Os fundamentos da história da arte remontam a dezenas de milhares de anos, quando as civilizações antigas usavam técnicas e mídias disponíveis para representar um assunto culturalmente significativo. Desde esses primeiros exemplos, uma série de movimentos artísticos se seguiram, cada um com seus próprios estilos e características distintas, refletindo as influências políticas e sociais do período em que surgiram.
O que significa fauvismo e do que trata a arte conceitual? Falar sobre arte parece uma disciplina em si e se você é novo no mundo da arte provavelmente tem muitas dúvidas, principalmente sobre cada movimento da arte e os diferentes tipos de arte.
Gêneros artísticos influentes, desde o Renascimento até a ascensão do Modernismo, sem dúvida deixaram sua marca na história.
Tendo conceitos claros sobre a história e a importância de seus movimentos artísticos, teremos uma compreensão mais clara de como artistas famosos como Van Gogh, Picasso e Warhol revolucionaram o mundo da arte.
Kuadros fez para você uma lista dos movimentos mais importantes.
Nº 1 da Renascença italiana (1400–1550)
Alguns expoentes: Portas de Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raphael.
No final do século XIV dC. C., um punhado de pensadores italianos declarou que viviam em uma nova era. A "Idade Média" bárbara e não iluminada havia terminado; a nova era seria um "rinascità" ("renascimento") de aprendizado e literatura, arte e cultura. Este foi o nascimento do período hoje conhecido como Renascimento. Durante séculos, os estudiosos concordaram que o Renascimento italiano (outra palavra para "renascimento") aconteceu exatamente dessa maneira: entre os séculos 14 e 17, uma nova e moderna maneira de pensar sobre o mundo e o lugar do homem nele substituiu o ideias antigas. Na verdade, muitas das realizações científicas, artísticas e culturais do chamado Renascimento compartilham temas comuns, principalmente a crença humanista de que o homem era o centro de seu próprio universo.
O Renascimento Italiano no Contexto A Itália do século XV era diferente de qualquer outra na Europa. Foi dividida em cidades-estados independentes, cada uma com uma forma diferente de governo. Florença, onde começou o Renascimento italiano, era uma república independente. Foi também uma capital bancária e comercial e, depois de Londres e Constantinopla, a terceira maior cidade da Europa. Florentinos ricos ostentavam seu dinheiro e poder tornando-se patronos ou apoiadores de artistas e intelectuais. Desta forma, a cidade tornou-se o centro cultural da Europa e do Renascimento.
Pode-se dizer que o renascimento foi dividido em duas partes:
Durante o início do Renascimento, os artistas começaram a rejeitar o estilo bizantino de pintura religiosa e se esforçaram para criar realismo em sua representação da forma e do espaço humanos. Essa busca pelo realismo começou com Cimabue e Giotto, e atingiu seu apogeu na arte de artistas "perfeitos" como Andrea Mantegna e Paolo Uccello. Enquanto a religião era um elemento importante na vida cotidiana das pessoas que viviam durante o Renascimento, também vemos uma nova via aberta ao suspiro: o tema mitológico. Muitos estudiosos apontam para O Nascimento de Vênus, de Botticelli, como o primeiro painel de pintura de uma cena mitológica.
O período conhecido como Alta Renascença representa o ponto culminante dos objetivos do início da Renascença. Os artistas mais conhecidos desta fase são Leonardo da Vinci, Rafael, Ticiano e Michelangelo. Suas pinturas e afrescos estão entre as obras de arte mais conhecidas do mundo. A Última Ceia de Da Vinci, a Escola de Atenas de Rafael e as pinturas do teto da Capela Sistina de Michelangelo são as obras-primas deste período e incorporam os elementos do Alto Renascimento.
Compre uma reprodução da Mona Lisa na loja online Kuadros
No.2 Barroco (1600–1750)
Alguns expoentes: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palácio de Versalhes.
O termo barroco provavelmente deriva da palavra italiana barocco, que os filósofos usaram durante a Idade Média para descrever um obstáculo na lógica esquemática. A palavra mais tarde passou a denotar qualquer ideia distorcida ou processo de pensamento envolvido. Outra fonte possível é a palavra portuguesa barroco (espanhol barrueco), que é usada para descrever uma pérola de forma irregular ou imperfeita, e esse uso ainda sobrevive no termo pérola barroca do joalheiro. O Barroco é um movimento de arte e arquitetura que se desenvolveu na Europa desde o início do século XVII até meados do século XVIII. Ele enfatiza o movimento dramático e exagerado e detalhes claros e fáceis de ler, que estão muito longe do surrealismo, para produzir drama, tensão, exuberância e grandeza.
As primeiras manifestações, que ocorreram na Itália, datam das últimas décadas do século XVI, enquanto em algumas regiões, especialmente na Alemanha e na América do Sul colonial, certas conquistas culminantes do barroco não ocorreram até o século XVIII.
Os artistas continuaram a reviver os ideais renascentistas de beleza, infundindo obras de arte, música e arquitetura do período com um aceno revivido ao classicismo reforçado por uma nova extravagância exuberante e propensão para o ornamentado. Esse estilo altamente ornamentado foi cunhado como barroco e caracterizado por suas técnicas e detalhes inovadores, oferecendo uma nova linguagem visual exuberante em um período relativamente moderado para a arte. O barroco se espalhou por toda a Europa, liderado principalmente pelo Papa em Roma e pelos governantes católicos na Itália, França, Espanha e Flandres. Foi ainda mais difundido por poderosas ordens religiosas através de sua extensa rede de mosteiros e conventos. O estilo se espalhou rapidamente para a França, norte da Itália, Espanha e Portugal, depois para a Áustria e para o sul da Alemanha.
O estilo barroco que se desenvolveu a partir deste programa foi, paradoxalmente, sensual e espiritual; Enquanto um tratamento naturalista tornava a imagem religiosa mais acessível ao fiel comum, efeitos dramáticos e ilusórios eram usados para estimular a piedade e a devoção e transmitir uma impressão do esplendor do divino. Os tetos das igrejas barrocas se dissolviam em cenas pintadas que apresentavam visões vívidas do infinito ao observador e direcionavam os sentidos para as preocupações celestiais.
Embora o assunto e até o estilo possam variar entre as pinturas barrocas, a maioria das peças desse período tem uma coisa em comum: o drama. Na obra de pintores conhecidos como Caravaggio e Rembrandt , o interesse pelo drama é incorporado como contrastes intensos entre luz radiante e sombras iminentes.
Esse grande mestre da região católica dominada principalmente pela Espanha foi o pintor Peter Paul Rubens , cujas composições diagonais tempestuosas e figuras arrebatadoras e cheias de sangue são o epítome da pintura barroca. Os elegantes retratos de Anthony van Dyck e as robustas obras figurativas de Jacob Jordaens emularam o exemplo de Rubens. A arte na Holanda foi condicionada pelos gostos realistas de seus patronos dominantes de classe média e, portanto, tanto o gênero inumerável quanto os pintores de paisagens e mestres imponentes do país, como Rembrandt e Frans Hals, permaneceram independentes do estilo barroco em aspectos importantes. No entanto, o barroco teve um impacto notável na Inglaterra, particularmente nas igrejas e palácios projetados, respectivamente, por Sir Christopher Wren e Sir John Vanbrugh.
Como as estátuas renascentistas, incluindo o icônico David de Michelangelo, as esculturas barrocas costumavam enfeitar edifícios majestosos. Eles também foram encomendados para outras configurações grandiosas, como interiores de igrejas douradas e jardins reais.
O último florescimento do barroco foi em grande parte católico romano no sul da Alemanha e na Áustria, onde os arquitetos nativos romperam com os modelos de construção italianos na década de 1720.
Compre uma reprodução de Las Meninas na loja online Kuadros
Realismo nº 3 (1848–1900)
Alguns expoentes: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realismo, nas artes, a representação precisa, detalhada e sem adornos da natureza ou da vida contemporânea. O realismo rejeita a idealização imaginativa em favor da observação atenta das aparências externas. Como tal, o realismo em seu sentido amplo abrangeu muitas correntes artísticas em diferentes civilizações. Nas artes visuais, por exemplo, o realismo pode ser encontrado nas antigas esculturas gregas helenísticas que retratam com precisão boxeadores e velhas decrépitas. As obras de pintores do século XVII, como Caravaggio, os pintores de gênero holandeses, os pintores espanhóis José de Ribera, Diego Velázquez e Francisco de Zurbarán e os irmãos Le Nain na França são realistas na abordagem. As obras dos romancistas ingleses do século XVIII Daniel Defoe, Henry Fielding e Tobias Smollett também podem ser chamadas de realistas.
O realismo surgiu na França na década de 1850. Logo após a Revolução de 1848, evento que estabeleceu o "direito ao trabalho" no país, o movimento introduziu a ideia de gente média e trabalhadora, cenários contemporâneos e cenas cotidianas como sujeitos artísticos dignos.
O realismo se espalhou por toda a Europa, da Rússia de Alexandre II à Grã-Bretanha da Rainha Vitória, da Alemanha de Guilherme I à Itália Risorgimento e do Império Habsburgo à Escandinávia e países além da Europa. O ano de 1855 foi significativo no estabelecimento do realismo na Europa.
Gustave Courbet é frequentemente considerado a figura principal do realismo. Ele lançou as bases do movimento na década de 1840, quando começou a retratar camponeses e trabalhadores. O fato de Courbet não glorificá-los, mas apresentá-los com ousadia e severidade, criou uma reação no mundo da arte.
O estilo e o tema da obra de Courbet foram construídos sobre um terreno já desbravado pelos pintores da Escola de Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet e outros no início da década de 1830 se estabeleceram na vila francesa de Barbizon com o objetivo de reproduzir fielmente o caráter local da paisagem.
O realismo pictórico fora da França talvez tenha sido melhor representado no século XIX nos Estados Unidos. Lá, as poderosas e expressivas pinturas de Winslow Homer sobre assuntos marinhos e os retratos de Thomas Eakins, cenas de navegação e outras obras são registros sinceros, não sentimentais e observados de perto da vida contemporânea. O realismo foi uma vertente distinta da arte do século 20 e geralmente resultou do desejo dos artistas de apresentar visões mais francas, sinceras e não idealizadoras da vida cotidiana ou de suas tentativas de usar a arte como um veículo para a crítica social e política.
As cenas toscas, esboçadas, quase jornalísticas da vida urbana costurada pelo grupo de pintores americanos conhecido como The Eight se enquadram na primeira categoria. O movimento artístico alemão conhecido como Neue Sachlichkeit (Nova Objetividade), por outro lado, trabalhou em estilo realista para expressar o cinismo e a desilusão do período pós-Primeira Guerra Mundial na Alemanha. O realismo socialista, oficialmente patrocinado na União Soviética, usou técnicas de idealização naturalista para criar retratos de trabalhadores e engenheiros intrépidos que eram notavelmente parecidos tanto em seu positivismo heróico quanto em sua falta de credibilidade factual.
Além disso, o realismo inspirou diretamente importantes movimentos da arte contemporânea, como o fotorrealismo e o hiper-realismo. Com base na abordagem notavelmente moderna do realismo, esses gêneros demonstram o legado duradouro e em evolução do movimento inovador.
Compre uma reprodução de Las Espigadoras na loja online Kuadros
Nº 4 Impressionismo (1865–1885)
Alguns expoentes: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
O impressionismo francês é um movimento importante, primeiro na pintura e depois na música, que se desenvolveu principalmente na França no final do século XIX e início do século XX. A característica mais notável do impressionismo na pintura foi uma tentativa de registrar com precisão e objetividade a realidade visual em termos de efeitos transitórios de luz e cor. impressões de seus arredores, que muitas vezes eram do lado de fora. Na música, era transmitir uma ideia ou efeito por meio de uma onda de som, em vez de uma estrutura formal estrita.
No final da década de 1860, a arte de Manet refletia uma nova estética, que viria a ser uma força orientadora na obra impressionista, na qual a importância do tema tradicional era menos enfatizada e a atenção se voltava para a manipulação de cor, tom e textura da pintura. artista. termina em si.
Em 1874, um grupo de artistas denominado Sociedade Anônima de Pintores, Escultores, Gravadores, etc. organizou uma exposição em Paris que lançou o movimento chamado Impressionismo. Seus membros fundadores incluíram Claude Monet, Edgar Degas e Camille Pissarro, entre outros. O grupo fez seu primeiro show, independente do Salão oficial da Academia Francesa, que sempre rejeitou a maioria de seus trabalhos. A pintura de Monet Impression Of The Rising Sun (1872) rendeu a eles o nome inicialmente irônico de "Impressionistas" do jornalista Louis Leroy escrevendo no jornal satírico Le Charivari em 1874. Os artistas logo adotaram o nome como descritivo de sua intenção de transmitir com precisão o " impressões visuais”. Enquanto os críticos conservadores criticaram seu trabalho por sua aparência superficial e incompleta, escritores mais inovadores o elogiaram por retratar a vida moderna. Edmond Duranty, por exemplo, em seu ensaio de 1876, La Nouvelle Peinture (A Nova Pintura), escreveu sobre sua representação de temas contemporâneos em um estilo adequadamente inovador como uma revolução na pintura.
Desde a sua criação, o impressionismo foi definido por um conjunto de características. Isso inclui: pinceladas pictóricas, cores distintas, representações de temas comuns, foco na luz e composições inspiradas na fotografia.
Em meados da década de 1880, o grupo impressionista começou a se dissolver à medida que cada pintor buscava cada vez mais seus próprios interesses e princípios estéticos. No entanto, em sua curta existência, conseguiu uma revolução na história da arte, fornecendo um ponto de partida técnico para os artistas pós-impressionistas Cézanne , Degas , Paul Gauguin , Vincent van Gogh e Georges Seurat e libertando todas as pinturas ocidentais subsequentes das técnicas tradicionais. . e abordagens do assunto.
Herança e presença do impressionismo hoje
Naturalmente, como ponto de partida para o modernismo, o impressionismo influenciou muitos movimentos subsequentes. Os pós-impressionistas adotaram sua pincelada pictórica; Os expressionistas abstratos encontraram inspiração na abordagem não convencional de Monet à forma; e muitos artistas contemporâneos ainda continuam a trabalhar em estilo neo-impressionista.
Compre uma reprodução de Woman With Umbrella na loja online Kuadros
No. 5 Pós-impressionismo (1885–1910)
Alguns expoentes: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Pós-impressionismo é um termo usado para descrever a reação na década de 1880 contra o impressionismo. Foi dirigido por Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Georges Seurat. Os pós-impressionistas rejeitaram a preocupação do impressionismo com a representação espontânea e naturalista da luz e da cor.
Todos esses pintores, exceto Van Gogh, eram franceses, e a maioria deles começou como impressionista; cada um deles abandonou o estilo, para formar sua própria arte altamente pessoal.
Como os impressionistas, enfatizavam a artificialidade da imagem. Os pós-impressionistas também acreditavam que a cor poderia ser independente da forma e da composição como portadora de significado emocional e estético. Tanto o Impressionismo quanto o Pós-Impressionismo incluem algumas das mais famosas artes modernas, incluindo os Nenúfares de Monet , uma série de paisagens aquáticas, e A Noite Estrelada de Van Gogh.
Os pós-impressionistas compartilharam seu trabalho com o público por meio de exposições independentes em Paris. Em 1910, o notável crítico de arte, historiador e curador Roger Fry cunhou o termo "pós-impressionismo" com seu show, Manet e os pós-impressionistas. Como os próprios pós-impressionistas, Fry acreditava que a beleza da arte está inerentemente enraizada na percepção. "A arte é uma expressão e um estímulo para a vida imaginativa, e não uma cópia da vida real", explica Fry em An Essay in Aesthetics.
Como explicou Fry, os pós-impressionistas acreditavam que uma obra de arte não deveria girar em torno de estilo, processo ou abordagem estética. Em vez disso, deveria colocar ênfase no simbolismo, comunicando mensagens do subconsciente do artista.
Os pós-impressionistas frequentemente exibiam juntos, mas ao contrário dos impressionistas, que começaram como um grupo unido e convivial, eles pintavam principalmente sozinhos. Cézanne pintou isoladamente em Aix-en-Provence, no sul da França; Sua solidão foi igualada pela de Paul Gauguin, que em 1891 se estabeleceu no Taiti, e por Van Gogh, que pintou no campo em Arles. Tanto Gauguin quanto van Gogh rejeitaram a objetividade imparcial do impressionismo em favor de uma expressão espiritual mais pessoal.
"Cor! Que linguagem profunda e misteriosa, a linguagem dos sonhos. -Paul Gauguin
Ao contrário dos impressionistas que se esforçaram para capturar o efeito da luz natural na tonalidade, os pós-impressionistas propositalmente empregaram uma paleta de cores artificiais como forma de retratar suas percepções do mundo ao seu redor. Tons saturados, tons multicoloridos e paletas de cores ricas são evidentes na maioria das pinturas pós-impressionistas, demonstrando a abordagem inovadora e imaginativa dos artistas à representação.
Em geral, o pós-impressionismo se afastou de uma abordagem naturalista e se aproximou dos dois principais movimentos artísticos do início do século XX que o substituíram: o cubismo e o fauvismo, que buscavam evocar emoções por meio da cor e da linha.
Compre uma reprodução de A Noite Estrelada na loja online Kuadros
Nº 6 Fauvismo e Expressionismo (1900–1935)
Tinta espessa, cores que saltam da página e tons não naturais: o fauvismo e o expressionismo são dois dos movimentos que deram vida a esses recursos. Então, qual é a diferença entre eles, se podem ser descritos da mesma maneira? Primeiro, explicaremos o fauvismo e o expressionismo por conta própria.
fauvismo
Alguns expoentes: Matisse, Derain, Signac
O fauvismo assumiu a cena artística de 1905 a 1910, aproximadamente, e é caracterizado por cores intensas e pinceladas ousadas. Em alguns casos, os artistas desse período aplicaram tinta diretamente da garrafa. As cores não precisavam ser fiéis à natureza, necessariamente. Eles podem ser alterados para mostrar emoção. Escolheram temas simples e por isso as pinturas pareciam quase abstratas. O crítico de arte Louis Vauxcelles cunhou o termo depois de descrever o trabalho de Henri Matisse e Andre Derain como "les fauves" ou as feras durante uma exposição de 1905 no Salon d'Automne em Paris. O trabalho de Matisse e Derain na exposição estava cheio de escolhas de cores não naturalistas e manchas selvagens de tinta na tela. Seria o início do Fauvismo.
Os artistas do fauvismo estavam profundamente interessados na teoria científica da cor do século XIX. Especificamente, com o uso de cores complementares, os fauves entenderam como fazer as cores parecerem mais brilhantes e ousadas incorporando essas teorias.
Pintura de Henri Matisse "Mulher de chapéu". Ela foi criticada pelas cores não naturais no rosto da mulher. Paul Signac (1863-1935) é famoso por seu pontilhismo. Ele também foi um mentor de Henri Matisse. O pontilhismo é uma técnica onde pequenos pontos de cores primárias são colocados juntos. Quando você reduz o zoom, ele se funde em uma única imagem. Isso pode ser comparado aos pixels na tela do computador. Cada pixel individual tem uma cor diferente, mas quando vistos a uma pequena distância, eles criam uma imagem. O estilo do pontilhismo mostrou o que os artistas podiam fazer com as cores primárias e como podiam usar ilusões de ótica em seus trabalhos.
Além de Matisse e Derain, outros importantes artistas fauvistas incluem Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault e Maurice de Vlaminck.
expressionismo
Alguns expoentes: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expressionismo é um termo geral para qualquer obra de arte que distorce a realidade para corresponder aos sentimentos, pontos de vista ou ideias do artista. Em suma, é uma arte que expressa realidades internas no mundo externo. Esta é uma definição bastante geral, mas existem algumas características distintivas do expressionismo. Em particular, as cores usadas no expressionismo serão intensas e muitas vezes não naturalistas, o que significa que a pele de alguém pode ser pintada de azul em vez de bege ou marrom. A tinta também costuma ser usada em grandes quantidades no estilo expressionista, criando muita textura na tela.
O expressionismo veio "de dentro", sendo um reflexo dos sentimentos do artista e não uma representação de uma cena. Dois artistas expressionistas influentes foram Emily Carr e Edvard Munch .
Em termos temáticos, a arte expressionista tende a ser emocional e às vezes até mítica, assumindo que o expressionismo é uma extensão do romantismo. Como o expressionismo é um termo tão amplo, é fácil começar a atribuí-lo à arte de qualquer época. Assim, na maior parte, o expressionismo é geralmente aplicado à arte do século XX. Diz-se que começou com a obra de Vincent van Gogh e se estende à arte moderna como a conhecemos hoje.
Os principais contribuintes para o movimento expressionista são artistas como Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch e outros.
Compre uma reprodução de El Grito na loja online Kuadros
O fauvismo pode ser visto como um subconjunto do expressionismo. O expressionismo pode incluir uma gama tão ampla de arte e movimentos que é quase impossível separá-los porque são realmente diferentes. Eles usam as mesmas técnicas e são classificados pelas mesmas características e a única diferença real é a natureza específica do fauvismo em oposição à natureza geral do expressionismo.
Algo que pode ser considerado fauvista também poderia fazer parte do campo do expressionismo. Mas, algo que é considerado expressionista não é necessariamente do estilo fauvista. O fauvismo é um pouco mais selvagem, mas com um tema mais simplista.
Portanto, fauvismo versus expressionismo não é uma coisa. Eles não estão competindo entre si porque um é simplesmente uma versão do outro.
Nº 7 Cubismo (1905–1920)
Alguns expoentes: Pablo Picasso, Georges Braque
Cubismo, um estilo altamente influente de artes visuais do século 20 que foi criado principalmente pelos artistas Pablo Picasso e Georges Braque em Paris entre 1907 e 1914. O estilo cubista enfatizou a superfície plana e bidimensional do plano da imagem, rejeitando o tradicional técnicas. de perspectiva, escorço, modelagem e claro-escuro e refutando as velhas teorias de que a arte deve imitar a natureza. Os cubistas acreditavam que as tradições da arte ocidental haviam se esgotado e, para revitalizar seu trabalho, recorreram à energia expressiva da arte de outras culturas, principalmente da arte africana.
O cubismo deriva seu nome dos comentários feitos pelo crítico Louis Vauxcelles, que descreveu depreciativamente a obra de Braque de 1908, Houses at L'Estaque, como sendo composta de cubos. Na pintura de Braque, os volumes das casas, as formas cilíndricas das árvores e o esquema de cores marrom e verde lembram as paisagens de Paul Cézanne, que inspiraram profundamente os cubistas em seu desenvolvimento inicial (até 1909). No entanto, foi Les Demoiselles d'Avignon, pintado por Picasso em 1907, que anunciou o novo estilo; Nesta obra, as formas de cinco nus femininos tornam-se formas angulares e fraturadas.
Pode-se ver que o cubismo se desenvolveu em duas fases distintas: o cubismo analítico anterior, mais austero, e uma fase posterior do cubismo conhecida como cubismo sintético. Cubismo analítico desenvolvido entre 1908-1912. Suas obras de arte têm um aspecto mais severo e são compostas por uma combinação de planos e linhas em tons suaves de pretos, cinzas e ocres. O cubismo sintético é a fase posterior do cubismo, geralmente considerada datada de 1912 a 1914, e é caracterizada por formas mais simples e cores mais brilhantes. As obras cubistas sintéticas também costumam incluir itens reais combinados, como jornais. A inclusão de objetos reais diretamente na arte foi o início de uma das ideias mais importantes da arte moderna.
Enquanto Picasso e Braque são creditados com a criação dessa nova linguagem visual, ela foi adotada e desenvolvida por muitos pintores, incluindo Fernand Léger, Robert e Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes e Jean Metzinger. Embora associado principalmente à pintura, o cubismo também exerceu uma profunda influência na escultura e na arquitetura do século XX. Os principais escultores cubistas foram Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon e Jacques Lipchitz. A adoção do arquiteto suíço Le Corbusier pela estética cubista se reflete nas formas das casas que ele projetou durante a década de 1920.
Durante o inverno de 1912-1913, Picasso executou um grande número de papiers collés. Com essa nova técnica de colar papéis coloridos ou impressos em suas composições, Picasso e Braque varreram os últimos vestígios de espaço tridimensional (ilusionismo) que ainda restavam em seu trabalho analítico "alto".
Os conceitos formais liberadores iniciados pelo cubismo também tiveram consequências de longo alcance para o dadaísmo e o surrealismo, bem como para todos os artistas que buscavam a abstração na Alemanha, Holanda, Itália, Inglaterra, Estados Unidos e Rússia.
Nº 8 dadaísmo e surrealismo (1917–1950)
dadaísta
Alguns expoentes: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
De âmbito internacional e diversificado na produção artística, tanto o dadaísmo quanto o surrealismo foram movimentos artísticos, literários e intelectuais do início do século XX que foram fundamentais para definir o modernismo. O movimento Dada, lançado em Zurique em 1916 por poetas e artistas como Tristan Tzara e Hans Arp, foi uma reação direta ao massacre, propaganda e loucura da Primeira Guerra Mundial. Grupos independentes ligados por ideias comuns surgiram logo depois em Nova York. , Berlim, Paris e outros lugares. Esses vários grupos não compartilhavam um estilo universal, mas estavam conectados por sua rejeição ao idealismo, convenções artísticas e intelectuais ultrapassadas e a aceitação descontrolada da sociedade moderna de "racionalismo" e "progresso".
Dada foi um movimento artístico europeu de vanguarda, com centros iniciais em Zurique, Suíça e Nova York.
O nome, retirado de um dicionário de Zurique em 1916, significa "cavalo de balanço" em francês ou "sim, sim" em romeno e russo. Mas, como nome de um movimento, não significa nada. Cansado da cultura que produziu a carnificina da Primeira Guerra Mundial, Dada desafiou todas as vacas sagradas, jogando expressão e autoria pela janela e celebrando o acaso e o absurdo.
As raízes do Dada estão na vanguarda pré-guerra. O termo anti-arte, um precursor do dadaísmo, foi cunhado por Marcel Duchamp por volta de 1913 para caracterizar obras que desafiam as restrições aceitas à arte.
O movimento dadaísta incluiu reuniões públicas, demonstrações e publicação de revistas de arte/literatura; A cobertura apaixonada de arte, política e cultura foram temas frequentemente discutidos em uma variedade de mídias.
O movimento influenciou estilos posteriores, como os movimentos musicais avant-garde e cêntrico, e grupos como o surrealismo e a pop art.
Então o Surrealismo chegou para canalizar as energias anti-arte de dadaístas como Marcel Duchamp de volta ao museu, provocando um movimento de grande sucesso, mas frenético, que varreu a Europa entre as guerras e abraçou muitos meios.
Surrealismo
Alguns expoentes: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Um dos movimentos mais importantes e subversivos do século 20, o surrealismo floresceu particularmente nas décadas de 1920 e 1930, fornecendo uma alternativa radical às qualidades racionais e formais do cubismo. Um movimento literário, filosófico e artístico do século 20 que explorou o funcionamento da mente, defendendo o irracional, o poético e o revolucionário.
Ao contrário do dadaísmo, do qual emergiu de várias maneiras, ele enfatizou a rejeição positiva, em vez da rejeição pessimista das tradições anteriores.
A palavra 'surrealista' (que sugere 'além da realidade') foi cunhada pelo poeta vanguardista francês Guillaume Apollinaire em uma peça escrita em 1903 e encenada em 1917. Mas foi André Breton, líder de um novo grupo de poetas e artistas em Paris, que, em seu Manifesto Surrealista (1924), definiu o surrealismo como: automatismo psíquico puro, por meio do qual pretende expressar, seja verbalmente, por escrito ou de qualquer outra forma, o funcionamento real do pensamento. Ditado do pensamento na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de todas as preocupações estéticas e morais.
Vários fios distintos podem ser distinguidos na manifestação visual do surrealismo. Artistas como Max Ernst e André Masson favoreceram o automatismo no qual o controle consciente é removido e o subconsciente pode assumir o controle. Em contraste, Salvador Dalí e René Magritte perseguiram um senso alucinatório de super-realidade em que as cenas retratadas não fazem sentido real. Uma terceira variação foi a justaposição de elementos não relacionados, estabelecendo uma realidade irrealizável fora dos limites da realidade normal. O surrealismo originou-se originalmente em Paris. A sua influência propagou-se através de uma série de revistas e exposições internacionais, das quais os exemplos mais importantes são a International Surrealist Exhibition nas New Burlington Galleries, Londres e a Fada of Fantastic Art, Surrealism no Museu de Arte Moderna de Londres. , ambos feitos em 1936. Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, o centro da atividade surrealista mudou para Nova York e no final da guerra o movimento havia perdido sua coerência. No entanto, conservou uma influência poderosa, bem patente em aspetos do Expressionismo Abstrato e outras manifestações artísticas da segunda metade do século XX.
Muitos sustentam que o Surrealismo, como um movimento cultural identificável, terminou com a morte de Breton em 1966. Outros acreditam que continua sendo uma força vital e relevante hoje.
Expressionismo abstrato nº 9 (1940–1950)
Alguns expoentes: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Expressionismo Abstrato" nunca foi um rótulo ideal para o movimento, que se desenvolveu em Nova York nas décadas de 1940 e 1950. De certa forma, pretendia abranger não apenas o trabalho de pintores que preenchiam suas telas com campos de cor e formas, mas também aqueles que atacaram suas telas com um vigoroso expressionismo gestual. Todos estavam comprometidos com a arte como expressões de si mesmos, nascidos de emoções profundas e temas universais, e a maioria foi moldada pelo legado do Surrealismo, um movimento que eles traduziram em um novo estilo que se encaixava no clima de ansiedade e trauma do pós-guerra. Em seu sucesso, esses pintores de Nova York roubaram de Paris seu manto como líder da arte moderna e prepararam o terreno para o domínio da América no mundo da arte internacional. O expressionismo abstrato inaugurou a influência da cidade de Nova York como o centro do mundo da arte ocidental. O mundo dos artistas expressionistas abstratos estava firmemente enraizado em Lower Manhattan. Uma caminhada pela 8th Street o levaria do Waldorf Cafe, onde artistas sem um tostão faziam "sopa de tomate" com água quente e ketchup de graça; pela escola de artistas plásticos Hans Hofmann fundada pelo pintor de mesmo nome; para o The Club, um loft onde palestras e discussões acaloradas sobre arte continuavam até tarde da noite. O estúdio de Jackson Pollock ficava na East 8th Street, Willem de Kooning e Philip Guston na East 10th, e embora Franz Kline tenha se mudado para várias casas e estúdios na área, a maioria das noites o encontrava e muitos de seus contemporâneos na Cedar Street Tavern na Universidade. Site.
O movimento compreendia muitos estilos pictóricos diferentes que variavam tanto em técnica quanto em qualidade de expressão. Eles costumam usar graus de abstração; ou seja, representam formas irrealistas ou, no extremo, formas não extraídas do mundo visível (não objetivo). Eles enfatizam a expressão emocional livre, espontânea e pessoal e exercem considerável liberdade de técnica e execução para atingir esse objetivo, com ênfase particular na exploração do caráter físico variável da pintura para evocar qualidades expressivas (por exemplo, sensualidade, dinamismo, ). , violência, mistério, lirismo).
A maioria dos artistas associados ao expressionismo abstrato amadureceu na década de 1930. Eles foram influenciados pela política de esquerda da época e passaram a valorizar uma arte baseada na experiência pessoal. Poucos manteriam suas visões políticas radicais anteriores, mas muitos continuaram a assumir a postura da vanguarda franca.
Apesar da diversidade do movimento expressionista abstrato, três abordagens gerais podem ser distinguidas. Uma delas, a action painting, é caracterizada por um manuseio solto, rápido, dinâmico ou enérgico da tinta em pinceladas de varredura ou corte e em técnicas parcialmente ditadas pelo acaso, como pingar ou derramar tinta diretamente na tela. Artistas: Pollock, De Kooning.
O meio-termo dentro do expressionismo abstrato é representado por vários estilos variados, variando de imagens mais líricas e delicadas a formas fluidas. Artistas: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
A terceira abordagem emocionalmente menos expressiva foi a de Rothko, Newman e Reinhardt. Esses pintores usavam grandes áreas, ou campos, de cores planas e tintas finas e transparentes para obter efeitos silenciosos, sutis e quase meditativos.
Embora o movimento tenha sido amplamente descrito em toda a documentação histórica como pertencente ao heróico artista masculino respingado de tinta, houve várias mulheres expressionistas abstratas importantes que surgiram em Nova York e São Francisco durante as décadas de 1940 e 1950 que agora recebem crédito como membros elementares do movimento. o cânone.
Nº 10 Pop Art (1960)
Alguns expoentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist e Claes Oldenburg
A pop art começou com os artistas de Nova York Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist e Claes Oldenburg, que se inspiraram em imagens populares e fizeram parte de um fenômeno internacional.
Foi uma revolta contra as abordagens dominantes da arte e da cultura e as visões tradicionais sobre o que a arte deveria ser. Os jovens artistas sentiam que o que aprendiam na escola de arte e o que viam nos museus não tinha nada a ver com suas vidas ou com as coisas que viam ao seu redor todos os dias. Em vez disso, eles recorreram a fontes como filmes de Hollywood, publicidade, embalagens de produtos, música pop e histórias em quadrinhos para suas imagens. Seguindo a popularidade dos expressionistas abstratos, a reintrodução do pop de imagens identificáveis (extraídas da mídia e da cultura popular) foi uma grande mudança na direção do modernismo.
Em 1957, o artista pop Richard Hamilton listou as 'características da Pop Art' em uma carta aos seus amigos, os arquitetos Peter e Alison Smithson: Pop Art é: Popular (projetado para um público de massa), Transitório (solução de curto prazo), Dispensável (esquecível), baixo custo, produzido em massa, jovem (voltado para jovens), espirituoso, sexy, enigmático, glamoroso, grande negócio. Os críticos modernistas ficaram horrorizados com o uso de um tema tão 'básico' pelos artistas pop e com seu tratamento aparentemente acrítico. Na verdade, a pop art levou a arte para novas áreas temáticas e desenvolveu novas formas de apresentá-la na arte e pode ser vista como uma das primeiras manifestações do pós-modernismo.
Embora tenham sido inspirados por temas semelhantes, o pop britânico costuma ser visto como distinto do pop americano. O início da Pop Art na Grã-Bretanha foi impulsionado pela cultura popular americana vista à distância, enquanto os artistas americanos se inspiraram no que viram e experimentaram vivendo dentro dessa cultura. Nos Estados Unidos, o estilo Pop foi um retorno à arte representacional (arte que representava o mundo visual de maneira reconhecível) e ao uso de bordas duras e formas distintas após a frouxidão pictórica do expressionismo abstrato. Ao usar imagens impessoais e mundanas, os artistas pop também queriam se afastar da ênfase nos sentimentos pessoais e no simbolismo pessoal que caracterizavam o expressionismo abstrato. Na Grã-Bretanha, o movimento foi mais acadêmico em sua abordagem. Ao empregar ironia e paródia, ele se concentrou mais no que as imagens americanas populares representavam e em seu poder de manipular o estilo de vida das pessoas. O grupo de arte dos anos 1950 The Independent Group (IG) é considerado o precursor do movimento pop art britânico. A pop art era descendente do dadaísmo.
A maioria dos artistas pop aspirava a uma atitude impessoal e urbana em suas obras. No entanto, alguns exemplos da arte pop expressam sutilmente a crítica social, por exemplo, os objetos que caem de Oldenburg e as repetições monótonas da mesma imagem banal de Warhol têm um efeito inegavelmente perturbador, e alguns, como as pinturas misteriosas e solitárias de Segal, são abertamente expressionistas.
Talvez devido à incorporação de imagens comerciais, a pop art se tornou um dos estilos mais reconhecidos da arte moderna.
No.11 Pós-modernismo (1970-)
Alguns expoentes: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn in Heaven por © James Gill
Que a pós-modernidade é indefinível é verdade. No entanto, pode ser descrito como um conjunto de práticas críticas, estratégicas e retóricas que utilizam conceitos como diferença, repetição, traço, simulacro e hiper-realidade para desestabilizar outros conceitos como presença, identidade, progresso histórico, certeza. .
O termo "arte pós-moderna" refere-se a uma ampla categoria de arte contemporânea criada a partir de 1970 em diante. A marca registrada da "arte pós-moderna" é sua rejeição da estética na qual se baseou sua predecessora, a "arte moderna" (1870-1970). Um desses valores rejeitados é a ideia de que a “arte” é algo “especial” que deveria ser “elevado do” gosto popular. Coincidindo com uma série de novos desenvolvimentos tecnológicos, o pós-modernismo levou a quase cinco décadas de experimentação artística com novas mídias e novas formas de arte, incluindo "Arte Conceitual", vários tipos de "Arte de Performance" e "Arte de Instalação", bem como movimentos assistidos como o desconstrutivismo e a arte da projeção. Usando essas novas formas, os artistas pós-modernos expandiram a definição de arte a ponto de "vale tudo".
O primeiro grande estilo de arte após o Renascimento foi a arte acadêmica, o material clássico que era ensinado por professores nas Academias. A arte acadêmica é o equivalente artístico do tradicional "terno e gravata". Em seguida, por volta de 1870, vem a "arte moderna". Este é o equivalente artístico de "camisa e calça" ou "jaqueta e calça". Em seguida, por volta de 1970, vem a "arte pós-moderna", que é o equivalente artístico de "jeans e camiseta". Da mesma forma que os códigos de vestimenta se tornaram menos formais e mais "vale tudo", os artistas de hoje estão menos impressionados com velhas ideias do que a arte deveria ser e mais focados em criar algo (qualquer coisa) que seja notado.
Antiautoritário por natureza, o pós-modernismo recusou-se a reconhecer a autoridade de qualquer estilo ou definição do que a arte deveria ser. A distinção entre alta cultura e massa ou cultura popular, entre arte e vida cotidiana, entrou em colapso. Como o pós-modernismo quebrou as regras de estilo estabelecidas, ele inaugurou uma nova era de liberdade e a sensação de que "vale tudo". Frequentemente engraçado, irônico ou ridículo; pode ser conflituoso e controverso, desafiando os limites do gosto; mas, mais importante, reflete uma autoconsciência do próprio estilo. Frequentemente misturando diferentes estilos e meios artísticos e populares, a arte pós-moderna também pode, consciente ou conscientemente ou ironicamente, tomar emprestado comentários sobre uma variedade de estilos do passado. Assim, os pós-modernistas consideram sua posição teórica como única inclusiva e democrática, uma vez que lhes permite reconhecer a hegemonia injusta dos discursos do Iluminismo sobre as perspectivas igualmente válidas de grupos não pertencentes à elite.
Nas décadas de 1980 e 1990, as críticas pós-modernas da sociedade ocidental contemporânea foram adotadas por defensores acadêmicos em nome de vários grupos étnicos, culturais, raciais e religiosos, e o pós-modernismo tornou-se a filosofia não oficial do novo movimento de "política de identidade".
KUADROS © , uma pintura famosa em sua parede.
