Muitas das obras listadas abaixo foram roubadas.
Outras foram destruídas pelo homem ou pela natureza, e algumas delas simplesmente não conhecem o seu destino final. As razões para a perda destes tesouros variam, mas em todos os casos há um culpado comum: o homem.
N.º 1 O Colosso de Rodes
Uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo, o Colosso de Rodes era uma enorme estátua de bronze do deus sol Hélios que se erguia sobre a cidade grega de Rodes. A estátua situava-se junto ao porto da cidade desde 280 a.C., um dos mais importantes portos comerciais do antigo Mediterrâneo.
Hélio era descendente dos titãs Hiperião e Teia. Um local onde Hélios era particularmente venerado era Rodes, a maior das ilhas do Dodecaneso, no Mediterrâneo oriental. Rodes era uma pólis, ou cidade-estado, e gerava muito dinheiro com o seu lucrativo controlo do comércio. Não parecia haver melhor maneira de celebrar o seu estatuto comercial do que encomendar uma estátua maciça em honra do deus da cidade, uma iniciativa que celebrava a liberdade conquistada pela ilha.
A estátua gigante original tinha 33 metros de altura e, de acordo com relatos antigos, o escultor Chares de Lindos demorou 12 anos a concluí-la. Embora o Colosso tenha sido certamente uma visão incrível para os visitantes do movimentado porto da cidade, infelizmente, o gigante Hélio permaneceu de pé durante apenas 56 anos.
Derrubado por um terramoto em 228 ou 226 a.C., os seus pedaços espalharam-se pelas docas de Rodes durante um milénio, antes de se fundirem em sucata em meados do século VII. Nenhum desenho do Colosso de Rodes sobreviveu até aos nossos dias, mas fontes antigas referem que Hélios foi representado de pé com uma tocha na mão estendida. Estas representações serviram mais tarde de inspiração para o desenho da Estátua da Liberdade.
N.º 2 O Escudo da Medusa - Leonardo da Vinci
O Escudo da Medusa perdeu-se no tempo, mas é uma daquelas obras misteriosas de Leonardo da Vinci com um elevado nível de espírito e debate.
De acordo com um relato de 1550 do historiador de arte Giorgio Vasari, o rosto foi pintado num escudo de madeira cortado de figueiras, como um favor a um camponês seu amigo que desenhou o escudo. Leonardo, no seu estilo experimental, pegou no escudo, aqueceu-o com fogo e amoleceu-o.
Segundo a história, quando o seu pai, Ser Piero, veio ver o escudo e bateu à porta, Leonardo disse-lhe para esperar. Pegou no escudo pintura Pegou no escudo e ajustou-o perto de uma janela onde entrava uma luz suave. Ser Piero entrou e olhou para o escudo pintura e recuou com um grito.
Leonardo disse então: "Esta obra serve o objetivo para o qual foi feita; pegue nela e leve-a, pois é este o efeito que deve produzir.
O pintura acabou por ser tão realista que inicialmente assustou o pai de Leonardo, que a considerou uma obra-prima macabra e a vendeu secretamente a um grupo de comerciantes florentinos.
O Escudo da Medusa foi concebido para ser uma dessas histórias da juventude de Leonardo, por isso poderia ser em Vinci (na Toscana, onde Leonardo nasceu), ou poderia ser em Florença.
O escudo desapareceu há muito tempo e alguns académicos modernos defendem agora que a história de Vasari pode ter sido pouco mais do que um mito, uma lenda urbana do seu tempo.
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N.º 3 Os quebradores de pedra - Gustave Courbet
Realismo e pura realidade numa só obra.
Se olharmos com atenção para o pintura Os Quebradores de Pedra, de Courbet, a preocupação do artista com a situação dos pobres é evidente.
Os Quebradores de Pedra, pintado em 1849, retrata dois trabalhadores camponeses comuns. Courbet pinta sem qualquer sentimento aparente; em vez disso, deixa que a imagem dos dois homens, um demasiado jovem para o trabalho pesado e o outro demasiado velho, exprima os sentimentos de privação e exaustão que pretende retratar. Courbet mostra simpatia pelos trabalhadores e desagrado pela classe alta, pintando estes homens com a sua própria dignidade.
Inspirado por um encontro fortuito com dois trabalhadores oprimidos, Courbet rompeu deliberadamente com as convenções da época ao retratar os homens em pormenor, desde os seus músculos tensos às suas roupas sujas e esfarrapadas.
Tradicionalmente, um artista passava a maior parte do seu tempo nas mãos, nos rostos e nos grandes planos. Não é o caso de Courbet. Se olhar com atenção, notará que ele tenta ser imparcial, tratando tanto de rostos como de rochas, deixando de lado o glamour que a maioria dos pintores franceses da época acrescentava às suas obras. Por isso, Courbet ficou conhecido como o líder do movimento realista.
Enquanto o pintura ajudou a lançar a carreira artística de Courbet, "Os Quebra-Pedras" acabou por se tornar uma das muitas vítimas culturais da Segunda Guerra Mundial. Em 1945, a pintura foi destruída durante um bombardeamento dos Aliados perto da cidade de Dresden, na Alemanha.
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N.º 4 Homem na encruzilhada - Diego Rivera
Diego Rivera pintou muitos murais e frescos populistas, mas a sua obra mais famosa talvez seja aquela que já não existe. Em 1932, o artista mexicano foi encarregado por John D. Rockefeller de criar um mural para as paredes do Rockefeller Center, em Nova Iorque.
O tema escolhido foi: "o homem na encruzilhada, olhando com esperança e visão elevada para escolher um futuro novo e melhor".
Rockefeller queria que o pintura fazer as pessoas parar e pensar. Rivera receberia 21.000 dólares pelo trabalho. Foi-lhe oficialmente encomendado pela Todd-Robertson-Todd Engineering, os agentes de desenvolvimento do edifício. A encomenda completa previa três murais. O Homem na Encruzilhada ficaria no centro. Seria ladeado por A Fronteira da Evolução Ética e A Fronteira do Desenvolvimento Material. A composição central tinha como objetivo contrastar o capitalismo e o socialismo. Esta ideia básica de composição foi aprovada por Rockefeller.
Em 24 de abril de 1933, o New York World-Telegram publicou um artigo atacando o mural como propaganda anti-capitalista. Poucos dias depois, Rivera acrescentou o retrato de Lenine à obra. O líder aparece na parte da frente, à direita. Lenine é visto de mãos dadas com um grupo multirracial de trabalhadores.
Os soldados e a máquina de guerra ocupavam o canto superior esquerdo, acima das mulheres da sociedade, e uma manifestação russa do Primeiro de maio com bandeiras vermelhas era vista à direita, acima de Lenine. Para Rivera, isto representava visões sociais contrastantes: os "ricos depravados" observados pelos desempregados enquanto a guerra rebentava, enquanto uma utopia socialista era introduzida por Lenine.
Das centenas de personagens de Man at the Crossroads, Lenine é a que suscita mais debate. Uma manchete de 24 de abril no New York World-Telegram declarava: "Rivera perpetua cenas de atividade comunista para as paredes da RCA e Rockefeller Jr. paga a conta". Dez dias depois, Nelson Rockefeller, patrono de Rivera e membro de uma família famosa e rica, pediu ao artista que retirasse Lenine. Quando Rivera recusou, o artista foi pago na totalidade pelo seu trabalho e despedido. Os murais foram cobertos e depois destruídos, enquanto os apoiantes de Rivera se mobilizavam para salvar a obra.
Preocupado com a possibilidade de Rockefeller destruir a obra, Rivera pediu a uma assistente, Lucienne Bloch, que tirasse fotografias do mural antes de ser destruído. Utilizando-as como referência, Rivera voltou a pintar o mural, embora em menor escala, no Palácio de Belas Artes da Cidade do México, onde passou a chamar-se Homem, Controlador do Universo. A composição era quase idêntica, com a principal diferença de que a figura central foi ligeiramente deslocada para se alinhar com o mastro de suporte do telescópio cilíndrico acima dele. A nova versão incluía um retrato de Leon Trotsky com Karl Marx e Friedrich Engels à direita, e outros, incluindo Charles Darwin, à esquerda, e o pai de Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., um abstémio de longa data, a beber numa discoteca com uma mulher. Por cima das suas cabeças, o artista colocou um prato com bactérias da sífilis.
N.º 5 Retrato de Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
Em 1954, membros do Parlamento britânico encomendaram um retrato ao artista Graham Sutherland e ofereceram-no a Winston Churchill como prenda do seu 80º aniversário.
Graham continua a ser recordado, sobretudo, como o artista cujo retrato de Sir Winston Churchill ofendeu tanto a figura venerada que o destruiu.
Apesar de se ter declarado honrado com o gesto, Churchill não era fã da interpretação realista de Sutherland, que, na sua opinião, o captava numa pose pouco lisonjeira. De facto, o primeiro-ministro não gostou tanto do retrato que pensou em não comparecer na cerimónia de inauguração, tendo mesmo escrito uma carta a Sutherland a expressar pessoalmente o seu desapontamento.
Não se trata de um retrato deliberadamente "moderno", ou mesmo mal executado. Pelo contrário, tratava-se de um retrato francamente honesto e direto de um homem que, afinal de contas, estava no início dos seus 80 anos, frágil e fisicamente exausto. No entanto, o retrato é também um estudo simpático que consegue transmitir a gravidade do modelo, ao mesmo tempo que revela a sua vulnerabilidade. No entanto, esta realidade chocava espetacularmente com a imagem que Churchill gostava de projetar de si próprio para a sociedade britânica, a do homem de ação, o líder despretensioso e indomável dos tempos de guerra.
Dada a ousada franqueza e honestidade da imagem, a reação de Churchill era talvez inevitável.
Churchill e a sua mulher recusaram todos os pedidos para exibir publicamente a imagem. pinturae a obra desapareceu efetivamente da vista do público durante vários anos. Após a morte do líder, em 1977, foi finalmente revelado que Lady Churchill tinha destruído e queimado pessoalmente o odiado retrato, menos de um ano após a sua revelação.
Em retrospetiva, toda a "controvérsia do retrato de Churchill" provou ser uma faca de dois gumes para Sutherland. Por um lado, foi uma prova da força do seu retrato. Mas, por outro lado, a pintura trouxe-lhe uma grande notoriedade indesejada e injustificada, especialmente na imprensa popular. Isto foi particularmente irritante para Sutherland, porque era um artista sério e profundamente empenhado na sua profissão.
N.º 6 Os Budas de Bamiyan
Imagem dos Budas de Bamiyan antes da sua destruição.
Construído algures no século VI, este lendário par de Budas de pedra permaneceu de pé durante 1500 anos antes de ser vítima de uma purga cultural pelos Talibãs. As esculturas de 41 metros e 53 metros de altura foram originalmente criadas diretamente a partir de um penhasco de arenito e serviram como o monumento mais espetacular de Bamiyan durante uma época em que a cidade floresceu como centro comercial da Rota da Seda.
Antes da sua destruição, podiam ver-se duas esculturas monumentais de Buda esculpidas no penhasco virado para o vale. A maior das duas figuras estava localizada na extremidade ocidental. A historiadora de arte Susan Huntington argumentou que representava o Buda Vairochana. A mais pequena das duas estátuas monumentais, localizada a leste, representava o Buda Shakyamuni.
Como muitos dos grandes monumentos antigos do mundo, pouco se sabe sobre quem encomendou os Budas aos escultores que os esculpiram. No entanto, a sua própria existência aponta para a importância da fé budista e do Vale de Bamiyan durante este período.
A destruição de Bamiyan é o ataque mais espetacular ao património histórico e cultural do Afeganistão. A sua destruição é também única pela mobilização global que desencadeou, embora, infelizmente, não seja o único dano infligido aos vestígios arqueológicos do Afeganistão.
Apesar de terem resistido a mais de uma dúzia de séculos, a vários ataques de imperadores muçulmanos e até a uma invasão de Gengis Kahn, os Budas foram finalmente destruídos em março de 2001, quando os Talibãs e os seus aliados da Al Qaeda emitiram uma ordem condenando as imagens "idólatras".
Ignorando os apelos generalizados da comunidade internacional, os grupos dispararam contra as estátuas com armas antiaéreas antes de as fazerem explodir com dinamite.
Embora a destruição dos Budas tenha sido condenada como um crime contra a cultura, foram descobertos uma série de desenhos e textos rupestres anteriormente escondidos nos escombros e, em 2008, os arqueólogos desenterraram uma terceira estátua de Buda, até então desconhecida, perto das ruínas, o que se tornou numa espécie de vingança da cultura contra o terror.
N.º 7 Natividade com S. Francisco e S. Lourenço - Caravaggio
A Natividade com S. Francisco e S. Lourenço é a única obra conhecida associada à breve estadia de Caravaggio em Palermo e é muito mais tradicional do que a Adoração de Messina, não só porque o Menino Jesus está sozinho no chão, enquanto a Virgem está sentada num banco baixo, mas também devido às poses mais convencionais e às aparências bem vestidas das figuras circundantes.
A manipulação do pintura é também muito mais preciso e acabado do que em muitos dos quadros posteriores de Caravaggio. No entanto, a sua recém-adquirida humildade não se perdeu totalmente, e a figura camponesa de São José à direita, com o seu chapéu de abas largas e mãos morenas, parece ter sido um protótipo para muitas das figuras semelhantes em composições realistas populares nos dois séculos seguintes.
A imagem foi, segundo Bellori, pintada para o Oratório da Compagnia di San Lorenzo.
Desde o seu roubo em 1969, o presépio de Caravaggio é considerado uma das obras mais importantes do mundo. pinturas O presépio é considerado um dos roubos mais notórios da história da arte. A obra-prima nunca mais foi vista desde que foi roubada de uma capela em Palermo, Itália, embora haja indícios de que a máfia siciliana possa ter desempenhado um papel no roubo.
As esperanças de resolver um dos piores crimes de arte da história foram reacendidas depois de os investigadores italianos terem anunciado que receberam novas informações.
Em 1996, um informador da máfia testemunhou que ele e vários outros homens tinham roubado o pintura de um comprador privado, tendo-o destruído acidentalmente ao cortar a tela da moldura. Mais de uma década depois, outro antigo mafioso afirmou que a pintura tinha sido escondido num celeiro para ser guardado, mas que ratos e porcos o danificaram irreparavelmente antes de o queimarem. O destino final do presépio permanece um mistério, mas se ainda existir, o pintura valeria agora pelo menos 40 milhões de dólares.
O presidente da Câmara de Palermo, Leoluca Orlando, que ajudou a transformar a capital siciliana de um bastião da máfia numa capital europeia da cultura, afirmou que o roubo do pintura foi um golpe para a cidade, numa altura em que era dominada por mafiosos e padrinhos. "Hoje, esta cidade mudou e está a exigir de volta tudo o que a máfia lhe tirou", afirmou.
"Mesmo que recupere uma pequena parte, já é uma vitória", concluiu.
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N.º 8 A Sala Âmbar
Criada pelo escultor Andreas Schlüter e pelo mestre artesão de âmbar Gottfried Wolfram, esta impressionante câmara assumiu a forma de 16 metros quadrados.
A sala estava coberta por painéis ornamentados e dourados que brilhavam com ouro e âmbar: pedras preciosas brilhantes e gemas de seiva de árvore fossilizadas com uma rica cor amarelo-vermelho. O âmbar era revestido de ouro, os espelhos eram recortados e montados com belos desenhos, o que era deslumbrante. O salão foi construído em 1701 e, em 1716, o rei da Prússia, na altura Frederico Guilherme I, ofereceu-o como presente a Pedro, o Grande, para ajudar a cimentar uma aliança entre a Prússia e a Rússia. Muitas vezes chamada de "Oitava Maravilha do Mundo", a câmara ornamentada foi considerada uma obra-prima da arte barroca e valeria mais de 140 milhões de dólares atualmente.
O destino da sala que outrora simbolizava a paz tornou-se tudo menos pacífico: os nazis desmantelaram a câmara e levaram-na para Königsberg, na Alemanha, onde desapareceu perto do fim da Segunda Guerra Mundial. A maioria dos historiadores acredita que foi destruída num bombardeamento dos Aliados em 1944, mas há também provas que sugerem que a sala foi embalada e retirada da cidade. A partir daí, sugerem algumas teorias, poderá ter sido carregada num navio que se afundou no Mar Báltico ou simplesmente escondida num cofre ou bunker.
A última teoria afirma que os soviéticos sabiam que a Sala Âmbar tinha sido destruída pelas suas próprias tropas na invasão de Königsberg.
A história da nova Sala Âmbar é, pelo menos, certa. Foram feitos todos os esforços para criar uma reprodução tão perfeita quanto possível, ao ponto de definir 350 tonalidades diferentes de âmbar. A reconstrução começou em 1979, em Tsarskoye Selo, e ficou concluída 25 anos mais tarde, com um custo de 11 milhões de dólares.
Dedicada pelo Presidente russo Vladimir Putin e pelo então Chanceler alemão Gerhard Schröder, a nova sala assinalou o 300º aniversário de São Petersburgo numa cerimónia unificadora que ecoou o sentimento pacífico evocado pela sala original.
A réplica da sala permanece em exposição pública na Reserva do Museu Estatal de Tsarskoye Selo, nos arredores de São Petersburgo.
Mesmo assim, os caçadores de tesouros insistem que uma fabulosa sala dourada continua à espera de ser encontrada nas profundezas de uma caverna escura e misteriosa.
KUADROS ©A pintura famoso na sua parede.
