är exceptionellt inkluderande och demokratiska, eftersom det gör att de kan erkänna den orättvisa hegemonin i illustrationens diskurser om de lika giltiga perspektiven för icke -elitgrupperna.
På 1980- och 1990 -talet antog akademiska försvarare i namnet på flera etniska, kulturella, ras- och religiösa grupper postmodern kritik av det samtida västerländska samhället, och postmodernism blev den inofficiella filosofin om den nya rörelsen av "identitetspolitik"
Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.
