Descrição
Giovanni Bellini e sua oficina criaram a lamentação sobre o corpo de Cristo durante o alto renascimento. Eles produziram várias variações dessa questão, mas esse trabalho em particular é significativo devido à dramática técnica de chiaroscuro usada. Isso coloca a pintura no alto período do Renascença, usando a técnica favorita dos artistas durante esse período de tempo, incluindo Leonardo da Vinci. Literalmente, esclarcuro significa claro e escuro. O contraste entre escuridão e luz permite um efeito mais dramático e se originou durante o período do tempo do Renascimento.
Pode -se dizer que a arte renascentista é o renascimento das tradições antigas. Os artistas começaram a combinar as tradições da antiguidade clássica e as novas idéias tiradas de desenvolvimentos artísticos no norte da Europa. Um estilo humanista estava emergindo e integrado à arte desta época. Outras caracterizações do período de tempo mostraram uma perspectiva linear e atmosférica, aperfeiçoando a anatomia e o equilíbrio e a simetria.
Nesta pintura, Giovanni Bellini retorna a uma questão que enfrentou em inúmeras ocasiões ao longo de seu trabalho: a Virgem e o Apóstolo João sentado no chão para sustentar o corpo de Cristo deixou a cruz da cruz. Várias figuras são organizadas em torno dos temas centrais, provavelmente pintados com a ajuda de um dos colaboradores de Bellini. À direita está a figura de um monge, um anacronismo na história de Cristo que demonstra que a pintura era de natureza devocional, em vez de narrativa e destinada à meditação.
É uma composição mais movimentada do que a anterior "Image Pietatis", na qual o isolamento das figuras se torna um diafragma que separa o espectador dramático. Aqui, os joelhos proeminentes de Cristo e sua corrida abrupta quebram abruptamente esta parede ideal e aproximam o grupo sagrado e, portanto, para uma comunicação mais imediata com aqueles que adoram.
A técnica da pintura monocromática é particularmente interessante, dando a impressão de um estudo preparatório e fazendo com que alguns críticos considerem a possibilidade de a pintura estar inacabada. De fato, de acordo com o estudioso veneziano do século XVI, Paolo Pino, Giovanni Bellini estava acostumado a criar estudos preparatórios cuidadosamente executados aos quais ele acrescentou cores. Uma interpretação alternativa é que o trabalho foi um modelo deixado no workshop como modelo para outras pinturas.
Na pintura de Bellini, as figuras são ordenadas para que os mais próximos do espectador estejam do lado esquerdo, enquanto os da direita estão mais distantes do espectador. No entanto, a maior figura à esquerda de Jesus ajuda a equilibrar a imagem, de modo que, na frente da cena, as figuras mais proeminentes também sejam as maiores e se tornem menores e leves quando voltem. Consequentemente, a cena é bem equilibrada com Cristo como o ponto focal no meio. Todas as figuras em torno de Cristo estão focadas nele com a cabeça, apontando centralmente em sua direção, atraindo as opiniões do espectador lá. O centro da obra de arte também é mais claro onde o corpo de Jesus se apresenta, enquanto as bordas gradualmente escurecem.
Pintado em Grisalla e, apesar da opinião oposta de alguns críticos, deve ser considerado um trabalho final.