Os fundamentos da história da arte remontam a dezenas de milhares de anos, quando civilizações antigas utilizavam técnicas e meios disponíveis para retratar temas culturalmente significativos. Desde estes primeiros exemplos, surgiram numerosos movimentos artísticos, cada um com estilos e características distintas que reflectem as influências políticas e sociais do seu tempo.
O que significa o fauvismo e do que trata a arte conceitual? Falar sobre arte é uma disciplina em si, e se você é novo neste mundo, provavelmente terá muitas dúvidas, principalmente sobre cada movimento e os diferentes tipos de arte.
Géneros artísticos influentes, desde o Renascimento até à ascensão do Modernismo, deixaram uma marca indelével na história.
Ao ter conceitos claros sobre a história e a importância dos movimentos artísticos, teremos uma compreensão mais profunda de como artistas famosos como Van Gogh, Picasso e Warhol revolucionaram o mundo da arte.
Kuadros preparou para você uma lista dos movimentos mais importantes.
Nº 1 da Renascença Italiana (1400–1550)
Alguns expoentes: Portas de Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raphael.
No final do século XIV, um grupo de pensadores italianos proclamou que viviam numa nova era. A obscura e bárbara "Idade Média" havia terminado; iniciou uma "rinascità" ("renascimento") de aprendizagem, literatura, arte e cultura. Este foi o nascimento do período hoje conhecido como Renascimento. Durante séculos, os estudiosos concordaram que o Renascimento italiano aconteceu desta forma: entre os séculos XIV e XVII, uma forma moderna de pensar o mundo e o lugar do homem nele substituiu ideias antigas. Muitas das realizações científicas, artísticas e culturais deste período partilham temas comuns, especialmente a crença humanística de que o homem é o centro do seu próprio universo.
A Itália do século XV era diferente de qualquer outro lugar da Europa. Foi dividido em cidades-estado independentes, cada uma com seu próprio governo. Florença, onde começou o Renascimento italiano, era uma república independente e um centro bancário e comercial. Os ricos florentinos mostraram o seu poder apoiando artistas e intelectuais, transformando a cidade no centro cultural da Europa e do Renascimento.
O Renascimento é dividido em duas partes principais:
Durante o início da Renascença, os artistas começaram a rejeitar o estilo bizantino de pintura religiosa e se esforçaram para criar realismo na representação da forma humana e do espaço. Esse objetivo começou com Cimabue e Giotto e atingiu seu apogeu com artistas como Andrea Mantegna e Paolo Uccello. Embora a religião continuasse importante na vida cotidiana, o tema mitológico também abriu caminho. Muitos apontam para O Nascimento de Vênus, de Botticelli, como o primeiro painel de uma cena mitológica.
O período conhecido como Alta Renascença representa o culminar dos objetivos do início da Renascença. Os artistas mais notáveis são Leonardo da Vinci, Rafael, Ticiano e Michelangelo. Suas pinturas e afrescos são algumas das obras mais reconhecidas do mundo, incluindo A Última Ceia , A Escola de Atenas e as pinturas do teto da Capela Sistina de Michelangelo.
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Nº 2 Barroco (1600–1750)
Alguns expoentes: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palácio de Versalhes.
O termo barroco provavelmente deriva do italiano “barocco”, usado na Idade Média para descrever obstáculos lógicos. Mais tarde, passou a significar ideias complexas ou processos de pensamento distorcidos. Outra possível fonte é o “barroco” português (espanhol “barrueco”), que descreve uma pérola de formato irregular ou imperfeito. O Barroco é um movimento de arte e arquitetura desenvolvido na Europa desde o início do século XVII até meados do século XVIII. Enfatiza movimentos dramáticos e exagerados e detalhes claros para produzir drama, tensão, exuberância e grandeza.
As primeiras manifestações ocorreram na Itália nas últimas décadas do século XVI, enquanto em regiões como a Alemanha e a América do Sul colonial, certas conquistas culminantes do Barroco só ocorreram no século XVIII.
Os artistas reviveram os ideais de beleza da Renascença, infundindo obras de arte, música e arquitetura com novas extravagâncias e ornamentações. Este estilo, conhecido como Barroco, caracterizou-se por técnicas inovadoras e detalhes elaborados, oferecendo uma linguagem visual exuberante num período relativamente moderado para a arte. O Barroco se espalhou por toda a Europa, promovido pelo Papa em Roma e pelos governantes católicos na Itália, França, Espanha e Flandres. Foi ainda difundido pelas ordens religiosas através de mosteiros e conventos.
O estilo barroco que surgiu era ao mesmo tempo sensual e espiritual. Um tratamento naturalista tornou as imagens religiosas mais acessíveis, enquanto os efeitos dramáticos e ilusórios estimularam a piedade e transmitiram o esplendor divino. Os tetos das igrejas dissolveram-se em cenas pintadas que direcionavam os sentidos para o celestial.
Embora o tema e o estilo possam variar entre as pinturas barrocas, a maioria compartilha o drama como um elemento comum. Em obras de artistas como Caravaggio e Rembrandt , o interesse pelo drama se manifesta em intensos contrastes de luz e sombra.
O grande mestre da região católica governada pelos espanhóis foi o pintor Peter Paul Rubens , cujas composições dinâmicas e figuras vigorosas são o epítome da pintura barroca. Os elegantes retratos de Anthony van Dyck e as sólidas obras de Jacob Jordaens seguiram o exemplo. A arte na Holanda foi influenciada pelos gostos realistas da classe média, de modo que pintores como Rembrandt e Frans Hals permaneceram independentes do estilo barroco em aspectos importantes. No entanto, o Barroco teve um impacto notável na Inglaterra, especialmente nas igrejas e palácios desenhados por Sir Christopher Wren e Sir John Vanbrugh.
Tal como as estátuas renascentistas, como o icónico David de Michelangelo, as esculturas barrocas destinavam-se muitas vezes a adornar edifícios majestosos e outros cenários grandiosos, como interiores de igrejas e jardins reais.
O último florescimento do Barroco ocorreu no sul da Alemanha e na Áustria, onde os arquitetos nativos se afastaram dos modelos italianos na década de 1720.
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No.3 Realismo (1848–1900)
Alguns expoentes: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
O realismo é a representação precisa, detalhada e sem adornos da natureza ou da vida contemporânea. Rejeita a idealização em favor da observação atenta das aparências externas. Como tal, o realismo abrangeu muitas correntes artísticas em diferentes civilizações. Nas artes visuais, por exemplo, pode ser encontrado em esculturas gregas helenísticas representando boxeadores e mulheres idosas. Obras de pintores do século XVII como Caravaggio, dos pintores de gênero holandeses, dos espanhóis José de Ribera, Diego Velázquez e Francisco de Zurbarán, e dos irmãos Le Nain na França, têm uma abordagem realista. As obras de romancistas ingleses do século XVIII, como Daniel Defoe e Henry Fielding, também podem ser chamadas de realistas.
O realismo surgiu na França na década de 1850, após a Revolução de 1848, que estabeleceu o “direito ao trabalho” no país. Ele introduziu a ideia de pessoas comuns, cenários contemporâneos e cenas cotidianas como temas artísticos dignos.
Espalhou-se por toda a Europa, desde a Rússia de Alexandre II até à Grã-Bretanha da Rainha Vitória, à Alemanha de Guilherme I, à Itália do Ressurgimento e mais além. O ano de 1855 foi significativo no estabelecimento do realismo na Europa.
Gustave Courbet é considerado a principal figura do realismo. Lançou as bases do movimento na década de 1840, retratando camponeses e trabalhadores sem glorificá-los, apresentando-os de forma ousada e severa, o que gerou polêmica.
O estilo e o tema de Courbet foram baseados no trabalho de pintores da Escola Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet e outros instalaram-se na aldeia francesa de Barbizon com o objectivo de reproduzir fielmente o carácter local da paisagem.
O realismo pictórico fora da França estava bem representado no século XIX nos Estados Unidos. As pinturas poderosas e expressivas de temas marinhos de Winslow Homer e as obras de Thomas Eakins são registros sinceros e atentamente observados da vida contemporânea. O realismo foi uma corrente distinta na arte do século XX, decorrente do desejo dos artistas de apresentar visões mais sinceras e não idealizadas da vida cotidiana ou de usar a arte como veículo para crítica social e política.
As cenas corajosas, quase jornalísticas, da vida urbana do grupo conhecido como The Eight se enquadram nesta categoria. O movimento alemão Neue Sachlichkeit (Nova Objetividade) trabalhou num estilo realista para expressar o cinismo e a desilusão após a Primeira Guerra Mundial na Alemanha. O realismo socialista na União Soviética usou técnicas de idealização naturalista para criar retratos de intrépidos trabalhadores e engenheiros.
Além disso, o realismo inspirou diretamente movimentos de arte contemporânea como o fotorrealismo e o hiperrealismo, demonstrando o seu legado duradouro e em evolução.
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Impressionismo nº 4 (1865-1885)
Alguns expoentes: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
O Impressionismo Francês é um movimento importante que se desenvolveu principalmente na França no final do século XIX e início do século XX. Sua característica mais notável foi a tentativa de registrar com precisão e objetividade a realidade visual em termos de efeitos transitórios de luz e cor. Os artistas impressionistas mostraram uma nova forma de observar e representar o mundo, renunciando às representações realistas em favor de impressões fugazes do ambiente ao seu redor, muitas vezes ao ar livre. Na música, ele procurou transmitir uma ideia ou efeito através de uma onda de som, em vez de uma estrutura formal estrita.
No final da década de 1860, a arte de Manet refletia uma nova estética que seria uma força orientadora no trabalho impressionista, onde a importância do tema tradicional foi reduzida e a atenção se voltou para a manipulação de cor, tom e textura.
Em 1874, um grupo de artistas denominado Sociedade Anônima de Pintores, Escultores, Gravadores, etc., organizou uma exposição em Paris que lançou o movimento denominado Impressionismo. Seus membros fundadores incluíram Claude Monet, Edgar Degas e Camille Pissarro. A pintura de Monet , Impressão, Sol Nascente (1872), rendeu-lhes o nome inicialmente irônico de "Impressionistas", do jornalista Louis Leroy. Os artistas logo adotaram o nome como descritivo de sua intenção de transmitir com precisão "impressões visuais". Enquanto os críticos conservadores criticaram o seu trabalho pela sua aparência incompleta e incompleta, escritores mais progressistas elogiaram-no pela sua representação da vida moderna.
Desde a sua concepção, o Impressionismo foi definido por características como pinceladas soltas, cores distintas, representações de temas comuns, foco na luz e composições inspiradas na fotografia.
Em meados da década de 1885, o grupo impressionista começou a dissolver-se à medida que cada pintor perseguia os seus próprios interesses e princípios estéticos. No entanto, conseguiram uma revolução na história da arte, fornecendo um ponto de partida técnico para artistas pós-impressionistas como Cézanne , Degas , Gauguin , Van Gogh e Georges Seurat, libertando a pintura ocidental das técnicas e abordagens tradicionais.
Herança e presença do impressionismo hoje
Como ponto de partida para o modernismo, o Impressionismo influenciou muitos movimentos posteriores. Os pós-impressionistas adotaram suas pinceladas soltas; Os expressionistas abstratos encontraram inspiração na abordagem não convencional de Monet ; e muitos artistas contemporâneos continuam a trabalhar num estilo neo-impressionista.
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Nº 5 Pós-impressionismo (1885–1910)
Alguns expoentes: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Pós-Impressionismo é um termo usado para descrever a reação na década de 1880 contra o Impressionismo. Foi liderado por Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Georges Seurat. Os pós-impressionistas rejeitaram a preocupação do impressionismo com a representação espontânea e naturalista da luz e da cor.
Esses pintores, exceto Van Gogh, eram franceses e a maioria começou como impressionista; cada um abandonou o estilo para formar sua própria arte altamente pessoal.
Tal como os impressionistas, enfatizaram a artificialidade da imagem. Eles acreditavam que a cor poderia ser independente da forma e da composição como portadora de significado emocional e estético. Tanto o Impressionismo quanto o Pós-Impressionismo incluem algumas das obras mais famosas da arte moderna, como os Nenúfares de Monet e a Noite Estrelada de Van Gogh.
Eles compartilharam seu trabalho com o público através de exposições independentes em Paris. Em 1910, o crítico de arte Roger Fry cunhou o termo "pós-impressionismo" com sua exposição "Manet e os Pós-Impressionistas". Fry acreditava que a beleza da arte está enraizada na percepção. “A arte é uma expressão e um estímulo para a vida imaginativa, e não uma cópia da vida real”, explicou ele em “An Essay in Aesthetics”.
Os pós-impressionistas acreditavam que uma obra de arte não deveria girar em torno de estilo, processo ou abordagem estética, mas sim enfatizar o simbolismo, comunicando mensagens do subconsciente do artista.
Freqüentemente expunham juntos, mas, ao contrário dos impressionistas, que começaram como um grupo unido, pintaram principalmente sozinhos. Cézanne pintou isoladamente em Aix-en-Provence; Gauguin estabeleceu-se no Taiti em 1891; e Van Gogh pintou no campo em Arles. Tanto Gauguin quanto Van Gogh rejeitaram a objetividade do Impressionismo em favor de uma expressão espiritual mais pessoal.
"Cor! Que linguagem profunda e misteriosa, a linguagem dos sonhos." -Paul Gauguin
Ao contrário dos impressionistas que procuravam capturar o efeito da luz natural, os pós-impressionistas usaram uma paleta de cores artificiais para retratar as suas percepções do mundo. Tons saturados e sombras multicoloridas ficam evidentes em suas pinturas, demonstrando sua abordagem inovadora.
O Pós-Impressionismo afastou-se de uma abordagem naturalista e rumou a movimentos como o Cubismo e o Fauvismo, que procuravam evocar emoções através da cor e da linha.
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No.6 Fauvismo e Expressionismo (1900-1935)
Tinta espessa, cores que saltam da página e tons pouco naturais: o fauvismo e o expressionismo são dois dos movimentos que deram vida a essas características. Então, qual é a diferença entre eles, se podem ser descritos da mesma maneira? Primeiro, explicaremos o Fauvismo e o Expressionismo por conta própria.
Fauvismo
Alguns expoentes: Matisse, Derain, Signac
O fauvismo tomou conta do cenário artístico de 1905 a 1910, caracterizado por cores intensas e pinceladas ousadas. Em alguns casos, os artistas aplicavam tinta diretamente do tubo. As cores não precisavam ser fiéis à natureza; Eles poderiam ser alterados para mostrar emoção. Eles escolheram temas simples e por isso as pinturas pareciam quase abstratas. O crítico de arte Louis Vauxcelles cunhou o termo depois de descrever o trabalho de Henri Matisse e André Derain como "les fauves" ou "as feras" durante uma exposição no Salon d'Automne em Paris em 1905. Seu trabalho estava cheio de cores não naturais e selvagens manchas de tinta na tela. Seria o início do Fauvismo.
Os artistas fauvistas estavam profundamente interessados na teoria científica das cores do século XIX. Especificamente, com o uso de cores complementares, eles entenderam como fazer as cores parecerem mais brilhantes e ousadas ao incorporar essas teorias.
A pintura de Matisse, "Mulher com Chapéu", foi criticada pelas cores não naturais do rosto da mulher. Paul Signac é famoso por seu pontilhismo e foi mentor de Matisse. O pontilhismo é uma técnica onde pequenos pontos de cores primárias são colocados juntos; À medida que você diminui o zoom, eles se fundem em uma única imagem. Isso pode ser comparado aos pixels na tela de um computador.
Além de Matisse e Derain, outros importantes artistas fauvistas incluem Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault e Maurice de Vlaminck.
Expressionismo
Alguns expoentes: Munch, Kandinsky, Klee
Expressionismo é um termo geral para qualquer obra de arte que distorce a realidade para corresponder aos sentimentos, opiniões ou ideias internas do artista. Em suma, é uma arte que expressa realidades internas no mundo externo. Existem características distintivas do expressionismo: as cores intensas e não naturalistas, a tinta aplicada em grandes quantidades criando textura na tela.
O expressionismo veio “de dentro”, sendo mais um reflexo dos sentimentos do artista do que uma representação de uma cena. Dois artistas expressionistas influentes foram Emil Nolde e Edvard Munch .
Em termos de tema, a arte expressionista tende a ser emocional e às vezes até mítica. Dado que o expressionismo é um termo tão amplo, é fácil atribuí-lo à arte de qualquer época, mas é geralmente aplicado à arte do século XX. Diz-se que começou com a obra de Vincent van Gogh e se estende à arte moderna tal como a conhecemos hoje.
Os principais contribuintes para o movimento expressionista incluem artistas como Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner e outros.
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O Fauvismo pode ser visto como um subconjunto do Expressionismo. Utilizam técnicas semelhantes e são classificados pelas mesmas características; a verdadeira diferença é a natureza específica do Fauvismo em contraste com a generalidade do Expressionismo.
Algo que pode ser considerado fauvista também poderia fazer parte do campo do expressionismo, mas nem todo expressionismo é fauvismo. O fauvismo é um pouco mais selvagem, mas com um tema mais simplista.
No.7 Cubismo (1905–1920)
Alguns expoentes: Pablo Picasso, Georges Braque
O cubismo é um estilo de artes visuais altamente influente do século XX, criado principalmente por Pablo Picasso e Georges Braque em Paris entre 1907 e 1914. O estilo cubista enfatizou a superfície plana e bidimensional do plano pictórico, rejeitando as técnicas tradicionais de perspectiva. escorço, modelagem e claro-escuro, refutando antigas teorias de que a arte deveria imitar a natureza. Os cubistas acreditavam que as tradições da arte ocidental estavam esgotadas e, para revitalizar o seu trabalho, recorreram à energia expressiva da arte de outras culturas, particularmente da arte africana.
O nome do cubismo deriva dos comentários do crítico Louis Vauxcelles, que descreveu depreciativamente o trabalho de Braque em 1908 como composto de cubos. Na pintura de Braque, os volumes das casas, as formas cilíndricas das árvores e o esquema de cores lembram as paisagens de Paul Cézanne, que inspirou profundamente os cubistas na sua fase inicial de desenvolvimento (até 1909). No entanto, foi Les Demoiselles d'Avignon , pintada por Picasso em 1907, que anunciou o novo estilo; Nesta obra, as formas de cinco nus femininos tornam-se figuras angulosas e fraturadas.
O cubismo desenvolveu-se em duas fases distintas: cubismo analítico e cubismo sintético. O cubismo analítico (1908-1912) é mais austero e caracterizado por uma combinação de planos e linhas em tons suaves. O Cubismo Sintético (1912–1914) é caracterizado por formas mais simples e cores mais brilhantes, incluindo elementos reais combinados, como jornais. A inclusão de objetos reais diretamente na arte foi o início de uma das ideias mais importantes da arte moderna.
Embora Picasso e Braque sejam creditados pela criação desta nova linguagem visual, ela foi adotada e desenvolvida por muitos pintores, incluindo Fernand Léger, Robert e Sonia Delaunay, Juan Gris e outros. O cubismo também influenciou profundamente a escultura e a arquitetura do século XX.
Os conceitos formais libertadores iniciados pelo cubismo tiveram consequências de longo alcance para movimentos como o dadaísmo e o surrealismo, bem como para artistas que buscavam a abstração em todo o mundo.
No.8 Dada e Surrealismo (1917–1950)
dadaísta
Alguns expoentes: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada foi um movimento artístico de vanguarda europeu, com centros em Zurique e Nova York. Surgiu como uma reação direta ao massacre, à propaganda e à loucura da Primeira Guerra Mundial. Grupos independentes ligados por ideias comuns surgiram em Berlim, Paris e outros lugares. Eles não compartilhavam um estilo universal, mas estavam ligados pela rejeição do idealismo e das convenções artísticas e intelectuais ultrapassadas.
O nome "Dada", extraído aleatoriamente de um dicionário em 1916, significa "cavalo de balanço" em francês ou "sim, sim" em romeno e russo. Mas como nome de um movimento, na verdade não significa nada. Cansados da cultura que produziu a carnificina da Primeira Guerra Mundial, os dadaístas desafiaram todas as convenções, celebrando o acaso e o absurdo.
As raízes do dadaísmo estão na vanguarda do pré-guerra. O termo "antiarte", precursor do dadaísmo, foi cunhado por Marcel Duchamp por volta de 1913 para caracterizar obras que desafiam as restrições aceitas pela arte.
O movimento dadaísta incluiu reuniões públicas, manifestações e publicações de revistas de arte e literatura. Arte, política e cultura foram temas frequentemente discutidos em diversos meios de comunicação.
Surrealismo
Alguns expoentes: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
O surrealismo foi um dos movimentos mais importantes e subversivos do século XX. Surgiu na década de 1920 e forneceu uma alternativa radical às qualidades racionais e formais do cubismo. Foi um movimento literário, filosófico e artístico que explorou o funcionamento da mente, defendendo o irracional, o poético e o revolucionário.
Ao contrário do Dada, do qual emergiu em muitos aspectos, enfatizou a rejeição positiva das tradições anteriores. André Breton, líder de um novo grupo de poetas e artistas em Paris, definiu o surrealismo no seu “Manifesto Surrealista” (1924) como: “Puro automatismo psíquico, pelo qual se propõe expressar... o funcionamento real do pensamento”.
Vários fios podem ser distinguidos na manifestação visual do surrealismo. Artistas como Max Ernst e André Masson favoreceram o automatismo, onde o controle consciente é suprimido e o subconsciente pode assumir o controle. Em contraste, Salvador Dalí e René Magritte perseguiram um sentido alucinatório de super-realidade em que as cenas retratadas não fazem sentido real. Uma terceira variação foi a justaposição de elementos não relacionados, estabelecendo uma realidade fora dos limites normais.
O surrealismo teve origem em Paris, mas a sua influência espalhou-se por revistas e exposições internacionais. Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, o centro da atividade surrealista mudou-se para Nova York. Embora como movimento tenha perdido coerência após a guerra, manteve uma influência poderosa na arte contemporânea.
No.9 Expressionismo Abstrato (1940–1950)
Alguns expoentes: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
O "expressionismo abstrato" foi um movimento que se desenvolveu em Nova York nas décadas de 1940 e 1950. Embora o termo não fosse o ideal, abrangia artistas que enchiam suas telas com campos de cores e formas abstratas, bem como aqueles que atacavam suas telas com vigor. expressionismo gestual. Todos estavam comprometidos com a arte como expressão de si mesmo, nascida de emoções profundas e temas universais.
O movimento abrangeu muitos estilos de pintura diferentes. Alguns artistas, como Jackson Pollock e Willem de Kooning, caracterizaram-se por um manuseio solto e dinâmico da tinta. Outros, como Mark Rothko, usaram grandes áreas de cores planas para efeitos sutis e meditativos.
Embora o movimento tenha sido amplamente representado como pertencente a artistas do sexo masculino, várias mulheres expressionistas abstratas importantes surgiram durante este período.
No.10 Pop Art (1960)
Alguns expoentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
A pop art começou com artistas nova-iorquinos como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist e Claes Oldenburg, que se inspiraram em imagens populares e se tornaram parte de um fenômeno internacional. Foi uma revolta contra as abordagens dominantes da arte e da cultura e as visões tradicionais sobre o que a arte deveria ser. Os jovens artistas sentiam que o que lhes ensinavam nas escolas de arte e o que viam nos museus nada tinha a ver com as suas vidas.
Em 1957, o artista pop Richard Hamilton listou as características da pop art em uma carta: “A pop art é: popular, transitória, dispensável, de baixo custo, produzida em massa, jovem, inventiva, sexy, horrível, glamorosa, grande negócio”.
O pop levou a arte para novas áreas temáticas e desenvolveu novas formas de apresentá-la, e pode ser visto como uma das primeiras manifestações do pós-modernismo.
Nº 11 Pós-modernismo (1970–)
Alguns expoentes: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn no Céu por James Gill
O termo "arte pós-modernista" refere-se a uma ampla categoria de arte contemporânea criada aproximadamente a partir de 1970. A marca registrada é a rejeição da estética em que se baseou sua antecessora, a “arte moderna”. Um dos valores rejeitados é a ideia de que “arte” é algo “especial” que deveria estar separado do gosto popular.
Antiautoritário por natureza, o pós-modernismo recusou-se a reconhecer a autoridade de qualquer estilo ou definição do que a arte deveria ser. A distinção entre alta cultura e cultura popular, entre arte e vida quotidiana ruiu. Inaugurou uma nova era de liberdade e a sensação de que “vale tudo”.
Muitas vezes misturando diferentes estilos e mídias, a arte pós-modernista também pode tomar emprestado ou comentar ironicamente estilos do passado. Os pós-modernos consideram a sua posição teórica como inclusiva e democrática.
Nas décadas de 1980 e 1990, o pós-modernismo tornou-se a filosofia não oficial do movimento da “política de identidade”.
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