A Art Déco é um estilo de design popular dos anos 20 e 30, caracterizado sobretudo por formas geométricas ou estilizadas elegantes e pela utilização de materiais artificiais.
As características do estilo Art Déco tiveram origem em França, em meados ou finais da década de 1910, amadureceram durante a Exposição Internacional de Artes Decorativas e Indústrias Modernas, realizada em Paris em 1925, e tornaram-se um estilo importante na Europa Ocidental e nos Estados Unidos durante a década de 1930.
Os traços característicos da Art Déco reflectem uma admiração pela modernidade da máquina e pelas qualidades de design inerentes aos objectos feitos à máquina, por exemplo, a relativa simplicidade, a planaridade, a simetria e a repetição invariável de elementos. Os objectos Art Déco apresentam frequentemente formas simples e limpas, geralmente com um aspeto "estilizado"; ornamentação geométrica ou estilizada a partir de formas figurativas como flores, animais e raios de sol; e a utilização de substâncias artificiais, incluindo plásticos, vidro vitaminado e betão armado, muitas vezes combinadas com materiais naturais como o jade, a prata, o marfim e o crómio.
Art Déco - cartaz
As influências formativas da Art Déco incluem a Arte Nova, a Bauhaus, o Cubismo e os Ballets Russes de Serge Diaghilev. Os praticantes da Arte Déco também se inspiraram nos índios americanos, nos egípcios e nas fontes clássicas primitivas, bem como na natureza.
Tal como a Art Déco, a Art Nouveau é um estilo ornamental aplicado a meios como a arquitetura, a decoração de interiores, a joalharia e a ilustração. Ambos os estilos foram populares na Europa e nos Estados Unidos, mas a Arte Nova floresceu mais cedo, entre 1890 e 1910.
A Art Déco, por sua vez, atingiu o seu auge no final da década de 1920 e início da década de 1930. A Arte Nova enfatizava a natureza e os objectos eram especialmente caracterizados por linhas sinuosas assimétricas, assumindo frequentemente a forma de caules e botões de flores, gavinhas de videiras, asas de insectos e outros objectos naturais delicados. A Art Déco, por outro lado, celebrava a máquina moderna e promovia linhas geométricas e formas elegantes.
A sua principal diferença em relação à Arte Nova é a influência do cubismo, que confere ao design Art Déco um carácter geométrico mais fragmentado. No entanto, as imagens baseadas em formas vegetais e curvas sinuosas permaneceram nalguns designs Art Déco, por exemplo, o de Clarice Cliff na Grã-Bretanha. A Art Déco foi muito variada nas suas influências, inspirando-se na antiga arte egípcia, asteca e de outros países da América Central, bem como no design de navios, comboios e automóveis modernos. Também se inspirou na arquitetura e no design modernos da Bauhaus e em arquitectos como Le Corbusier e Mies van de Rohe.
O nome Art Déco deriva da Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, realizada em Paris em 1925, onde o estilo foi exibido pela primeira vez. O design Art Déco representava o modernismo transformado em moda. Os seus produtos incluíam tanto artigos de luxo feitos à mão individualmente como artigos produzidos em massa, mas, em qualquer dos casos, a intenção era criar uma elegância anti-tradicional que simbolizasse riqueza e sofisticação.
A maioria dos principais criadores da Art Déco desenhou artigos feitos à mão ou de edição limitada. Entre eles contam-se os designers de mobiliário Jacques Ruhlmann e Maurice Dufrène; o arquiteto Eliel Saarinen; o ourives Jean Puiforcat; o designer de jóias e cristais René Lalique; o designer de moda Erté; os artistas-joalheiros Raymond Templier, HG Murphy e Wiwen Nilsson; e o escultor figurativo Chiparus.
Art Déco - mobiliário de Jacques Ruhlmann
Art Déco do ourives Jean Puiforcat
Início da Art Déco
No final do século XIX, em França, muitos dos notáveis artistas, arquitectos e designers que tinham desempenhado um papel importante no desenvolvimento do estilo Arte Nova reconheceram que este se estava a tornar cada vez mais fora de moda. No final de um século que viu a Revolução Industrial impor-se, a vida contemporânea tornou-se muito diferente do que era algumas décadas antes. Era altura de algo novo, algo que exclamasse "século XX" dos telhados modernistas e de bom gosto.
Sociedade dos Artistas Decorativos de França
Com este desejo de entrar no novo século ao ritmo da inovação e não ao ritmo da nostalgia, um grupo de inovadores artísticos franceses formou uma organização chamada Societé des Artistes Décorateurs (Sociedade dos Artistas Decorativos). O grupo era composto por personalidades de renome, como o desenhador e gravador de Arte Nova Eugene Grasset e o arquiteto de Arte Nova Hector Guimard, bem como por artistas decorativos e designers emergentes, como Pierre Chareau e Francis Jourdain. O Estado francês apoia e incentiva esta orientação da atividade artística.
Art Déco - A Sociedade dos Artistas Decorativos
Um dos principais objectivos do novo grupo era desafiar a estrutura hierárquica das artes visuais que relegava os artistas decorativos para um estatuto inferior ao dos meios mais clássicos de pintura e a escultura. É célebre a citação de Jourdain: "Decidimos, portanto, devolver a arte decorativa, tratada sem consideração como uma Cinderela ou um parente pobre a quem se permite comer com os criados, ao lugar importante, quase preponderante, que ocupava no passado, de todos os tempos e em todas as épocas" dos países do globo.
O projeto de uma grande exposição sobre um novo tipo de arte decorativa foi originalmente concebido para 1914, mas teve de ser adiado para depois do fim da Primeira Guerra Mundial e depois adiado, por várias razões, até 1925.
A exposição que lançou oficialmente o movimento Art Déco
O Governo francês, que acolheu a exposição entre a esplanada com cúpula dourada de Les Invalides e as entradas do Petit Palais e do Grand Palais, de ambos os lados do rio Sena, esforçou-se por apresentar o novo estilo. Mais de 15.000 artistas, arquitectos e designers expuseram os seus trabalhos na exposição. Durante os sete meses da exposição, mais de 16 milhões de pessoas visitaram as muitas exposições individuais. Esta exposição foi o catalisador para o início do movimento.
Art Nouveau e Art Deco
A Art Déco foi uma resposta estética e filosófica direta ao estilo Art Nouveau e ao fenómeno cultural mais amplo do modernismo. A Art Nouveau começou a sair de moda durante a Primeira Guerra Mundial, pois muitos críticos consideraram que os pormenores elaborados, os desenhos delicados, os materiais frequentemente caros e os métodos de produção do estilo não se adequavam a um mundo moderno exigente, instável e cada vez mais mecanizado. Enquanto o movimento Art Nouveau tirava as suas formas intrincadas e estilizadas da natureza e exaltava as virtudes do feito à mão, a estética Art Déco enfatizava a geometria aerodinâmica e elegante da era da máquina.
Art Déco e Modernismo
A Exposição Internacional reuniu não só obras do estilo Art Déco, mas também colocou objectos artesanais ao lado de exemplos de pinturas e esculturas de vanguarda em estilos como o Cubismo, o Construtivismo, a Bauhaus, o De Stijl e o Futurismo. Na década de 1920, a Art Déco era um contraponto exuberante, mas largamente convencional, à estética mais cerebral da Bauhaus e do De Stijl. Os três partilhavam a ênfase em linhas limpas e fortes como princípio organizador do design. Os praticantes da Art Déco abraçaram a inovação tecnológica, os materiais modernos e a mecanização e procuraram realçá-los na estética geral do próprio estilo. Os praticantes também tomaram emprestado e aprenderam com outros movimentos modernistas. A Art Déco passou a ser considerada por admiradores que estavam actualizados com as perspectivas futuras dos movimentos de vanguarda contemporâneos. Ironicamente, o pintura e a escultura desempenharam um papel secundário na exposição, com as poucas excepções do pavilhão soviético e do pavilhão Esprit Nouveau de Le Corbusier.
Art Déco após a Grande Depressão
O início da segunda fase da Art Déco coincide com o início da Grande Depressão. A austeridade, de facto, poderia ser a estética central, tanto por razões pragmáticas como conceptuais, para este segundo desenvolvimento da Art Déco. Enquanto a arquitetura Art Déco, por exemplo, tinha sido orientada verticalmente com arranha-céus que se erguiam a grandes alturas, os edifícios Art Déco posteriores, com os seus exteriores em grande parte sem adornos, curvas graciosas e ênfases horizontais, simbolizavam robustez, dignidade tranquila e resistência. Durante os piores anos de desastre económico, de 1929 a 1931, a Art Déco americana passou de seguidora de tendências a criadora de tendências.
Streamline Moderne
O Streamline Moderne tornou-se a continuação americana do movimento Art Déco europeu. Para além das sérias influências económicas e filosóficas, a inspiração estética para as primeiras estruturas do Streamline Moderne foram os edifícios concebidos pelos proponentes do movimento da Nova Objetividade na Alemanha, que nasceu de uma associação informal de arquitectos, designers e artistas alemães formada no início do século XX.
Art Déco - Streamline Moderne
Os artistas e arquitectos da Nova Objetividade inspiraram-se no mesmo tipo de pragmatismo sóbrio que levou os defensores da Streamline Moderne a eliminar os excessos, incluindo a emotividade do Expressionismo. Os arquitectos da Nova Objetividade concentraram-se em produzir estruturas que pudessem ser consideradas práticas, reflectindo as exigências da vida real. Preferiam que os seus projectos fossem adaptados ao mundo real em vez de obrigar os outros a conformarem-se com uma estética pouco prática. Para esse fim, os arquitectos da Nova Objetividade foram mesmo pioneiros na tecnologia de pré-fabricação (ajudando a alojar rápida e eficazmente os pobres da Alemanha).
A arquitetura Streamline Moderne, desprovida de floreados, apresentava curvas limpas, linhas horizontais longas (incluindo os caixilhos das janelas), tijolos de vidro, janelas tipo vigia e formas cilíndricas e por vezes náuticas. Mais do que nunca, foi dada ênfase à aerodinâmica e a outras expressões da tecnologia moderna. Os materiais mais caros e frequentemente exóticos da Art Déco foram substituídos por betão, vidro e acessórios cromados na Streamline Moderne. A cor foi utilizada com moderação, uma vez que os tons de branco, bege e terra substituíram as cores mais vivas da Art Déco. O estilo foi inicialmente introduzido na arquitetura e depois expandido para outros objectos, à semelhança do estilo tradicional Art Déco.
A Art Déco é designada retroativamente por
Originalmente, o termo "Art Déco" foi usado pejorativamente por um famoso detrator, o arquiteto modernista Le Corbusier, em artigos nos quais criticava o estilo pela sua ornamentação, uma caraterística que considerava desnecessária na arquitetura moderna. Enquanto os defensores do estilo o saudavam como uma resposta modernista e simplificada à ornamentação excessiva, especialmente em comparação com o seu antecessor imediato, a Arte Nova, uma vez que qualquer decoração era supérflua para Le Corbusier. Foi apenas no final dos anos 60, quando o interesse pelo estilo foi revitalizado, que o historiador e crítico de arte britânico Bevis Hillier utilizou o termo "Art Déco" de uma forma positiva.
Art Déco nos Estados Unidos
Nos Estados Unidos, a receção do movimento Art Déco desenvolveu-se ao longo de uma trajetória diferente. Herbert Hoover, então Secretário do Comércio dos Estados Unidos, decretou que os designers e arquitectos americanos não podiam expor os seus trabalhos na Exposição Internacional, porque argumentava que o país ainda não tinha concebido um estilo de arte distintamente americano que fosse satisfatoriamente "suficientemente novo". Como alternativa, enviou uma delegação a França para avaliar as ofertas da Exposição e depois aplicar o que viram a um estilo artístico e arquitetónico americano contemporâneo. O contingente de emissários estéticos de Hoover incluía figuras de destaque do Instituto Americano de Arquitetura, do Metropolitan Museum of Art e do The New York Times. A missão inspirou um boom quase imediato de inovação artística nos EUA.
Em 1926, uma versão mais pequena da feira francesa denominada "Uma coleção selecionada de objectos da Exposição Internacional de Artes Modernas, Industriais e Decorativas" percorreu muitas cidades americanas, incluindo Nova Iorque, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis e Filadélfia. Louis, Boston, Minneapolis e Filadélfia. As feiras mundiais americanas de Chicago (1933) e Nova Iorque (1939) destacaram os designs Art Déco, enquanto Hollywood adoptou a estética e a tornou glamorosa em todo o país. Até mesmo empresas americanas, como a General Motors e a Ford, construíram pavilhões na Feira Mundial de Nova Iorque.
Art Déco - Feira Mundial de Nova Iorque
Entre os exemplos mais conhecidos do estilo Art Déco americano estão os arranha-céus e outros edifícios de grande escala. Na verdade, a iteração americana da Art Déco em projectos de edifícios foi chamada de Ziguezague Moderno pelos seus padrões angulares e geométricos como fachadas arquitectónicas elaboradas. No entanto, a Art Déco americana é, em geral, menos ornamental do que a sua antecessora europeia. Para além das linhas limpas e das curvas fortes, das formas geométricas arrojadas, das cores intensas e, por vezes, da ornamentação luxuosa, a versão americana é mais simples. À medida que influências importantes, como a Nova Objetividade e o Estilo Internacional da arquitetura, bem como os graves contratempos económicos do final dos anos 20 e início dos anos 30, começaram a influenciar a estética Art Déco, o estilo tornou-se muito menos luxuoso.
Art Déco - Zig Zag Moderno
O estilo Art Déco americano desenvolveu-se como uma celebração do avanço tecnológico, incluindo a produção em massa, e uma fé restaurada no progresso social. Essencialmente, estes feitos podiam ser vistos como um reflexo do orgulho nacional. Na década de 1930, sob a égide da Works Progress Administration (WPA) de Roosevelt, muitas das obras criadas foram de estilo Art Déco, desde estruturas municipais, como bibliotecas e escolas, a enormes murais públicos. A WPA pretendia impulsionar a economia americana do pós-guerra, criando empregos em obras públicas, e procurava servir a comunidade criando empregos e incutindo valores americanos no design. A utilização da Art Déco americana trouxe assim uma expressão de democracia através do design. Alguns materiais frequentemente utilizados na criação Art Déco eram caros e, portanto, fora do alcance do homem comum. No entanto, a utilização de materiais novos ou de baixo custo tornou possível a produção de uma vasta gama de produtos acessíveis, trazendo assim a beleza para a esfera pública de uma nova forma.
Crescimento global da Art Déco
O estilo Art Déco impôs-se em capitais mundiais tão diversas como Havana, Cuba, Bombaim ou Jacarta. Havana tem um bairro inteiro construído em estilo Art Déco. O sistema ferroviário subterrâneo de Londres incorpora largamente o estilo. O porto de Xangai contém mais de cinquenta estruturas Art Déco, a maior parte das quais foram projectadas pelo húngaro Laszlo Hudec. Desde memoriais de guerra a hospitais, cidades tão distantes como Sydney e Melbourne, na Austrália, também absorveram o estilo fenomenal.
Art Déco - Laszlo Hudec
As principais características visuais da Art Déco derivam da utilização repetitiva de formas lineares e geométricas, incluindo formas triangulares, em ziguezague, trapezoidais e chevron. Tal como a sua antecessora, a Arte Nova, quando são representados objectos como flores, animais ou figuras humanas, estes são altamente estilizados e simplificados para manter a estética geral da Arte Déco. A natureza e a extensão da estilização e da simplificação ou do embotamento variam consoante a iteração regional do estilo. Por exemplo, uma figura como The Firebird (1922), do designer francês René Lalique, é elegantemente esguia e atenuada, enquanto o Atlas (1937) de Lee Lawrie, no exterior do Rockefeller Center, é sólido e robusto, com uma musculatura enfaticamente linear, mas ambos são considerados boas representações do estilo Deco.
Art Déco - Atlas de Lee Lawrie no Edifício Rockerfeller
Em consonância com a ênfase do movimento na tecnologia moderna, os artistas e designers Art Déco exploraram materiais modernos como o plástico, a baquelite e o aço inoxidável. Mas quando era necessário um toque de riqueza e requinte, os designers incorporavam materiais mais exóticos, como o marfim, o chifre e a pele de zebra. Tal como nos movimentos Art Nouveau e Arts and Crafts, o estilo Art Déco foi muito menos aplicado a formas tradicionalmente mais elevadas de expressão de arte visual: a pintura e a escultura.
Design Art Déco
O estilo Art Déco exerceu a sua influência nas artes gráficas de uma forma que revela a influência do Futurismo italiano, com o seu amor pela velocidade e o culto da máquina. Os artistas futuristas utilizaram linhas para indicar movimento, conhecidas como "bigodes de velocidade", que emergiam das rodas de automóveis e comboios em movimento rápido. Além disso, os praticantes da Art Déco utilizavam linhas paralelas e formas cónicas que sugeriam simetria e aerodinâmica. A tipografia foi afetada pela influência internacional da Art Déco e os tipos de letra Bifur, Broadway e Peignot são imediatamente reminiscentes do estilo.
Art Deco - Fonte Bifur
Em termos de imagens, as formas simples e as grandes áreas de cor sólida fazem lembrar as gravuras japonesas em xilogravura, que se tornaram uma importante fonte de influência para os artistas ocidentais, especialmente em França, após o fim do período isolacionista Edo, em 1868. O subsequente afluxo de arte do Japão à Europa teve um enorme impacto. Em particular, os artistas encontraram na simplicidade formal das gravuras em xilogravura um modelo para a criação dos seus próprios estilos distintamente modernos, a começar pelo impressionista.
Mobiliário Art Déco
Até ao final da década de 1920, o design de mobiliário de vanguarda em França consistia principalmente em variações do estilo Art Nouveau, mas simplificado e menos curvilíneo. À medida que a década avançava, Émile-Jacques Ruhlmann emergiu como o principal designer de mobiliário (Ruhlmann teve o seu próprio pavilhão na Exposição de 1925). Embora os seus desenhos se inspirassem principalmente em peças do século XVIII produzidas em estilo neoclássico, eliminou grande parte da ornamentação, continuando a utilizar materiais exóticos preferidos pelos designers da Arte Nova, como o mogno, o ébano, o pau-rosa, o marfim e a carapaça de tartaruga. É claro que as suas peças eram frequentemente demasiado caras para serem compradas por qualquer pessoa, exceto os muito ricos.
Em contraste com os luxuosos designs de Ruhlmann, que pareciam estar entre os estilos Art Nouveau e Art Déco, o designer de mobiliário Art Déco mais definitivo em França foi Jules Leleu. Foi um designer tradicional até o novo estilo suplantar a Art Nouveau e é mais conhecido pelo design da grande sala de jantar do Palácio do Eliseu em Paris e pelas luxuosas cabines no convés de primeira classe do elegante navio a vapor Normandie.
Art Déco - mobiliário de Jules Leleu
Em contraste com Leleu e Ruhlmann, Le Corbusier era um defensor de uma versão muito simples e sem adornos do estilo Art Déco, criando frequentemente mobiliário adequado para os interiores austeros das suas próprias estruturas arquitectónicas. A sua intenção era conceber protótipos, especialmente de cadeiras, que pudessem ser produzidos em massa e, por conseguinte, acessíveis a um mercado mais vasto.
lly. É também de salientar que o design de interiores de Donald Deskey do famoso marco da cidade de Nova Iorque, o Radio City Music Hall, é um excelente exemplo de design de mobiliário Art Déco americano que ainda hoje se mantém intacto na sua forma original.
Art Déco - mobiliário de Le Corbusier
Arquitetura Art Déco
A arquitetura Art Déco caracteriza-se por desenhos de linhas duras, muitas vezes ricamente ornamentados, acentuados por pormenores em metal brilhante. Muitos destes edifícios têm uma ênfase vertical, construídos com a intenção de chamar a atenção para cima. As formas rectangulares, muitas vezes em blocos, são dispostas geometricamente, com a adição de pináculos no telhado e/ou elementos ornamentais curvos para proporcionar um efeito aerodinâmico. Os arranha-céus de Nova Iorque e os edifícios em tons pastel de Miami estão entre os exemplos americanos mais famosos, embora o estilo tenha sido implementado numa variedade de estruturas em todo o mundo.
Nos Estados Unidos, a Works Progress Administration contribuiu para a generalização da arquitetura Art Déco. Curiosamente, a fusão entre a Art Déco e o classicismo Beaux-Arts observada em muitas obras públicas da era da Depressão é conhecida como PWA Moderne ou Depression Moderne.
Art Déco PWA Moderne - Depressão Moderna
Desenvolvimentos posteriores: depois da Art Déco
A Art Déco saiu de moda durante os anos da Segunda Guerra Mundial na Europa e na América do Norte, com a austeridade do tempo de guerra a fazer com que o estilo parecesse cada vez mais espalhafatoso e decadente. Os metais foram recuperados para serem utilizados na construção de armamento e não para decorar edifícios ou espaços interiores. O mobiliário deixou de ser considerado um objeto de estatuto. Outros avanços tecnológicos permitiram a produção mais barata de bens de consumo básicos, eliminando a necessidade e a popularidade dos designers Art Déco.
Um movimento que, em muitos aspectos, procurava romper com o passado, tornou-se agora um clássico que gera uma nostalgia suprema e é recordado com carinho. Desde os anos 60, o interesse por este estilo tem sido constante e contínuo. Ecos da Art Déco podem ser vistos no design moderno de meados do século, que leva adiante a estética aerodinâmica da Déco e revisita a simplicidade limpa da Bauhaus. A Deco também ajudou a inspirar o Grupo Memphis, um movimento de design e arquitetura centrado em Milão durante a década de 1980. O Memphis também se inspirou na arte pop e no kitsch como fontes para os seus designs coloridos e conscientemente pós-modernos.
KUADROS ©Os pintura famoso na sua parede.
