El toque femenino en el arte - KUADROS
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Como em muitos outros campos, as mulheres têm sido historicamente desencorajadas a seguir uma carreira nas artes. No entanto, muitos artistas extraordinários desrespeitaram as regras sociais e perseveraram.

Claro, essas mulheres provavelmente se ressentiriam de serem incluídas em uma lista de pintoras, preferindo ser valorizadas como artistas fora de seu gênero. Infelizmente, como as mulheres continuam a lutar pela igualdade em todos os campos, essas artistas excepcionais são frequentemente referidas em termos de gênero.

Sem entrar em polémicas, Kuadros quis homenagear esse toque feminino na história da arte, recordando estas 5 virtuoses da arte.

Nº 1 Sofonisba Anguissola - 1532 – 1625

Sofonisba Anguissola, Autorretrato

Sofonisba Anguissola, (nascida por volta de 1532, Cremona (Itália), falecida em novembro de 1625, Palermo), pintora do final do Renascimento. Nascida em uma família nobre relativamente pobre, seu pai garantiu que ela e suas irmãs tivessem uma educação completa que incorporasse as artes plásticas. Isso incluiu aprendizados com pintores locais respeitados.

Isso abriu um precedente para as futuras artistas mulheres, que até então geralmente só aprendiam se um membro da família tivesse uma oficina. O talento de Anguissola chamou a atenção de Michelangelo, com quem realizou uma mentoria informal por meio da troca de desenhos. Embora, como artista feminina, ela não tivesse permissão para estudar anatomia ou praticar desenho de modelo devido à sua vulgaridade percebida, ela ainda conseguiu ter uma carreira de sucesso.

Anguissola experimentou novos estilos de retratos, definindo temas, muitas vezes ela e sua família, de maneira informal, o que era bastante incomum. Suas pinturas deram aos espectadores uma visão da vida cotidiana aristocrática.

Ela ficou conhecida por esse estilo e recebeu encomendas de toda a Itália.

Em 1558, ela era uma pintora estabelecida e, aos 26 anos, deixou a Itália ao receber um convite de Filipe II, rei da Espanha, para ingressar na corte espanhola. Ele serviu em Madri como pintor da corte e dama de companhia da rainha Isabella de Valois. Ela conquistou a admiração da jovem rainha e passou os anos seguintes pintando muitos retratos oficiais da corte. Durante sua residência de 14 anos, ela orientou o desenvolvimento artístico da rainha Elizabeth e influenciou a arte feita pelas filhas da rainha. Morta a jovem rainha em 1568, Filipe II decidiu arranjar o casamento de Anguissola.

Em 1571, ela se casou com o nobre siciliano Fabrizio Moncada Pignatelli, que teria apoiado sua pintura.

No que seria o seu 100º aniversário, o marido gravou em seu túmulo um texto que inclui esta dedicatória: Sofonisba, minha esposa, que está listada entre as mulheres ilustres do mundo, destacando-se em retratar as imagens do homem. Orazio Lomellino, triste pela perda de seu grande amor Orazio Lomellino, Inscrição no túmulo de Anguissola. A segunda onda do feminismo na década de 1970 viu a importância de Anguissola redescoberta.

Seu sucesso abriu portas para mulheres, como Lavinia Fontana e Artemisia Gentileschi, seguirem carreiras profissionais como artistas.
Suas pinturas são conhecidas por capturar o espírito e a vitalidade de seus súditos e agora podem ser encontradas em coleções ao redor do mundo.

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Nº 2 Artemisia Gentileschi - 1593 – 1654 ou depois

Auto-retrato como alegoria da pintura - Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi, (nascida em 8 de julho de 1593, Roma, Estados Papais (Itália), falecida em 1652/53, Nápoles, Reino de Nápoles), pintora italiana, filha de Orazio Gentileschi, grande seguidor do revolucionário pintor barroco Caravaggio.

Como filha de um pintor talentoso, Artemisia Gentileschi teve acesso ao mundo da arte desde muito jovem. No começo ela estava na oficina de seu pai misturando tintas e ele apoiou sua carreira quando percebeu que ela era excepcionalmente talentosa. Como notável pintora do período barroco italiano, Artemisia Gentileschi não deixou que seu gênero a dissuadisse de seu tema. Ela pintou pinturas bíblicas e mitológicas em grande escala, assim como seus colegas do sexo masculino, e foi a primeira mulher a ser aceita na prestigiada Academia de Belas Artes de Florença.

Sua obra mais antiga conhecida é Susanna Y Los Viejos (1610), uma obra concluída há muito atribuída a seu pai. Ele também pintou duas versões de uma cena já tentada por Caravaggio (mas nunca tentada por seu pai), Judith Beheading Holofernes (c. 1612–13; c. 1620). Ela foi estuprada por Tassi e, quando ele não cumpriu sua promessa de se casar com ela, Orazio Gentileschi em 1612 o levou a julgamento. Durante esse evento, ela mesma foi forçada a testemunhar sob tortura.

Seu legado às vezes é ofuscado por sua biografia, com suas representações sangrentas de Judith e Holofernes frequentemente interpretadas pelas lentes de seu estupro. No entanto, seu talento é inegável e ela continua sendo reconhecida por sua representação realista da forma feminina, a profundidade de suas cores e seu uso marcante de luz e sombra.

Artemisia é a pintora mais famosa do século XVII. Ela trabalhou em Roma, Florença, Veneza, Nápoles e Londres, para os mais altos níveis da sociedade europeia, incluindo o grão-duque da Toscana e Filipe IV da Espanha.

A partir de 1630 ele se estabeleceu em Nápoles, onde dirigiu um estúdio de sucesso até sua morte. Ela visitou brevemente Londres em 1639, talvez para ajudar seu pai doente a pintar o teto da Queen's House em Greenwich (agora Marlborough House em Londres), mas voltou a Nápoles no ano seguinte. A data exata de sua morte é desconhecida, mas um documento recentemente descoberto registra que ela ainda vivia em Nápoles em agosto de 1654.

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Nº 3 Judith Leyster - 1609 – 1660

Autorretrato - Judith Leyster

Judith Leyster, (batizada em 28 de julho de 1609, Haarlem, Neth. - enterrada em 10 de fevereiro de 1660, Heemstede, perto de Amsterdã), pintora holandesa, uma das poucas artistas femininas da época a sair da obscuridade, além de ser uma personagem proeminente durante a Era de Ouro holandesa. Típico dos artistas holandeses desse período. Ela começou a pintar quando ainda era muito jovem e, aos 24 anos, tornou-se membro da guilda dos pintores de Haarlem. Seu tema abrangia uma gama mais ampla do que era típico para os pintores holandeses da época, e ela foi uma das primeiras a explorar a cena doméstica de gênero.

Leyster especializou-se em pinturas de gênero, naturezas-mortas e retratos. Os detalhes por trás de sua formação artística não são claros.

Mais tarde, ela dirigiu um workshop de sucesso com vários aprendizes do sexo masculino e era conhecida pela natureza descontraída e informal de seus retratos.

Ele pode ter trabalhado na loja de Frans Hals ou, de acordo com o poeta Samuel Ampzing, passou algum tempo com o pintor de retratos Frans Pieterszoon de Grebber. No entanto, a influência de Hals em seu trabalho é clara. Ela também se interessou pelo estilo tenebrista da escola de Utrecht. Ela introduziu fontes de luz em suas pinturas. A maioria de suas obras datadas foram pintadas entre 1629 e 1635. Em 1636 ela se casou com o pintor de gênero Jan Miense Molenaer e se mudou com ele para Amsterdã.

Embora tenha tido bastante sucesso durante sua vida, sua reputação sofreu após sua morte devido a circunstâncias infelizes. Todo o seu trabalho foi transmitido como obra de seu contemporâneo Frans Hals ou de seu marido. Em muitos casos, sua contratação foi coberta por colecionadores que buscavam lucrar devido ao alto valor de mercado da obra de Frans Hals. Foi apenas no final do século 19 que esses erros foram descobertos e os estudiosos começaram a obter uma apreciação renovada da habilidade de Leyster como artista.

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Nº 4 Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 – 1842

Autorretrato - Elisabeth Vigée Le Brun

Élisabeth Vigée-Lebrun, na íntegra Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, Lebrun também LeBrun ou Le Brun, (nascida em 16 de abril de 1755, Paris, França, falecida em 30 de março de 1842, Paris), pintora francesa, uma das mais (excepcionalmente para sua época) artistas femininas de sucesso, particularmente notáveis ​​por seus retratos de mulheres.

Como filha de um pintor, ela recebeu instrução precoce de seu pai e já pintava retratos profissionalmente quando era adolescente. Sua grande oportunidade profissional surgiu quando foi nomeada retratista de Maria Antonieta. As duas mulheres tornaram-se amigas e, nos anos seguintes, Vigée-Lebrun pintou mais de 20 retratos de Maria Antonieta em uma ampla variedade de poses e trajes. Ele também pintou um grande número de auto-retratos, no estilo de vários artistas cujo trabalho ele admirava. Em 1783, devido à sua amizade com a rainha, Vigée-Lebrun foi aceita com relutância na Royal Academy.

Com a eclosão da Revolução em 1789, ele deixou a França e viveu no exterior por 12 anos, viajando para Roma, Nápoles, Viena, Berlim, São Petersburgo e Moscou, pintando retratos e desempenhando um papel de liderança na sociedade. Em 1801 ele retornou a Paris, mas, não gostando da vida social parisiense sob Napoleão, logo foi para Londres, onde pintou retratos da corte e de Lord Byron. Mais tarde, ele foi para a Suíça (e pintou um retrato de Mme de Staël) e novamente (cerca de 1810) para Paris, onde continuou a pintar até sua morte. Vigée-Lebrun era uma mulher de grande inteligência e charme, e seu livro de memórias, Souvenirs de ma vie, fornece um relato animado de sua vida. Ela foi uma das retratistas tecnicamente mais fluentes de sua época, e suas imagens são conhecidas por seu frescor, charme e sensibilidade de apresentação. Durante sua carreira, segundo seu próprio relato, pintou 900 pinturas, incluindo cerca de 600 retratos e cerca de 200 paisagens.

Suas pinturas preenchem a lacuna entre o estilo rococó teatral e o período neoclássico mais sóbrio. Ela teve sucesso contínuo em sua carreira, mesmo no exílio após a Revolução Francesa, pois era a pintora favorita da aristocracia em toda a Europa. Os participantes gostaram de sua capacidade de deixá-los à vontade, levando a retratos vivos e sem rigidez. A forma relaxada e natural de seus retratos foi considerada revolucionária em uma época em que o retrato muitas vezes exigia representações formais das classes altas.

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Nº 5 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Autorretrato - Frida Kahlo

Esta é talvez a pintora feminina mais famosa de todas.

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julho de 1907 - Coyoacán, 13 de julho de 1954)

A artista mexicana Frida Kahlo é lembrada por seus auto-retratos, dor e paixão e cores fortes e vivas. Ela é celebrada no México por sua atenção à cultura mexicana e indígena e por feministas por sua representação da forma e experiência feminina.

Com seu trabalho profundamente pessoal e simbólico, ela se tornou uma das artistas mais célebres do século XX. Durante grande parte de sua carreira, ela foi muitas vezes esquecida simplesmente como a esposa de Diego Rivera, mas a apreciação de suas pinturas só cresceu a partir da década de 1970. Ferozmente orgulhosa de sua identidade mexicana, ela frequentemente incorporava símbolos pré-colombianos em suas pinturas e é conhecida por seu colorido vestido mexicano. Kahlo, que sofreu de problemas de saúde ao longo da vida devido a um acidente de ônibus na juventude, sofreu múltiplas fraturas na coluna, clavícula e costelas, uma pélvis quebrada, um pé quebrado e um ombro deslocado.

Ela começou a se concentrar fortemente na pintura enquanto se recuperava com um gesso. Em sua vida, ele fez 30 operações. A experiência de vida é um tema comum nas cerca de 200 pinturas, esboços e desenhos de Kahlo. Suas dores físicas e emocionais são claramente mostradas nas telas, assim como sua turbulenta relação com o marido, o colega artista Diego Rivera, com quem ela se casou duas vezes. De suas 143 pinturas, 55 são autorretratos. A devastação de seu corpo pelo acidente de ônibus é mostrada em detalhes em The Broken Column. Kahlo é retratada quase nua, dividida ao meio, com a coluna vertebral apresentada como uma coluna decorativa quebrada. Sua pele é pontilhada de unhas. Ela também está equipada com um aparato cirúrgico.

Amplamente conhecida por suas tendências marxistas, Frida, juntamente com o revolucionário marxista Che Guevara e um pequeno grupo de figuras contemporâneas, tornou-se um símbolo da contracultura do século 20 e criou um legado na pintura que continua a inspirar a imaginação e a mente.
Ele viu sua carreira florescente interrompida devido à sua morte prematura aos 47 anos. Seu legado continua vivo e ela continua sendo um ícone de muitos movimentos feministas e políticos.

KUADROS © , uma pintura famosa em sua parede.

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Ginger

Ginger

Who is editing the text? “She” is the pronoun used for a woman. Not “he”. Throughout the article him, he, his…are used in error for multiple artists.

Using incorrect grammar is VERY unprofessional and annoying.

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