5 Famosas Malarzy Kobiet

Jak w wielu innych dziedzinach, historycznie zniechęcano kobiety do podążania za karierą w sztuce. Jednak wiele niezwykłych artystek zignorowało społeczne zasady i wytrwało.

Oczywiście, te kobiety prawdopodobnie byłyby niezadowolone z bycia uwzględnionymi na liście malarek, woląc być oceniane jako artyści niezależnie od swojego płci. Niestety, w miarę jak kobiety wciąż walczą o równość we wszystkich dziedzinach, te wyjątkowe artystki często są wspominane w kategoriach ich płci.

Niezagłębiając się w kontrowersje, KUADROS chciał oddać hołd temu kobiecemu dotykowi w historii sztuki, wspominając tych 5 wirtuozek sztuki.

Nr 1 Sofonisba Anguissola - 1532 – 1625

Sofonisba Anguissola (urodzona około 1532, Cremona (Włochy), zmarła w listopadzie 1625, Palermo), malarka późnego renesansu. Urodzona w stosunkowo biednej rodzinie szlacheckiej, jej ojciec zadbał o to, aby ona i jej siostry miały wszechstronne wykształcenie, które obejmowałoby sztuki piękne. To obejmowało praktyki u szanowanych lokalnych malarzy.

To ustanowiło precedens dla przyszłych artystek, które do tego momentu uczyły się zazwyczaj tylko wtedy, gdy członek rodziny miał warsztat.

Talent Anguissoli przyciągnął uwagę Michała Anioła, z którym miała nieformalną naukę poprzez wymianę rysunków. Chociaż, jako artystka, nie pozwolono jej studiować anatomii ani praktykować rysowania modeli z powodu postrzeganego przezroczystości, i tak odniosła sukces w swojej karierze.
Anguissola eksperymentowała z nowymi stylami portretów, ustanawiając tematykę, często sama i swoją rodzinę, w sposób nieformalny, co było bardzo niezwykłe. Jej obrazy dawały widzom wgląd w codzienne życie arystokratyczne.
Zyskała uznanie za ten styl i otrzymała zlecenia z całych Włoch.

W 1558 roku była już uznaną malarką, a w wieku 26 lat opuściła Włochy na zaproszenie Filipa II, króla Hiszpanii, aby dołączyć do hiszpańskiego dworu. Służyła w Madrycie jako malarka dworska i dama honorowa królowej Izabeli de Valois. Zyskała podziw młodej królowej i spędziła następne lata, malując wiele oficjalnych portretów dworu. Podczas swojej 14-letniej rezydencji prowadziła rozwój artystyczny królowej Izabeli i wpływała na sztukę tworzoną przez córki królowej. Gdy młoda królowa zmarła w 1568 roku, Filip II postanowił zaaranżować małżeństwo Anguissoli.

W 1571 roku wyszła za mąż za sycylijskiego szlachcica Fabrizia Moncadę Pignatelli, o którym mówiono, że wspierał jej malarstwo.

W dniu, który miałby być jej setnymi urodzinami, jej mąż wygrawerował jej nagrobek tekstem, który zawiera tę dedykację: Sofonisba, moja żona, która jest zapisana wśród wybitnych kobiet świata, doskonała w malowaniu wizerunków mężczyzn. Orazio Lomellino, smutny z powodu straty swojej wielkiej miłości Orazio Lomellino, Inskrypcja na grobie Anguissoli. Feminimzm drugiej fali w latach 70. XX wieku ponownie odkrył znaczenie Anguissoli.

Jej sukces otworzył drzwi dla kobiet takich jak Lavinia Fontana i Artemisia Gentileschi, aby podążały zawodowo za karierą artystyczną.

Jej obrazy są znane z uchwycenia ducha i witalności jej modeli i obecnie można je znaleźć w kolekcjach na całym świecie.
Kup reprodukcję Autoportretu - Sofonisba Anguissola w sklepie internetowym Kuadros
 

Nr 2 Artemisia Gentileschi - 1593 – 1654 lub później

Artemisia Gentileschi (urodzona 8 lipca 1593, Rzym, Państwa Papieskie (Włochy), zmarła w 1652/53, Neapol, Królestwo Neapolu), malarka włoska, córka Orazio Gentileschi, który był wielkim zwolennikiem rewolucyjnego malarza barokowego Caravaggia.

Jako córka uznanego malarza, Artemisia Gentileschi miała dostęp do świata sztuki w młodym wieku. Na początku pracowała w warsztacie ojca, mieszając farby, a on wspierał jej karierę, gdy zauważył, że ma wyjątkowy talent. Jako wybitny malarz włoskiego okresu baroku, Artemisia Gentileschi nie pozwoliła, aby jej płeć powstrzymała ją od tematów. Malowała wielkiego rozmiaru obrazy biblijne i mitologiczne, tak jak jej męscy odpowiednicy i była pierwszą kobietą przyjętą do prestiżowej Akademii Sztuk Pięknych we Florencji.

Jej pierwszym znanym dziełem jest Susanna i Starcy (1610), dzieło od dawna przypisywane jej ojcu. Namalowała także dwie wersje sceny już wypróbowanej przez Caravaggia (ale nigdy przez jej ojca), Judyta zabijająca Holofernesa (ok. 1612–13; ok. 1620). Została zgwałcona przez Tassi i gdy nie dotrzymał obietnicy małżeństwa z nią, Orazio Gentileschi w 1612 roku postawił go przed sądem. Podczas tego wydarzenia musiała zeznawać pod przymusem.

Jej dziedzictwo czasami jest przyćmione przez jej biografię, ponieważ jej krwawe przedstawienia Judyty i Holofernesa są często interpretowane przez pryzmat jej gwałtu. Niemniej jednak jej talent jest niezaprzeczalny i nadal jest uznawana za realistyczne przedstawienie kobiecej formy, głębokość jej kolorów oraz efektowne użycie światła i cienia.

Artemisia jest najsłynniejszą malarką XVII wieku. Pracowała w Rzymie, Florencji, Wenecji, Neapolu i Londynie, dla najwyższych warstw europejskiego społeczeństwa, w tym wielkiego księcia Toskanii i Filipa IV z Hiszpanii.

Od 1630 roku osiedliła się w Neapolu, gdzie prowadziła udany warsztat aż do swojej śmierci. Krótko odwiedziła Londyn w 1639 roku, może aby pomóc swojemu chorym ojcu w malowaniu sufitu w Domu Królowej w Greenwich (obecnie w Marlborough House w Londynie), ale wróciła do Neapolu w następnym roku. Dokładna data jej śmierci jest nieznana, ale niedawno odkryty dokument rejestruje, że wciąż mieszkała w Neapolu w sierpniu 1654 roku.
Kup reprodukcję Autoportretu - Artemisia Gentileschi w sklepie internetowym Kuadros

Nr 3 Judith Leyster - 1609 – 1660

Judith Leyster (ochrzczona 28 lipca 1609, Haarlem, Neth.-pochowana 10 lutego 1660, Heemstede, w pobliżu Amsterdamu), malarka holenderska, jedna z nielicznych artystek tamtej epoki, która wyszła z cienia, a także wyróżniająca się postać w Złotym Wieku Holandii. Typowa dla holenderskich artystów w tym okresie. Zaczęła malować, gdy była jeszcze bardzo młoda, a w wieku 24 lat stała się członkinią gildii malarzy w Haarlemie. Jej temat obejmował szerszą gamę niż typowy dla malarzy holenderskich z tamtej epoki i była jedną z pierwszych, które wykorzystały scenę życia domowego.

Leyster specjalizowała się w obrazach gatunkowych, martwych naturach i portretach. Szczegóły dotyczące jej kształcenia artystycznego nie są jasne.

Później prowadziła udany warsztat z kilkoma męskimi uczniami i była znana ze swobodnej i nieformalnej natury jej portretów.

Mogła pracować w warsztacie Fransa Halsa lub, według poety Samuela Ampzinga, spędziła czas z portrecistą Frans Pieterszoon de Grebber. Niemniej jednak wpływ Halsa w jej pracy jest wyraźny. Była również zainteresowana ciemnym stylem szkoły utrechckiej. Wprowadziła źródła światła w swoich obrazach. Większość jej datowanych dzieł powstała między 1629 a 1635 rokiem. W 1636 roku wyszła za mąż za malarza gatunkowego Jana Miense Molenaer i przeprowadziła się z nim do Amsterdamu.

Chociaż miała dość sukcesów w swoim życiu, jej reputacja ucierpiała po jej śmierci z powodu niefortunnych okoliczności. Całe jej dzieła były przypisywane jej współczesnemu Fransowi Halsowi lub jej mężowi. W wielu przypadkach jej podpis był zasłaniany przez kolekcjonerów, którzy szukali zysków w związku z wysoką wartością rynkową pracy Fransa Halsa. Dopiero pod koniec XIX wieku odkryto te błędy i akademicy zaczęli doceniać umiejętności Leyster jako artystki.
Kup reprodukcję Autoportretu - Judith Leyster w sklepie internetowym Kuadros

Nr 4 Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 – 1842

Élisabeth Vigée-Lebrun, w pełni Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, Lebrun także LeBrun lub Le Brun (urodzona 16 kwietnia 1755, Paryż, Francja, zmarła 30 marca 1842, Paryż), malarka francuska, jedna z najbardziej udanych artystek (jak na swoje czasy) ze szczególnym uznaniem za jej portrety kobiet.

Jako córka malarza, otrzymała wczesne lekcje od ojca i malowała portrety profesjonalnie, kiedy była nastolatką. Jej wielka okazja zawodowa przyszła, gdy została mianowana portrecistką Marii Antoniny. Obie kobiety zaprzyjaźniły się, a w kolejnych latach Vigée-Lebrun namalowała ponad 20 portretów Marii Antoniny w różnorodnych pozach i kostiumach. Namalowała także wiele autoportretów, w stylu różnych artystów, których prace podziwiała. W 1783 roku, z powodu swojego przyjaźnia z królową, Vigée-Lebrun została niechętnie przyjęta do Królewskiej Akademii.

Gdy w 1789 roku wybuchła rewolucja, opuściła Francję i przez 12 lat mieszkała za granicą, podróżując do Rzymu, Neapolu, Wiednia, Berlina, Petersburga i Moskwy, malując portrety i odgrywając wiodącą rolę w społeczeństwie. W 1801 roku wróciła do Paryża, ale nie podobało jej się życie towarzyskie paryskie pod rządami Napoleona, szybko więc wyjechała do Londynu, gdzie namalowała portrety dworskie i Lorda Byrona. Później odwiedziła Szwajcarię (i namalowała portret Mme de Staël) a następnie ponownie (około 1810) do Paryża, gdzie kontynuowała malowanie aż do swojej śmierci. Vigée-Lebrun była kobietą pełną pomysłów i uroku, a jej wspomnienia, Souvenirs de ma vie, stanowią żywy opis jej życia. Była jedną z technicznie najwybitniejszych portrecistek swojego czasu, a jej obrazy wyróżniają się świeżością, urodą i wrażliwością prezentacji. W czasie swojej kariery, według własnych danych, namalowała 900 obrazów, w tym około 600 portretów i około 200 pejzaży.

Jej obrazy zamykają przepaść między teatralnym stylem rokoko a bardziej stonowanym okresem neoklasycznym. Cieszyła się ciągłym sukcesem w swojej karierze, nawet na wygnaniu po Rewolucji Francuskiej, ponieważ była ulubionym malarzem arystokracji w całej Europie. Odbiorcy cieszyli się z jej umiejętności uspokajania ich, co prowadziło do portretów, które były żywe i pozbawione sztywności. Naturalna i swobodna forma jej portretów została uznana za rewolucyjną w czasie, gdy portrety często wymagały formalnych przedstawień warstw wyższych.
Kup reprodukcję Autoportretu - Elisabeth Vigée Le Brun w sklepie internetowym Kuadros

Nr 5 Frida Kahlo - 1907 – 1954

To może być najpopularniejsza malarka w historii.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 lipca 1907 - Coyoacán, 13 lipca 1954)

Meksykańska artystka Frida Kahlo jest zapamiętywana za swoje autoportrety, ból i pasję oraz żywe i odważne kolory. Jest czczona w Meksyku za swoją uwagę wobec kultury meksykańskiej i rdzennych oraz przez feministki za swoje przedstawienie kobiecego doświadczenia i formy.

Dzięki swoim głęboko osobistym i symbolicznym pracom stała się jedną z najsłynniejszych artystek XX wieku. Przez dużą część swojej kariery często była ignorowana jako żona Diego Rivery, ale uznanie dla jej obrazów rosło od lat 70. XX wieku. Z pasją dumna ze swojej meksykańskiej tożsamości, często włączała symbole prekolumbijskie do swoich obrazów i jest znana z kolorowego meksykańskiego stroju. Kahlo, która cierpiała na problemy zdrowotne przez całe swoje życie z powodu wypadku autobusowego w młodości, doznała wielu złamań kręgosłupa, obojczyka i żeber, złamanej miednicy, złamanej nogi i zwichniętego ramienia.

Rozpoczęła intensywną pracę nad malowaniem, gdy dochodziła do siebie z gipsem na ciele. W swoim życiu przeszła 30 operacji. Doświadczenie życia to wspólny temat w około 200 obrazach, szkicach i rysunkach Kahlo. Jej fizyczny i emocjonalny ból jest wyraźnie ukazany na płótnach, podobnie jak jej burzliwy związek z mężem, artystą Diego Riverą, z którym miała dwa małżeństwa. Spośród 143 obrazów, 55 to autoportrety. Zniszczenie jej ciała po wypadku autobusowym jest ukazane w dużych detalach w Rannej kolumnie. Kahlo przedstawia się niemal nagą, przeciętą na pół, z jej kręgosłupem przedstawionym jako łamana dekoracyjna kolumna. Jej skóra jest pokryta gwoździami. Ma również na sobie aparaturę medyczną.

Szeroko znana z jej marksistowskich skłonności, Frida, obok marksistowskiego rewolucjonisty Che Guevary i małej grupy współczesnych postaci, stała się kontrkulturowym symbolem XX wieku i stworzyła dziedzictwo w malarstwie, które wciąż inspiruje wyobraźnię i umysły.
Zobaczyła, jak jej kwitnąca kariera została przerwana z powodu jej przedwczesnej śmierci w wieku 47 lat. Jej dziedzictwo wciąż żyje i pozostaje ikoną wielu ruchów feministycznych i politycznych.

KUADROS ©, słynny obraz na twojej ścianie.