Frequentemente, há mais em uma imagem do que parece, e muitas das obras de arte mais famosas do mundo têm segredos ocultos sob a superfície. Você pode estudar sua pintura favorita repetidamente e ainda assim descobrir um novo símbolo críptico ou detalhes ocultos. Alguns dos artistas mais famosos do mundo intencionalmente deixam mensagens secretas em suas pinturas, e algumas até despertaram teorias de conspiração populares, seja para subverter a autoridade, desafiar o público ou revelar algo sobre si mesmos. Centenas de anos depois, graças aos avanços tecnológicos, muitas dessas mensagens secretas estão sendo descobertas pela primeira vez. Kuadros quis desvendar esses mistérios para você. Estas são as pinturas famosas que consideramos as mais enigmáticas.
No.1 A Última Ceia - Leonardo Da Vinci
A famosa representação de Leonardo da Vinci de Jesus e seus discípulos na Última Ceia esteve no centro de algumas teorias populares nos últimos anos, como descrito no romance de 2003 "O Código Da Vinci" de Dan Brown e na adaptação cinematográfica do livro de 2006 estrelada por Tom Hanks. Brown propôs que o discípulo à direita de Jesus é, na verdade, Maria Madalena disfarçada de João, o Apóstolo. Também sugere que a forma de "V" que se forma entre Jesus e "João" representa um útero feminino, implicando que Jesus e Maria Madalena tiveram um filho juntos. Os historiadores da arte, no entanto, são céticos. A Última Ceia de da Vinci é importante por sua composição expressiva e o uso da perspectiva, que foi uma inovação na época. Da Vinci alinhou as figuras e as paredes da sala pintada com cordas que irradiam de um prego na parede onde está pintado o original, acima de um refeitório em um mosteiro em Milão. Muitos sugerem que a aparência de João é feminina simplesmente porque é assim que foi representado. O especialista Mario Taddei disse à Artnet.com: "Leonardo teve que copiar as últimas ceias antes dele, e João parece uma mulher". Mas uma mensagem secreta muito mais convincente foi descoberta pelo técnico de informática italiano Giovanni Maria Pala. Ele afirma que Da Vinci escondeu notas musicais dentro de "A Última Ceia" que, quando lidas da esquerda para a direita, correspondem a um hino de 40 segundos que soa como um réquiem.
Quando o abad do mosteiro reclamou que a pintura estava demorando demais, disse-se que o artista enfurecido ameaçou usar o rosto do abad como modelo para o traidor Judas. No final, da Vinci visitou as prisões de Milão para encontrar o rosto vilão perfeito para Judas, que está sentado quinto da esquerda. Os historiadores da arte profissionais dizem que não há evidências das teorias de conspiração sobre a Última Ceia expostas em "O Código Da Vinci" e outros livros que abordam o tema; e rejeitam a identificação da figura à esquerda de Jesus como sua seguidora Maria Madalena, em vez do apóstolo João.
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No.2 A Criação de Adão - Michelangelo
"A Criação de Adão" é provavelmente a mais famosa dos nove painéis bíblicos que Michelangelo pintou no teto da Capela Sistina. Mas você sabia que a cena continha um cérebro humano? A mensagem oculta está na tela, onde supostamente se pode distinguir a forma do cérebro. Aparentemente, o artista o introduziu em seu afresco porque na época as autópsias eram proibidas pela Igreja. Acontece que Michelangelo era um expert em anatomia humana. Aos 17 anos, teve um trabalho um tanto macabro dissecando cadáveres do cemitério da igreja. Portanto, alguns acreditam que ele teria gostado de apresentar essa paixão pela anatomia em um de seus maiores feitos, no teto da Capela Sistina. De acordo com os especialistas em neuroanatomia Ian Suk e Rafael Tamargo, o pintor colocou algumas ilustrações cuidadosamente ocultas de certas partes do corpo no teto da Capela Sistina. E se você observar o manto que envolve Deus em "A Criação de Adão", descobrirá que ele cria uma ilustração anatômica do cérebro humano. Suk e Tamargo acreditam que Michelangelo pretendia que o cérebro representasse a ideia de que Deus estava concedendo a Adão não apenas vida, mas também conhecimento humano.
Um médico diz que Michelangelo estava muito familiarizado com o cérebro humano e que utilizou seu conhecimento de neuroanatomia para representar simbolicamente o cérebro em sua "Criação de Adão". Outras interpretações vão ainda mais longe; esta pintura vai contra a ideologia religiosa e transmite a mensagem de que tudo nasce do homem, em vez do contrário. Que pensamento tão sacrilégio de fato. Uma obra de arte tão famosa, e ainda assim estamos descobrindo segredos ocultos séculos após sua concepção.
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No.3 A Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
A saber, a Mona Lisa, a pintura mais famosa entre as pinturas famosas, a obra mais visitada do museu do Louvre. Esta enigmática dama na verdade tem mais para se ver aqui do que esse infame meio sorriso. Em primeiro lugar, especula-se que ela está grávida, dada a forma como os braços estão colocados sobre a barriga e o véu ao redor dos ombros, que mulheres grávidas costumavam usar durante o Renascimento italiano. Mas as descobertas mais recentes estão em seus olhos. Em 2011, o pesquisador italiano Silvano Vinceti afirmou que encontrou letras e números pintados microscopicamente neles. Ele disse à Associated Press que a "L" sobre seu olho direito provavelmente representa o nome do artista. Mas o significado da letra "S" que você vê em seu olho esquerdo e o número "72" abaixo da ponte arqueada ao fundo são menos claros. Vinceti acredita que a "S" pode se referir a uma mulher na dinastia Sforza que governou Milão, o que significa que a mulher na pintura pode não ser Lisa Gherardini, como se acreditou por muito tempo. Quanto ao "72", Vinceti argumenta que pode ser devido à importância dos números tanto no cristianismo quanto no judaísmo. Por exemplo, "7" se refere à criação do mundo, e o número "2" pode se referir à dualidade de homens e mulheres.
Ainda mais surpreendente, em 2015, um cientista francês que usava tecnologia de luz refletiva afirmou ter encontrado outro retrato de uma mulher sob a imagem que vemos hoje. O consenso é que este foi o "primeiro rascunho" de da Vinci, e que ele o pintou para criar sua obra-prima.
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No.4 Café Terraça à Noite - Vincent Van Gogh
Esta pintura de coloridas vistas ao ar livre é uma obra pitoresca, a visão de um espectador relaxado que desfruta do charme de seu entorno sem nenhuma preocupação moral. Lembra o estado de espírito de Van Gogh quando escreveu que "a noite é mais viva e com mais cores do que o dia". À primeira vista, a pintura a óleo de Vincent van Gogh de 1888 parece ser simplesmente o que o título descreve: uma pitoresca terraço de café em uma colorida cidade francesa. Mas, em 2015, o especialista em Van Gogh, Jared Baxter, propôs a teoria de que a pintura é na verdade a versão do artista de "A Última Ceia". Um estudo detalhado mostra uma figura central com cabelo longo rodeado de 12 indivíduos, um dos quais parece deslizar nas sombras como Judas. Também há o que parecem ser pequenos crucifixos ocultos em toda a pintura, incluindo um sobre a figura central semelhante a Jesus.
Uma alusão religiosa não estaria muito fora de lugar para Van Gogh. Antes de dedicar sua atenção à pintura, o famoso artista holandês havia desejado "pregar o evangelho em toda parte", e seu pai, Theodorus van Gogh, era pastor de uma igreja reformada holandesa. No momento em que trabalhava em Café Terraça à Noite, Van Gogh escreveu para seu irmão, Theo van Gogh, e explicou que tinha uma "tremenda necessidade de, devo dizer a palavra, religião", com referência direta à pintura.
Van Gogh nunca assinou "Café Terraça à Noite". No entanto, mencionou especificamente a pintura em três peças de correspondência, por isso os historiadores da arte confiam que ele a pintou.
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No.5 O Retrato de Arnolfini - Jan Van Eyck
A imagem está pendurada na Galeria Nacional de Londres e provavelmente representa Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua esposa Costanza Trenta. A identidade do casal foi reduzida a apenas algumas possibilidades, mas somente eles viveram em Bruges tempo suficiente para conhecer de perto o pintor. A primeira pista para a pintura é o ambiente, em uma casa bastante rica, cheia de objetos e roupas bonitas. Os símbolos na pintura são impossíveis de ignorar, embora não sejam de uma única interpretação. Tampouco o significado da imagem é completamente claro. Ao longo dos séculos, foi interpretada como um retrato de um casal de recém-casados, com símbolos extraídos de um evento de casamento, começando com o óbvio símbolo de fertilidade da posição de grávida do corpo de Costanza, que como mostrado era apenas uma moda. De fato, o casal não teve filhos. Outros símbolos de fertilidade são a cama vermelha e o tapete. Os sapatos que estavam jogados no chão de madeira também tinham significado como presentes de casamento comuns para uma noiva de um noivo. As laranjas simbolizam a fertilidade e o amor, a lealdade do cachorrinho. Mas se você olhar cuidadosamente para o espelho no centro da sala, verá que há duas figuras entrando na sala. Acredita-se amplamente que uma delas é o próprio Van Eyck. Você também notará que há uma inscrição latina em uma caligrafia muito elaborada na parede acima do espelho, que se traduz como "Jan van Eyck esteve aqui. 1434".
No entanto, a parte mais importante da pintura, que não é mostrada, é a discrepância nas datas. A pintura, como mencionado anteriormente, foi datada em 1434, enquanto Costanza Trenta morreu em 1433. A pintura também poderia ter tido um contexto diferente do que estava terminado. Como demonstrou uma radiografia, Jan van Eyck fez várias alterações, e se essas estavam relacionadas a tal ocorrência ou não está em disputa.
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No.6 Os Embaixadores - Hans Holbein O Jovem
Muito antes de os óculos 3D ou a busca por ovos de Páscoa se tornarem populares, os pintores renascentistas conseguiram que seu público olhasse as peças de novos ângulos brincando com a perspectiva. Um dos exemplos mais famosos da técnica é o retrato duplo de Hans Holbein O Jovem, Os Embaixadores, que possui uma história tão rica quanto os muitos detalhes ocultos em suas pinceladas.
A interpretação da pintura como uma alegoria do tumulto político e religioso da Inglaterra cismática de Henrique VIII, na qual os desventurados embaixadores estão presos, foi amplamente aceita por mais de cem anos.
A pintura apresenta uma ilusão bastante impressionante em sua base. Se você olhar a imagem distorcida na parte inferior da pintura da direita para a esquerda, parece um crânio anamórfico. Os acadêmicos acreditam que pretende ser um lembrete de que a morte está sempre à espreita.
No canto superior esquerdo, atrás da cortina verde e exuberante, você encontrará Jesus em uma pose icônica. Alguns historiadores da arte acreditam que este cameo divino está ligado ao crânio memento mori e que alude a um lugar além da mortalidade. É um símbolo destinado a sugerir que há mais do que a morte, ou seja, uma vida futura através de Cristo. Outros acreditam que o ícone oculto representa a divisão da igreja que Henrique VIII estava infligindo em seus compatriotas.
A figura à esquerda de Os Embaixadores é Jean de Dinteville, o embaixador francês na Inglaterra. Ele estava prestes a completar 30 anos no momento deste retrato duplo. Seu amigo e colega diplomático Georges de Selve, à direita na foto, tinha apenas 25 anos na época e já havia servido como embaixador francês na República de Veneza em várias ocasiões.
O retrato a óleo sobre carvalho foi feito para ser pendurado nos corredores da casa de Dinteville. No entanto, a Galeria Nacional tem exibido a pintura hipnótica de Holbein desde 1890. Durante mais de 125 anos, tem sido uma das exposições mais preciosas do museu de Londres.
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No.7 O Nascimento de Vênus - Sandro Botticelli
A nudez na famosa pintura de Botticelli foi bastante inovadora para o final do século XV. Mas isso não é onde termina a ousadia do artista. Alguns historiadores da arte acreditam que a concha de vieira na qual Vênus está navegando pelas ondas do oceano na verdade simboliza os genitais femininos e, assim, alude à fertilidade, criando uma cena de nascimento que reflete as origens oceânicas de Vênus enquanto se conecta simbolicamente com o nascimento humano.
Vênus, deusa do amor, está recatada na concha do mar, sendo levada à praia por Zéfiro, deus do vento do oeste. Lá, uma das Horae, deusas das estações, está pronta com um manto para vestir a deidade recém-nascida. A quarta figura que leva Zéfiro é destinada a ser uma Aura (ninfas do vento) ou Chloris, uma ninfa associada à primavera e às flores em flor, assim como as que fluem pela imagem.
A inspiração cristã era dominante na arte da Idade Média, por isso raramente se descrevia a nudez. No entanto, o surgimento do humanismo levou a um renovado interesse pelos mitos da antiga Roma, e com isso uma ressurreição de nus.
Durante este período do Renascimento inicial, a pintura sobre painéis de madeira estava na moda. Mas a popularidade da tela estava aumentando, especialmente nas regiões úmidas onde a madeira tendia a deformar. Como a tela era mais barata que a madeira, seu estado percebido era um pouco mais baixo, por isso estava reservada para obras que não estavam destinadas a grandes exibições públicas. A pintura se destaca como a primeira obra sobre tela na Toscana.
O Nascimento de Vênus estava destinado a ser pendurado em um quarto. A nudez da peça adquire um tom mais sensual quando você sabe que estava destinada a ser pendurada sobre uma cama de casal. Este local e sua ousada representação contribuíram para que O Nascimento de Vênus ficasse oculto à vista do público por aproximadamente 50 anos. A pintura tem uma peça acompanhante. Embora tenha sido completada quatro anos antes de sua irmã, A Primavera pode ser vista como uma espécie de sequência de O Nascimento de Vênus. Enquanto a segunda representa a chegada de Vênus a um mundo à beira da floração, a primeira mostra o mundo em flor ao redor da figura materna agora vestida. Diz-se que o par de pinturas tinha a intenção de comunicar como "o amor triunfa sobre a brutalidade".
Botticelli pediu para ser enterrado aos pés de sua Vênus. Não a pintura, isso sim. Ele queria mentir eternamente por sua inspiração terrena, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Chamado de mulher mais bela de Florença, assim como a mulher mais bonita do Renascimento, Simonetta foi a musa que inspirou várias das obras de Botticelli, incluindo O Nascimento de Vênus e A Primavera. Quando morreu em 1510, Botticelli foi enterrado perto dessa nobre casada, por quem se especula que abrigava um amor não correspondido.
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No.8 Autorretrato - Rembrandt
Rembrandt pintou, desenhou e gravou tantos autorretratos em sua vida que as mudanças em sua aparência nos convidam a avaliar seu estado de espírito comparando uma imagem com a outra. Tal leitura biográfica é incentivada pela forma como o artista confronta o espectador diretamente. Rembrandt pintou este autorretrato em 1659, após ter sofrido uma falência financeira apesar de tantos anos de sucesso. Sua espaçosa casa na Sint-Anthonisbreestraat e outros bens haviam sido leiloados no ano anterior para satisfazer seus credores. Neste trabalho tardio, os olhos fundos que fixam os do espectador parecem expressar força e dignidade internas. No entanto, interpretar pinturas com base na biografia de um artista é perigoso, particularmente com um artista cuja vida foi idealizada na medida em que Rembrandt foi. A luz que ilumina tão eficazmente a cabeça também acentua o ombro esquerdo de Rembrandt e, em menor grau, suas mãos unidas, amplamente executadas.
Em 2001, o artista britânico David Hockney e o físico americano Charles Falco anunciaram que haviam encontrado indícios de que Rembrandt e outros Velhos Mestres dependiam significativamente do uso de lentes e espelhos curvos para criar suas cenas e retratos reais. E em agosto de 2016, dois pesquisadores no Reino Unido, o artista Francis O'Neil e a física Sofia Palazzo Corner, publicaram um estudo no Journal of Optics que explicava como Rembrandt poderia ter usado combinações de espelhos curvos e lentes para criar seus famosos autorretratos. Os pesquisadores veem muitos detalhes nos autorretratos de Rembrandt que apoiam sua teoria, incluindo a forte luz no centro dos retratos e a relativa escuridão nas bordas, que também se vê em reflexos projetados por espelhos curvos.
Os artistas usam constantemente novos pigmentos e óleos para produzir cores mais vibrantes, luminosas e interessantes. Rembrandt van Rijn não foi diferente. O velho mestre holandês tinha técnica, criatividade e trabalho meticuloso para ele. Também tinha química. Uma nova análise de suas obras mostra que ele usou um composto raro em algumas de suas pinturas: um mineral de carbonato de chumbo chamado plumbonacrita, Pb5 (CO3) 3O (OH). Conhecer a composição da paleta do artista ajudará os conservacionistas a descobrir como preservar melhor suas obras de arte ao longo do tempo.
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No.9 Baco - Caravaggio
A pintura de Baco de Caravaggio contém todas as farras associadas ao libertino mitológico que borbulham sob sua superfície. É essa sensação de tempestade sob a calmaria que a torna uma obra de arte tão potente. Baco, o deus do vinho, geralmente é mostrado bêbado; O Baco de Caravaggio é sereno e autônomo. Muitas vezes é visto montando uma carruagem triunfal puxada por tigres, leopardos ou cabras; na versão de Caravaggio, a procissão Báquica está prestes a começar ou já terminou. Ou talvez este Baco tenha planos completamente diferentes.
A primeira vez que algo oculto foi descoberto neste trabalho foi em 1922, quando um restaurador de arte estava limpando a tela desta obra de 1595. À medida que a acumulação de sujeira de séculos desapareceu, um retrato oculto se tornou visível. Na jarra de vinho de cristal no canto inferior esquerdo, um Caravaggio diminuto se senta no pequeno reflexo de luz na superfície do vinho.
Hoje, quase um século depois, os pesquisadores confirmam. Não parece estar muito oculto, mas graças à tecnologia moderna chamada reflectografia, os especialistas em arte em 2009 puderam descobrir que a imagem de um homem está realmente oculta na jarra de vinho na parte inferior esquerda. E pode ser o próprio Da Caravaggio. "Caravaggio pintou uma pessoa em posição vertical, com um braço estendido em direção a uma tela em um cavalete. Parece ser um retrato de si mesmo enquanto pintava", disse a especialista Mina Gregori ao The Telegraph.
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KUADROS ©, uma pintura famosa na sua parede.
