Ao longo da história da arte, artistas de língua espanhola conquistaram uma posição importante como pioneiros. Sem medo de arriscar, muitas vezes incorporam símbolos e técnicas que lembram suas culturas nativas. Além disso, muitos dos artistas hispânicos mais famosos também usam sua criatividade como plataforma para discutir convulsões políticas e sociais em um esforço para provocar mudanças e inspirar orgulho nacional.
Nº 1 Diego Velázquez - 1599 – 1660
Diego Velázquez foi um pintor espanhol do século XVII que produziu " Las Meninas ", possivelmente sua pintura mais famosa e muitos retratos renomados como membro da corte real do rei Filipe IV.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nasceu em Sevilha, Espanha, por volta de 6 de junho de 1599. Aos 11 anos, iniciou um aprendizado de seis anos com o pintor local Francisco Pacheco. As primeiras obras de Velázquez eram de temas religiosos tradicionais preferidos por seu professor, mas ele também foi influenciado pelo naturalismo do pintor italiano Caravaggio. Velázquez estabeleceu seu próprio estúdio após concluir seu aprendizado em 1617. Tornou-se famoso por seus retratos complexos e realistas como membro da corte do rei Filipe IV, cargo que ocupou por quase 40 anos. Diego Velázquez teve uma carreira de sucesso que o tornou o principal artista do que é conhecido como a Idade de Ouro espanhola.
Em seus últimos anos, o mestre espanhol produziu um renomado retrato do Papa Inocêncio X e as famosas "Las Meninas". Ele morreu em 6 de agosto de 1660 em Madri.
Velázquez é lembrado como um dos grandes mestres da arte ocidental. Pablo Picasso e Salvador Dalí estão entre os artistas que o consideram uma grande influência, enquanto o impressionista francês Édouard Manet descreveu o grande espanhol como "o pintor dos pintores".
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Nº 2 Francisco de Goya - 1746 – 1828
Francisco Goya, na íntegra Francisco José de Goya y Lucientes, (nascido em 30 de março de 1746, Fuendetodos, Espanha; falecido em 16 de abril de 1828, Bordeaux, França).
Francisco Goya, um dos pintores mais influentes do século XVIII, teve enorme sucesso durante sua vida. Seu trabalho é frequentemente associado ao movimento romântico e ele é considerado um dos últimos grandes mestres antigos. Uma das pinturas mais famosas de Goya, El Tres De Mayo 1808 em Madri , é uma obra-prima politicamente carregada em homenagem à resistência espanhola durante a ocupação do país por Napoleão. Este trabalho inovador estabeleceu um novo precedente de como os horrores da guerra foram retratados na arte.
Seu estudo das obras de Velázquez na coleção real resultou em uma técnica de pintura mais flexível e espontânea. Ao mesmo tempo, Goya alcançou seu primeiro sucesso popular. Ele foi eleito para a Academia Real de San Fernando em 1780, nomeado Pintor do Rei em 1786 e feito Pintor da Corte em 1789. Uma doença grave em 1792 deixou Goya permanentemente surdo. Ele desenvolveu um novo estilo ousado e livre perto da caricatura. Em seus afrescos religiosos, ele empregou um estilo amplo e livre e um realismo terreno sem precedentes na arte religiosa. Goya atuou como diretor de pintura na Royal Academy de 1795 a 1797 e foi nomeado o primeiro pintor da corte espanhola em 1799.
Durante a invasão napoleônica e a guerra de independência espanhola de 1808 a 1814, Goya foi um pintor da corte na França. Após a restauração da monarquia espanhola, Goya foi perdoado por servir aos franceses, mas seu trabalho não foi favorecido pelo novo rei. Em 1816 publicou as suas gravuras sobre touradas, denominadas Tauromaquia. De 1819 a 1824, Goya viveu recluso em uma casa nos arredores de Madrid. Livre de restrições judiciais, adotou um estilo cada vez mais pessoal. Nas Pinturas Negras, executadas nas paredes de sua casa, Goya expressa suas visões mais sombrias. Uma qualidade semelhante de pesadelo assombra o satírico Nonsense, uma série de gravuras também chamada de Provérbios. Em 1824, depois que uma tentativa de restaurar o governo liberal falhou, Goya foi para o exílio voluntário na França. Ele se estabeleceu em Bordeaux e continuou a trabalhar até sua morte em 16 de abril de 1828.
Hoje, muitas de suas melhores pinturas estão no museu de arte do Prado, em Madri.
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Nº 3 Frida Kahlo - 1907 – 1954
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julho de 1907 - Coyoacán, 13 de julho de 1954)
A artista mexicana Frida Kahlo é lembrada por seus auto-retratos, dor e paixão e cores fortes e vivas. Ela é celebrada no México por sua atenção à cultura mexicana e indígena e por feministas por sua representação da forma e experiência feminina.
Com seu trabalho profundamente pessoal e simbólico, ela se tornou uma das artistas mais célebres do século XX. Durante grande parte de sua carreira, ela foi muitas vezes esquecida simplesmente como a esposa de Diego Rivera, mas a apreciação de suas pinturas só cresceu a partir da década de 1970. Ferozmente orgulhosa de sua identidade mexicana, ela frequentemente incorporava símbolos pré-colombianos em suas pinturas e é conhecida por seu colorido vestido mexicano. Kahlo, que sofreu de problemas de saúde ao longo da vida devido a um acidente de ônibus na juventude, sofreu múltiplas fraturas na coluna, clavícula e costelas, uma pélvis quebrada, um pé quebrado e um ombro deslocado. Ela começou a se concentrar fortemente na pintura enquanto se recuperava com um gesso. Em sua vida, ele fez 30 operações. A experiência de vida é um tema comum nas cerca de 200 pinturas, esboços e desenhos de Kahlo. Suas dores físicas e emocionais são claramente mostradas nas telas, assim como sua turbulenta relação com o marido, o colega artista Diego Rivera, com quem ela se casou duas vezes. De suas 143 pinturas, 55 são autorretratos. A devastação de seu corpo pelo acidente de ônibus é mostrada em detalhes em The Broken Column. Kahlo é retratada quase nua, dividida ao meio, com a coluna vertebral apresentada como uma coluna decorativa quebrada. Sua pele é pontilhada de unhas. Ela também está equipada com um aparato cirúrgico.
Amplamente conhecida por suas tendências marxistas, Frida, juntamente com o revolucionário marxista Che Guevara e um pequeno grupo de figuras contemporâneas, tornou-se um símbolo da contracultura do século 20 e criou um legado na pintura que continua a inspirar a imaginação e a mente.
Ele viu sua carreira florescente interrompida devido à sua morte prematura aos 47 anos. Seu legado continua vivo e ela continua sendo um ícone de muitos movimentos feministas e políticos.
Nº 4 Diego Rivera - 1886 – 1957
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, conhecido como Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Cidade do México, 1957), foi um proeminente pintor mexicano. Seus grandes afrescos ajudaram a estabelecer o movimento mural na arte mexicana e internacional.
Mexicano de nascimento, Rivera passou grande parte de sua vida adulta na Europa e nos Estados Unidos, bem como em sua casa na Cidade do México. No início de sua carreira, ele se interessou pelo cubismo e mais tarde abraçou o pós-impressionismo, mas seu estilo e perspectiva únicos são imediatamente reconhecíveis como seus. Ele esteve envolvido no mundo da política como um marxista dedicado, juntando-se ao Partido Comunista Mexicano em 1922. Ele hospedou o exilado russo Leon Trotsky e sua esposa em sua casa na Cidade do México na década de 1930. Ele viveu em tempos incertos e levou uma vida turbulenta , Diego Rivera, amplamente conhecido por suas tendências marxistas, junto com o revolucionário marxista Che Guevara e um pequeno grupo de figuras contemporâneas, tornou-se um símbolo da contracultura do século 20 e criou um legado na arte que continua a inspirar a imaginação e a mente.
Ele ajudou a forjar uma identidade nacional baseada na mexicanidade. Esse orgulho da identidade mexicana é visível na arte de Rivera por meio de sua paleta de cores ousadas e uso de formas simplificadas influenciadas pela arte maia e asteca. Enquanto algumas de suas obras mais conhecidas estão na Cidade do México, Rivera também pintou extensivamente nos Estados Unidos. Seu mural Man at the Crossroads foi removido do Rockefeller Center em Nova York por causa de uma imagem de Lenin trabalhando.
Nº 5 Pablo Picasso - 1881 – 1973
Pablo Picasso, em sua totalidade Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, também chamado (antes de 1901) Pablo Ruiz ou Pablo Ruiz Picasso, (nascido em 25 de outubro de 1881, Málaga, Espanha) morreu 8 de abril de 1973, Mougins, França), pintor, escultor, gravador, ceramista e cenógrafo expatriado espanhol, um dos maiores e mais influentes artistas do século XX e criador (com Georges Braque) do cubismo.
Ele era uma criança prodígio que primeiro dominou as técnicas clássicas antes de sair por conta própria para destruir a maneira tradicional de criar arte. Seu trabalho é impressionante, pois ele produziu aproximadamente 50.000 obras de arte durante sua vida, incluindo pinturas, esculturas, cerâmicas, desenhos e gravuras.
Como um dos progenitores do cubismo no início dos anos 1900, ele evitou a realidade na arte e buscou representar o puramente abstrato, algo que não havia sido feito dessa maneira antes. A obra principal de Picasso divide-se em períodos bastante distintos, começando com o Período Azul, depois o Período Rosa, o Período de influência africana, o Período do Cubismo e o Período do Surrealismo e Classicismo.
Como a arte de Picasso da época dos Demoiselles era de natureza radical, praticamente nenhum artista do século 20 conseguiu escapar de sua influência. Picasso continuou a ser um inovador na última década de sua vida. Isso levou a mal-entendidos e críticas durante sua vida e desde então, e foi apenas na década de 1980 que suas últimas pinturas começaram a ser apreciadas por si mesmas e por sua profunda influência na crescente geração de jovens pintores. Como Picasso conseguiu vender obras a preços muito altos a partir da década de 1920, ele conseguiu manter a maior parte de seu trabalho em sua própria coleção.
Nº 6 Salvador Dalí - 1904 – 1989
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marquês de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de maio de 1904- Figueras, 23 de janeiro de 1989).
É considerado um dos maiores representantes do surrealismo.
Com uma carreira de mais de seis décadas, Salvador Dalí é um dos artistas mais influentes da arte moderna. Famoso por suas pinturas surrealistas como A Persistência da Memória, Dalí também foi um prolífico escultor, cineasta, fotógrafo e ilustrador. Ele até criou um livro de receitas baseado nos lendários jantares que ele e sua esposa Gala ofereciam.
Desde muito jovem, Salvador Dalí foi incentivado a praticar sua arte e acabou estudando em uma academia em Madri. Na década de 1920, ele foi para Paris e começou a interagir com artistas como Pablo Picasso, René Magritte e Miró, levando à primeira fase surrealista de Dalí.
Artista altamente imaginativo, propenso ao narcisismo e à megalomania, gostava de atrair a atenção do público. Essa conduta irritava os que apreciavam sua arte e justificava seus críticos, que rejeitavam seu comportamento excêntrico. Dalí atribuiu seu amor por tudo que é dourado e excessivo, sua paixão pelo luxo e seu amor pela moda oriental a uma autoproclamada linhagem árabe, cujas raízes remontam aos tempos da dominação árabe da Península Ibérica.
À medida que a guerra na Europa, especificamente na Espanha, se aproximava, Dalí entrou em conflito com membros do movimento surrealista. Em um "julgamento" realizado em 1934, ele foi expulso do grupo.
Em 1980, Dalí foi forçado a se aposentar da pintura devido a um distúrbio motor que causou tremor permanente e fraqueza nas mãos. Ele não conseguia mais segurar um pincel, havia perdido a capacidade de se expressar da maneira que melhor sabia. Mais tragédia ocorreu em 1982, quando a amada esposa e amiga de Dalí, Gala, morreu. Os dois eventos o levaram a uma depressão profunda. Ele se mudou para Pubol, em um castelo que comprou e remodelou para Gala, possivelmente para se esconder do público ou, como alguns especulam, para morrer. Em 1984, Dalí foi gravemente queimado em um incêndio. Devido aos ferimentos, ele foi confinado a uma cadeira de rodas. Amigos, patronos e colegas artistas o resgataram do castelo e o devolveram a Figueres, fazendo-o sentir-se confortável no Teatro-Museu. Em novembro de 1988, Dalí deu entrada em um hospital em Figueres com problemas cardíacos. Após uma breve convalescença, voltou ao Teatro-Museu. Em 23 de janeiro de 1989, em sua cidade natal, Dalí morreu de insuficiência cardíaca aos 84 anos. Seu funeral foi realizado no Teatro-Museu, onde foi enterrado em uma cripta.
Com uma personalidade eclética e excêntrica para combinar com sua produção artística, ele continua a capturar a imaginação do público 30 anos após sua morte.
Nº 7 Fernando Botero - 1932 –
Fernando Botero (colombiano, nascido em 1932) é conhecido por suas cenas pintadas e esculpidas com animais e figuras de proporções infladas, refletindo a predileção do artista pela sátira, caricatura e comentário político. Nascido em Medellín, na Colômbia, era o segundo de três filhos, seu pai, um vendedor ambulante, morreu quando Botero tinha apenas quatro anos. Sua mãe teve que trabalhar como costureira para sustentar a família. Depois de uma temporada em uma escola de matadores, Botero decidiu que a arte era sua verdadeira vocação e em 1948, aos 16 anos, fez sua primeira exposição. Três anos depois, ao se mudar para a capital colombiana, Bogotá, realizou sua primeira exposição individual.
Na década de 1950, ele viajou para vários países europeus, incluindo Espanha, Itália e França, para estudar a obra de mestres renascentistas e barrocos. Ele também viajou para o México para se familiarizar com a vanguarda mexicana atual. Botero tornou-se famoso pelo variado material de origem que usou, desde imagens folclóricas colombianas até obras canônicas de Diego Velázquez, Pablo Picasso e Francisco de Goya.
Em suas representações da vida latino-americana contemporânea, ele retrata a pobreza e a violência que prevalecem na Colômbia em imagens sombrias, bem como suas icônicas figuras inchadas, imagens satíricas de presidentes latino-americanos, primeiras-damas e funcionários do governo. Um encontro com Dorothy Miller, do Museu de Arte Moderna, no início dos anos 1960, provou ser um ponto de virada em sua carreira; Ela adquiriu seu trabalho em uma época em que a abstração era o idioma famoso e, posteriormente, exibiu seu trabalho em uma grande exposição de museu, consolidando sua reputação internacional.
Na década de 1970, Botero mudou-se para Paris, onde criou esculturas de grandes figuras em suas formas infladas de assinatura. Ele continua comprometido com imagens de sua cidade natal latino-americana e com imagens abertamente políticas; Seus trabalhos recentes incluem grandes pinturas de prisioneiros em Abu Ghraib em comentários diretos sobre a guerra no Iraque. Botero expôs seu trabalho no Museu de Arte Moderna de Copenhague, no Museu Maillol em Paris, no Palazzo Benezia em Roma, no Museu Hermitage em São Petersburgo e no Museu Nacional de Bogotá. Atualmente vive e trabalha em Paris, Monte Carlo e Nova York.
Botero está agora com 80 anos e tão prolífico como sempre. Criador ávido, já produziu milhares de pinturas e centenas de esculturas e continuará a cativar com sua marca pessoal de pessoas e objetos. Como o próprio Botero diz, "um artista nunca está completo".
KUADROS © , uma pintura famosa em sua parede.
