Ao longo da história da arte, os artistas hispanofalantes forjaram uma posição importante como pioneiros. Sem medo de correr riscos, muitas vezes incorporam símbolos e técnicas que lembram suas culturas nativas. Além disso, muitos dos artistas hispânicos mais famosos também usam sua criatividade como plataforma para discutir a agitação política e social em um esforço para afetar a mudança e inspirar orgulho nacional.
No.1 Diego Velázquez - 1599 – 1660
Diego Velázquez foi um pintor espanhol do século XVII que produziu "Las Meninas", possivelmente sua pintura mais famosa e muitos retratos renomados como membro da corte real do rei Felipe IV.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nasceu em Sevilha, Espanha, por volta de 6 de junho de 1599. Aos 11 anos, começou um aprendizado de seis anos com o pintor local Francisco Pacheco. As primeiras obras de Velázquez eram de temas religiosos tradicionais favorecidos por seu mestre, mas ele também foi influenciado pelo naturalismo do pintor italiano Caravaggio. Velázquez estabeleceu seu próprio estúdio após completar seu aprendizado em 1617. Ele se tornou famoso por seus retratos realistas e complexos como membro da corte do rei Felipe IV, cargo que ocupou por quase 40 anos. Diego Velázquez teve uma carreira de sucesso que o tornou o artista líder do que é conhecido como a Idade de Ouro Espanhola.
Nos seus últimos anos, o mestre espanhol produziu um renomado retrato do Papa Inocêncio X e as famosas "Las Meninas". Morreu em 6 de agosto de 1660 em Madri.
Velázquez é lembrado como um dos grandes mestres da arte ocidental. Pablo Picasso e Salvador Dalí estão entre os artistas que o consideraram uma grande influência, enquanto o impressionista francês Édouard Manet descreveu o grande espanhol como "o pintor dos pintores".
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No.2 Francisco de Goya - 1746 – 1828
Francisco Goya, por inteiro Francisco José de Goya y Lucientes, (nascido em 30 de março de 1746, Fuendetodos, Espanha; falecido em 16 de abril de 1828, Bordeaux, França).
Francisco Goya, um dos pintores mais influentes do século XVIII, teve um enorme sucesso durante sua vida. Seu trabalho é frequentemente associado ao movimento romântico e é considerado um dos últimos grandes mestres antigos. Uma das pinturas mais famosas de Goya, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, é uma obra-prima politicamente carregada que homenageia a resistência espanhola durante a ocupação do país por Napoleão. Este trabalho inovador estabeleceu um novo precedente de como os horrores da guerra eram representados na arte.
Seu estudo das obras de Velázquez na coleção real resultou em uma técnica de pintura mais flexível e espontânea. Ao mesmo tempo, Goya alcançou seu primeiro sucesso popular. Foi eleito para a Real Academia de San Fernando em 1780, nomeado pintor do rei em 1786, e se tornou pintor da corte em 1789. Uma doença grave em 1792 deixou Goya surdo permanentemente. Ele desenvolveu um novo estilo ousado e livre próximo à caricatura. Em seus frescos religiosos, empregou um estilo amplo e livre e um realismo terrenal sem precedentes na arte religiosa. Goya serviu como diretor de pintura na Real Academia de 1795 a 1797 e foi nomeado primeiro pintor da corte espanhola em 1799.
Durante a invasão napoleônica e a guerra de independência espanhola de 1808 a 1814, Goya foi pintor da corte da França. Após a restauração da monarquia espanhola, Goya foi indultado por ter servido aos franceses, mas seu trabalho não foi favorecido pelo novo rei. Em 1816, publicou seus gravados sobre as corridas de touros, chamados Tauromaquia. De 1819 a 1824, Goya viveu recluso em uma casa nos subúrbios de Madri. Livre de restrições judiciais, adotou um estilo cada vez mais pessoal. Nas Pinturas Negras, executadas nas paredes de sua casa, Goya expressou suas visões mais sombrias. Uma qualidade de pesadelo semelhante persegue os Disparates satíricos, uma série de gravados também chamados Provérbios. Em 1824, após a falha de um esforço para restaurar o governo liberal, Goya se exilou voluntariamente na França. Ele se estabeleceu em Bordeaux e continuou trabalhando até sua morte em 16 de abril de 1828.
Hoje em dia, muitas de suas melhores pinturas estão no Museu do Prado em Madri.
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No.3 Frida Kahlo - 1907 – 1954
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julho de 1907- Coyoacán, 13 de julho de 1954)
A artista mexicana Frida Kahlo é lembrada por seus autorretratos, dor e paixão, e cores vivas e ousadas. Ela é celebrada no México por sua atenção à cultura mexicana e indígena e pelas feministas por sua descrição da experiência e da forma feminina.
Com seu trabalho profundamente pessoal e simbólico, tornou-se uma das artistas mais famosas do século XX. Durante grande parte de sua carreira, muitas vezes foi ignorada simplesmente como a esposa de Diego Rivera, mas a apreciação de suas pinturas só cresceu desde a década de 1970. Ferozmente orgulhosa de sua identidade mexicana, frequentemente incorporou símbolos pré-colombianos em suas pinturas e é conhecida pelo seu colorido vestido mexicano. Kahlo, que sofreu problemas de saúde ao longo de sua vida devido a um acidente de ônibus em sua juventude, teve múltiplas fraturas na coluna vertebral, clavícula e costelas, uma pelve destroçada, um pé quebrado e um ombro deslocado. Ela começou a se concentrar muito na pintura enquanto se recuperava com um gesso no corpo. Em sua vida, teve 30 operações. A experiência da vida é um tema comum nas aproximadamente 200 pinturas, esboços e desenhos de Kahlo. Sua dor física e emocional é claramente mostrada nas telas, assim como sua turbulenta relação com seu marido, o artista Diego Rivera, com quem se casou duas vezes. De suas 143 pinturas, 55 são autorretratos. A devastação de seu corpo pelo acidente de ônibus é mostrada com grande detalhe em La Columna Rota. Kahlo se representa quase nua, dividida ao meio, com sua coluna vertebral apresentada como uma coluna decorativa quebrada. Sua pele está salpicada de unhas. Ela também está equipada com um aparelho cirúrgico.
Amplamente conhecida por suas inclinações marxistas, Frida, junto com o marxista revolucionário Che Guevara e um pequeno grupo de figuras contemporâneas, tornou-se um símbolo contracultural do século XX e criou um legado na pintura que continua a inspirar a imaginação e a mente.
Viu sua florescente carreira interrompida devido à sua morte prematura aos 47 anos. Seu legado permanece vivo e continua sendo um ícone de muitos movimentos feministas e políticos.
No.4 Diego Rivera - 1886 – 1957
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, conhecido como Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Cidade do México, 1957), foi um destacado pintor mexicano. Seus grandes frescos ajudaram a estabelecer o movimento mural na arte mexicana e internacional.
Mexicano de nascimento, Rivera passou uma boa parte de sua vida adulta na Europa e nos Estados Unidos, assim como em seu lar na Cidade do México. No início de sua carreira, experimentou o cubismo e depois abraçou o pós-impressionismo, mas seu estilo e perspectiva únicos são imediatamente reconhecíveis como seus. Estava envolvido no mundo da política como um marxista dedicado e se juntou ao Partido Comunista Mexicano em 1922. Recebeu o exilado russo Leon Trotsky e sua esposa em sua casa na Cidade do México na década de 1930. Viveu em tempos instáveis e levou uma vida turbulenta, Diego Rivera, amplamente conhecido por suas inclinações marxistas, junto com o marxista revolucionário Che Guevara e um pequeno grupo de figuras contemporâneas, tornou-se um símbolo contracultural do século XX e criou um legado na arte que continua a inspirar a imaginação e a mente.
Ajudou a forjar uma identidade nacional baseada na mexicanidade. Este orgulho pela identidade mexicana é visível na arte de Rivera através de sua paleta de cores vibrantes e o uso de formas simplificadas influenciadas pela arte maia e asteca. Enquanto algumas de suas obras mais conhecidas estão na Cidade do México, Rivera também pintou extensivamente nos Estados Unidos. Seu mural Homem na Encruzilhada foi removido do Rockefeller Center em Nova York devido a uma imagem de Lenin na obra.
No.5 Pablo Picasso - 1881 – 1973
Pablo Picasso, por inteiro Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santíssima Trinidad Ruiz Picasso, também chamado (antes de 1901) Pablo Ruiz ou Pablo Ruiz Picasso, (nascido em 25 de outubro de 1881, Málaga, Espanha) morreu em 8 de abril de 1973, Mougins, França), pintor, escultor, gravador, ceramista e cenógrafo expatriado espanhol, um dos maiores e mais influentes artistas do século XX e o criador (com Georges Braque) do cubismo.
Era uma criança prodígio que primeiro dominou as técnicas clássicas antes de seguir seu próprio caminho para destruir a forma tradicional de criar arte. Sua obra é impressionante, pois produziu aproximadamente 50.000 obras de arte durante sua vida entre pinturas, esculturas, cerâmicas, desenhos e gravados.
Como um dos progenitores do cubismo no início de 1900, evitou a realidade na arte e teve como objetivo representar o puramente abstrato, algo que não havia sido feito dessa forma antes. O corpo principal do trabalho de Picasso é dividido em períodos bastante distintos, começando com o Período Azul, depois o Período Rosa, o Período de influência africana, o Período do cubismo e o Período do Surrealismo e Clasicismo.
Devido à natureza radical da arte de Picasso da época das Demoiselles, praticamente nenhum artista do século XX conseguiu escapar de sua influência. Picasso continuou a ser um inovador na última década de sua vida. Isso levou a mal-entendidos e críticas tanto em sua vida quanto desde então, e foi apenas na década de 1980 que suas últimas pinturas começaram a ser apreciadas tanto em si mesmas quanto por sua profunda influência na crescente geração de jovens pintores. Como Picasso conseguiu vender obras a preços muito altos a partir da década de 1920, ele pôde conservar a maior parte de sua obra em sua própria coleção.
No.6 Salvador Dali - 1904 – 1989
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marquês de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de maio de 1904- Figueras, 23 de janeiro de 1989).
É considerado um dos máximos representantes do surrealismo.
Com uma carreira que abrangeu mais de seis décadas, Salvador Dalí é um dos artistas mais influentes na arte moderna. Famoso por suas pinturas surrealistas como A persistência da memória, Dalí também foi um prolífico escultor, cineasta, fotógrafo e ilustrador. Ele até criou um livro de receitas baseado nos jantares lendários que ele e sua esposa Gala organizavam.
Desde jovem, Salvador Dalí foi incentivado a praticar sua arte e eventualmente estudou em uma academia em Madri. Na década de 1920, foi a Paris e começou a interagir com artistas como Pablo Picasso, René Magritte e Miró, o que levou à primeira fase surrealista de Dalí.
Era um artista muito imaginativo, com tendência ao narcisismo e a megalomania, gostava de atrair a atenção pública. Esse comportamento irritava aqueles que apreciavam sua arte e justificava seus críticos, que rejeitavam suas condutas excêntricas. Dalí atribuía seu amor por tudo que é dourado e excessivo, sua paixão pelo luxo e seu amor pela moda oriental a uma autoproclamada linhagem árabe, que remontava suas raízes aos tempos da dominação árabe na península ibérica.
À medida que a guerra se aproximava na Europa, especificamente na Espanha, Dalí se confrontou com membros do movimento surrealista. Em um "julgamento" realizado em 1934, foi expulso do grupo.
Em 1980, Dalí foi forçado a se afastar da pintura devido a um transtorno motor que causou tremores permanentes e fraqueza nas mãos. Ele não podia mais segurar um pincel, havia perdido a capacidade de se expressar da maneira que melhor sabia. Mais tragédias ocorreram em 1982, quando morreu a amada esposa e amiga de Dalí, Gala. Os dois eventos o levaram a uma profunda depressão. Mudou-se para Púbol, em um castelo que havia comprado e reformado para Gala, possivelmente para se esconder do público ou, como alguns especulam, para morrer. Em 1984, Dalí foi gravemente queimado em um incêndio. Devido a suas feridas, foi confinado a uma cadeira de rodas. Amigos, mecenas e colegas artistas o resgataram do castelo e o levaram de volta a Figueras, fazendo-o sentir confortável no Teatro-Museu. Em novembro de 1988, Dalí foi internado em um hospital em Figueras com um coração falhando. Após uma breve convalescença, retornou ao Teatro-Museu. Em 23 de janeiro de 1989, na cidade onde nasceu, Dalí morreu de insuficiência cardíaca aos 84 anos. Seu funeral foi realizado no Teatro-Museu, onde foi sepultado em uma cripta.
Com uma personalidade eclética e excêntrica que combinava com sua produção artística, continua a capturar a imaginação do público 30 anos após sua morte.
No.7 Fernando Botero - 1932 –
Fernando Botero (colombiano, nascido em 1932) é célebre por suas cenas pintadas e esculpidas com animais e figuras com proporções infladas, o que reflete a predileção do artista pela sátira, a caricatura e os comentários políticos. Nascido em Medellín, Colômbia, foi o segundo de três filhos, seu pai, um vendedor ambulante, morreu quando Botero tinha apenas quatro anos. Sua mãe teve que trabalhar como costureira para sustentar a família. Depois de uma temporada em uma escola de matadores, Botero decidiu que a arte era sua verdadeira vocação e em 1948, aos 16 anos, teve sua primeira exposição. Três anos depois, após se mudar para a capital da Colômbia, Bogotá, foi o anfitrião de sua primeira exposição individual.
Na década de 1950, viajou para vários países europeus, incluindo Espanha, Itália e França, para estudar o trabalho de mestres do Renascimento e do Barroco. Também viajou para o México para se familiarizar com a vanguarda mexicana atual. Botero se fez famoso pelo variado material fonte que utilizou, desde imagens folclóricas colombianas até obras canônicas de Diego Velázquez, Pablo Picasso e Francisco de Goya.
Em suas representações da vida latino-americana contemporânea, retrata a pobreza e a violência que prevalecem na Colômbia em imagens sombrias, assim como em suas icônicas figuras infladas, imagens satíricas de presidentes latino-americanos, primeiras damas e funcionários do governo. Um encontro com Dorothy Miller do Museu de Arte Moderna no início da década de 1960 resultou em um ponto de virada em sua carreira; ela adquiriu seu trabalho em um momento em que a abstração era o idioma famoso, e depois exibiu seu trabalho em uma importante exposição no museu, consolidando sua reputação internacional.
Na década de 1970, Botero se mudou para Paris, onde criou grandes esculturas de figuras com suas formas infladas características. Continua comprometido com as imagens de sua cidade natal latino-americana e com imagens abertamente políticas; seus trabalhos recentes incluem grandes pinturas de prisioneiros em Abu Ghraib em um comentário direto sobre a guerra no Iraque. Botero exibiu sua obra no Museu de Arte Moderna de Copenhague, no Museu Maillol em Paris, no Palazzo Benezia em Roma, no Museu Hermitage em São Petersburgo e no Museu Nacional em Bogotá. Atualmente vive e trabalha em Paris, Montecarlo e Nova York.
Botero agora tem 80 anos e é tão prolífico como sempre. Um ávido criador, produziu milhares de pinturas e centenas de esculturas e continuará a cativar com sua marca pessoal de pessoas e objetos. Como diz o próprio Botero, "um artista nunca está completo".
KUADROS ©, uma pintura famosa na sua parede.
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