Expressionismo abstrato é o termo aplicado às novas formas de arte abstrata desenvolvidas por pintores americanos como Jackson Pollock, Mark Rothko e Willem de Kooning nas décadas de 1940 e 1950. Caracteriza-se frequentemente por pinceladas ou marcas gestuais e pela impressão de espontaneidade.
Expressionismo abstrato - Os postes azuis de Jackson Pollock
Embora seja a designação aceite, o Expressionismo Abstrato não é uma descrição exacta do conjunto de obras criadas por estes artistas. De facto, o movimento incluiu muitos estilos de pintura diferentes que variam tanto na técnica como na qualidade de expressão. Apesar desta variedade, o pinturas do Expressionismo Abstrato partilham várias características gerais. Recorrem frequentemente a graus de abstração, ou seja, representam formas irrealistas ou, no extremo, formas não retiradas do mundo visível (não objectivas). Dão ênfase à expressão emocional livre, espontânea e pessoal, e exercem uma considerável liberdade de técnica e execução para atingir este objetivo, com uma ênfase particular na exploração da fisicalidade variável da pintura para evocar qualidades expressivas (por exemplo, sensualidade, dinamismo, violência, mistério, lirismo). Mostram uma ênfase semelhante na aplicação intuitiva e não estudada da técnica e da execução. pintura numa forma de improvisação psíquica semelhante ao automatismo dos surrealistas, com uma intenção semelhante de expressar a força do inconsciente criativo na arte. Os artistas mostram frequentemente uma ênfase semelhante no abandono da composição convencionalmente estruturada, construída a partir de elementos discretos e segregáveis, substituindo-a por um único campo, grelha ou outra imagem indiferenciada e unificada que existe num espaço não estruturado. E, finalmente, a pinturas enchem grandes telas para dar a estes efeitos visuais acima mencionados tanto monumentalidade como poder de absorção.
Os Expressionistas Abstractos estavam sediados principalmente na cidade de Nova Iorque e eram também conhecidos como a Escola de Nova Iorque. O nome evoca o seu objetivo de fazer arte que, embora abstrata, é também expressiva ou emocional no seu efeito. Inspiraram-se na ideia surrealista de que a arte deveria emergir do inconsciente e no automatismo do artista Joan Miró.
Na Big Apple, um pequeno grupo de artistas com filiação informal criou um conjunto de obras estilisticamente diversificado que introduziu novas direcções radicais na arte e mudou a abordagem ao mundo da arte. Sem constituir uma associação formal, os artistas invariavelmente conhecidos como "Expressionistas abstractos" ou "A Escola de Nova Iorque" partilhavam alguns pressupostos comuns. Entre outros, artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart e Clyfford Still avançaram com ousadia formal em busca de conteúdos significativos. Rompendo com as convenções aceites, tanto na técnica como no tema, os artistas criaram obras de escala monumental que constituíam reflexos das suas psiques individuais e, ao fazê-lo, tentaram explorar fontes interiores universais. Estes artistas valorizavam a espontaneidade e a improvisação e davam a maior importância ao processo.
Expressionismo Abstrato - Abstração de Willem de Kooning
O trabalho dos expressionistas abstractos resiste a uma categorização estilística, mas pode ser agrupado em torno de duas inclinações básicas: uma ênfase no gesto dinâmico e enérgico, em contraste com uma abordagem reflexiva e cerebral em campos de cor mais abertos. Em ambos os casos, as imagens eram sobretudo abstractas.
Os primeiros expressionistas abstractos tiveram dois precursores notáveis: Arshile Gorky, que pintou formas biomórficas sugestivas utilizando uma aplicação de pintura líquido, delicadamente linear e livre, e Hans Hofmann, que utilizou pinceladas dinâmicas e fortemente texturadas em obras abstractas mas convencionalmente compostas. Outra influência importante no Expressionismo Abstrato nascente foi a chegada às costas americanas, no final da década de 1930 e início da década de 1940, de um grande número de surrealistas e outros artistas europeus de vanguarda que fugiam da Europa dominada pelos nazis. Estes artistas estimularam grandemente os pintores nativos da cidade de Nova Iorque e deram-lhes uma visão mais íntima da vanguarda nova-iorquina. pintura Vanguarda europeia. O movimento expressionista abstrato é geralmente considerado como tendo começado com os pinturas de Jackson Pollock e Willem de Kooning no final da década de 1940 e início da década de 1950.
Expressionismo Abstrato - Um Ano o Algodão Doce de Arshile Gorky
Expressionismo abstrato - Tal é o caminho das estrelas, de Hans Hofmann
Tipos de Expressionismo Abstrato
Apesar da diversidade do movimento expressionista abstrato, podem distinguir-se três abordagens gerais. Uma, "a pintura de ação", caracteriza-se por uma manipulação solta, rápida, dinâmica ou enérgica da pintura A primeira, "a da ação", caracteriza-se por uma manipulação solta, rápida, dinâmica ou enérgica da tinta, em pinceladas largas ou cortantes e em técnicas em parte ditadas pelo acaso, como pingar ou derramar a tinta. pintura diretamente sobre a tela. Jason Pollock praticou pela primeira vez a pintura de ação, pingando pinturas comerciais em telas cruas para construir novelos de pintura complexas e emaranhadas de padrões lineares excitantes e evocativos. De Kooning utilizou pinceladas extremamente vigorosas e expressivas para criar imagens ricas em cor e textura. Kline usou pinceladas pretas poderosas e largas numa tela branca para criar formas marcadamente monumentais.
O meio-termo do Expressionismo Abstrato é representado por vários estilos variados, que vão desde as imagens mais líricas e delicadas e as formas fluidas do pinturas de Guston e Frankenthaler até às imagens quase caligráficas, vigorosas e claramente estruturadas de Motherwell e Gottlieb.
A terceira abordagem, menos expressiva do ponto de vista emocional, é a de Rothko, Newman e Reinhardt. Estes pintores utilizaram grandes áreas, ou campos, de cores planas e pintura e de cores finas e diáfanas para obter efeitos calmos, subtis, quase meditativos. O pintor de campos de cor foi Rothko, cuja maioria das obras consiste em combinações em grande escala de áreas rectangulares de cores sólidas e bordos suaves que tendem a brilhar e a ressoar.
Dentro do Expressionismo Abstrato havia dois grandes grupos: os chamados pintores de ação, que atacavam as suas telas com pinceladas expressivas; e os pintores de campos de cor, que enchiam as suas telas com grandes áreas de uma única cor.
Os pintores de ação eram liderados por Jackson Pollock e Willem de Kooning, que trabalhavam de forma espontânea e improvisada, utilizando frequentemente pincéis grandes para fazer marcas gestuais abrangentes. Pollock colocava a sua tela no chão e dançava à volta dela, derramando-a pintura da lata ou arrastando-a com o pincel ou um pau. Desta forma, os pintores de ação captavam diretamente na tela os seus impulsos interiores.
O segundo grupo incluía Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford Still. Estes artistas estavam profundamente interessados na religião e no mito e criaram composições simples com grandes áreas de cor destinadas a produzir uma reação contemplativa ou meditativa no espetador. Num ensaio escrito em 1948, Barnett Newmann afirmou: "Em vez de fazermos catedrais a partir de Cristo, do homem ou da 'vida', estamos a fazê-las a partir de nós próprios, dos nossos próprios sentimentos". Esta abordagem da pintura foi desenvolvida por volta de 1960 no que ficou conhecido como pintura pintura de campo de cor, caracterizada pelo facto de os artistas utilizarem grandes áreas de mais ou menos uma única cor plana.
O Expressionismo Abstrato desenvolveu-se no contexto de fontes e inspirações diversas e sobrepostas. Muitos dos jovens artistas tinham começado na década de 1930. A Grande Depressão produziu dois movimentos artísticos nenhum dos quais satisfez o desejo deste grupo de artistas de encontrar conteúdos ricos em significado e com um aroma de responsabilidade social, mas livres de provincianismo e de política explícita. A Grande Depressão também estimulou o desenvolvimento de programas de ajuda governamental, incluindo o Works Progress Administration (WPA), um programa de emprego para americanos desempregados no qual muitos membros do grupo participaram e que permitiu a tantos artistas estabelecer carreiras.
Mas foi a exposição e a assimilação do modernismo europeu que preparou o terreno para uma arte americana mais avançada. Havia vários lugares em Nova York para ver a arte de vanguarda da Europa. O Museu de Arte Moderna foi inaugurado em 1929 e nele os artistas puderam ver uma coleção em rápido crescimento, adquirida pelo diretor Alfred H. Barr, Jr. Também estiveram expostos a exposições temporárias inovadoras de novos trabalhos, incluindo Cubismo e Arte Abstrata (1936), Arte Fantástica, Dadaísmo, Surrealismo (1936-1937) e retrospectivas de Matisse, Léger e Picasso, entre outros.
Outro fórum para ver arte mais avançada foi o Albert Gallatin Museum of Living Art, que esteve instalado na Universidade de Nova Iorque de 1927 a 1943. Aí, os expressionistas abstractos viram os trabalhos de Mondrian, Gabo, El Lissitzky e outros. Precursor do Museu Solomon R. Guggenheim, o Museu de Pintura Não-Objetiva foi inaugurado em 1939. Já antes dessa data, a sua coleção Kandinsky tinha sido exposta publicamente várias vezes. As lições do modernismo europeu também foram difundidas através do ensino. O expatriado alemão Hans Hofmann (1880-1966) tornou-se o mais influente professor de arte moderna nos Estados Unidos, e seu impacto atingiu tanto artistas quanto críticos.
A crise da guerra e o seu rescaldo são fundamentais para compreender as preocupações dos expressionistas abstractos. Estes jovens artistas, preocupados com o lado obscuro do homem e ansiosamente conscientes da irracionalidade e vulnerabilidade humanas, queriam exprimir as suas preocupações numa nova arte com significado e substância. Os surrealistas europeus abriram novas possibilidades com a sua ênfase no contacto com o inconsciente. Um dispositivo surrealista para a libertação da mente consciente foi o automatismo psíquico, no qual o gesto automático e a improvisação ganham rédea solta.
Inicialmente, os expressionistas abstractos, em busca de um tema intemporal e poderoso, inspiraram-se no mito primitivo e na arte arcaica. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman e Baziotes procuraram expressão em culturas antigas ou primitivas. As suas primeiras obras apresentam elementos pictográficos e biomórficos transformados em códigos pessoais. A psicologia junguiana também foi convincente na sua afirmação do inconsciente coletivo. A franqueza da expressão era primordial e era melhor conseguida sem premeditação. Numa famosa carta ao New York Times (junho de 1943), Gottlieb e Rothko, com a ajuda de Newman, escreveram: "Para nós, a arte é uma aventura num mundo desconhecido da imaginação, livre de fantasia e violentamente oposto ao senso comum. Não existe algo como uma boa pintura sobre nada. Afirmamos que o assunto é crítico".
Expressionismo Abstrato - Rhodes de Adolph Gottlieb
O Expressionismo Abstrato no seu apogeu: o pintura da ação
Em 1947, Pollock desenvolveu uma técnica radicalmente nova, derramando e pingando pintura sobre uma tela crua colocada no chão (em vez dos métodos tradicionais de pintura em que o pigmento é aplicado com um pincel numa tela esticada colocada num cavalete). O pinturas eram completamente não-objectivas. Pelo seu tema (ou aparente falta de um), escala (enorme) e técnica (sem pincel, sem estirador, sem cavalete), as obras chocaram muitos espectadores. De Kooning estava também a desenvolver a sua própria versão de um estilo gestual altamente carregado, alternando entre trabalhos abstractos e imagens figurativas poderosas e icónicas. Outros colegas, incluindo Krasner e Kline, estavam igualmente empenhados em criar uma arte gestual dinâmica, em que cada centímetro de uma imagem é totalmente carregado. Para os Expressionistas Abstractos, a autenticidade ou o valor de uma obra residia na sua franqueza e imediatismo de expressão. Um pintura A obra de arte abstrata pretende ser uma revelação da verdadeira identidade do artista. O gesto, a "assinatura" do artista, é a prova do próprio processo de criação da obra. É em referência a este aspeto da obra que o crítico Harold Rosenberg cunhou o termo "...a assinatura do artista".pintura A certa altura, a tela começou a aparecer a um pintor americano após o outro como um palco onde agir, e não como um espaço onde reproduzir, redesenhar, analisar ou "expressar" um objeto, real ou imaginário. O que ia passar para a tela não era um quadro, mas um acontecimento". A obra de arte "é uma evidência do processo de criação da obra. É em referência a este aspeto da obra que o crítico Harold Rosenberg cunhou o termo "pintura A certa altura, a tela começou a aparecer para um pintor americano após o outro como um palco onde agir, e não como um espaço onde reproduzir, redesenhar, analisar ou "expressar" um objeto, real ou imaginário. O que ia passar para a tela não era um quadro, mas um acontecimento". A obra de arte "é uma evidência do processo de criação da obra. É em referência a este aspeto da obra que o crítico Harold Rosenberg cunhou o termo "pintura A certa altura, a tela começou a aparecer para um pintor americano após o outro como um palco onde agir, e não como um espaço onde reproduzir, redesenhar, analisar ou "expressar" um objeto, real ou imaginário. O que se passava na tela não era um quadro, mas um acontecimento".
O Expressionismo Abstrato no seu auge: o campo de cor
Uma outra via reside no potencial expressivo da cor. Rothko, Newman e Still, por exemplo, criaram uma arte baseada em campos simplificados, de grande formato e dominados pela cor. O impulso era geralmente reflexivo e cerebral, com meios pictóricos simplificados para criar uma espécie de impacto elementar. Rothko e Newman, entre outros, falaram de um objetivo de alcançar o "sublime" em vez do "belo", recordando Edmund Burke num impulso para uma visão grandiosa e heróica em oposição a um efeito calmante ou reconfortante. Newman descreveu o seu reducionismo como um meio de "nos libertarmos dos acessórios obsoletos de uma lenda antiquada e ultrapassada... libertarmo-nos dos impedimentos da memória, da associação, da nostalgia, da lenda e do mito que têm sido os dispositivos da pintura da Europa Ocidental".
Para Rothko, os rectângulos de cor luminescente, de bordos suaves, devem provocar no espetador uma experiência quase religiosa, ou mesmo provocar lágrimas. Tal como para Pollock e os outros, a escala contribui para o significado. Para a época, as obras eram de grandes dimensões. E destinavam-se a ser vistas em ambientes relativamente próximos, para que o espetador pudesse visualizar-se praticamente envolvido na experiência de se confrontar com a obra. Rothko disse: "Pinto em grande escala para ser íntimo". A noção de pessoalidade (expressão autêntica do indivíduo) é mais importante do que a de grandiosidade, para que o espetador se envolva virtualmente na experiência do confronto com a obra.
Expressionismo abstrato: o seu impacto
O Expressionismo Abstrato teve um grande impacto na cena artística americana e europeia durante a década de 1950. De facto, o movimento marcou a mudança do centro criativo da pintura arte moderna de Paris para a cidade de Nova Iorque nas décadas do pós-guerra. Ao longo da década de 1950, os seguidores mais jovens do movimento seguiram cada vez mais o exemplo dos pintores de campos de cor e, em 1960, os seus participantes tinham-se afastado da expressividade altamente carregada dos pintores de ação.
Nesta altura, as obras eram amplamente vistas em exposições itinerantes e através de publicações. Na sequência do Expressionismo Abstrato, as novas gerações de artistas, tanto americanos como europeus, foram profundamente marcadas pelos avanços da primeira geração e criaram as suas próprias expressões importantes com base naqueles que abriram o caminho.
KUADROS ©Os pintura famoso na sua parede.
