Descrição
A iconografia da obra, provavelmente destinada à devoção privada do artista, refere-se ao esquema compositivo da Lamentação sobre Cristo Morto, no qual os enlutados se agrupam ao redor do corpo do mestre preparado para o enterro, deitado sobre a pedra da unção e já ungido com perfumes.
A hipótese mais contundente, apesar das incertezas derivadas da existência de várias variantes do mesmo tema, identifica o quadro de Brera (Milão) com o “Cristo em escorço” encontrado na oficina de Mantegna no momento de sua morte, vendido por seu filho Ludovico ao cardeal Sigismondo Gonzaga e inventariado entre a propriedade dos senhores de Mântua em 1627.
O destino posterior de a pintura continua sendo um tema de debate entre os estudiosos, que enfrentam uma complicada série de mudanças de propriedade apenas parcialmente, e de forma confusa, documentadas: segundo a teoria mais recente, mas não conclusiva, a pintura foi vendida em 1628 a Charles I da Inglaterra junto com as peças mais valiosas da coleção Gonzaga; depois passou ao mercado de antiguidades para a coleção do cardeal Mazarin; na dispersão deste último desapareceu por mais de um século. Não se soube mais de a pintura até o ano de 1806. De fato, o secretário da Accademia di Brera Giuseppe Bossi pediu ao escultor Antonio Canova que atuasse como intermediário na compra de seu “cobiçado Mantegna”, que finalmente chegou à Pinacoteca em 1824.
A composição produz um grande impacto emocional, acentuado pelo extremo escorço: o corpo de Cristo está muito próximo do ponto de vista do observador que, ao olhá-lo, é arrastado para o centro do drama; Além disso, cada detalhe é reforçado pela incisividade das linhas, que obriga o olhar a deter-se nos traços mais detalhados, nos membros rígidos no rigor mortis, bem como nas feridas, abertamente apresentadas em primeiro plano como exige a tradição deste tipo de imagem.
O tema da Lamentação é comum na arte medieval e renascentista, embora este tratamento, que remonta a um tema conhecido como a Unção de Cristo, seja incomum para a época. A maioria das Lamentações mostra muito mais contato entre os enlutados e o corpo. Abundam os ricos contrastes de luzes e sombras, infundidos por um profundo sentido de patetismo. O realismo e a tragédia da cena são reforçados pela perspectiva violenta, que encurta e dramatiza a figura deitada, acentuando os detalhes anatômicos: em particular, o tórax de Cristo. Os buracos nas mãos e nos pés do mestre, assim como os rostos dos dois enlutados, são representados sem nenhuma concessão ao idealismo ou retórica. As cortinas bem desenhadas que cobrem o cadáver contribuem para o efeito dramático. Único nesta pintura é um design que coloca o foco central da imagem nos genitais de Cristo, uma escolha artística que está aberta a uma multidão de interpretações. Mantegna conseguiu, ao invés, pintar uma representação muito específica do trauma físico e emocional.
Mantegna apresentou tanto um estudo dilacerante de um cadáver fortemente encurtado quanto uma descrição intensamente comovente de uma tragédia bíblica. Esta pintura é um dos muitos exemplos do domínio da perspectiva do artista. À primeira vista, a pintura parece ser um estudo surpreendentemente realista em escorço. No entanto, um exame cuidadoso revela que Mantegna reduziu o tamanho dos pés da figura, que, como ele deve ter sabido, cobririam grande parte do corpo se fossem representados corretamente.
Mantegna provavelmente fez esta pintura para sua capela funerária pessoal. Seus filhos a encontraram em seu estúdio após sua morte e a venderam para pagar suas dívidas.
Esta obra-prima é típica da arte de Mantegna, em que o espaço confinado nesta pintura é definido arquitetonicamente como a cela fria e lúgubre de um necrotério. Olhando para dentro vemos um espetáculo quase monstruoso: um cadáver pesado, aparentemente inchado pelo exagerado escorço. À frente há dois pés enormes com buracos; à esquerda, algumas máscaras fixas manchadas de lágrimas. Mas outro olhar dissipa o impacto inicial e pode-se discernir um sistema racional sob a luz tênue. O rosto de Cristo, como os outros rostos, está costurado por rugas, que harmonizam com o cetim aquoso do travesseiro rosado, as pálidas granulações da laje de mármore e o ônix veteado do frasco de unguento. As dobras úmidas do sudário enfatizam as dobras da pele tensa, que é como um pergaminho rasgado ao redor das feridas secas. Todas essas linhas ecoam nas ondas selvagens do cabelo.
O realismo de Mantegna prevalece sobre qualquer indulgência estética que poderia resultar de uma exagerada demora nos aspectos materiais de seu tema. Seu realismo é por sua vez dominado por um exaltado sentimento poético pelo sofrimento e pela resignação cristã. O poder criativo de Mantegna reside em sua própria interpretação do "histórico", seu sentimento pelo espetáculo tanto em pequena quanto em grande escala. Além de sua aparente frieza e desapego estudado, os sentimentos de Mantegna são os de um historiador e, como todos os grandes historiadores, está cheio de humanidade. Ele tem um sentido trágico da história e do destino do homem, e dos problemas do bem e do mal, da vida e da morte.
Esta pintura famosa é um cume absoluto na produção de Mantegna, uma obra cuja força expressiva, severa compostura e manejo magistral da ilusão de perspectiva a tornaram um dos símbolos mais conhecidos do Renascimento italiano.
A pintura está na Pinacoteca di Brera de Milão, Itália.