Muitas vezes há mais em uma imagem do que aparenta, e muitas das obras de arte mais famosas do mundo têm segredos escondidos sob a superfície. Você pode estudar sua pintura favorita repetidamente e ainda descobrir um novo símbolo enigmático ou detalhe oculto. Alguns dos artistas mais famosos do mundo deixam intencionalmente mensagens secretas em suas pinturas, e alguns até provocaram teorias de conspiração populares, seja para subverter a autoridade, desafiar o público ou revelar algo sobre si mesmos. Centenas de anos depois, graças aos avanços tecnológicos, muitas dessas mensagens secretas estão sendo descobertas pela primeira vez. Kuadros queria revelar esses mistérios para você. Estas são as pinturas famosas que consideramos as mais enigmáticas.
No.1 A Última Ceia - Leonardo Da Vinci
A famosa representação de Jesus e seus discípulos por Leonardo da Vinci na Última Ceia tem estado no centro de algumas teorias populares nos últimos anos, conforme descrito no romance de Dan Brown de 2003 "O Código Da Vinci" e sua adaptação. Livro de 2006 estrelado por Tom Hanks . Brown propôs que o discípulo à direita de Jesus é na verdade Maria Madalena disfarçada de João, o Apóstolo. Também sugere que a forma de "V" formada entre Jesus e "João" representa um útero feminino, o que implica que Jesus e Maria Madalena tiveram um filho juntos. Os historiadores da arte, no entanto, são céticos. A Última Ceia de da Vinci é importante por sua composição expressiva e uso de perspectiva, o que foi uma inovação na época. Da Vinci revestiu as figuras e paredes da sala pintada com cordas irradiando de um prego na parede onde o original está pintado, acima de uma sala de jantar em um mosteiro em Milão. Muitos sugerem que a aparência de John é feminina simplesmente porque é assim que ele foi retratado. O especialista Mario Taddei disse ao Artnet.com: "Leonardo teve que copiar The Last Suppers antes dele, e John parece uma mulher." Mas uma mensagem secreta muito mais convincente foi descoberta pelo técnico de informática italiano Giovanni Maria Pala. Ele afirma que Da Vinci escondeu notas musicais dentro de "A Última Ceia" que, lidas da esquerda para a direita, correspondem a um hino de 40 segundos que soa como um réquiem.
Quando o abade do mosteiro reclamou que a pintura estava demorando muito, o enfurecido artista teria ameaçado usar o rosto do abade como modelo para o traidor Judas. No final, da Vinci visitou as prisões de Milão para encontrar o rosto de vilão perfeito para Judas, que está sentado em quinto lugar à esquerda. Historiadores de arte profissionais dizem que não há evidências para as teorias da conspiração da Última Ceia expostas em "O Código Da Vinci" e outros livros sobre o assunto; e rejeitam a identificação da figura à esquerda de Jesus como sua seguidora Maria Madalena, em vez do apóstolo João.
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No.2 A Criação de Adão - Michelangelo
"A Criação de Adão" é provavelmente o mais famoso dos nove painéis bíblicos que Michelangelo pintou no teto da Capela Sistina. Mas você sabia que a cena continha um cérebro humano? A mensagem oculta é encontrada no pano onde a forma do cérebro supostamente pode ser percebida. Aparentemente, o artista o introduziu em seu afresco porque naquela época as autópsias eram proibidas pela Igreja. Acontece que Michelangelo era um especialista em anatomia humana. Aos 17 anos, ele tinha um trabalho um tanto terrível dissecando cadáveres do cemitério da igreja. Por isso, alguns acreditam que ele gostaria de introduzir essa paixão pela anatomia em uma de suas maiores realizações, no teto da Capela Sistina. Segundo os especialistas em neuroanatomia Ian Suk e Rafael Tamargo, o pintor colocou algumas ilustrações cuidadosamente escondidas de certas partes do corpo no teto da Capela Sistina. E se você olhar para a mortalha que envolve Deus em "A Criação de Adão", verá que ela cria uma ilustração anatômica do cérebro humano. Suk e Tamargo acreditam que Michelangelo pretendia que o cérebro representasse a ideia de que Deus estava dotando Adão não apenas de vida, mas também de conhecimento humano.
Um médico diz que Michelangelo estava muito familiarizado com o cérebro humano e que usou seu conhecimento de neuroanatomia para representar simbolicamente o cérebro em sua "Criação de Adão". Outras interpretações vão ainda mais longe, esta pintura vai contra a ideologia religiosa e transmite a mensagem de que tudo nasce do homem, e não o contrário. Que pensamento sacrílego, de fato. Uma obra de arte tão famosa, mas ainda estamos encontrando segredos ocultos séculos após sua concepção.
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No.3 A Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
Ou seja, a Mona Lisa, a pintura mais famosa entre as pinturas famosas, a obra mais visitada do museu do Louvre. Esta senhora enigmática realmente tem mais a ver aqui do que aquele infame meio sorriso. Em primeiro lugar, especula-se que ela esteja grávida, dada a forma como os braços estão colocados sobre a barriga e o véu sobre os ombros, que as mulheres grávidas usavam durante o Renascimento italiano. Mas as descobertas mais recentes estão em seus olhos. Em 2011, o pesquisador italiano Silvano Vinceti afirmou ter encontrado letras e números microscopicamente pintados nelas. Ele disse à Associated Press que o "L" sobre o olho direito provavelmente representa o nome do artista. Mas o significado da letra "S" que ele vê em seu olho esquerdo e o número "72" sob a ponte em arco ao fundo são menos claros. Vinceti acredita que o "S" pode se referir a uma mulher da dinastia Sforza que governou Milão, o que significa que a mulher na pintura pode não ser Lisa Gherardini, como há muito se acredita. Quanto ao "72", Vinceti argumenta que pode ser devido à importância dos números tanto no cristianismo quanto no judaísmo. Por exemplo, "7" refere-se à criação do mundo, e o número "2" pode referir-se à dualidade de homens e mulheres.
Ainda mais surpreendente, em 2015, um cientista francês usando tecnologia de luz reflexiva afirmou ter encontrado outro retrato de uma mulher abaixo da imagem que vemos hoje. O consenso é que este foi o "primeiro rascunho" de da Vinci, e que ele o pintou para criar sua obra-prima.
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No.4 Cafe Terrace at Night - Vincent Van Gogh
Esta pintura de vistas coloridas ao ar livre é um trabalho pitoresco, a visão de um observador relaxado apreciando o encanto do ambiente sem quaisquer preocupações morais. Lembre-se do humor de Van Gogh quando escreveu que "a noite é mais viva e com mais cores do que o dia". À primeira vista, a pintura a óleo de Vincent van Gogh de 1888 parece ser exatamente o que o título descreve: um pitoresco terraço de café em uma colorida cidade francesa. Mas, em 2015, o especialista em Van Gogh Jared Baxter apresentou a teoria de que a pintura é na verdade a versão do artista de "A Última Ceia". Um estudo detalhado mostra uma figura central de cabelos compridos cercada por 12 indivíduos, um dos quais parece deslizar para as sombras como Judas. Há também o que parecem ser pequenos crucifixos escondidos em toda a pintura, incluindo um sobre a figura central semelhante a Jesus.
Uma alusão religiosa não seria muito deslocada para Van Gogh. Antes de voltar sua atenção para a pintura, o famoso artista holandês desejava "pregar o evangelho em todos os lugares", e seu pai, Theodorus van Gogh, era pastor em uma igreja reformada holandesa. Na época em que trabalhava em Cafe Terrace at Night, van Gogh escreveu a seu irmão, Theo van Gogh, explicando que tinha uma "enorme necessidade de, devo usar a palavra, religião", com referência direta à pintura.
Van Gogh nunca assinou "Café Terrace at Night". No entanto, ele mencionou especificamente a pintura em três correspondências, então os historiadores da arte estão confiantes de que ele a pintou.
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Nº 5 O retrato de Arnolfini - Jan Van Eyck
A imagem está pendurada na National Gallery em Londres e provavelmente representa Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua esposa Costanza Trenta. A identidade do casal se reduzia a apenas algumas possibilidades, mas apenas eles viveram em Bruges o tempo suficiente para conhecer o pintor de perto. A primeira chave para a pintura é o cenário, em uma casa bastante rica, cheia de belos objetos e roupas. Os símbolos na pintura são impossíveis de perder, embora não sejam uma interpretação única. O significado da imagem também não é totalmente claro. Ao longo dos séculos, foi interpretado como o retrato de um casal recém-casado, com símbolos retirados de um evento de casamento, começando pelo óbvio símbolo de fertilidade da posição grávida do corpo de Constança, que, como se vê, era apenas um modismo. Na verdade, o casal acabou não tendo filhos. Outros símbolos de fertilidade são a cama vermelha e o tapete. Os sapatos caídos no chão de madeira também tinham significado como presentes de casamento comuns para uma noiva de um noivo. As laranjas simbolizam a fertilidade e o amor, a lealdade do cachorrinho. Mas se você olhar atentamente para o espelho no centro da sala, verá que há duas figuras entrando na sala. Acredita-se amplamente que um deles está destinado a ser o próprio Van Eyck. Você também notará que há uma inscrição em latim em uma caligrafia muito elaborada na parede acima do espelho, que se traduz como "Jan van Eyck esteve aqui. 1434".
No entanto, a parte mais importante da pintura, que não é mostrada, é a discrepância dos anos. A pintura, como mencionado acima, foi datada de 1434, enquanto Costanza Trenta morreu em 1433. A pintura também pode ter um contexto diferente daquele em que foi concluída. Como um raio-X mostrou, Jan van Eyck fez várias mudanças, e se elas estavam ou não relacionadas a tal ocorrência está sujeita a disputa.
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No.6 Os Embaixadores - Hans Holbein, o Jovem
Muito antes dos óculos 3D ou da caça aos ovos de Páscoa se tornarem populares, os pintores renascentistas conseguiram fazer com que seu público olhasse para suas peças de novos ângulos, brincando com a perspectiva. Um dos exemplos mais famosos da técnica é o duplo retrato de Hans Holbein, o Jovem, Os Embaixadores, que tem uma história tão rica quanto os muitos detalhes escondidos em suas pinceladas.
A interpretação da pintura como uma alegoria para o tumulto político e religioso da cismática Inglaterra de Henrique VIII, na qual os infelizes embaixadores se encontram presos, é universalmente aceita há mais de cem anos.
A pintura apresenta uma ilusão bastante impressionante em sua base. Se você olhar para a imagem torta na parte inferior da pintura da direita para a esquerda, parece ser um crânio anamórfico. Os estudiosos acreditam que isso serve como um lembrete de que a morte está sempre ao virar da esquina.
No canto superior esquerdo, atrás da cortina verde exuberante, você encontrará Jesus em uma pose icônica. Alguns historiadores da arte acreditam que esse camafeu divino está ligado ao crânio do memento mori e alude a um lugar além da mortalidade. É um símbolo que sugere que há mais do que a morte, ou seja, uma vida após a morte por meio de Cristo. Outros acreditam que o ícone oculto representa a divisão da igreja que Henrique VIII estava infligindo a seus compatriotas.
A figura do lado esquerdo de Os Embaixadores é Jean de Dinteville, o embaixador francês na Inglaterra. Ele estava prestes a completar 30 anos na época deste retrato duplo. Seu amigo e colega diplomata Georges de Selve, na foto à direita, tinha apenas 25 anos na época e já havia servido como embaixador da França na República de Veneza em várias ocasiões.
O retrato a óleo sobre carvalho foi feito para pendurar nos corredores da casa Dinteville. No entanto, a National Gallery exibe a pintura alucinante de Holbein desde 1890. Por mais de 125 anos, tem sido uma das exposições mais valiosas do museu em Londres.
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Nº 7 O Nascimento de Vênus - Sandro Botticelli
A nudez na famosa pintura de Botticelli foi bastante inovadora para o final do século XV. Mas não é aí que termina a ousadia do artista. Alguns historiadores da arte acreditam que a concha de vieira na qual Vênus está navegando nas ondas do oceano na verdade simboliza a genitália feminina e, portanto, alude à fertilidade, criando uma cena de nascimento que reflete as origens oceânicas de Vênus, ao mesmo tempo em que se conecta simbolicamente ao nascimento humano.
Vênus, deusa do amor, jaz recatada na concha, sendo arrastada para a praia por Zephyr, deus do vento oeste. Lá, uma das Horae, deusas das estações, está pronta com um manto para vestir a divindade recém-nascida. A quarta figura carregada por Zephyr pretende ser uma Aura (ninfas do vento) ou Chloris, uma ninfa associada à primavera e flores desabrochando como as que fluem pela imagem.
A inspiração cristã era dominante na arte da Idade Média, então a nudez raramente era retratada. No entanto, a ascensão do humanismo levou a um interesse renovado nos mitos da Roma antiga e, com isso, a uma ressurreição do nu.
Durante este período do início do Renascimento, a pintura em painéis de madeira estava em voga. Mas a popularidade da tela estava aumentando, especialmente em regiões úmidas onde a madeira tendia a empenar. Como a tela era mais barata do que a madeira, seu status percebido era um pouco inferior, por isso era reservado para obras não destinadas a grandes exibições públicas. A pintura se destaca como o primeiro trabalho em tela na Toscana.
O Nascimento de Vênus foi feito para pendurar em uma sala. A nudez da peça ganha um tom mais sensual quando você sabe que ela foi feita para pendurar sobre uma cama de casal. Este local e sua representação ousada ajudaram a manter O Nascimento de Vênus escondido do público por aproximadamente 50 anos. A pintura tem uma peça complementar. Embora tenha sido concluído quatro anos antes de sua irmã, La Primavera pode ser visto como uma espécie de continuação de O Nascimento de Vênus. Enquanto o segundo retrata a chegada de Vênus em um mundo prestes a florescer, o primeiro mostra o mundo florescendo em torno da figura materna agora vestida. Diz-se que o par de pinturas pretendia comunicar como "o amor triunfa sobre a brutalidade".
Botticelli pediu para ser enterrado aos pés de sua Vênus. Não a tinta, lembre-se. Ele queria mentir para sempre por sua inspiração terrena, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Considerada a mulher mais bonita de Florença, bem como a mulher mais bonita do Renascimento, Simonetta foi a musa que inspirou várias das obras de Botticelli, incluindo O Nascimento de Vênus e La Primavera. Quando ele morreu em 1510, Botticelli foi enterrado perto desta nobre casada, por quem se especula que ele nutria um amor não correspondido.
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Nº 8 Autorretrato - Rembrandt
Rembrandt pintou, desenhou e gravou tantos autorretratos em sua vida que as mudanças em sua aparência nos convidam a avaliar seu estado de espírito comparando uma imagem com outra. Tal leitura biográfica é incentivada pela forma como o artista confronta diretamente o espectador. Rembrandt pintou este auto-retrato em 1659, depois de ter sofrido um fracasso financeiro apesar de tantos anos de sucesso. Sua espaçosa casa na Sint-Anthonisbreestraat e outros bens foram leiloados no ano anterior para satisfazer seus credores. Neste trabalho tardio, os olhos profundos que se fixam no espectador parecem expressar força interior e dignidade. No entanto, interpretar pinturas com base na biografia de um artista é perigoso, principalmente com um artista cuja vida foi idealizada na medida em que Rembrandt o foi. A luz que ilumina tão efetivamente a cabeça também acentua o ombro esquerdo de Rembrandt e, em menor grau, suas mãos entrelaçadas extensivamente executadas.
Em 2001, o artista britânico David Hockney e o físico americano Charles Falco anunciaram que haviam encontrado indícios de que Rembrandt e outros velhos mestres dependiam fortemente do uso de lentes curvas e espelhos para criar suas cenas e retratos reais. E em agosto de 2016, dois pesquisadores no Reino Unido, o artista Francis O'Neil e a física Sofia Palazzo Corner, publicaram um estudo no Journal of Optics explicando como Rembrandt pode ter usado combinações de espelhos curvos e lentes para criar seus famosos autorretratos. . Os pesquisadores veem muitos detalhes nos auto-retratos de Rembrandt que apóiam sua teoria, incluindo luz forte no centro dos retratos e escuridão relativa nas bordas, que também é vista em reflexos lançados por espelhos curvos.
Os artistas estão constantemente usando novos pigmentos e óleos para produzir cores mais vibrantes, luminosas e interessantes. Rembrandt van Rijn não foi diferente. O velho mestre holandês tinha a seu favor a técnica, a criatividade e o trabalho minucioso. Também tinha química. Uma nova análise de suas obras mostra que ele usou um composto raro em algumas de suas pinturas: um mineral de carbonato de chumbo chamado plumbonacrite, Pb5(CO3)3O(OH). Conhecer a composição da paleta do artista ajudará os conservacionistas a descobrir a melhor forma de preservar suas obras de arte ao longo do tempo.
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No.9 Bacchus - Caravaggio
A pintura de Baco de Caravaggio contém toda a folia associada ao libertino mitológico borbulhando sob sua superfície. É essa sensação de tempestade sob a calmaria que a torna uma obra de arte tão poderosa. Baco, o deus do vinho, geralmente é mostrado bêbado; O Baco de Caravaggio é sereno e autônomo. Ele é freqüentemente visto montando uma carruagem triunfal puxada por tigres, leopardos ou cabras; na versão de Caravaggio, a procissão báquica está prestes a começar ou já terminou. Ou talvez este Baco tenha planos completamente diferentes.
A primeira vez que algo escondido nesta obra foi descoberto foi em 1922, um restaurador de arte estava limpando a tela desta obra de 1595. À medida que o acúmulo de sujeira ao longo dos séculos desapareceu, um retrato oculto tornou-se visível. Na jarra de vinho de cristal no canto inferior esquerdo, um minúsculo Caravaggio fica no pequeno reflexo da luz na superfície do vinho.
Hoje, quase um século depois, os pesquisadores confirmam isso. Não parece estar muito escondido, mas graças à tecnologia moderna chamada reflectografia, especialistas em arte em 2009 foram capazes de descobrir que a imagem de um homem está realmente escondida no jarro de vinho no canto inferior esquerdo. E pode ser o próprio Da Caravaggio. "Caravaggio pintou uma pessoa em posição vertical, com um braço estendido em direção a uma tela em um cavalete. Parece ser um retrato de si mesmo enquanto pintava", disse a estudiosa de arte Mina Gregori ao The Telegraph.
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KUADROS © , uma pintura famosa em sua parede.
