Descrição
Esta pintura extraordinária de Rafael era originalmente um retábulo localizado na Igreja de San Domenico, Città di Castello, perto de Urbino, a cidade natal do artista. Ele mostra a Virgin e San Juan Evangelista em cada lado da cruz. St. Geronimo E María Magdalena está ajoelhada na frente deles.
Um dos primeiros trabalhos do pintor, este retábulo foi encomendado pelo comerciante de lã e Banquero Domenico Gavari por sua capela funerária dedicada a San Jerónimo.
No trabalho, o corpo de Cristo pendura da cruz. Dois anjos balançam sobre delicados lascas de nuvens de cada lado, coletando o sangue que flui de suas feridas em calices dourados que lembram aqueles em que o vinho foi servido durante a missa no altar abaixo.
O Sol e a Lua são visíveis no céu, marcando o eclipse que coincidiu com a morte de Cristo. San Jerónimo e María Magdalena estão ao pé da cruz, olhando para o corpo de Cristo com reverência e misericórdia. A virgem, vestida de preto violeta para denotar o duelo, fica à esquerda da cruz com João Evangelista à direita. Ambos olham para o espectador e torcem as mãos.
A arte pode fazer com que algo terrível pareça bonito. Essa habilidade também pode ser vista na Crucifixion Mond. A pintura minimizou a dor e o sofrimento que Cristo sofreu na cruz. Jesus é imaculado e pacífico, exceto por seus ferimentos em pés, mãos e lado. Rafael destaca a perfeição de Cristo para permanecer fiel ao estilo de pintura do alto renascimento.
No trabalho, a perspectiva atmosférica e a paisagem exibem o estilo de Perugini que Rafael seguiu. Em vez de se concentrar na natureza dolorosa e assustadora da morte de Cristo, fortalece a doutrina da transubstanciação, servindo como uma representação simbólica do sangue para a Eucaristia.
A Crucifixion Mond foi analisada no Museu de Arte, com sede em Londres, a Galeria Nacional. Lá, foram identificados os pigmentos típicos do período renascentista.
Rafael pintou seu trabalho entre outros pigmentos com ocre, Bermellón, Verdin, palidades amarelas e naturais no exterior. A cor vermelha tem um forte significado. Cada imagem da pintura tem um toque de vermelho. Todas as figuras são tocadas pictoralmente e são resgatadas pelo sangue de Cristo.
Outras cores também conectam os elementos da tinta. Existem cores na imagem que foram repetidas na metade inferior. Por exemplo, a cor azul do céu foi coletada nas roupas que San Jerónimo carrega e a cor verde nas roupas que um dos dois anjos também está com as roupas de San Juan.
San Jerónimo não estava presente na crucificação, mas está incluído nessa cena porque a capela era dedicada a ela. Ele faz um gesto para a cruz e segura a pedra com a qual bate no peito enquanto vive como um eremita no deserto. Os milagres que ocorreram após a morte de Cristo foram pintados em cenas do prelado (o painel inferior pintado mostrado sob o painel principal do retábulo). Dois painéis de Predela sobrevivem no Museu de Arte da Carolina do Norte, Raleigh, e no Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa. No começo, provavelmente havia pelo menos um painel adicional. O próprio Gavari poderia ter escolhido dedicar o altar a San Jerónimo, já que ele também nomeou seu primogênito Girolamo (Jerome em italiano).
O retábulo é fortemente influenciado por Perugino, o principal artista do centro da Itália na época, com quem Rafael desenvolveu um relacionamento artístico próximo enquanto morava em Perugia. O design geral é baseado em várias versões do Cristo crucificado em uma paisagem pintada por Perugino no final dos anos 1480 e 1490, e é especialmente semelhante à sua retábulo da crucificação para o convento de S. Francesco à montanha em Perugia, no comando de 1502 e concluído 1506.
Nessa pintura anjos com fitas nas fitas mantêm calices para coletar o sangue das feridas de Cristo, a Virgem e o Evangelista são quase idênticos aos de Rafael e Maria Madalena estão do mesmo cruzar. É provável que Rafael tenha visto as obras de Perugino em sua oficina de Perugia antes de serem reveladas. Além de adotar características ovais e pequenas e gestos estilizados das mãos das figuras de Perugino, Rafael tomou os princípios de simetria, harmonia e clareza da composição das obras de Perugino. No entanto, Rafael os adaptou, dando -lhes maior suavidade e sofisticação. Aqui, no entanto, não está totalmente claro quem copiou o trabalho de quem.
Nos primeiros trabalhos de Rafael, ele costumava basear suas composições em uma simples grade geométrica, que tinha um painel para ajudá -lo a transferir seu desenho, como podemos ver em Madonna Ansidei. Você não vê uma grade na crucificação Mond, embora a forte simetria e a estrutura geométrica da imagem sugerem que Rafael poderia ter usado um método semelhante inicialmente para expor sua composição. Ele usou uma regra e uma bússola para fazer uma incisão no contorno do crucifixo e uma bússola para fazer uma incisão no sol e na lua. A maneira como ele deixou espaços não pintados para as figuras e não fez críticas ou mudanças enquanto a pintura sugere que ele estava trabalhando em um design cuidadosamente preparado em um desenho detalhado. Durante esse período, Rafael freqüentemente usava pinceladas sombreadas escuras para reforçar as áreas de sombra, uma técnica derivada de Perugino, que é particularmente perceptível aqui nas cortinas. Raphael também usou as mãos e os dedos para secar e modelar tinta superficial úmida. Suas impressões digitais e palmas das mãos são visíveis nas sombras das cabeças, especialmente nos cabelos, no rosto e na barba de Cristo.
Rafael arranhou a tinta marrom no pé da cruz até uma camada de folha de prata abaixo para assinar a tinta: Rafael / Vrbin / As /.p. Rain] ("Rafael de Urbino pintou isso"). Vasari comentou que, se Rafael não tivesse assinado a pintura, ninguém acreditava que ele e não Perugino o haviam pintado.