O Art Deco é um estilo de design popular das décadas de 1920 e 1930, caracterizado especialmente por formas geométricas ou estilizadas elegantes e pelo uso de materiais feitos pelo homem.
As características do estilo Art Deco se originaram na França em meados e no final da década de 1910, amadurecendo durante a Exposição Internacional de Artes Decorativas e Indústrias Modernas realizada em Paris em 1925, tornando-se um estilo importante na Europa Ocidental e nos Estados Unidos durante a década de 1930.
Os traços característicos do Art Deco refletem a admiração pela modernidade da máquina e pelas qualidades de design inerentes aos objetos feitos pela máquina, como relativa simplicidade, planicidade, simetria e repetição invariável de elementos. Os objetos Art Deco costumam exibir formas simples e limpas, geralmente com um aspecto "estilizado"; ornamento geométrico ou estilizado a partir de formas figurativas como flores, animais e raios de sol; e o uso de substâncias feitas pelo homem, incluindo plásticos, vidro vitamínico e concreto armado, muitas vezes combinados com materiais naturais como jade, prata, marfim e cromo.
Art Deco - pôster
Entre as influências formativas do Art Deco estão o Art Nouveau, a Bauhaus, o Cubismo e os Ballets Russes de Serge Diaghilev. Os praticantes do Art Deco também encontraram inspiração em fontes de índios americanos, egípcios e clássicos antigos, assim como na natureza.
Assim como o Art Deco, o art nouveau é um estilo ornamental que se aplica a meios como arquitetura, design de interiores, joalheria e ilustração. Ambos os estilos foram populares na Europa e nos Estados Unidos, mas o Art Nouveau floresceu antes, entre 1890 e 1910.
Por sua vez, o Art Deco atingiu seu apogeu no final da década de 1920 e no início da década de 1930. O Art Nouveau enfatizava a natureza, e os objetos eram caracterizados especialmente por linhas sinuosas assimétricas, que muitas vezes tomavam a forma de caules e brotos de flores, gavinhas de videira, asas de insetos e outros objetos naturais delicados. O Art Deco, por outro lado, celebrou a máquina moderna e promoveu linhas geométricas e formas elegantes.
Sua principal diferença em relação ao art nouveau é a influência do cubismo, que dá ao design Art Deco um caráter geométrico mais fragmentado. No entanto, as imagens baseadas em formas de plantas e curvas sinuosas permaneceram em alguns designs Art Deco, por exemplo, o de Clarice Cliff na Grã-Bretanha. O Art Deco foi muito variado em suas influências, inspirando-se na arte egípcia antiga, na arte asteca e em outras artes centro-americanas antigas, assim como no design de barcos, trens e automóveis modernos. Também se inspirou na arquitetura e no design modernos da Bauhaus e de arquitetos como Le Corbusier e Mies van de Rohe.
O Art Deco recebeu seu nome da Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, realizada em Paris em 1925, onde o estilo foi exibido pela primeira vez. O design Art Deco representou o modernismo transformado em moda. Seus produtos incluíam tanto artigos de luxo feitos à mão individualmente quanto artigos produzidos em massa, mas, em qualquer caso, a intenção era criar uma elegância elegante e antitradicional que simbolizasse a riqueza e a sofisticação.
A maioria dos criadores destacados de Art Deco projetou artigos feitos à mão ou de edição limitada. Incluíram os designers de móveis Jacques Ruhlmann e Maurice Dufrène; o arquiteto Eliel Saarinen; o ourives Jean Puiforcat; o designer de joias e cristais René Lalique; o designer de moda Erté; os artistas-joalheiros Raymond Templier, HG Murphy e Wiwen Nilsson; e o escultor figurativo Chiparus.
Art Deco - móvel de Jacques Ruhlmann
Art Deco do ourives Jean Puiforcat
Começos do Art Deco
No final do século XIX na França, muitos dos artistas, arquitetos e designers notáveis que desempenharam um papel importante no desenvolvimento do estilo Art Nouveau reconheceram que este estava se tornando cada vez mais antiquado. Ao final de um século que viu a Revolução Industrial se consolidar, a vida contemporânea tornou-se muito diferente da de algumas décadas antes. Era hora de algo novo, algo que exclamasse " século XX" dos telhados modernistas e de bom gosto.
A Sociedade de Artistas Decorativos da França
A partir desse desejo de avançar para o novo século ao ritmo da inovação em vez de ser freado pela nostalgia, um grupo de inovadores artísticos franceses formou uma organização chamada Societé des Artistes Décorateurs (A Sociedade de Artistas Decorativos). O grupo era composto por figuras reconhecidas como o designer e gravador de estilo Art Nouveau Eugene Grasset e o arquiteto Art Nouveau Hector Guimard, junto com artistas e designers decorativos emergentes como Pierre Chareau e Francis Jourdain. O estado francês apoiou e incentivou essa direção da atividade artística.
Art Deco - A Sociedade de Artistas Decorativos
Um dos principais objetivos do novo grupo era desafiar a estrutura hierárquica das artes visuais que rebaixava os artistas decorativos a um status inferior em relação aos meios mais clássicos de pintura e escultura. É famoso o comentário de Jourdain: "Portanto, decidimos devolver a arte decorativa, tratada desconsideradamente como uma Cinderela ou um parente pobre que lhe era permitido comer com os servos, ao importante, quase preponderante lugar que ocupou no passado, em todos os tempos e em todos os lugares" dos países do mundo".
O plano para uma grande exposição que apresentasse um novo tipo de arte decorativa foi concebido originalmente para 1914, mas teve que ser suspenso até depois que a Primeira Guerra Mundial terminasse e foi atrasado por várias razões até 1925.
A Exposição que lançou oficialmente o movimento Art Deco
O governo francês, que acolheu a exposição entre a esplanada de Les Invalides com cúpula dourada e as entradas do Petit Palais e do Grand Palais de ambos os lados do rio Sena, se esforçou para mostrar o novo estilo. Mais de 15.000 artistas, arquitetos e designers exibiram seu trabalho na exposição. Durante os sete meses da exibição, mais de 16 milhões de pessoas percorreram as muitas exposições individuais. Esta exposição foi o catalisador para o início do movimento.
Art Nouveau e Art Déco
O Art Deco foi uma resposta direta estética e filosoficamente ao estilo Art Nouveau e ao fenômeno cultural mais amplo do modernismo. O Art Nouveau começou a cair em desuso durante a Primeira Guerra Mundial, pois muitos críticos sentiram que os detalhes elaborados, os designs delicados, os materiais muitas vezes caros e os métodos de produção do estilo não se adaptavam a um mundo moderno desafiador, instável e cada vez mais mecanizado. Enquanto o movimento Art Nouveau derivou suas formas intrincadas e estilizadas da natureza e enalteceu as virtudes do feito à mão, a estética do Art Deco enfatizou a aerodinâmica e a geometria elegante da era da máquina.
Art Deco e Modernismo
A Exposition Internationale reuniu não apenas obras no estilo Art Deco, mas também colocou artigos artesanais próximos a exemplos de pinturas e esculturas de vanguarda em estilos como cubismo, construtivismo, Bauhaus, De Stijl e futurismo. Na década de 1920, o Art Deco era um contraponto exuberante, mas em grande parte convencional, à estética mais cerebral da Bauhaus e do De Stijl. Os três compartilhavam uma ênfase em linhas limpas e fortes como princípio de design organizador. Os praticantes do Art Deco adotaram a inovação tecnológica, os materiais modernos e a mecanização e tentaram enfatizá-los na estética geral do estilo em si. Os praticantes também tomaram emprestado e aprenderam com outros movimentos modernistas. O Art Deco passou a ser considerado por admiradores que estavam atualizados com as perspectivas futuras dos movimentos de vanguarda contemporâneos. Ironicamente, a pintura e a escultura modernistas desempenharam um papel secundário na exposição, com as poucas exceções do pavilhão soviético e do pavilhão Esprit Nouveau de Le Corbusier.
Art Deco após a Grande Depressão
O início da segunda fase do Art Deco coincidiu com o começo da Grande Depressão. A austeridade, na verdade, poderia ser a estética central tanto por razões pragmáticas quanto conceituais para esse segundo desenvolvimento do Art Deco. Enquanto a arquitetura Art Deco, por exemplo, se orientou verticalmente com arranha-céus que subiam a grandes alturas, os edifícios Art Deco posteriores, com seus exteriores em sua maioria sem adornos, curvas elegantes e ênfase horizontal, simbolizavam robustez, dignidade tranquila e resistência. Durante os piores anos da catástrofe econômica, de 1929 a 1931, o Art Deco americano passou de seguir tendências a estabelecê-las.
Streamline Moderne
O Streamline Moderne tornou-se a continuação americana do movimento Art Deco europeu. Além das sérias influências econômicas e filosóficas, a inspiração estética para as primeiras estruturas Streamline Moderne foram edifícios projetados por defensores do movimento da Nova Objetividade na Alemanha, que surgiu de uma associação informal de arquitetos, designers e artistas alemães que havia sido formada no início do século XX.
Art Deco - Streamline Moderne
Os artistas e arquitetos da Nova Objetividade se inspiraram no mesmo tipo de pragmatismo sóbrio que levou os defensores do Streamline Moderne a eliminar os excessos, incluindo a emotividade do expressionismo. Os arquitetos da Nova Objetividade concentraram-se em produzir estruturas que pudessem ser consideradas práticas, como um reflexo das demandas da vida real. Preferiram que seus designs se adaptassem ao mundo real em vez de fazer com que outros se ajustassem a uma estética pouco prática. Com esse objetivo, os arquitetos da Nova Objetividade até foram pioneiros na tecnologia de pré-fabricação (ajudando a abrigar de forma rápida e eficiente os pobres da Alemanha).
Desprovida de adornos, a arquitetura Streamline Moderne apresentava curvas limpas, longas linhas horizontais (incluindo faixas de janelas), tijolos de vidro, janelas em estilo olho de boi e formas cilíndricas e, às vezes, náuticas. Mais do que nunca, havia uma ênfase na aerodinâmica e outras expressões da tecnologia moderna. Os materiais mais caros e, muitas vezes, exóticos do Art Deco foram substituídos por ferragens de concreto, vidro e cromo no Streamline Moderne. A cor foi utilizada com moderação, já que tons esbranquiçados, bege e terra substituíram as cores mais vivas do Art Deco. O estilo foi introduzido primeiro na arquitetura e depois se expandiu para outros objetos, de maneira semelhante ao estilo tradicional Art Deco.
Art Deco é nomeado retroativamente
Originalmente, o termo "Art Deco" foi utilizado de forma pejorativa por um famoso detrator, o arquiteto modernista Le Corbusier, em artigos em que criticava o estilo por seu ornamentalismo, característica que considerava desnecessária na arquitetura moderna. Enquanto os defensores do estilo o aclamaram como uma resposta modernista e simplificada ao ornamentismo excessivo, especialmente em comparação com seu predecessor imediato, o Art Nouveau, visto que qualquer decoração era supérflua para Le Corbusier. Não foi até o final da década de 1960, quando o interesse pelo estilo foi revitalizado, que o historiador e crítico de arte britânico Bevis Hillier utilizou o termo "Art Deco" de maneira positiva.
Art Deco nos Estados Unidos
Nos Estados Unidos, a recepção do movimento Art Deco se desenvolveu em uma trajetória diferente. Herbert Hoover, o Secretário de Comércio dos EUA na época, decretou que os designers e arquitetos americanos não poderiam exibir seu trabalho na Exposição Internacional, pois sustentava que o país ainda precisava conceber um estilo de arte claramente americano que fosse satisfatoriamente "novo o suficiente". Como alternativa, enviou uma delegação à França para avaliar as ofertas na Exposição e então aplicar o que viram a um estilo artístico e arquitetônico americano contemporâneo. No contingente de emissários estéticos enviados por Hoover estavam importantes figuras do Instituto Americano de Arquitetura, do Museu Metropolitano de Arte e do The New York Times. A missão inspirou um quase imediato auge de inovação artística nos EUA.
Para 1926, uma versão menor da feira francesa chamada "Uma coleção selecionada de objetos da Exposição Internacional de Artes Modernas, Industriais e Decorativas" percorreu muitas cidades dos EUA, como Nova York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis e Filadélfia. As feiras mundiais americanas em Chicago (1933) e na cidade de Nova York (1939) destacaram os designs Art Deco, enquanto Hollywood adotou a estética e a glamorizou em todo o país. Até mesmo corporações americanas como General Motors e Ford construíram pavilhões na Feira Mundial de Nova York.
Art Deco - Feira Mundial de Nova York
Entre os exemplos mais conhecidos do estilo Art Deco americano estão os arranha-céus e outros edifícios de grande escala. De fato, a iteração americana do Art Deco nos designs de edifícios foi chamada de Zigzag Modern devido aos seus padrões angulares e geométricos como fachadas arquitetônicas elaboradas. No entanto, o Art Deco americano, em geral, é muitas vezes menos ornamental do que seu predecessor europeu. Além das linhas limpas e das curvas fortes, as formas geométricas ousadas, as cores intensas e, às vezes, a ornamentação luxuosa, a versão americana é mais simples. À medida que influências importantes como a Nova Objetividade e o Estilo Internacional da arquitetura, assim como os sérios revezes econômicos do final da década de 1920 e do início da década de 1930, começaram a influenciar a estética do Art Deco, o estilo tornou-se muito menos luxuoso.
Art Deco - Zig Zag Modern
O estilo Art Deco americano se desenvolveu como uma celebração do avanço tecnológico, incluindo a produção em massa, e uma fé restaurada no progresso social. Em essência, esses feitos poderiam ser considerados um reflexo do orgulho nacional. Na década de 1930, sob a Works Progress Administration (WPA) de Roosevelt, muitas das obras criadas eram Art Deco, desde estruturas municipais como bibliotecas e escolas até murais públicos massivos. A WPA pretendia impulsionar a economia americana do pós-guerra criando empregos em obras públicas, e buscou servir à comunidade por meio da criação de empregos e inculcando os valores americanos dentro do design. O uso do Art Deco americano trouxe assim uma expressão de democracia por meio do design. Alguns materiais que eram frequentemente usados na criação do Art Deco eram caros e, portanto, estavam fora do alcance do homem comum. No entanto, o uso de materiais novos ou de baixo custo tornou possível produzir uma ampla gama de produtos acessíveis e, portanto, trouxe a beleza para a esfera pública de uma maneira nova.
Crescimento global do Art Deco
O estilo Art Deco se firmou em capitais mundiais tão diversas como Havana, Cuba, Mumbai e Jacarta. Havana conta com todo um bairro construído no estilo Art Deco. O sistema ferroviário subterrâneo de Londres incorpora amplamente o estilo. O porto de Xangai contém mais de cinquenta estruturas Art Deco, a maioria das quais foram projetadas pelo húngaro Laszlo Hudec. Desde monumentos de guerra até hospitais, cidades tão distantes como Sydney e Melbourne na Austrália também absorveram o estilo fenomenal.
Art Deco - Laszlo Hudec
As principais características visuais do Art Deco derivam do uso repetitivo de formas lineares e geométricas, que incluem formas triangulares, em zigzag, trapezoidais e com padrão de chevron. Assim como seu predecessor, o Art Nouveau, quando objetos como flores, animais ou figuras humanas são representados, estes são estilizados e simplificados para manter a estética geral do Art Deco. A natureza e o alcance da estilização e a simplificação variam conforme a iteração regional do estilo. Por exemplo, uma figura como O pássaro de fogo (1922) do designer francês René Lalique é elegantemente esbelta e atenuada, enquanto o Atlas de Lee Lawrie (1937) fora do Rockefeller Center é sólido e robusto com uma musculatura enfaticamente linear, embora ambos sejam considerados boas representações do estilo Deco.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie no edifício Rockefeller
De acordo com a ênfase do movimento na tecnologia moderna, os artistas e designers Art Deco exploraram materiais modernos como plásticos, baquelita e aço inoxidável. Mas quando era necessário um toque de riqueza e refinamento, os designers incorporaram materiais mais exóticos como marfim, chifres e pele de zebra. Assim como nos movimentos Art Nouveau e Arts and Crafts, o estilo Art Deco foi aplicado muito menos às formas de expressão de artes visuais tradicionalmente de mais alto nível: a pintura e a escultura.
Design Art Deco
O estilo Art Deco exerceu sua influência sobre as artes gráficas de uma maneira que revela a influência do futurismo italiano com seu amor pela velocidade e a adoração da máquina. Os artistas futuristas usavam linhas para indicar o movimento, conhecidas como "bigodes de velocidade", que saíam das rodas de automóveis e trens em movimento rápido. Além disso, os praticantes do Art Deco utilizaram linhas paralelas e formas cônicas que sugerem simetria e aerodinâmica. A tipografia também foi afetada pela influência internacional do Art Deco, e os tipos de letra Bifur, Broadway e Peignot imediatamente lembram o estilo.
Art Deco - fonte Bifur
Em termos de imagens, as formas simples e as grandes áreas de cor sólida lembram as gravuras em madeira japonesas, que se tornaram uma importante fonte de influência para os artistas ocidentais, especialmente na França, após o fim do período isolacionista Edo em 1868. A subsequente afluência da arte do Japão para a Europa teve um impacto enorme. Em particular, os artistas encontraram na simplicidade formal das gravuras em madeira um modelo para criar seus próprios estilos distintivamente modernos, começando com o impressionismo.
Móveis Art Deco
Até o final da década de 1920, o design de móveis de vanguarda na França consistia principalmente em variações do estilo Art Nouveau, mas simplificado e menos curvilíneo. À medida que a década avançava, Émile-Jacques Ruhlmann emergiu como o principal designer de móveis (Ruhlmann tinha um próprio pavilhão na Exposição de 1925). Embora seus designs tenham sido inspirados principalmente em peças do século XVIII produzidas no estilo neoclássico, ele eliminou grande parte da ornamentação sem deixar de utilizar materiais exóticos preferidos pelos designers Art Nouveau, como mogno, ébano, palissandro, marfim e casco de tartaruga. É claro que suas peças eram frequentemente caras demais para que alguém as adquirisse, exceto os mais ricos.
Em contraste com os luxuosos designs de Ruhlmann, que pareciam estar entre os estilos Art Nouveau e Art Deco, o designer de móveis mais definitivamente Art Deco na França foi Jules Leleu. Ele havia sido um designer tradicional até que o novo estilo substituiu o Art Nouveau e é conhecido pelo design do grande salão do Palácio do Eliseu em Paris e pelos luxuosos camarotes no convés de primeira classe do elegante vapor Normandie.
Art Deco - móvel de Jules Leleu
Em contraste com Leleu e Ruhlmann, Le Corbusier era um defensor de uma versão muito reduzida e sem adornos do estilo Art Deco, muitas vezes criando móveis adequados para os interiores austeros de suas próprias estruturas arquitetônicas. Sua intenção era projetar protótipos, particularmente de cadeiras, que pudessem ser produzidos em massa e, portanto, fossem acessíveis para um mercado mais amplo.
Art Deco - móvel de Le Corbusier
Arquitetura Art Deco
A arquitetura Art Deco é caracterizada por designs de bordas duras, muitas vezes ricamente adornados, acentuados por detalhes metálicos reluzentes. Muitos desses edifícios têm uma ênfase vertical, construídos com a intenção de chamar a atenção para cima. As formas retangulares, muitas vezes em blocos, são dispostas geometricamente, com a adição de agulhas no telhado e/ou elementos ornamentais curvos para fornecer um efeito aerodinâmico. Os arranha-céus de Nova York e os edifícios de cores pastel de Miami estão entre os exemplos americanos mais famosos, embora o estilo tenha sido implementado em uma variedade de estruturas em todo o mundo.
Nos Estados Unidos, a Works Progress Administration ajudou a que a arquitetura Art Deco se popularizasse. Curiosamente, a fusão do classicismo Art Deco e Beaux-Arts que se vê em muitas obras públicas da era da Depressão é conhecida como PWA Moderne ou Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Desenvolvimentos posteriores: após o Art Deco
O Art Deco caiu em desuso durante os anos da Segunda Guerra Mundial na Europa e na América do Norte, com a austeridade da época de guerra fazendo com que o estilo parecesse cada vez mais chamativo e decadente. Os metais foram recuperados para uso na construção de armamentos, em vez de decorar edifícios ou espaços interiores. Os móveis já não eram considerados objetos de status. Outros avanços tecnológicos permitiram uma produção mais barata de itens de consumo básicos, eliminando a necessidade e a popularidade dos designers Art Deco.
Um movimento que, em muitos aspectos, buscou romper com o passado, agora se tornou um clássico que gera suprema nostalgia e é lembrado com carinho. Desde a década de 1960, tem havido um interesse constante e contínuo no estilo. Podem ser vistos ecos do Art Deco no design moderno de meados do século, que leva adiante a estética aerodinâmica do Deco e revisita a simplicidade limpa da Bauhaus. O Deco também ajudou a inspirar o Grupo Memphis, um movimento de design e arquitetura centrado em Milão durante a década de 1980. Memphis também se baseou na arte pop e no kitsch como fontes para seus designs coloridos e conscientemente pós-modernos.
KUADROS ©, uma pintura famosa na sua parede.
