Descrição
A iconografia da obra, provavelmente destinada à devoção privada do artista, refere -se ao esquema de composição da lamentação sobre os mortos Cristo, no qual os enlutados são agrupados em torno do corpo do Theestro preparado para o enterro, deitado na pedra de a unção e já ungida de perfumes.
A hipótese mais forte, apesar das incertezas derivadas da existência de várias variantes do mesmo tema, identifica a imagem de Brera (Milão) com o "Cristo em Escorzo" encontrado no workshop de Mantegna no momento de sua morte, vendido por seu ludovico filho do cardeal Sigismo Gonzaga e inventorou entre as propriedades dos senhores de Mantua em 1627.
O destino posterior da pintura continua sendo um tópico de debate entre os estudiosos, que enfrentam uma série complicada de mudanças na propriedade apenas parcialmente e confusas, documentadas: de acordo com a teoria mais recente, mas não conclusiva, a pintura foi vendida em 1628 a Charles . I da Inglaterra, juntamente com as peças mais valiosas da coleção Gonzaga; Então ele foi ao mercado de antiguidades para a coleta do cardeal Mazarin; Na dispersão deste último, desapareceu por mais de um século. Chega de pintura até 1806. De fato, o Secretário da Accademia di Brera Giuseppe Bossi pediu ao escultor Antonio Canova que atuasse como intermediário na compra de seu "cobiçado Mantegna", que finalmente alcançou o Pinacoteca em 1824.
A composição produz um grande impacto emocional, acentuado pelo Scorzo extremo: o corpo de Cristo está muito próximo do ponto de vista do observador que, ao olhar para ela, é arrastado para o centro do drama; Além disso, todos os detalhes são reforçados pela incisividade das linhas, que força o olhar a parar nos golpes mais detalhados, nos membros rígidos no Mortis Rigor, bem como nas feridas, apresentadas abertamente em primeiro plano, conforme exigido por A tradição desse tipo de imagem.
O tema da lamentação é comum na arte medieval e renascentista, embora esse tratamento, que remonta a uma questão conhecida como unção de Cristo, seja incomum na época. A maioria dos arrependimentos mostra muito mais contato entre os enlutados e o corpo. Os ricos contrastes de luzes e sombras abundam, infundidos por um profundo sentimento de patetismo. O realismo e a tragédia da cena são reforçados pela perspectiva violenta, que encurta e dramatiza os sentidos, acentuando os detalhes anatômicos: em particular, o tórax de Cristo. Os buracos nas mãos e pés do professor, bem como os rostos dos dois enlutados, são representados sem qualquer concessão ao idealismo ou retórica. As cortinas do poço que cobrem o corpo contribuem para o efeito dramático. Único nesta pintura é um design que coloca o foco central da imagem nos genitais de Cristo, uma escolha artística aberta a uma infinidade de interpretações. Mantegna conseguiu pintar uma representação muito específica do trauma físico e emocional.
Mantegna apresentou um estudo comovente de um cadáver fortemente encurtado e uma descrição intensamente comovente de uma tragédia bíblica. Esta pintura é um dos muitos exemplos do domínio do artista. À primeira vista, a pintura parece ser um estudo surpreendentemente realista em Scorzo. No entanto, o escrutínio cuidadoso revela que Mantegna reduziu o tamanho dos pés da figura, que, como ele deve ter conhecido, cobriria grande parte do corpo se representado corretamente.
Mantegna provavelmente fez essa pintura para sua capela funerária pessoal. Seus filhos a encontraram em seu estudo após sua morte e a venderam para pagar suas dívidas.
Esta obra -prima é típica da arte de Mantegna, na qual o espaço confinado nesta pintura é definido arquitetonicamente como a célula fria e sombria de um necrotério. Olhando para dentro, vemos um show quase monstruoso: um cadáver pesado, aparentemente inchado pelo scorzo exagerado. Na frente, há dois pés enormes com buracos; À esquerda, máscaras fixas manchadas de lágrimas. Mas outro olhar dissipa o impacto inicial e um sistema racional pode ser discernido sob a luz fraca. O rosto de Cristo, como os outros rostos, é costurado por rugas, que se harmonizam com o satén aquoso do travesseiro rosa, as granulações pálidas da laje de mármore e o veterado da Ónix da garrafa de pomada. As dobras molhadas da mortalha enfatizam as dobras da pele tensa, que é como uma rolagem arranhada em torno das feridas secas. Todas essas linhas são ecoadas nas ondas selvagens dos cabelos.
O realismo de Mantegna prevalece sobre qualquer indulgência estética que possa resultar de um atraso exagerado nos aspectos materiais de seu assunto. Seu realismo é dominado por um sentimento poético exaltado pelo sofrimento e renúncia cristãos. O poder criativo de Mantegna reside em sua própria interpretação do "histórico", seu sentimento pelo programa, ambos em larga escala. Além de sua aparente frieza e destacamento estudado, os sentimentos de Mantegna são os de um historiador e, como todos os grandes historiadores, está cheio de humanidade. Tem um senso trágico da história e destino do homem, e os problemas do bem e do mal, vida e morte.
Está Pintura famosa É uma cúpula absoluta na produção de Mantegna, uma obra cuja força expressiva, compostura severa e gerenciamento magistral da ilusão de perspectiva o tornaram um dos símbolos mais conhecidos do renascimento italiano.
A pintura está localizada no Pinacoteca di Brera, em Milão, Itália.