A história por trás das 10 pinturas religiosas mais famosas da arte ocidental

Ao longo dos séculos, a arte cristã apresentou muitos tipos diferentes de pintura, executados em uma ampla variedade de mídias.

A arte religiosa usa temas e motivos religiosos que geralmente têm uma narrativa moral reconhecível ou tentam induzir fortes emoções espirituais no espectador. No mundo ocidental, a arte religiosa pode ser definida como qualquer obra de arte que tenha um tema cristão. A pintura religiosa ocidental é dominada por cenas do Antigo Testamento e da vida de Jesus Cristo.

Entre os temas mais representados estão as representações da Virgem Maria com o menino Jesus e Cristo na cruz. Muitas das pinturas religiosas mais famosas foram criadas durante o Renascimento, um influente movimento cultural que se originou na Itália.

Os três grandes mestres do Renascimento Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael aparecem várias vezes nesta lista. Kuadros traz para você as 10 pinturas religiosas mais famosas.

No.1 A Criação de Adão - Michelangelo (1512)

A seção mais famosa do teto da Capela Sistina é a Criação de Adão, de Michelangelo. Essa cena está localizada ao lado da Criação de Eva, que é o painel no centro da sala, e da Congregação das Águas, que fica mais perto do altar.

O trabalho feito por Michelangelo é uma pedra angular da arte renascentista. A pintura ilustra a narrativa bíblica da criação do livro de Gênesis em que Deus dá vida a Adão, o primeiro homem.

A criação de Adão difere das cenas típicas da Criação pintadas até então. Aqui, duas figuras dominam a cena: Deus à direita e Adão à esquerda. Deus é mostrado dentro de uma forma nebulosa flutuante composta de cortinas e outras figuras. A forma é sustentada por anjos que voam sem asas, mas cujo vôo é claramente visto pelas cortinas que brotam abaixo deles. Deus é retratado como um homem idoso, mas musculoso, com cabelos grisalhos e uma longa barba que reage ao movimento de vôo. Isso está muito longe das imagens imperiais de Deus que, de outra forma, foram criadas no Ocidente e remontam ao tempo da antiguidade tardia. Em vez de usar roupas reais e retratado como um governante todo-poderoso, ele usa apenas uma túnica leve que deixa grande parte de seus braços e pernas expostos. Pode-se dizer que é um retrato muito mais íntimo de Deus porque se apresenta num estado não intocável e distante do homem, mas acessível a ele.

Ao contrário da figura de Deus, que está estendido e erguido, Adão é retratado como uma figura preguiçosa que responde com indiferença ao toque iminente de Deus. Esse toque não apenas dará vida a Adão, mas também dará vida a toda a humanidade. É, portanto, o nascimento da raça humana. O corpo de Adão assume uma forma côncava que ecoa a forma do corpo de Deus, que é colocado de forma convexa dentro da forma flutuante e enevoada. Esta correspondência de uma forma com a outra parece sublinhar a ideia mais ampla de que o Homem corresponde a Deus; isto é, parece refletir a ideia de que o homem foi criado à imagem e semelhança de Deus, uma ideia com a qual Michelangelo devia estar familiarizado.

A pintura foi amplamente analisada e, entre outras coisas, descobriu-se que as bordas da pintura se correlacionam com sulcos na superfície interna e externa do cérebro, tronco cerebral, artéria basilar, glândula pituitária e quiasma óptico. A mão de Deus não toca em Adão, mas Adão já está vivo como se a centelha da vida fosse transmitida por uma fenda sináptica. Sob o braço direito de Deus está um anjo triste em uma área do cérebro que às vezes é ativada em exames de PET quando alguém tem um pensamento triste. Deus cobre o sistema límbico, o centro emocional do cérebro e possivelmente a contraparte anatômica da alma humana. O braço direito de Deus se estende até o córtex pré-frontal, a região do cérebro mais criativa e exclusivamente humana; o pano vermelho que envolve Deus tem a forma de um ventre humano; e acredita-se que o lenço verde seja um cordão umbilical recém-cortado. A Criação de Adão é talvez a pintura mais conhecida depois de Mona Lisa; e junto com A Última Ceia, é a pintura religiosa mais reproduzida de todos os tempos. A imagem das mãos quase tocantes de Deus e Adão tornou-se um ícone da humanidade e foi imitada e parodiada inúmeras vezes.

O teto da Capela Sistina sofreu os efeitos prejudiciais de séculos de fumaça que fizeram com que o teto escurecesse consideravelmente. Não foi até 1977 que a limpeza do telhado começou. A limpeza foi incrível após sua conclusão em 1989; o que antes era escuro e monótono tornou-se vívido. A mudança de limpeza antes para limpeza depois foi tão grande que alguns inicialmente se recusaram a acreditar que era assim que Michelangelo pintava. Hoje, temos uma compreensão muito melhor da paleta de cores de Michelangelo e do mundo que ele pintou, lindamente capturado no teto da Capela Sistina.

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No.2 A Última Ceia - Leonardo Da Vinci (1495-1498)

A Última Ceia, ou o Cenacolo italiano, uma das obras de arte mais famosas do mundo, pintada por Leonardo da Vinci provavelmente entre 1495 e 1498 para o mosteiro dominicano Santa Maria delle Grazie em Milão.

Esta famosa pintura retrata a cena dramática descrita em vários momentos intimamente relacionados nos Evangelhos, incluindo Mateus 26:21-28, em que Jesus declara que um dos Apóstolos o trairá e então instituirá a Eucaristia. De acordo com a crença de Leonardo de que a postura, o gesto e a expressão devem manifestar as "noções da mente", cada um dos 12 discípulos reage de tal maneira que Leonardo considera apropriado à personalidade dos apóstolos. O resultado é um estudo complexo de várias emoções humanas, expressas em uma composição enganosamente simples.

Leonardo não havia trabalhado em uma pintura tão grande e não tinha experiência no mural padrão do afresco. A pintura foi feita usando pigmentos experimentais diretamente na parede de gesso seco e, ao contrário dos afrescos, onde os pigmentos são misturados ao gesso úmido, não resistiu bem ao teste do tempo. Antes mesmo de terminar, houve problemas com tinta descascando na parede e Leonardo teve que consertar. Ao longo dos anos, desmoronou, foi vandalizado, bombardeado e restaurado. Hoje provavelmente estamos vendo muito pouco da pintura original.

O tema da Última Ceia é a refeição final de Cristo com seus apóstolos antes de Judas identificar Cristo às autoridades que o prenderam. A Última Ceia (que se acredita corresponder ao Seder da Páscoa judaica) é lembrada por dois eventos: Cristo diz a seus apóstolos "Um de vocês me trairá" e os apóstolos reagem, cada um de acordo com sua personalidade. Referindo-se aos Evangelhos, Leonardo retrata Filipe perguntando "Senhor, sou eu?" Cristo responde: "Quem põe a mão no prato comigo, esse me trairá" (Mateus 26). Vemos Cristo e Judas simultaneamente pegando um prato entre eles, mesmo quando Judas recua defensivamente. Leonardo também representa simultaneamente Cristo abençoando o pão e dizendo aos apóstolos “Tomai, comei; este é o meu corpo ”e ​​abençoando o vinho e dizendo“ Beba de tudo; porque isto é o meu sangue da aliança, que é derramado para remissão dos pecados” (Mateus 26). Estas palavras são o momento fundador do sacramento da Eucaristia (a miraculosa transformação do pão e do vinho no corpo e no sangue de Cristo).

A composição equilibrada é ancorada por um triângulo equilátero formado pelo corpo de Cristo. Senta-se abaixo de um frontão arqueado que, se concluído, traça um círculo. Essas formas geométricas ideais remetem ao interesse renascentista pelo neoplatonismo (um elemento do renascimento humanista que concilia aspectos da filosofia grega com a teologia cristã). Em sua alegoria, "A Caverna", o filósofo grego Platão enfatizou a imperfeição do reino terrestre. A geometria, usada pelos gregos para expressar a perfeição celestial, foi usada por Leonardo para celebrar Cristo como a encarnação do céu na terra. Leonardo desenhou uma paisagem verde além das janelas. Muitas vezes interpretado como o paraíso, foi sugerido que este santuário celestial só pode ser alcançado por meio de Cristo. Os doze apóstolos estão dispostos em quatro grupos de três e também há três janelas. O número três é frequentemente uma referência à Santíssima Trindade na arte católica. Em contraste, o número quatro é importante na tradição clássica (por exemplo, as quatro virtudes de Platão).

Desde a conclusão da Última Ceia, quando foi declarado uma obra-prima, o mural ganhou elogios de artistas como Rembrandt van Rijn e Peter Paul Rubens e escritores como Johann Wolfgang von Goethe e Mary Wollstonecraft Shelley. Também inspirou inúmeras reproduções, interpretações, teorias da conspiração e obras de ficção. O estado delicado da Última Ceia não diminuiu o apelo da pintura; em vez disso, tornou-se parte do legado da obra de arte.

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No.3 O Retorno do Filho Pródigo - Rembrandt (1669)

Na parábola do filho pródigo, um pai tem dois filhos; o mais novo pede sua herança, esbanja sua fortuna e volta para casa depois de ficar na miséria. Ele pretende implorar a seu pai para torná-lo um de seus servos, mas o pai comemora seu retorno. Quando seu filho mais velho se opõe, o pai diz a ele que eles estão comemorando porque seu irmão, que estava perdido, agora caiu em si.

A última palavra de Rembrandt é dada em sua pintura monumental do Retorno do Filho Pródigo. Aqui ele interpreta a ideia cristã de misericórdia com extraordinária solenidade, como se este fosse seu testamento espiritual para o mundo. Ele vai além das obras de todos os outros artistas barrocos ao evocar o humor religioso e a simpatia humana. O poder de realismo do artista idoso não diminui, mas aumenta com percepção psicológica e consciência espiritual. A expressiva iluminação e coloração e a sugestão mágica da sua técnica, aliadas a uma selectiva simplicidade de ambientação, ajudam-nos a sentir todo o impacto do evento.

O grupo principal do pai e filho pródigos se destaca na luz contra uma enorme superfície escura. Particularmente vívidos são o vestido esfarrapado do filho e as mangas do velho, tingidas de ocre com azeitona dourada; a cor ocre combinada com um intenso vermelho escarlate no manto do pai forma uma harmonia de cores inesquecível. O observador desperta para a sensação de algum acontecimento extraordinário. O filho, arruinado e nojento, careca e com aspecto de pária, volta para a casa do pai depois de longas andanças e muitas vicissitudes. Ele desperdiçou sua herança em terras estrangeiras e caiu na condição de vagabundo.

Seu pai idoso, vestido com ricas túnicas, como as figuras presentes, apressou-se em recebê-lo na porta e deu as boas-vindas ao filho há muito perdido com o maior amor paternal. O evento é desprovido de qualquer emoção violenta momentânea, mas eleva-se a uma calma solene que empresta às figuras algumas das qualidades das estátuas e dá às emoções um caráter duradouro, não mais sujeito às mudanças do tempo. Inesquecível é a imagem do pecador arrependido apoiado no peito do pai e do pai idoso inclinado sobre o filho. As feições do pai falam de uma bondade sublime e augusta; o mesmo acontece com suas mãos estendidas, não livres da rigidez da velhice. O conjunto representa um símbolo de cada regresso a casa, da escuridão da existência humana iluminada pela ternura, da humanidade cansada e pecadora que se refugia no abrigo da misericórdia de Deus.

A mensagem inerente transmitida por esta famosa pintura é clara. Deus sempre perdoará um pecador arrependido, não importa o que aconteça.

A iconoclastia religiosa que ocorreu após a libertação da Holanda do jugo colonial da Espanha e da Igreja Católica transformou as igrejas calvinistas em cascas nuas dedicadas à adoração, pregação e oração. As autoridades holandesas não desejavam decorar seus locais de culto com retábulos, afrescos ou qualquer outro tipo de arte religiosa.

Em vez disso, Holland tornou-se famoso pelo realismo holandês, um tipo de estilo de pintura e retrato de gênero em pequena escala, detalhado e altamente realista, muitos dos quais continham mensagens hipócritas de vários tipos.

Um terceiro tipo de arte em que os artistas realistas holandeses se destacaram foi a pintura de natureza morta (especialmente a pintura de Vanitas), que também continha uma mensagem moral, às vezes religiosa. Este foi o mais próximo que muitos holandeses chegaram da "arte protestante".

Portanto, é ainda mais surpreendente que um pintor protestante holandês como Rembrandt se torne um intérprete tão perspicaz de cenas bíblicas.

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No.4 As Bodas de Caná - Paolo Veronese (1562-1563)

O tema desta famosa pintura é baseado na história bíblica contada no Evangelho de São João (João 2: 1-11), sobre um casamento celebrado em Caná, na Galiléia, com a presença de Maria, Jesus e seus discípulos. Perto do fim da festa de casamento, quando o vinho começa a acabar, Jesus pede que os jarros de pedra sejam enchidos com água, que o mestre então transforma em vinho. Este episódio, o primeiro dos sete sinais do Evangelho de João que atesta a condição divina de Jesus, é um precursor da Eucaristia.

As Bodas de Caná (ou O Banquete de Bodas de Caná) de Paolo Veronese é um óleo sobre tela pintado em 1563 para o Mosteiro Benedectino de San Giorgio Maggiore em Veneza. Veronese transpôs a história bíblica para o cenário mais moderno de um casamento veneziano tipicamente extravagante.
As Bodas de Caná combinam elementos de vários estilos diferentes, adaptando o design do Alto Renascimento - exemplificado pelas obras de Leonardo, Rafael e Michelangelo - à composição. A isso ele acrescentou uma ou duas características do maneirismo, bem como uma série de características alegóricas e simbólicas.

O conteúdo da pintura também consiste em uma mistura complexa do sagrado e do profano, religioso e secular, teatral e mundano, europeu e oriental. Renderizado no grande estilo da sociedade veneziana contemporânea, o banquete ocorre dentro de um pátio ladeado por colunas dóricas e coríntias e delimitado por uma balaustrada baixa. À distância, você pode ver uma torre com arcadas, projetada pelo arquiteto nascido em Pádua, Andrea Palladio. Em primeiro plano, um grupo de músicos toca vários alaúdes e instrumentos de corda. Figuras musicais incluem os quatro grandes pintores de Veneza: o próprio Veronese (vestido de branco, tocando viola da gamba), Jacopo Bassano (na flauta), Tintoretto (violino) e Ticiano (vestido de vermelho, tocando violoncelo).

Os comensais da mesa nupcial, todos esperando o vinho ser servido para a sobremesa da refeição, incluem: os noivos (sentados à extrema esquerda da mesa), Jesus Cristo (centro da mesa), rodeados por Maria e os Apóstolos, juntamente com uma variedade desconcertante de membros da realeza, nobres, funcionários, escriturários, servos e outros, representando uma seção transversal da sociedade veneziana e vestidos de várias maneiras com trajes bíblicos, venezianos ou orientais e adornados com penteados suntuosos e artigos de joalheria. Numerosas figuras históricas aparecem em As Bodas de Caná, incluindo: Imperador Carlos V, Leonor da Áustria, Francisco I da França, Maria I da Inglaterra, Suleiman, o Magnífico, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardeal Pole e Sokollu Mehmet Pasa. No total, cerca de 130 figuras únicas estão representadas nesta famosa pintura religiosa.

Na obra, os símbolos religiosos da Paixão integram-se com luxuosas vasilhas e baixelas de prata do século XVI. Os móveis, a cómoda, o jarro e os copos e vasos de vidro revelam a festa em todo o seu esplendor. Cada convidado na mesa tem um lugar individual, completo com guardanapo, garfo e faca. Nessa duplicação de sentido, nenhum detalhe escapa ao olhar do artista.
O pintor selecionou pigmentos caros importados do Oriente por mercadores venezianos: amarelos alaranjados, vermelhos profundos e lápis-lazúli são amplamente usados ​​nas cortinas e no teto. Essas cores desempenham um papel importante na legibilidade da pintura; Contribuem, através dos seus contrastes, para a individualização de cada uma das figuras.

NOTA: Embora muitas figuras na imagem estejam interagindo umas com as outras, nenhuma delas está realmente falando. Isso é para cumprir o código de silêncio observado por todos os monges beneditinos no refeitório onde a pintura seria pendurada.

As Bodas de Caná contêm muito simbolismo. A obra inteira, por exemplo, simboliza a interação entre o prazer terreno e a mortalidade terrena. Atrás da balaustrada, sobre a figura de Jesus, é sacrificado um animal, alusivo ao próximo sacrifício de Jesus, como o Cordeiro de Deus, referência que é corroborada pelo cão a mastigar um osso ao pé do quadro. Enquanto isso, à esquerda de Jesus, a Virgem Maria coloca as mãos em concha para representar um vaso que conterá o vinho novo da humanidade, ou seja, o Sangue de Cristo. Além disso, na frente dos músicos está uma ampulheta, uma referência padrão à transitoriedade dos prazeres terrenos, incluindo a vaidade humana.

Os beneditinos do Mosteiro de San Giorgio Maggiore, em Veneza, encomendaram esta imensa pintura em 1562 para decorar seu novo refeitório. O contrato que comprometia Veronese com o banquete de casamento era extremamente preciso. Os monges insistiram para que a obra fosse monumental, de modo a preencher toda a parede posterior do refeitório. Pendurado a uma altura de 2,5 metros do solo, foi projetado para criar uma ilusão de espaço estendido. Esta obra de 70 m² foi ocupada por Veronese por 15 meses, provavelmente com a ajuda de seu irmão Benedetto Caliari. A comissão foi um ponto de virada na carreira de Veronese; após o sucesso da pintura, outras comunidades religiosas clamariam por trabalhos semelhantes em seus próprios mosteiros. Apesar de suas dimensões excepcionais, a pintura foi confiscada, enrolada e enviada para Paris pelas tropas de Napoleão em 1797.

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No.5 A Escola de Atenas - Raphael (1509-1511)

Milhões de olhos se maravilharam com a eterna reunião de antigos filósofos e matemáticos, estadistas e astrônomos que Rafel imagina luminosamente em seu famoso afresco.

Em particular, o afresco de Rafael, A Escola de Atenas, passou a simbolizar a união de arte, filosofia e ciência que foi uma marca registrada do Renascimento italiano. Pintado entre 1509 e 1511, está na primeira das quatro salas projetadas por Rafael, a Stanza della Segnatura. Naquela época, uma encomenda do Papa era o ápice da carreira de qualquer artista. Para Rafel, foi a validação de uma carreira já próspera.

Raphael aceitou o desafio, criando um extenso catálogo de esboços preparatórios para todos os seus afrescos. Estes seriam então ampliados para desenhos animados em escala real para ajudar a transferir o desenho para o gesso úmido. Trabalhando ao mesmo tempo que Michelangelo no teto da Capela Sistina, acredita-se que isso ajudou a impulsionar e inspirar Raphael, estimulando sua natureza competitiva.

Rafel levou a ideia a um nível totalmente novo com composições massivas que refletiam filosofia, teologia, literatura e jurisprudência. Lidos como um todo, eles imediatamente transmitiram o intelecto do Papa e teriam provocado discussões entre mentes cultas que tiveram a sorte de entrar neste espaço privado. A Escola de Atenas foi a terceira pintura concluída por Rafael depois de Disputa (representando a teologia) e Parnassus (representando a literatura). É colocado à frente da Disputa e simboliza a filosofia, estabelecendo um contraste entre crenças religiosas e seculares.

Situada em uma imensa ilusão arquitetônica, a Escola de Atenas é uma obra-prima que representa visualmente um conceito intelectual. Em uma pintura, Rafael usou agrupamentos de figuras para apresentar uma lição complexa sobre a história da filosofia e as diferentes crenças que os grandes filósofos gregos desenvolveram. Raphael certamente teria conhecimento das exibições privadas da Capela Sistina em andamento que foram organizadas por Bramante.

Quem são as figuras da Escola de Atenas?
Os dois pensadores no próprio centro, Aristóteles à direita e Platão à esquerda, apontando para cima, foram extremamente importantes para o pensamento ocidental em geral. De maneiras diferentes, suas diferentes filosofias foram incorporadas ao cristianismo.

À esquerda de Platão, Sócrates é reconhecível por seus traços distintivos. Diz-se que Raphael foi capaz de usar um antigo busto de retrato do filósofo como guia. Ele também é identificado pelo gesto de sua mão, conforme observado por Giorgio Vasari em The Lives of Artists.

Em primeiro plano, Pitágoras está sentado com um livro e um tinteiro, também rodeado de alunos. Embora Pitágoras seja bem conhecido por suas descobertas matemáticas e científicas, ele também acreditava fortemente na metempsicose.
Espelhando a posição de Pitágoras do outro lado, Euclides tende a demonstrar algo com uma bússola. Seus jovens alunos estão tentando avidamente entender as lições que você está ensinando.

O grande matemático e astrônomo Ptolomeu está ao lado de Euclides, de costas para o observador. Vestindo uma túnica amarela, ele segura um globo terrestre em sua mão. Acredita-se que o homem barbudo diante dele segurando um globo celeste seja o astrônomo Zoroastro. Curiosamente, o jovem ao lado de Zoroastro, olhando para o observador, não é outro senão o próprio Raphael. A incorporação desse tipo de autorretrato não era inédita na época, embora tenha sido uma ousadia do artista incorporar sua imagem a uma obra de tamanha complexidade intelectual.

É universalmente aceito que o homem mais velho deitado nos degraus é Diógenes. Fundador da filosofia cínica, ele foi uma figura controversa em sua época, vivendo uma vida simples e criticando as convenções culturais.
Uma das figuras mais marcantes da composição é um homem pensativo sentado em primeiro plano, com a mão na cabeça em uma clássica posição de “pensador”.

No reino dos filósofos, é Heráclito, um pioneiro da sabedoria autodidata. Ele era um personagem melancólico e não gostava da companhia de outras pessoas, tornando-o um dos poucos personagens isolados no afresco.

Completando o programa de Raphael, duas grandes estátuas ficam em nichos na parte de trás da escola. À direita de Platão, vemos Apolo, enquanto à esquerda de Aristóteles está Minerva. Minerva, a deusa da sabedoria e da justiça, é uma representante adequada do lado fresco da filosofia moral. Curiosamente, seu posicionamento também o aproxima do afresco de Raphael sobre jurisprudência, que se desdobra diretamente à sua esquerda.

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Nº 6 A Transfiguração - Rafael (1520)

Encomendado em 1517 pelo Cardeal Giulio de' Medici (1478-1534) (da família Florentina Medici), que logo se tornaria o Papa Clemente VII (1523-34), como um retábulo para a catedral francesa de Narbonne (em competição com A Ressurreição de Lázaro de Sebastiano del Piombo) de quem foi arcebispo, esta famosa obra de arte sacra foi deixada inacabada por Rafael por ocasião de sua morte em 1520, e foi completada por seus assistentes Giulio Romano (1499-1546) e Giovanni Francesco Penni (1496-1536 ).

Afinal, o cardeal guardou a pintura em Roma e, ao acessar o papado em 1523, deu-a de presente à igreja de San Pietro in Montorio, em Roma. Em 1774, o novo Papa Pio VI (1775-99) mandou fazer uma cópia em mosaico e instalá-la na Basílica de São Pedro. A pintura em si foi saqueada por Napoleão em 1797 e levada para Paris, de onde foi repatriada em 1815.

Esta obra narra dois eventos bíblicos não relacionados. Acima está a história da transfiguração de Cristo. No fundo está a história de um jovem possuído por um demônio.

Jesus é mostrado no topo do Monte Tabor (Israel) em um manto branco como a neve brilhante e ao lado dele os profetas Moisés à direita e Elias à esquerda. As nuvens atrás de Jesus são iluminadas. Jesus levanta os braços e olha para Deus.

Abaixo de Jesus estão três de seus discípulos, da esquerda para a direita, Tiago, Pedro e João. Eles cobrem o rosto com as mãos porque o céu está muito claro para seus olhos. As duas figuras à esquerda são provavelmente Justus e Pastor. São dois mártires cristãos a quem é dedicada a igreja onde inicialmente se pretendia colocar o quadro.

Abaixo você pode ver os nove discípulos de Jesus que não subiram a montanha posicionados no lado esquerdo. Eles tentam curar um jovem possuído por um espírito maligno. A figura com o manto azul no canto inferior esquerdo é provavelmente Mateus. Ele consulta um livro, mas não encontra a solução para curar o jovem. O jovem discípulo de túnica amarela é Filipe. À direita de Felipe, de túnica vermelha, está Andrés. O homem atrás de Andrés, apontando para a criança doente, é Judas Tadeu, e o homem mais velho à sua esquerda é Simão. O homem à esquerda é provavelmente Judas Iscariotes. Os discípulos não podem curar o jovem. Isso pode explicar por que o discípulo de vermelho está apontando para Jesus no topo da montanha. O jovem doente à direita tem um pano azul enrolado na cintura e parece muito pálido enquanto faz um gesto selvagem. Você pode ver que seus olhos estão olhando em direções diferentes. O homem atrás dele de manto verde é seu pai segurando-o, olhando para os discípulos com esperança e medo ao mesmo tempo. Na frente do jovem, duas mulheres olham para os discípulos enquanto apontam para o jovem.

Ambas as histórias são descritas em Mateus 17, Marcos 9 e Lucas 9. A história bíblica descreve como Jesus é transfigurado em glória radiante enquanto ora com três de seus discípulos em uma montanha. Jesus conversa com Moisés e Elias e também ouve a voz de Deus. A Festa da Transfiguração ainda é celebrada em muitas igrejas, seja em 6 ou 19 de agosto.

As dimensões da Transfiguração são 403x276 cms. Raphael preferia pintar sobre tela, mas essa pintura foi feita usando tintas a óleo sobre madeira como mídia escolhida. Rafael realmente mostrou dicas avançadas de maneirismo e técnicas do período barroco nesta pintura. As poses estilizadas e retorcidas das figuras na metade inferior indicam maneirismo. A tensão dramática dentro dessas figuras e o uso liberal da luz para a escuridão, ou contrastes claro-escuro, representam o período barroco de movimento exagerado para produzir drama, tensão, exuberância ou iluminação. A Transfiguração estava à frente de seu tempo, assim como a morte de Raphael veio muito cedo.

A Transfiguração foi a última grande obra de Rafael e uma obra-prima indiscutível do Alto Renascimento italiano, hoje abrigada na Pinacoteca Apostólica, um dos Museus do Vaticano. Como resultado de uma grande restauração em 1977 por especialistas em conservação do Vaticano, a paleta de cores renascentista de Raphael agora é totalmente visível e a pintura foi restaurada ao seu esplendor primitivo. A restauração também dissipou quaisquer dúvidas remanescentes sobre o criador da pintura. Embora inacabada, esta grande obra-prima foi inteiramente produto da genialidade de Rafael.

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Nº 7 O Juízo Final - Michelangelo (1475-1564)

Kuadros dá ao leitor um olhar mais atento sobre a história deste afresco icônico para entender melhor como O Juízo Final teve um impacto duradouro no mundo da arte religiosa.

As religiões proféticas ocidentais (ou seja, zoroastrismo, judaísmo, cristianismo e islamismo) desenvolveram conceitos do Juízo Final que são ricos em imagens.

"Ele virá para julgar os vivos e os mortos" (do Credo dos Apóstolos, uma das primeiras declarações da fé cristã).

O Juízo Final foi uma das primeiras obras de arte que Paulo III encomendou ao ser eleito papado em 1534. A igreja que ele herdou estava em crise; o Saque de Roma (1527) ainda era uma memória recente. Paulo procurou abordar não apenas os muitos abusos que a Reforma Protestante havia causado, mas também afirmar a legitimidade da Igreja Católica e a ortodoxia de suas doutrinas (incluindo a instituição do papado). As artes plásticas teriam um papel fundamental em sua agenda, a começar pela mensagem que dirigiu ao seu círculo íntimo ao encomendar o Juízo Final.

Pintado quando Michelangelo estava totalmente em seu estilo maduro, a obra de arte teve um impacto imediato e gerou polêmica. Embora esse julgamento final sobre a humanidade não fosse um assunto incomum para um artista renascentista, Michelangelo o tornou exclusivamente seu, usando um estilo que foi apreciado e menosprezado.

Essa nova parede da Capela Sistina teria um tema específico: O Juízo Final. A representação da segunda vinda de Jesus Cristo e o julgamento final de Deus sobre a humanidade foi um tema popular durante o Renascimento. A visão de Michelangelo sobre o assunto, ao longo do tempo, tornou-se icônica. No afresco, vemos mais de 300 figuras habilmente pintadas para representar esta história. Cristo está sentado no meio, com a mão levantada para julgar os condenados que estão afundando nas profundezas do inferno. Com músculos ondulantes, este Cristo é uma figura imponente. À sua esquerda está a Virgem Maria. Ela fez uma pose de contrapposto recatada e olha para aqueles que foram poupados. Imediatamente em torno deste casal central está um grupo de santos importantes. São Pedro, que detém as chaves do céu, e São João Batista são mostrados na mesma balança que Cristo. Caronte e as almas dos condenados. A composição geral gira em um movimento fluido, com os salvos à esquerda de Cristo na foto saindo de seus túmulos enquanto os condenados são empurrados para o inferno. Ao fundo do afresco, vemos Caronte, uma figura mitológica. Na mitologia grega e romana transportava almas para o submundo. Aqui, ele os leva direto para o inferno, cheio de personagens macabros.

Como Dante em seu grande poema épico, A Divina Comédia, Michelangelo procurou criar uma pintura épica, digna da grandeza do momento. Ele usou metáforas e alusões para embelezar seu tema. Seu público educado se deliciaria com suas referências visuais e literárias. Originalmente destinado a um público restrito, as gravuras reprodutivas do afresco rapidamente o espalharam por toda parte, colocando-o no centro de debates acalorados sobre os méritos e abusos da arte religiosa.

Enquanto alguns saudaram esta famosa pintura como o auge da realização artística, outros a consideraram o epítome de tudo o que poderia dar errado com a arte religiosa e pediram sua destruição. No final, chegou-se a um acordo. Pouco depois da morte do artista em 1564, Daniele Da Volterra foi contratado para cobrir as nádegas e virilhas nuas com peças de cortinas e repintar Santa Catarina de Alexandria, originalmente retratada sem roupas, e São Brás, pairando sobre ela com seus braços. pentes de aço (o que uma pena!).

Em contraste com seu público limitado no século 16, milhares de turistas agora assistem ao Juízo Final diariamente. No entanto, durante os conclaves papais, torna-se mais uma vez um poderoso lembrete para o Colégio dos Cardeais de seu lugar na história da salvação, pois eles se reúnem para eleger o vigário terreno de Cristo (o próximo Papa), a pessoa que Ele será responsável por pastorear os fiéis. na comunidade dos eleitos.

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Nº 8 A Torre de Babel - Pieter Bruegel, o Velho (1563)

De acordo com a história do Antigo Testamento, Deus puniu a humanidade de três maneiras.

A primeira foi a expulsão de Adão e Eva do Éden, após o Pecado Original. Então veio o Grande Dilúvio, o castigo pela multiplicidade de iniqüidades humanas. E a terceira foi quando Deus, desconfiado do orgulho e presunção dos cidadãos da violenta nova cidade da Babilônia, "confundiu o discurso de todo o mundo e os espalhou pela ampla face da terra".

O que os babilônios fizeram de tão inflamado? Aos olhos de Deus, haviam desafiado a ordem das coisas com o desejo declarado de se tornarem um "grande povo", representado pela construção de uma enorme torre, "cujo cume chegava ao céu". Os humanos não deveriam aspirar a alturas tão elevadas, sejam físicas ou metafóricas. A punição escolhida por Deus para isso foi acabar com a linguagem comum que costumava unir todos os povos e criar uma multiplicidade de línguas diferentes, "de modo que não possam ser entendidas". A confusão resultante significou que "a construção da cidade chegou ao fim". Segundo a Bíblia, "por isso a cidade se chamou Babel" ou Babilônia. De todas as representações artísticas dessa grande torre que tanto ofendeu a Deus, a mais memorável é a Torre de Babel de Pieter Bruegel, o Velho (1563).

Esta famosa pintura, uma das muitas pinturas dedicadas à arte religiosa, foi a segunda das três versões da Torre de Babel pintadas por Pieter Bruegel. A primeira versão (agora perdida), era uma miniatura de marfim, que estava no inventário do miniaturista italiano nascido na Croácia, Giulio Clovio (1498-1578), com quem Bruegel colaborou em Roma em 1553. A terceira versão era uma pintura a óleo. menor pintado em madeira, datado de 1564, agora no Museu Boijmans Van Beuningen em Rotterdam. Acredita-se que a pintura de Roterdã data de cerca de um ano após a pintura de Viena. A "Grande" Torre Vienense é quase duas vezes maior que a "Pequena" Torre de Rotterdam e é caracterizada por um tratamento mais tradicional do assunto. Baseada em Gênesis 11: 1-9, em que o Senhor confunde o povo que começou a construir "uma torre cujo topo chegue ao céu", ela inclui, como a outra versão não inclui, a cena do rei Nimrod e sua comitiva. diante da multidão de trabalhadores ajoelhados. Este evento não é mencionado na Bíblia, mas foi sugerido em Antiguidades dos Judeus, de Flavius ​​​​Josephus.

Para Bruegel, era importante porque enfatizava o pecado do rei de orgulho e arrogância que a imagem deveria destacar.

Realismo detalhado A Torre de Babel apresenta uma grande quantidade de detalhes meticulosos relacionados à construção do edifício, sem dúvida aprimorados pelo intrincado conhecimento de técnicas de construção de Bruegel, adquirido durante a execução de várias pinturas que ilustram a escavação do canal Antuérpia-Bruxelas. À direita está um enorme guindaste, muito semelhante ao que está visivelmente colocado acima do porto no Breviário Grimani.

Os trabalhadores semelhantes a formigas estão ocupados carregando-o com enormes lajes de pedra que receberam de baixo e seguirão para a rampa superior onde outros estão preparados para recebê-los. Um trabalhador sobe uma escada para aquela seção, que está sendo transformada de rocha em arquitetura estruturada por uma multidão de outras pessoas. À esquerda, parte da fachada já parcialmente terminada; uma mulher entra por uma das portas, uma escada aparece por uma das janelas superiores. Mais acima, outra grande multidão de trabalhadores trabalha no telhado, e assim por diante até o infinito.

Qualquer que seja a razoabilidade dessas ações individuais, e esse ponto ainda não foi totalmente investigado, o espectador sente imediatamente a grotesca insuficiência dos meios de engenharia, bem como a loucura de todo o empreendimento de construção.

Por mais trabalhadoras que sejam essas 'formigas', elas enfrentam probabilidades desesperadas que são demonstradas de forma brilhante. No mesmo nível, a conclusão do último detalhe opõe-se a começos nus, com etapas intermediárias, sugerindo uma corrida frenética contra o tempo inexorável, enquanto o topo ainda está coberto de nuvens.

Quando olhamos para a pintura de Bruegel e tentamos interpretá-la, estamos também envolvidos em um exercício de tradução: ele estava simplesmente dando expressão visual à história bíblica? Ou ele estava tentando fazer algo mais amplo, ou apenas uma combinação de ambos?

Não deveria ser surpresa que não haja necessariamente um acordo no mundo da arte sobre as intenções de Bruegel. Em vez de ser abertamente polêmico, o maestro incorporou sua obra a signos e deixa a nós, seus fiéis espectadores, interpretá-los por nós mesmos.

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No.9 Virgem do Pintassilgo - Rafael (1505-1506)

A Madona com o Pintassilgo, um dos painéis florentinos de Rafael, foi pintado por Rafael para o casamento de seu amigo Lorenzo Nasi e Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. A pintura foi seriamente danificada após o colapso parcial da casa Nasi em 1547, conforme mencionado por Vasari. Mais tarde foi restaurado provavelmente por Michele di Ridolfo del Ghirlandaio (Michele Tosini), um colega de trabalho na oficina de Ghirlandaio, que foi profundamente influenciado por Raphael.

O Menino Jesus acaricia com amor um pintassilgo que o menino Baptista acaba de lhe dar. Um símbolo da Paixão (o pintassilgo, porque se alimenta entre os espinhos) é assim combinado numa cena que, num primeiro nível de significado, pode ser vista simplesmente como crianças a brincar.

Rafael absorveu as realizações da arte florentina, que estava na vanguarda da Europa na época. O artista foi fortemente influenciado pela figura de Leonardo. A influência do grande artista-cientista se manifesta na bela Madonna del Jilguero (“Madonna del Cardellino”) (1506), recentemente restaurada (2008) com sabedoria e habilidade. Raphael aceita a abordagem da composição piramidal, os efeitos suaves da penumbra e o diálogo emocional entre os personagens, revelando os elementos da pintura de Leonardo. Apesar disso, também fica claro qual será o estilo pessoal de Rafael: a extrema doçura dos rostos, principalmente das Madonas, o uso magistral das cores, a reprodução realista da paisagem e a profunda intimidade entre as figuras.

A Virgem Maria está vestida de vermelho e azul. O vermelho é o símbolo da paixão de Cristo e o azul é o símbolo da Igreja e de Maria. Era um dos pigmentos mais caros e, portanto, apropriado para usar em uma figura importante como Maria. O pintassilgo europeu está associado à crucificação de Jesus. Nesta pintura, São João passa o pássaro para Jesus como um aviso de sua morte violenta. Do livro que Mary está segurando, os especialistas identificaram as palavras “Sedes Sapientiae”. Este é um dos títulos devocionais dados a Maria e significa "sede da sabedoria". Enfatiza que Maria deu à luz Jesus (representando a sabedoria). Quando Maria é retratada no papel do "assento da sabedoria", ela geralmente é mostrada sentada em um trono com Jesus no colo. No entanto, neste caso, a rocha sobre a qual Maria está sentada serve como trono.

Na pintura você pode ver várias flores. Embora nem todas as flores tenham sido identificadas de forma conclusiva, muitos acreditam que as flores sejam: anêmonas (representando a dor de Maria pela paixão de Jesus), margaridas (representando a inocência do Menino Jesus), bananas (representando o caminho para seguir Jesus) e violetas . (representando a humildade).

Na arte européia, o pintassilgo é freqüentemente usado como símbolo. O pintassilgo europeu, Carduelis carduelis, tem o rosto vermelho e a cabeça preta e branca. Centenas de pinturas renascentistas retrataram o pintassilgo. O pintassilgo europeu é frequentemente associado à ressurreição, mas também à alma, ao sacrifício e à morte. Diz a lenda que o pintassilgo recebeu a mancha vermelha na cabeça durante a crucificação de Jesus quando quis arrancar um espinho da coroa de Jesus e uma gota do sangue de Jesus espirrou em sua cabeça. Na verdade, o pintassilgo é conhecido por comer cardos e espinhos e, portanto, tem sido associado à coroa de espinhos que Jesus usou em sua crucificação.

A paisagem, e especialmente as formas arquitetônicas que ela contém, reflete a influência da arte flamenga, embora ainda seja estruturada à maneira da Úmbria. Essa influência estava tão viva em Florença quanto em Urbino na segunda metade do Quattrocento. Talvez seja mais visível nos telhados inclinados e nas altas torres, elementos incomuns em uma paisagem mediterrânea. A influência de Michelangelo é novamente evidente na figura bem estruturada do menino Jesus.

Esta famosa pintura sofreu graves danos no final do século XVI devido ao desabamento do edifício onde se encontrava. Sofreu danos extensos, incluindo cortes longos e profundos que desfiguraram os painéis de madeira. Muitas restaurações ocorreram ao longo dos séculos, mas somente graças à última (realizada em 2008) a obra voltou ao seu esplendor original. Portanto, a Virgem do Pintassilgo pode ser novamente amada e admirada como um dos mais belos exemplares do grande pintor Rafael, o "Divino".

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No.10 Cristo de São João da Cruz - Salvador Dalí (1951)

O Cristo de São João da Cruz foi pintado pelo pintor surrealista espanhol Salvador Dalí em 1951, numa época em que ele emergia do forte ateísmo antirreligioso de sua juventude e voltava a abraçar a fé católica.

Sem dúvida, a obra religiosa mais conhecida de Dalí é o seu "Cristo de São João da Cruz", cuja figura domina a baía de Port Lligat. A pintura foi inspirada num desenho, guardado no Convento da Encarnação em Ávila, Espanha, e feito pelo próprio São João da Cruz depois de ter tido esta visão de Cristo durante um êxtase.

Na pintura de Dali, as pessoas ao lado do barco são derivadas de uma imagem de Le Nain e um desenho de Diego Velázquez para A rendição de Breda. Ao final de seus estudos para o Cristo, Dalí escreveu: “Antes de tudo, em 1950, tive um 'sonho cósmico' no qual vi esta imagem colorida e que em meu sonho representava o núcleo do átomo. adquiriu um sentido metafísico: eu considerava "na própria unidade do universo" o Cristo! um triângulo e um círculo, que resumiu esteticamente todas as minhas experiências anteriores, e inscrevi meu Cristo neste triângulo".

No retrato, Salvador Dali habilmente usou duas cores realistas diferentes, incluindo azul e verde, para retratar a incrível paisagem marítima, provavelmente uma alegoria ao Mar da Galiléia. O pintor usou uma técnica única de pintar o mar ao nível dos olhos enquanto o corpo de Cristo paira no ar da cruz. Atrás da cruz, o pintor usou tinta a óleo preta carvão. Isso era para tornar o corpo de Cristo o centro das atenções.

Dalí foi capaz de retratar os músculos de Cristo em um tom fino. Fora isso, ele conseguiu pintar sombras que criaram profundidade. Além disso, Salvador pintou montanhas distantes ao nível dos olhos. Na parte inferior da imagem, um homem solitário pode ser visto parado em uma doca com seu barco. O renomado pintor conseguiu combinar cores realistas e design organizado para criar um impressionante retrato surreal da figura religiosa.

Diz-se que a versão original do século 16 retrata um crucifixo do ângulo que uma pessoa moribunda o veria quando erguido para veneração.

Dalí nos faz ver Cristo e a cruz diretamente de cima e olhar para o conjunto de nuvens abaixo e a terra abaixo. É uma perspectiva celestial, de fato, a de Deus Pai. É interessante que o Filho, Cristo, compartilhe a mesma perspectiva do Pai: seu ponto de vista segue e continua o do Pai. O quarto evangelho enfatiza que o Filho procede do Pai e é um com ele, vendo e fazendo tudo o que o Pai lhe diz para fazer. De certa forma, o Pai também oferece o Filho ao mundo para salvá-lo.

Na pintura do Cristo de São João, o Sagrado Coração de Jesus não se reflete externamente, mas se envolve na manifestação artística de uma força que supera a ignomínia da Cruz. Dalí nos pinta um Cristo vitorioso. Mostra que o Cristo de São João da Cruz vence a morte por amor.

No "Cristo de São João da Cruz" de Dalí, Jesus pendurado na cruz desarmou os poderes e autoridades e fez deles um espetáculo público, triunfando sobre eles com o poder de seu amor na cruz (Cl 2:15). .

Assim, a Cruz é o lugar onde o bem vence o mal, onde as trevas são vencidas pela luz, onde a semente da mulher finalmente esmaga a cabeça da serpente (Gn 3,15), onde as acusações contra o mundo foram destruídas e pregadas à Travessia. Acima de tudo, é onde o amor vence o ódio e todas as formas de malícia.

Esta famosa obra de Dalí foi considerada banal por um importante crítico de arte quando foi exibida pela primeira vez em Londres. No entanto, vários anos depois, foi cortado por um fã enquanto estava pendurado no Museu de Glasgow, prova do surpreendente efeito oposto nos espectadores.

Várias perspectivas podem ser vistas na pintura, mostrando o talento fenomenal de Dalí.

Como as obras de Dalí ainda não são de domínio público, Kuadros não faz réplicas desse pintor, claro que não deixa de admirá-lo.

KUADROS © , uma pintura famosa em sua parede.