7 najlepszych artystów hiszpańskojęzycznych

Na przestrzeni historii sztuki artyści hiszpańskojęzyczni stworzyli ważną pozycję jako pionierzy. Beż strachu przed ryzykiem, często wplatają symbole i techniki przypominające ich kultury ojczyste. Poza tym, wielu najsłynniejszych artystów hiszpańskich wykorzystuje swoją kreatywność jako platformę do omawiania niepokojów politycznych i społecznych w dążeniu do dokonania zmian i inspirowania narodowej dumy.

Nr 1 Diego Velázquez - 1599 – 1660

Diego Velázquez był hiszpańskim malarzem XVII wieku, który stworzył "Las Meninas", być może swój najsłynniejszy obraz, a także wiele znanych portretów jako członek dworu królewskiego króla Filipa IV.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez urodził się w Sewilli, Hiszpania, około 6 czerwca 1599 roku. W wieku 11 lat rozpoczął sześciomiesięczną naukę u lokalnego malarza Francisco Pacheco. Wczesne prace Velázqueza koncentrowały się na tradycyjnych tematach religijnych, preferowanych przez jego mistrza, ale był także pod wpływem naturalizmu włoskiego malarza Caravaggia. Velázquez założył własne studio po ukończeniu nauki w 1617 roku. Stał się znany z realistycznych i skomplikowanych portretów jako członek dworu króla Filipa IV, na tym stanowisku pracował przez prawie 40 lat. Diego Velázquez miał udaną karierę, która uczyniła go wiodącym artystą tego, co znane jest jako Złoty wiek Hiszpanii.

W swoich ostatnich latach, hiszpański mistrz stworzył słynny portret Papieża Innocentego X i słynne "Las Meninas". Zmarł 6 sierpnia 1660 roku w Madrycie.

Velázquez jest pamiętany jako jeden z wielkich mistrzów sztuki zachodniej. Pablo Picasso i Salvador Dalí to niektórzy z artystów, którzy uznali go za wielki wpływ, podczas gdy francuski impresjonista Édouard Manet opisał wielkiego Hiszpana jako "malarza malarzy".

Kup reprodukcję Autorretrato - Diego Velázquez w sklepie internetowym Kuadros

Nr 2 Francisco de Goya - 1746 – 1828

Francisco Goya, w pełni Francisco José de Goya y Lucientes, (urodzony 30 marca 1746 roku w Fuendetodos w Hiszpanii; zmarł 16 kwietnia 1828 roku w Bordeaux, Francja).

Francisco Goya, jeden z najbardziej wpływowych malarzy XVIII wieku, odniósł ogromny sukces za życia. Jego prace często kojarzone są z ruchem romantycznym i uważane są za jednego z ostatnich wielkich mistrzów dawnych czasów. Jednym z najsłynniejszych obrazów Goyi, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, jest politycznie naładowanym arcydziełem, które honoruje hiszpański opór podczas okupacji kraju przez Napoleona. Ta innowacyjna praca wyznaczyła nowy precedens w przedstawianiu okropności wojny w sztuce.

Jego studia nad dziełami Velázqueza w kolekcji królewskiej zaowocowały bardziej elastyczną i spontaniczną techniką malarską. W międzyczasie, Goya osiągnął swój pierwszy sukces popularny. Został wybrany do Realnej Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando w 1780 roku, mianowany malarzem króla w 1786 roku, a w 1789 roku został malarzem dworskim. Poważna choroba w 1792 roku spowodowała, że Goya na stałe stracił słuch. Opracował nowy, odważny i swobodny styl bliski karykaturze. W swoich freskach religijnych stosował szeroki i swobodny styl oraz niespotykany wcześniej realizm ziemski w sztuce religijnej. Goya pełnił funkcję dyrektora malarstwa w Realnej Akademii w latach 1795-1797 i został mianowany pierwszym malarzem dworu hiszpańskiego w 1799 roku.

Podczas inwazji napoleońskiej i hiszpańskiej wojny o niepodległość w latach 1808-1814, Goya był malarzem dworu Francji. Po przywróceniu monarchii hiszpańskiej, Goya został ułaskawiony za współpracę z Francuzami, ale jego prace nie były doceniane przez nowego króla. W 1816 roku opublikował swoje ryciny na temat korridy, zwanej Tauromaquia. W latach 1819-1824 Goya mieszkał w odosobnieniu w domu na przedmieściach Madrytu. Wolny od ograniczeń sądowych, przyjął coraz bardziej osobisty styl. W Czarnych obrazach, namalowanych na ścianach swojego domu, Goya wyraził swoje najciemniejsze wizje. Podobny koszmar towarzyszy satyrycznym Disparates, serii rycin zwanych również Przysłowiami. W 1824 roku, po nieudanej próbie przywrócenia rządu liberalnego, Goya dobrowolnie udał się na wygnanie do Francji. Osiedlił się w Bordeaux i kontynuował pracę aż do swojej śmierci 16 kwietnia 1828 roku.

Dzisiaj wiele jego najlepszych obrazów znajduje się w Muzeum Sztuki Prado w Madrycie.

Kup reprodukcję Autorretrato - Francisco Goya w sklepie internetowym Kuadros

Nr 3 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 lipca 1907 - Coyoacán, 13 lipca 1954)

Meksykańska artystka Frida Kahlo zapamiętana jest z swoich autoportretów, bólu i pasji, oraz żywych i odważnych kolorów. Jest ceniona w Meksyku za swoją uwagę na kulturę meksykańską i rdzenną oraz przez feministki za opisanie doświadczenia i formy kobiecej.

Dzięki swojemu głęboko osobistemu i symbolicznemu dziełu stała się jedną z najsłynniejszych artystek XX wieku. Przez dużą część swojej kariery często była postrzegana po prostu jako żona Diego Rivery, ale uznanie dla jej malarstwa zaczęło rosnąć dopiero od lat 70. XX wieku. Z niezmierną dumą z jej meksykańskiej tożsamości, często wplatała prekolumbijskie symbole w swoje obrazy i jest znana ze swojej kolorowej meksykańskiej sukni. Kahlo, która cierpiała z powodu problemów zdrowotnych przez całe życie z powodu wypadku autobusowego w młodości, doznała wielu złamań kręgosłupa, obojczyka i żeber, zniszczonej miednicy, złamanej nogi i zwichniętego barku. Zaczęła bardzo koncentrować się na malowaniu, gdy wracała do zdrowia, mając na sobie gips. W swoim życiu przeszła 30 operacji. Doświadczenie życia jest wspólnym motywem w około 200 obrazach, szkicach i rysunkach Kahlo. Jej ból fizyczny i emocjonalny jest wyraźnie widoczny na płótnach, podobnie jak jej burzliwy związek z mężem, artystą Diego Riverą, z którym była dwukrotnie zamężna. Z jej 143 obrazów, 55 to autoportrety. Zniszczenie jej ciała spowodowane wypadkiem autobusowym przedstawione jest w dużym szczególe w obrazie La columna rota. Kahlo przedstawia siebie prawie nagą, podzieloną na pół, z kręgosłupem przedstawionym jako dekoracyjna złamana kolumna. Jej skóra jest poprzetykana gwoździami. Ma również na sobie aparat chirurgiczny.

Szeroko znana ze swoich skłonności marksistowskich, Frida, wraz z marksistowskim rewolucjonistą Che Guevarą i małą grupą współczesnych postaci, stała się symbolem kontrkulturowym XX wieku i stworzyła dziedzictwo w malarstwie, które nadal inspiruje wyobraźnię i umysł.
Zobaczyła swoją kwitnącą karierę przerwaną z powodu przedwczesnej śmierci w wieku 47 lat. Jej dziedzictwo wciąż żyje i pozostaje ikoną wielu ruchów feministycznych i politycznych.

Nr 4 Diego Rivera - 1886 – 1957

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, znany jako Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Miasto Meksyk, 1957), był wybitnym malarzem meksykańskim. Jego wielkie freski pomogły ustalić ruch muralny w sztuce meksykańskiej i międzynarodowej.
Meksykanin z urodzenia, Rivera spędził dużą część swojego dorosłego życia w Europie i Stanach Zjednoczonych, a także w swoim domu w Miasto Meksyk. Na początku swojej kariery zajmował się kubizmem, a następnie przyjął postimpresjonizm, ale jego unikalny styl i perspektywa są natychmiast rozpoznawalne jako jego własne. Był zaangażowany w świat polityki jako oddany marksista i wstąpił do Meksykańskiej Partii Komunistycznej w 1922 roku. Przyjął na swój dom w Miasto Meksyk rosyjskiego emigranta Leona Trockiego i jego żonę w latach 30. XX wieku. Żył w niestabilnych czasach i prowadził burzliwe życie; Diego Rivera, szeroko znany z swoich skłonności marksistowskich, wraz z marksistowskim rewolucjonistą Che Guevarą i małą grupą współczesnych postaci, stał się symbolem kontrkulturowym XX wieku i stworzył dziedzictwo w sztuce, które nadal inspiruje wyobraźnię i umysł.
Pomógł w kształtowaniu tożsamości narodowej opartej na meksykańskości. Ta duma z meksykańskiej tożsamości jest widoczna w sztuce Rivery poprzez jego paletę jaskrawych kolorów i używanie uproszczonych form inspirowanych sztuką majów i azteków. Podczas gdy niektóre z jego najsłynniejszych dzieł znajdują się w Miasto Meksyk, Rivera malował również szeroko w Stanach Zjednoczonych. Jego mural Hombre en la encrucijada został usunięty z Rockefeller Center w Nowym Jorku z powodu wizerunku Lenina w pracy.

Nr 5 Pablo Picasso - 1881 – 1973

Pablo Picasso, w pełni Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, zwany również (przed 1901 rokiem) Pablo Ruiz lub Pablo Ruiz Picasso, (urodzony 25 października 1881 roku w Maladze, Hiszpania) zmarł 8 kwietnia 1973 roku, w Mougins, Francja), malarz, rzeźbiarz, grafik, ceramik i scenograf-expatriant hiszpański, jeden z największych i najbardziej wpływowych artystów XX wieku i twórca (z Georgem Braque'm) kubizmu.
Był dzieckiem prodigy, które najpierw opanowało klasyczne techniki, zanim zaczęło tworzyć na własną rękę, niszcząc tradycyjną formę tworzenia sztuki. Jego dzieło jest imponujące, ponieważ wytworzył około 50 000 dzieł sztuki w trakcie swojego życia, w tym malarstwa, rzeźby, ceramiki, rysunki i grafiki.
Jako jeden z progenitorów kubizmu na początku XX wieku, unikał rzeczywistości w sztuce i dążył do przedstawienia czysto abstrakcyjnego, co wcześniej nie było robione w ten sposób. Główna twórczość Picassa dzieli się na dość wyraźne okresy, zaczynając od Okresu Niebieskiego, następnie Okresu Różowego, Okresu wpływu afrykańskiego, Okresu kubizmu i Okresu surrealizmu i klasycyzmu.
Ze względu na to, że sztuka Picassa z okresu Demoiselles miała charakter radykalny, praktycznie żaden artysta XX wieku nie mógł uciec od jego wpływu. Picasso nadal był innowacyjnym twórcą w ostatniej dekadzie swojego życia. To prowadziło do nieporozumień i krytyki zarówno podczas jego życia, jak i od tego czasu, a dopiero w latach 80. jego ostatnie obrazy zaczęły być doceniane zarówno same w sobie, jak i za głęboki wpływ na rosnącą generację młodych malarzy. Ponieważ Picasso mógł sprzedawać prace za bardzo wysokie ceny od lat 20. XX wieku, mógł zachować większość swoich dzieł w swojej własnej kolekcji.

Nr 6 Salvador Dali - 1904 – 1989

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,​ markiz Dalí de Púbol (Figueras, 11 maja 1904 - Figueras, 23 stycznia 1989).
Uważany jest za jednego z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu.
Z karierą trwającą ponad sześć dekad, Salvador Dalí jest jednym z najbardziej wpływowych artystów sztuki nowoczesnej. Słynny dzięki swoim obrazom surrealistycznym, takim jak Trwałość pamięci, Dalí był także płodnym rzeźbiarzem, filmowcem, fotografem i ilustratorem. Stworzył nawet książkę kucharską opartą na legendarnych kolacjach, które on i jego żona Gala organizowali.
Od najmłodszych lat Salvador Dalí był zachęcany do praktykowania swojego sztuki i ostatecznie studiował w akademii w Madrycie. W latach dwudziestych XX wieku pojechał do Paryża i zaczął współpracować z takimi artystami jak Pablo Picasso, René Magritte i Miró, co doprowadziło do pierwszej fazy surrealizmu Dalíego.
Był bardzo pomysłowym artystą, z tendencją do narcyzmu i megalomanii, lubił przyciągać uwagę publiczności. To zachowanie irytowało tych, którzy doceniali jego sztukę i uzasadniało jego krytyków, którzy odrzucali jego ekscentryczne zachowania. Dalí przypisywał swoje zamiłowanie do wszystkiego, co złote i przesadne, swoją pasję do luksusu oraz swoje zamiłowanie do mody orientalnej do samoproklamowanego arabskiego pochodzenia, które miało swoje korzenie w okresie arabskiej dominacji na Półwyspie Iberyjskim.
W miarę jak wojna zbliżała się do Europy, w szczególności do Hiszpanii, Dalí skonfrontował się z członkami ruchu surrealistycznego. W 1934 roku, podczas "procesu", został wydalony z grupy.
W 1980 roku Dalí musiał zrezygnować z malowania z powodu zaburzenia motorycznego, które spowodowało trwałe drżenie i osłabienie rąk. Nie mógł już trzymać pędzla, stracił zdolność wyrażania się w najbardziej znany dla siebie sposób. Kolejna tragedia miała miejsce w 1982 roku, kiedy zmarła ukochana żona i przyjaciółka Dalíego, Gala. Te dwa wydarzenia pogrążyły go w głębokiej depresji. Przeprowadził się do Pubol, w zamku, który kupił i wyremontował dla Gali, być może aby ukryć się przed publicznością lub, jak niektórzy spekulują, aby umrzeć. W 1984 roku Dalí został poważnie poparzony w pożarze. Z powodu swoich obrażeń był przykuty do wózka inwalidzkiego. Przyjaciele, mecenasowie i współcześni artyści uratowali go z zamku i przywieźli do Figueras, zapewniając mu komfort w Teatrze-Muzeum. W listopadzie 1988 roku Dalí trafił do szpitala w Figueras z niewydolnością serca. Po krótkim okresie rekonwalescencji wrócił do Teatru-Muzeum. 23 stycznia 1989 roku, w mieście swojego urodzenia, Dalí zmarł z powodu niewydolności serca w wieku 84 lat. Jego pogrzeb odbył się w Teatrze-Muzeum, gdzie został pochowany w krypcie.
Z eklektyczną i ekscentryczną osobowością, która odpowiadała jego twórczości artystycznej, wciąż przyciąga wyobraźnię publiczności 30 lat po swojej śmierci.

Nr 7 Fernando Botero - 1932 –

Fernando Botero (kolumbijski, urodził się w 1932 roku) jest znany z malowanych i rzeźbionych scen z zwierzętami i postaciami z przerysowanymi proporcjami, co odzwierciedla predylekcję artysty do satyry, karykatury i komentarzy politycznych. Urodził się w Medellín w Kolumbii, był drugim z trojga dzieci, jego ojciec, sprzedawca uliczny, zmarł, gdy Botero miał zaledwie cztery lata. Jego matka musiała pracować jako krawcowa, aby utrzymać rodzinę. Po krótkim okresie w szkole torreadorów, Botero zdecydował, że sztuka jest jego prawdziwym powołaniem, a w 1948 roku, w wieku 16 lat, miał swoją pierwszą wystawę. Trzy lata później, po przeprowadzce do stolicy Kolumbii, Bogoty, zorganizował swoją pierwszą indywidualną wystawę.
W latach pięćdziesiątych podróżował do różnych krajów europejskich, w tym Hiszpanii, Włoch i Francji, aby studiować prace mistrzów renesansu i baroku. Odwiedził również Meksyk, aby zapoznać się z aktualną awangardą meksykańską. Botero stał się znany dzięki różnorodnym źródłom inspiracji, od kolumbijskich obrazów ludowych po kanoniczne dzieła Diego Velázqueza, Pablo Picassa i Francisco Goyi.
W swoich przedstawieniach współczesnego życia latynoamerykańskiego odzwierciedla ubóstwo i przemoc panującą w Kolumbii na ponurych obrazach, a także w swoich ikonicznych przerysowanych postaciach, satyrycznych obrazach latynoamerykańskich prezydentów, pierwszych dam i urzędników rządowych. Spotkanie z Dorothy Miller z Muzeum Sztuki Nowoczesnej na początku lat sześćdziesiątych okazało się punktem zwrotnym w jego karierze; zakupiła jego prace w czasie, gdy abstrakcja była popularnym stylem, a następnie zaprezentowała jego dzieła w ważnej wystawie w muzeum, umacniając jego międzynarodową reputację.
W latach siedemdziesiątych Botero przeprowadził się do Paryża, gdzie stworzył duże rzeźby postaci z jego charakterystycznymi przerysowanymi formami. Nadal jest zaangażowany w przedstawienia swojej rodzinnej latynoamerykańskiej miejscowości oraz obrazy otwarcie polityczne; jego ostatnie prace obejmują duże obrazy więźniów w Abu Ghraib jako bezpośredni komentarz na temat wojny w Iraku. Botero wystawiał swoje prace w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kopenhadze, Muzeum Maillol w Paryżu, Palazzo Benezia w Rzymie, Muzeum Ermitażu w Sankt Petersburgu i Muzeum Narodowym w Bogocie. Obecnie mieszka i pracuje w Paryżu, Monte Carlo i Nowym Jorku.
Botero ma teraz 80 lat i jest tak płodny jak zawsze. Jako zapalony twórca, wyprodukował tysiące obrazów i setki rzeźb i nadal będzie fascynować swoją osobistą marką ludzi i obiektów. Jak sam mówi Botero, "artysta nigdy nie jest ukończony".

KUADROS ©, znany obraz na twojej ścianie.