Descrição
Esta extraordinária pintura de Rafael foi originalmente um retábulo localizado na igreja de San Domenico, Città di Castello, perto de Urbino, a cidade natal do artista. Nela se mostra a Virgem e São João Evangelista a cada lado da cruz. São Jerônimo e Maria Madalena estão ajoelhados em frente a eles.
Uma das primeiras obras do pintor, este retábulo foi encomendado pelo comerciante de lã e banqueiro Domenico Gavari para sua capela funerária dedicada a São Jerônimo.
Na obra, o corpo de Cristo pende da cruz. Dois anjos se equilibram sobre delicadas lascas de nuvem a cada lado, recolhendo o sangue que flui de suas feridas em cálices de ouro que lembram aqueles em que se servia vinho durante a missa no altar abaixo.
O sol e a lua são visíveis no céu, marcando o eclipse que coincidiu com a morte de Cristo. São Jerônimo e Maria Madalena estão ao pé da Cruz, olhando para o corpo de Cristo com reverência e piedade. A Virgem, vestida de negro violáceo para denotar o luto, encontra-se à esquerda da Cruz com João Evangelista à direita. Ambos olham para o espectador e torcem as mãos de dor.
A arte pode fazer com que algo terrível pareça belo. Esta habilidade também pode ser apreciada em Crucifixion Mond. A pintura minimizou a dor e o sofrimento que Cristo suportou na cruz. Jesus é mostrado imaculado e pacífico, exceto por suas feridas nos pés, mãos e lado. Rafael destaca a perfeição de Cristo para manter-se fiel ao estilo de pintura do Alto Renascimento.
Na obra, a perspectiva atmosférica mais a paisagem exibem o estilo de Perugini que Rafael seguia. Em vez de se concentrar na natureza dolorosa e horrível da morte de Cristo, fortalece a doutrina da transubstanciação, servindo como uma representação de sangue simbólico para a Eucaristia.
Crucifixion Mond foi analisada no museu de arte com sede em Londres, A Galeria Nacional. Lá foram identificados os pigmentos típicos do período renascentista.
Rafael pintou sua obra entre outros pigmentos com ocres, bermelhão, verdete, amarelo chumbo-estanho e ultramar natural. A cor vermelha tem um forte significado. Cada figura do quadro tem um toque de vermelho. Todas as figuras estão tocadas pictoricamente e são redimidas pelo sangue de Cristo.
Outras cores também conectam por sua vez os elementos de a pintura. Há cores na imagem que se repetem na sua metade inferior. Por exemplo, a cor azul do céu foi recolhida na roupa que São Jerônimo usa e a cor verde na roupa que um dos dois anjos usa também está na roupa de São João.
São Jerônimo não esteve presente na Crucificação, mas está incluído nesta cena porque a capela estava dedicada a ele. Ele faz um gesto em direção à Cruz e segura a pedra com a qual golpeou o peito enquanto vivia como eremita no deserto. Os milagres que ocorreram após a morte de Cristo foram pintados em cenas da predela (o painel pintado inferior que é mostrado abaixo do painel principal do retábulo). Dois painéis de predela sobrevivem no Museu de Arte da Carolina do Norte, Raleigh, e no Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa. No início, provavelmente havia pelo menos um painel adicional. O próprio Gavari pode ter optado por dedicar o altar a São Jerônimo, já que também nomeou seu primogênito Girolamo (Jerônimo em italiano).
O retábulo é fortemente influenciado por Perugino, o artista líder no centro da Itália naquela época, com quem Rafael desenvolveu uma estreita relação artística enquanto vivia em Perugia. O design geral é baseado em várias versões do Cristo crucificado em uma paisagem pintada por Perugino no final dos anos 1480 e 1490, e é especialmente semelhante ao seu retábulo da Crucificação para o convento de S. Francesco al Monte em Perugia, encomendado em 1502 e concluído em 1506.
Nessa pintura anjos com fitas ondulantes seguram cálices para coletar o sangue das feridas de Cristo, a Virgem e o Evangelista são quase idênticos aos de Rafael e Maria Madalena está na mesma pose invertida do outro lado da Cruz. É provável que Rafael tenha visto as obras de Perugino em seu ateliê em Perugia antes de serem reveladas. Além de adotar os rostos ovais doces e de traços pequenos e os gestos estilizados das mãos das figuras de Perugino, Rafael tomou os princípios de simetria, harmonia e clareza de composição das obras de Perugino. No entanto, Rafael os adaptou, dando-lhes maior suavidade e sofisticação. Aqui, no entanto, não está totalmente claro quem copiou o trabalho de quem.
Nas primeiras obras de Rafael, ele costumava basear suas composições em uma grade geométrica simples, que incidia no painel para ajudá-lo a transferir seu desenho, como podemos ver na Madonna Ansidei. Não se vê uma grade na Crucificação de Mond, embora a forte simetria e a estrutura geométrica da imagem sugiram que Rafael pode ter usado um método semelhante inicialmente para expor sua composição. Ele usou uma régua e um compasso para fazer uma incisão no contorno do Crucifixo, e uma bússola para fazer uma incisão no sol e na lua. A forma como ele deixou espaços sem pintar para as figuras e não fez revisões ou mudanças enquanto pintava sugere que ele estava trabalhando a partir de um design cuidadosamente preparado em um desenho detalhado. Durante este período, Rafael usou frequentemente pinceladas sombreadas escuras para reforçar as áreas de sombra, uma técnica derivada de Perugino, que é particularmente notada aqui nas cortinas. Rafael também usou suas mãos e dedos para secar e modelar a pintura da superfície úmida. Suas impressões digitais e palmas são visíveis nas sombras das cabeças, especialmente no cabelo, no rosto e na barba de Cristo.
Rafael arranhou a pintura marrom ao pé da Cruz até uma camada de folha de prata abaixo para assinar a pintura: RAFAEL / VRBIN / AS /.P.[INXIT] ("Rafael de Urbino pintou isto"). Vasari comentou que se Rafael não tivesse assinado a pintura, ninguém teria acreditado que ele e não Perugino a havia pintado.