De 10 mest berömda abstrakta målningarna

I titel - första abstrakt akvarell Vi hittar en bra färgbrist, som finns i de flesta av dess målningar, men användningen av akvareller istället för oljor lämnar en synligt annorlunda färdig som gör detta arbete intressant och ganska unikt för dess produktion 1910. Arbetet verkar nära vara Avslutad snabbt, vilket är typiskt för denna konstform eftersom målningen torkar mycket snabbt. Han arbetar också uttryckligen, utan att oroa sig för mycket för precision, men fokuserar mer på valet av färger och fyller duken med olika former och linjer. Det var verkligen abstrakt och detta var något som verkade mer och mer när han avancerade i sin karriär, när han flyttade mer och mer från verkligheten på det sätt han använde.

Kandinsky specialiserade sig på oljor men arbetade med akvareller då och då. Jag skulle ha hittat detta enkla sätt att arbeta och något som också anpassade sig bra till de snabba studierna, där jag försökte förstå designen för en framtida bit. Han använde också litografier, xylografer och etsning vid andra tillfällen, särskilt i de tidiga stadierna av sin karriär när han var särskilt experimentell.

I samarbete med akvareller kunde Kandinsky slutföra denna målning på bara tre dagar. Trots sin hast genomförde Kandinsky emellertid flera studier för detta konstverk innan han startade den slutliga sammansättningen. Det som gick med i hastigheten som kan tolkas i titeln var hans färgval, eftersom Kandinsky han genialt valde färger som han visste att de troget skulle representera hans känslor vid den tiden. Linjerna och formerna som också ritades och betonade och betonade det kaos och brådskande som upplevs för att se denna målning.

Abstraktion visas också tydligt inom detta konstverk genom de lösa och vaga linjerna som representerades, vilket väckte ett betydande intresse mellan den konstnärliga publiken vid den tiden. Det finns ingen titel som en viktig anstiftare av den abstrakta konströrelsen, eftersom det var första gången som något på distans separerade och utan begränsningar accepterades som ett adekvat tema inom konstverk vid den tiden. Ingen titel Det markerade en avgörande punkt inom europeisk konst som avgång av traditionella konstverk till mer abstrakt och oinhibiterade konstverk.

Perioden mellan 1910 och 1914 ansågs toppen av Kandinskys karriär och toppen av hans största konstnärliga prestationer. Därför, utan en titel, fanns det som ett av de första konstverken som blatant kasserade alla referenser till igenkännliga former och framkom från de begränsningar som ställs av konventionerna om representation av Västeuropa.

Denna uppfattning om total frihet fortsatte att ockupera en framträdande plats i de flesta av de verk som skapats av Kandinsky under denna period.

Nr 2 vuxen ålder nr 7 - Hilma Af Klint

Även om hon inte är så välkänd som många av de manliga konstnärerna i sin tid, var den svenska konstnären Hilma Af Klint en abstrakt pionjärkonstnär vars radikala målningar är före många av hennes manliga samtida. Han begärde att hans stora arbete, varav den majoriteten aldrig ställdes ut under sitt liv, förblev dold upp till 20 år efter hans död. 

Samlingen representerar livets stadier, inklusive barndom, ungdom, mognad och ålderdom. De kombinerar botaniska element och igenkännbara organiska föremål som hänvisar till födelse och tillväxt.

De Ålder Vuxen Nr 7 i Hilma Klint Det är en enorm duk, 3 meter hög och 2 meter bred, målades på papper, på studiogolvet och fastnade sedan på en duk.

AF Klint tolkar vuxen ålder i full blommande målning flera former som flyter fritt i olika storlekar och färger på en lila bakgrund. Den centrala gula symbolen liknar en blomma, medan spiraler och biomorfa former är symboler för tillväxt och fertilitet.

Nr 3 Senecio - Paul Klee

Slutfördes 1922, Senecio målning Det är en manifestation av humor och afrikansk kultur hos Paul. Enkla färger och former använder Paul flera toner av orange, rött och gult för att avslöja porträttet av en gammal man. Den konstnärliga användningen av former ger det falska intrycket att ett öga höjs. Dess vänstra ögonbryn representeras av en triangel medan den andra bildas av en enkel krökt linje. Porträttet kallas också chef för en man som går senil och imiterar avsiktligt barnens konstverk genom användning av tvetydiga former och former med minimala ansiktsdetaljer.

Denna anpassning av det mänskliga ansiktet är dividerat med färg i rektanglar. De platta geometriska rutorna hålls i en cirkel som representerar ett maskerat ansikte och visar den mångfärgade dräkten av en harlequin. Ett porträtt av artisten Senecio -konstnären kan ses som en symbol för det förändrade förhållandet mellan konst, illusion och dramas värld. Denna målning visar principerna för Klees konst, där de grafiska elementen i linje, färg och rymdplaner sätts i rörelse av en energi från konstnärens sinne. I sina fantasifulla klotter gillade han, med sina egna ord, "ta ut en vandringslinje."

Nr 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue målning Det var övergången av Miró mellan figurativ och abstrakt konst.

Denna målning är känd för att vara en av de viktigaste målningarna i Miros karriär. I synnerhet kan den brännande blå som används i flera av hans framtida verk och till och med påverkade målare som Mark Rothko och Yves Klein.

Etoile Bleue är en fantastisk målning, men det är en målning av frågor mer än svar.

Miró var den stora synthesizer av en era med många olika idéer, något som idag, men de konstnärliga idéerna var mycket mer komplexa än idag.

Målningen kombinerar fauvistas färger, kubistformer och surrealistiska avsikter i ett verk som tittaren visuellt kan utforska om och om igen. Det är bland så många saker att du har många frågor vars svar är lika drömliknande som bilden.

Om den blå formen observeras i det övre vänstra hörnet. Det är en fågel. Troligtvis är det, men vilken fågel är inte klar. När man tittar på det ett tag kan det definitivt säga att det är en dynamisk form, men det kan lätt hävda att det flyger till vänster eller till höger eller till och med ner och mot oss.

Den stora röda stycket i det nedre mitten. Är det en fot? Det ses definitivt lika stabilt och förankrat eftersom det blå stycket är dynamiskt.

Den här målningen är en juvel för dina älskare. Vid första anblicken vinglar det lite och rör sig, men ett ögonblick rör sig det mot den elastiska figuren längst ner till höger.

Miró, en katalansk konstnär född i Barcelona 1893, kallade sitt surrealistiska drömlandskapspeintur (Étoile Bleue) från 1927, en nyckelbild, som innehåller symboler som han skulle använda upprepade gånger under senare år, och till och med den färgglada blå färgen påverkade senare målare, inklusive Mark Rothko och Yves. Klein

Nej. 5. Komposition VII - Wassily Kandinsky

De Målningskomposition VII av Wassily Kandinsky betraktas av många fans av abstrakt konst, som det viktigaste konstverket under det tjugonde århundradet, kanske till och med den viktigaste abstrakta målningen som någonsin skapats.

Detta arbete är en logisk fortsättning av kompositionen V och Komposition VI . De tre målningarna är kopplade till temat Apocalypse. Sådana delar av kompositionen VI hur översvämningen och uppståndelsen kan spåras i detta arbete. Dess huvudtema är den slutliga domen, men det ses inte som en katastrof utan som en befrielse, övergången från världen från materialet till det andliga. Därför skiljer sig sammansättningen VII från seriens andra verk för dess tydliga färger och dess glittrande kontrastlinjer.

Kandinsky byggde var och en av sina kompositioner så att tittaren kunde komma in i bilden som om han vände sig inuti henne. Han gjorde den nedre kanten av kompositionen tyngre och drev den framåt, medan den övre delen förblir lättare och mer avlägsen för tittaren. En av de viktigaste kontrasterna hos konstnären, blå och gult bildar det centrala området för aktiv rörelse in och ut.

Kandinsky tillbringade många månader på att förbereda sin sammansättning VII, men det tog bara fyra dagar att måla henne. Konstnären genomförde cirka 30 studier av denna målning. Några av dem kommer ihåg Caravaggio eller Leonardo da Vinci med sina detaljerade studier av tygveck, bladen på träden eller de mänskliga lemmarna. I den här serien presenterar vissa verk upprepade gånger samma böjda linje, andra visar schematiskt de grundläggande strukturella elementen i kompositionen och vissa innehåller ett detaljerat plan för kompositionen. Dessutom finns det cirka 15 olika målningar som är relaterade till komposition VII: Dessa är oljesskisser eller penna, akvareller, glas och graverade målningar.

Gabrielle Minter, som bevittnade skapandet av denna målning, skrev i sin tidning den 25 november 1913 att Canvas for Composition VII levererades hemma i Murnau, och Kandinsky började arbeta samma natt. Nästa morgon tog han det första fotografiet av målningen och efter lunch tog han det andra. Ingången den 28 november i Diario de Minter sa att målningen var klar. Den 29 november tog han ett foto av det färdiga arbetet. Således registrerades födelsen av ett stort mästerverk.

Komposition VII upptar position nr. 100 på vår lista över Kända målningar

Nr 6 Komposition X - Kandinsky

Candinsky citerade som en av de första mästarna för abstrakt målning och var inte bara en rysk målare utan också en konstteoretiker. Påverkan som inledde och lämnade i konstvärlden och i abstraktion var enormt eftersom konstgruppen Phalanx och den nya gruppen av konstnärer sedan dess och organiserade utställningar för sina samtida under sina år som konstnär. Han producerade mer än 600 verk under hela sin karriär, med en målning från 1913 som nådde sitt rekordpris på auktion på 41,6 miljoner dollar 2017. 

Trots denna imponerande skiva var hans mest betydelsefulla verk möjligen Komposition x. Senast i sitt liv med "kompositioner". Med det försökte han kulminera sin forskning om renheten i form och uttryck genom detta arbete. Efter att ha använt den svarta färgen i måttlighet i sin praxis till denna punkt har det kritiserats att detta arbete framkallar både kosmos och mörkret i omen som närmar sig i slutet av sitt liv. 

Ursprungligen påverkades skapandet av sammansättning X av de biomorfa formerna av surrealism.

Emellertid använde Wassily Kandinsky senare konsten att använda organiska former i sina målningar. Detta är en stil som han senare använde under sina målningar.

Stilen gav sitt arbete singularitet. Det var enkelt och nästan omöjligt att inte känna igen de målningar som skapades av Wassily Kandinsky när de visades på utställningar eller andra platser.

Dessutom skapades komposition X i Frankrike. När man ser färgen visar det att målaren använde en svart bakgrund. Det främsta skälet till att använda den svarta bakgrunden var att färgerna till förgrunden tydligt skulle ses.

Nr 7 Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens "En svartvit målning som Pollock kastade primärfärger," återspeglar krisen i det kalla kriget. Det är ett av hans mästerverk, och det kan också vara den mest kända målningen av en abstrakt expressionist. 1964 producerade Springbok -utgåvorna ett pussel med målning, som befordrades som det "svåraste pusslet i världen", och hundratusentals amerikaner köpte det.

1951 sa Pollock: ”Det verkar för mig att den moderna målaren inte kan uttrycka sin tid, planet, atombomben, radion, i de gamla formerna av renässansen eller någon annan tidigare kultur. Varje era hittar sin egen teknik. " Pollock hittade sin teknik i målningen av hus och droppar och använde den för att uttrycka sin egen tid.

Med en storlek på 237 x 394 centimeter är konvergens en av de flesta ambitiösa målningar av Pollock. Han är känd för sin visuella glans och framkallar djupa känslor hos tittaren. Även om Jacksons verk fortfarande är svåra att dechiffrera även för konstexperter, betraktas hans målningar som manifestationer av yttrandefrihet. Konvergens, som är ett framträdande exempel i den meningen, förblir ett av dess mest berömda mästerverk.

Nr 8 Elegory till den spanska republiken -ROBERT MOTHERWELL

Även om Robert Motherwell bara var 21 år gammal när det spanska inbördeskriget bröt ut, påverkade hans grymhet honom mycket under de följande åren. Detta ledde till att han skapade en serie på mer än 200 målningar som svar på honom. Serien "vald till den spanska republiken" fungerar som en mångfald av minnesmärke av mänskligt lidande, liksom "abstrakta och poetiska symboler för den orubbliga cykeln av liv och död."

Om elegierna förklarade Motherwell att, ”Efter en period med att måla dem upptäckte jag svart som en av mina frågor, och med svart, kontrasterande vitt, en känsla av liv och död som för mig är ganska spansk. De är i huvudsak den spanska svarta döden i motsats till bländningen av ett solljus som Matisse. ”

Hans elegier utgör en utökad abstrakt meditation om liv och död. Under hela serien är horisontella vita dukar rytmiskt uppdelade med två eller tre vertikala staplar fritt ritade och punkterade i flera intervall med äggformiga former. Målningarna är vanligtvis helt sammansatta av svartvitt, färgerna på sorg och glöd, död och liv. Motherwell kommenterade intrasslingen av dessa krafter som en metafor för deras förståelse av upplevelsen av att leva.

Han valde att den spanska republiken beskriver en majestätisk passage av det organiska och det geometriska, det oavsiktliga och det avsiktliga. Liksom andra abstrakta expressionister lockades Motherwell av den surrealistiska principen om automatism - av metoder som undkom till konstnärens medvetna avsikt - och hans stroke har en känslomässig börda, men inom en allmän struktur av en viss svårighetsgrad. I själva verket såg Motherwell de noggranna arrangemangen av färg och form som hjärtat av abstrakt konst, som "är avskalad från andra saker för att intensifiera det, dess rytmer, rymdintervall och färgstruktur."

Nr 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Denna monumentala blomma målning är ett av O'Keeffes första mästerverk. Genom att förstora kronbladen långt utöver proportionerna av den naturliga storleken, tvingar det tittaren att observera de små detaljerna som annars skulle kunna förbise. När målningarna i denna grupp först ställdes ut 1924, blev till och med Alfred Stieglitz, hennes man och köpman, förvånad över hennes modighet.

Georgia O'Keeffes Black Iris är ett exempel på ett av hans många verk om ämnet blommor och i synnerhet iris, en blomma rik på symbolik. Men i Black Iris III var O'Keeffes mål inte att hänvisa till denna symbolik eller lägga till den, utan snarare uppmuntra tittaren att titta och se blomman och överväga de olika sätten som människor ser. Det blir således en djup meditation om konsten att se, inte bara till konst utan till livet. I den här artikeln analyserar Singularart den projicerade symboliken i O'Keeffes målning, liksom dess egna avsikter när man skapar Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe var orolig för frågan om irismålning i många år, särskilt Black Iris, som var svårare att hitta och var bara tillgängligt i några veckor om året i New York. Iris är en familjesymbol i den västra världen: i grekisk mytologi personifierar gudinnan Iris regnbågen och kopplingen mellan himmel och jord; I kristendomen symboliserar iris passionen för Kristus och uppståndelse, såväl som Maria. För sin del förvandlade Linda Nochlin, konsthistoriker, iris av O'Keeffe till en feministisk symbol när han beskrev dem som en "morfologisk metafor" av de kvinnliga könsorganen, vilket återspeglade "enhetens feminina och den naturliga ordningen." Black Iris IIIY: s beskrivning av Black IIIY De andra irismålningarna av O'Keeffe förankrade dem i konsthistorien och feminismens historia och feministisk konst.

O'Keeffe avvisade dock denna beskrivning och uppgav att: ”Ingen ser en blomma, verkligen, är så liten. Vi har inte tid, och ser att tid att ha en vän tar tid. Om jag kunde måla blomman exakt som jag ser den, skulle ingen se vad jag ser eftersom jag skulle måla den liten eftersom blomman är liten. Så jag sa till mig själv: Jag kommer att måla vad jag ser, vad blomman är för mig, men jag kommer att måla den stor och kommer att bli förvånad när du tar dig tid att titta på det, jag kommer att få även de ockuperade New Yorkers att ta sig tid För att se vad jag ser om blommor. Jag fick dig att ta dig tid att titta på vad jag såg och när du tog dig tid att verkligen märka min blomma, satte du alla dina egna föreningar med blommor i min blomma och skrev om min blomma som om jag tänkte och se vad du tycker och ser . Blomman, och det gör jag inte.

Nr 10 Exchange - William de Kooning

1955 slutförde Kooning Willem arbetsutbytet. Han hade fokuserat länge på att omarbeta studier av figurer involverade kvinnor som började 1948. Dessa var förknippade med deras individuella utställning 1953, målningar om kvinnor, som öppnade i New York City vid den tiden. Vissa titlar på dessa verk inkluderar kvinnor I, Woman III och Women V, samt två kvinnor med en död natur.

År 1955 hade han från Kooning slutat måla mänskliga figurer och fortsatte att använda abstrakta representationer av arkitektur och samhällen i New York City.

Kooning Willem använde snabba gestmärken på duken. Bilden visar en kvinna som sitter i en stol, men kvinnor förekommer bara som en massa av topp. När han utsåg sina målningar föredrog han alltid en länk till det område där han bodde. Utbytet erhöll namnet på omgivningen, centrum av New York, den plats där han bodde under den tiden.

Ursprungligen såldes målningen av konstnären 1955 för 4 000 dollar.

Det såldes sedan av David Geffen Foundation till Kenneth C. Griffin för 300 miljoner dollar i september 2015 och placerade den på andra plats i listan över dyrare målningar, bara överträffade av Salvator Mundi de Leonardo Da Vinci, som såldes för 450.3 miljoner dollar i november 2017.

Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.