10 najbardziej znanych abstrakcyjnych obrazów

W tytule - Pierwsza abstrakcyjna akwarela Znajdujemy dobry wybuch koloru, jak występuje w większości jego obrazów, ale użycie akwareli zamiast olejków pozostawia widocznie inne gotowe, które sprawia, że ​​ta praca jest interesująca i dość wyjątkowa dla jej produkcji w 1910 roku. Szybko zakończone, co jest typowe dla tej formy sztuki, ponieważ obraz wysycha bardzo szybko. Działa również wyraźnie, nie martwiąc się zbytnio o precyzję, ale skupiając się bardziej na wyborze kolorów i wypełnianiu płótna różnymi kształtami i liniami. To było naprawdę abstrakcyjne i to było coś, co pojawiło się coraz bardziej, gdy rozwijał się w swojej karierze, gdy coraz bardziej odsunął się od rzeczywistości w sposób, w jaki używał.

Kandinsky specjalizował się w olejach, ale od czasu do czasu pracował z akwarelami. Znalazłbym ten łatwy sposób do pracy i coś, co również dobrze dostosowało się do szybkich studiów, w których starałem się zrozumieć projekt przyszłego utworu. Skorzystał również z litografii, ksylografii i trawienia w innym czasie, szczególnie na wczesnych etapach swojej kariery, gdy był szczególnie eksperymentalny.

Współpracując z akwarelami, Kandinsky może ukończyć ten obraz w ciągu zaledwie trzech dni. Jednak pomimo pośpiechu Kandinsky przeprowadził kilka badań nad tym dziełem sztuki przed rozpoczęciem ostatecznego składu. Tym, co przyłączyło się do prędkości, którą można interpretować w tytule, to jego wybór kolorów, ponieważ Kandinsky pomysłowo wybrał kolory, o których wiedział, że wiernie reprezentują jego emocje w tym czasie. Linie i kształty, które również zostały narysowane i podkreślone i podkreślały chaos i pilność, jaką ma zobaczyć ten obraz.

Abstrakcja jest również wyraźnie wykazana w tym dziele sztuki poprzez luźne i niejasne linie reprezentowane, które wzbudziły znaczne zainteresowanie w tym czasie artystycznym tłumem. Żaden tytuł nie istnieje jako ważny inicjator ruchu sztuki abstrakcyjnej, ponieważ po raz pierwszy był to, że coś zdalnie rozdzielonego i bez ograniczeń zostało zaakceptowane jako odpowiedni temat w dziełach sztuki w tym czasie. Bez tytułu Oznaczało to decydującą pozycję w sztuce europejskiej, taką jak odejście tradycyjnych dzieł sztuki w kierunku bardziej abstrakcyjnych i niezamieszkanych dzieł sztuki.

Okres w latach 1910–1914 był uważany za szczyt kariery Kandinsky'ego i szczyt jego największych osiągnięć artystycznych. Dlatego bez tytułu istniał jako jedno z pierwszych dzieł sztuki, które rażąco odrzuciły wszystkie odniesienia do rozpoznawalnych form i wyłoniły się z ograniczeń stwarzanych przez konwencje reprezentacji malarstwa Europy Zachodniej.

To pojęcie całkowitej wolności zajęło zajęcie widocznego miejsca w większości dzieł stworzonych przez Kandinsky w tym okresie.

Nr 2 dorosłość #7 - Hilma AF Klint

Chociaż nie jest tak dobrze znana jak wielu mężczyzn swoich czasów, szwedzka artystka Hilma Af Klint była abstrakcyjną artystką pionierską, której radykalne obrazy są przed wieloma jej męskimi współczesnymi. Poprosił o jego wielką pracę, z której większość nigdy nie była prezentowana w życiu, pozostała ukryta do 20 lat po jego śmierci. 

Kolekcja reprezentuje etapy życia, w tym dzieciństwo, młodzież, dojrzałość i starość. Łączą elementy botaniczne i rozpoznawalne obiekty organiczne, które odnoszą się do narodzin i wzrostu.

. Wiek Dorosły Nr 7 Hilma Klint Jest to ogromne płótno o wysokości 3 metrów i 2 metry, zostało pomalowane na papierze, na podłodze studia, a następnie utknięte na płótnie.

Af Klint interpretuje dorosłość w pełnym malarstwie kwitnącym kilka form, które płyną swobodnie w różnych rozmiarach i kolorach na bliżej. Środkowy żółty symbol przypomina kwiat, podczas gdy spirale i formy biomorficzne są symbolami wzrostu i płodności.

Nr 3 Senecio - Paul Klee

Ukończone w 1922 roku, Malarstwo Senecio Jest to manifestacja poczucia humoru i afrykańskiej kultury Pawła. Proste kolory i kształty, Paul wykorzystuje kilka tonów pomarańczowych, czerwonych i żółtych, aby odsłonić portret starego mężczyzny. Artystyczne użycie formularzy powoduje fałszywe wrażenie, że oko jest podniesione. Jego lewa brew jest reprezentowana przez trójkąt, podczas gdy drugi powstaje przez prostą zakrzywioną linię. Portret nazywany jest również szefem mężczyzny, który przechodzi starczy i celowo naśladuje dzieła sztuki dzieci poprzez użycie niejednoznacznych form i form z minimalnymi szczegółami twarzy.

Ta adaptacja ludzkiej twarzy jest podzielona przez kolor w prostokątach. Płaskie geometryczne kwadraty są utrzymywane w okręgu, które reprezentuje zamaskowaną twarz i pokazuje wielokolorowy garnitur Harlequin. Portret wykonawcy Senecio Artist może być postrzegany jako symbol zmieniającej się relacji między sztuką, iluzją i światem dramatu. Obraz ten pokazuje zasady sztuki Klee, w których graficzne elementy planów linii, koloru i przestrzeni są uruchamiane energią z umysłu artysty. W swoich wyobraźni bazgroły lubił własnymi słowami „Wyjmij linię chodzącą”.

Nr 4 itail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue Painting Było to przejście miró między sztuką figuratywną i abstrakcyjną.

Ten obraz jest znany z tego, że jest jednym z najważniejszych obrazów w karierze Miro. W szczególności używane palenie niebieskie można zobaczyć w kilku jego przyszłych dziełach, a nawet wpływa na malarzy, takich jak Mark Rothko i Yves Klein.

Etoile Bleue to świetny obraz, ale jest to obraz pytań więcej niż odpowiedzi.

Miró był wielkim syntezatorem epoki wielu różnorodnych pomysłów, czegoś takiego jak dzisiaj, ale artystyczne pomysły były o wiele bardziej złożone niż dzisiaj.

Obraz łączy kolory fauvistas, kubistyczne kształty i surrealistyczne intencje w pracy, którą widz może wizualnie odkrywać wielokrotnie. Jest to jedna z wielu rzeczy, że masz wiele pytań, których odpowiedzi są tak samo snów jak obraz.

Jeśli niebieski kształt jest obserwowany w lewym górnym rogu. To jest ptak. Najprawdopodobniej tak, ale jaki ptak nie jest jasny. Patrząc na to przez chwilę, może zdecydowanie powiedzieć, że jest to forma dynamiczna, ale może łatwo argumentować, że leci w lewo, w prawo, a nawet w dół i w stronę nas.

Wielki czerwony kawałek w dolnym środku. Czy to stopa? Jest zdecydowanie postrzegany jako stabilny i zakotwiczony, ponieważ niebieski kawałek jest dynamiczny.

Ten obraz jest klejnotem dla kochanków. Na pierwszy rzut oka trochę się kręci i porusza się, ale chwila porusza się o tę elastyczną postać w prawym dolnym rogu.

Miró, kataloński artysta urodzony w Barcelonie w 1893 r., Nazwał swoją surrealistyczną snu Peinture (Étoile Bleue) z 1927 r. Kluczowy obraz, zawierający symbole, których używałby wielokrotnie w późniejszych latach, a nawet kolorowy niebieski kolor miał wpływ na późniejsze malarzy, w tym Mark Marka, w tym Mark Marka Rothko i Yves. Klein

Nr 5. Kompozycja VII - Wassily Kandinsky

. Kompozycja malarstwa VII Wassily Kandinsky jest uważany przez wielu fanów sztuki abstrakcyjnej, za najważniejsze dzieło sztuki XX wieku, być może nawet najważniejsze abstrakcyjne malarstwo, jakie kiedykolwiek stworzono.

Ta praca jest logiczną kontynuacją kompozycji V i Kompozycja VI . Trzy obrazy są połączone z motywem apokalipsy. Takie elementy kompozycji VI, w jaki sposób w tej pracy można prześledzić powódź i zmartwychwstanie. Jego głównym tematem jest ostateczny osąd, ale nie jest postrzegany jako katastrofa, ale jako wyzwolenie, przejście od świata z materiału do duchowego. Dlatego kompozycja VII różni się od innych dzieł serii ze względu na jej wyraźne kolory i błyszczące linie kontrastowe.

Kandinsky zbudował każdą ze swoich kompozycji, aby widz mógł wejść do obrazu, jakby odwrócił się w nią. Zrobił dolną krawędź kompozycji, popychając ją do przodu, podczas gdy górna część pozostaje lżejsza i bardziej odległa dla widza. Jeden z głównych kontrastów artysty, niebieski i żółty, tworzą centralny obszar aktywnego ruchu w i na zewnątrz.

Kandinsky spędził wiele miesięcy, przygotowując swoją kompozycję VII, ale pomalowanie jej zajęło tylko cztery dni. Artysta przeprowadził około 30 badań tego obrazu. Niektóre z nich pamiętają Caravaggio lub Leonardo da Vinci ze szczegółowymi badaniami fałd tkanin, liści drzew lub ludzkich kończyn. W tej serii niektóre prace wielokrotnie przedstawiają tę samą zakrzywioną linię, inne schematycznie pokazują podstawowe elementy strukturalne kompozycji, a niektóre zawierają szczegółową płaszczyznę kompozycji. Ponadto istnieje około 15 różnych obrazów związanych z kompozycją VII: są to szkice oleju lub ołówki, akwarele, szkło i grawerowane obrazy.

Gabrielle Minter, która była świadkiem stworzenia tego obrazu, napisała w swojej gazecie 25 listopada 1913 r., Że płótno do kompozycji VII zostało dostarczone w jego domu w Murnau, a Kandinsky zaczął pracować tej samej nocy. Następnego ranka zrobił pierwsze zdjęcie obrazu, a po obiedzie zajął drugie. Wejście 28 listopada w Diario de Minter powiedział, że obraz był zakończony. 29 listopada zrobił zdjęcie gotowej pracy. W ten sposób zarejestrowano narodziny wielkiego arcydzieła.

Kompozycja VII zajmuje pozycję nr. 100 na naszej liście znane obrazy

Nr 6 Kompozycja X - Kandinsky

Cytowany jako jeden z pierwszych mistrzów malarstwa abstrakcyjnego, Wassily Kandinsky był nie tylko rosyjskim malarzem, ale także teoretykiem sztuki. Wpływ, który zainicjował i pozostawił w świecie sztuki i w abstrakcji, był ogromny od czasu odtąd grupy artystycznej i nowej grupy artystów, organizując wystawy dla swoich współczesnych przez lata jako artysta. W całej swojej karierze wyprodukował ponad 600 prac, z obrazem z 1913 r., Który osiągnął rekordową cenę aukcji 41,6 miliona dolarów w 2017 r. 

Pomimo tego imponującego rekordu, jego najważniejszą pracą była prawdopodobnie Kompozycja x. Ostatni w swoim życiu „kompozycji”. Dzięki temu starał się zakończyć swoje badania dotyczące czystości formy i ekspresji poprzez tę pracę. Używając czarnego koloru z umiarem w swojej praktyce do tej pory, skrytykowano, że ta praca wywołuje zarówno kosmos, jak i ciemność omen, która zbliża się pod koniec życia. 

Początkowo na stworzenie kompozycji X wpłynęły biomorficzne formy surrealizmu.

Jednak Wassily Kandinsky użył później sztuki używania organicznych form w swoich obrazach. Jest to styl, którego później użył podczas swoich obrazów.

Styl dał jego pracę osobliwość. Łatwo i prawie niemożliwe było nie rozpoznać obrazów stworzonych przez Wassily Kandinsky, kiedy zostały pokazane na wystawach lub innych miejscach.

Ponadto kompozycja X została utworzona we Francji. Widok farby pokazuje, że malarz użył czarnego tła. Głównym powodem użycia czarnego tła były wyraźnie widoczne kolory na pierwszym planie.

Nr 7 Convergence - Jackson Pollock

Konwergencja „Czarno -biały obraz, na którym Pollock rzucił podstawowe kolory”, odzwierciedla kryzys zimnej wojny. Jest to jedno z jego arcydzieł i może być również najbardziej znanym obrazem abstrakcyjnego ekspresjonisty. W 1964 r. Edycja Springbok wyprodukowała zagadkę malarstwa, która została promowana jako „najtrudniejsza łamigłówka na świecie”, a setki tysięcy Amerykanów kupiły ją.

W 1951 r. Pollock powiedział: „Wydaje mi się, że współczesny malarz nie może wyrazić swojego czasu, samolotu, bomby atomowej, radia, w starych formach renesansu lub innej kulturze przeszłości. Każda epoka znajduje własną technikę ”. Pollock znalazł swoją technikę w malarstwie domów i ociekli i wykorzystał ją, aby wyrazić swój czas.

O wielkości 237 x 394 centymetrów, zbieżność jest jedną z Najbardziej ambitne obrazy Pollocka. Jest znany ze swojego wizualnego błyskotliwości i przywoływania głębokich emocji w widzu. Chociaż prace Jacksona są nadal trudne do rozszyfrowania nawet dla ekspertów artystycznych, jego obrazy są uważane za przejawy wolności wypowiedzi. Konwergencja, która w tym sensie jest znaczącym przykładem, pozostaje jednym z najsłynniejszych arcydzieł.

Nr 8 elegancka do republiki hiszpańskiej -Robert Mothererwell

Chociaż Robert Motherwell miał zaledwie 21 lat, kiedy wybuchła hiszpańska wojna domowa, jego okrucieństwa bardzo wpłynęły na niego w kolejnych latach. Doprowadziło go to do stworzenia serii ponad 200 obrazów w odpowiedzi na niego. Seria „wybrana na republikę hiszpańską” stanowi mnogość upamiętnienia ludzkiego cierpienia, a także „abstrakcyjne i poetyckie symbole nieubłaganego cyklu życia i śmierci”.

O Elegies, Motherwell oświadczyła, że ​​„po okresie ich malowania odkryłem czarny jako jeden z moich problemów, a z czarnym, kontrastującym białym, poczuciem życia i śmierci, które dla mnie jest dość hiszpańskie. Są to zasadniczo hiszpańska czarna śmierć kontrastują z blaskiem światła słonecznego takiego jak Matisse. ”

Jego elegie stanowią rozszerzoną abstrakcyjną medytację na temat życia i śmierci. W całej serii poziome białe płótna są rytmicznie podzielone przez dwa lub trzy pionowe słupki swobodnie narysowane i przerywane w kilku odstępach czasu przez jajowiste kształty. Obrazy zwykle składają się całkowicie z czerni i bieli, kolorów żałoby i blasku, śmierci i życia. Motherwell skomentowała uwikłanie tych sił jako metaforę ich zrozumienia doświadczenia bycia żywym.

Wybrał Hiszpańską Republikę opisuje majestatyczne przejście organicznych i geometrycznych, przypadkowych i celowych. Podobnie jak inni ekspresjonaliści abstrakcyjni, Motherwell przyciągnęła surrealistyczna zasada automatyzmu - metod, które uciekły do ​​świadomej intencji artysty - a jego udar ma ciężar emocjonalny, ale w ogólnej strukturze pewnej ciężkości. W rzeczywistości Motherwell postrzegał staranne aranżacje koloru i formy jako serce sztuki abstrakcyjnej, które „pozbawione jest innych rzeczy, aby ją nasilać, rytmy, przedziały kosmiczne i strukturę kolorów”.

Nr 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Ten monumentalny obraz kwiatowy jest jednym z pierwszych arcydzieł O'Keeffe. Powiększając płatki daleko poza proporcje naturalnego rozmiaru, zmusza widza do obserwowania małych szczegółów, które w innym przypadku mogłyby przeoczyć. Kiedy obrazy tej grupy zostały po raz pierwszy wystawiane w 1924 roku, nawet Alfred Stieglitz, jej mąż i kupiec, była zaskoczona jej zuchwałością.

Czarna tęczówka Georgia O'Keeffe jest przykładem jednego z jego wielu dzieł na temat kwiatów, a zwłaszcza tęczówki, kwiatu bogatego w symbolikę. Jednak w Black Iris III celem O'Keeffe nie było odniesienie się do tej symboliki ani dodawanie jej, ale zachęcanie widza do patrzenia i widzenia kwiatu i rozważenia różnych sposobów, w jakie ludzie widzą. Staje się zatem głęboką medytacją sztuki patrzenia, nie tylko sztuki, ale także do życia. W tym artykule SingularAart analizuje przewidywaną symbolikę w obrazie O'Keeffe, a także jego własne intencje przy tworzeniu czarnej IRIS III. 

Georgia O'Keeffe przez wiele lat martwiła się kwestią malarstwa tęczówki, w szczególności Black Iris, która była trudniejsza do znalezienia i była dostępna tylko przez kilka tygodni w roku w Nowym Jorku. Iris jest symbolem rodziny w świecie zachodnim: w mitologii greckiej Bogini Iris uosabia tęczę i związek między niebem a ziemią; W chrześcijaństwie Iris symbolizuje pasję Chrystusa i zmartwychwstania, a także cierpienie Maryi. Ze swojej strony Linda Nochlin, historyk sztuki, przekształcił tęczówkę O'Keeffe w symbol feministyczny, opisując je jako „morfologiczną metaforę” żeńskich narządów płciowych, odzwierciedlając „jedność kobiecego i naturalnego porządku”. Opis Czarnej IIIY IIIY IIIY INNE IRIS MAGLINGS O'KEEFFE zakotwiczyły je w historii sztuki i historii feminizmu i sztuki feministycznej.

Jednak O'Keeffe odrzucił ten opis, stwierdzając, że: „Tak naprawdę nikt nie widzi kwiatu, jest tak mały. Nie mamy czasu i widzimy czas posiadanie przyjaciela. Gdybym mógł pomalować kwiat dokładnie tak, jak go widzę, nikt nie zobaczyłby tego, co widzę, ponieważ pomalowałbym go mały, ponieważ kwiat jest mały. Więc powiedziałem sobie: pomaluję to, co widzę, czym jest dla mnie kwiat, ale pomaluję go wielkim i będę zaskoczony, gdy poświęcisz czas na to, sprawię, że nawet okupowani nowojorczycy poświęcili czas Aby zobaczyć, co widzę o kwiatach. Sprawiłem, że poświęciłeś czas, aby spojrzeć na to, co zobaczyłem, a kiedy poświęciłeś czas, aby naprawdę zauważyć mój kwiat, umieściłeś wszystkie własne skojarzenia z kwiatami w moim kwiatie i pisałeś o moim kwiacie, jakbym myślał i zobaczył, co myślisz i Widzieć . Kwiat, a ja nie.

Nr 10 - William de Kooning

W 1955 r. Kooning Willem ukończył giełdę roboczą. Długo skupił się na przeróbce studiów z liczb, które rozpoczęły się w 1948 r. Były one związane z ich indywidualną wystawą w 1953 r., Obrazy na temat kobiet, które w tym czasie otworzyły się w Nowym Jorku. Niektóre tytuły tych dzieł obejmują kobiety I, Woman III i Women V, a także dwie kobiety o martwej naturze.

W 1955 r. Z Kooning przestał malować ludzkie postacie i nadal korzystał z abstrakcyjnych reprezentacji architektury i społeczności w Nowym Jorku.

Kooning Willem użył szybkich znaków gestów na płótnie. Obraz pokazuje kobietę siedzącą na krześle, ale kobiety pojawiają się tylko jako masa szczytu. Wyznaczając swoje obrazy, zawsze wolał link do obszaru, w którym mieszkał. Giełda uzyskała nazwę otoczenia, centrum Nowego Jorku, miejsca, w którym mieszkał w tym czasie.

Pierwotnie obraz został sprzedany przez artystę w 1955 roku za 4000 $.

Następnie został sprzedany przez David Geffen Foundation Kenneth C. Griffin za 300 milionów dolarów we wrześniu 2015 r., Znaleząc go na drugim miejscu na liście droższych obrazów, przewyższonych tylko przez Salvatora Mundi de Leonardo da Vinci, który został sprzedany za 450,3 Million dolarów w listopadzie 2017 r.

Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.