Opis
Henri Matisse, jeden z najwybitniejszych wykładników sztuki współczesnej i pioniera fauvism, przekazał nam dzieło, którego nieustanne i penetrujące studium formy i koloru wynika z „białego tułowia i niebieskiego tułowia” w 1944 r. W tym obrazie, 70x47 cm, Matisse kontynuuje eksplorację ludzkiej postaci, ale tym razem robi to z niezwykłą abstrakcją i silną gospodarką medialną.
Obraz w absolutnie charakterystycznym stylu przedstawia dwa torsos, które, jak sugeruje tytuł, wyróżniają się jego kolorem: jeden biały i inny niebieski. Wchodząc do kompozycji, obserwujemy, że Matisse wykorzystuje zdefiniowane kontury i płaskie plamy do nakreślenia liczb. W tym przypadku redukcja szczegółów do uproszczonych formularzy zmusza widza do skupienia się na podstawowych rzeczach, w odczuciach, a nie realistycznych opisach. Konfrontacja między głębokim niebieskim a nieskazitelnym białym nie tylko podkreśla podział chromatyczny, ale także dualność, którą można interpretować z różnych perspektyw.
Płótno jest praktycznie pozbawione tła, co daje Torsos z wiodącą obecnością. Wybór ten nie jest przypadkowy, ponieważ generuje negatywną przestrzeń, która podkreśla liczby i sprawia, że są osiami uwagi. Ponadto chromatyczna konfrontacja między białym i niebieskim jest potężna i celowa, dając nam dynamiczny związek kontrastów i sald.
Analizując sam Torsos, Matisse nie wydaje się zainteresowany złożonymi szczegółami anatomicznymi; Przeciwnie, jego podejście jest w formie ogólnej i czystości pól kolorów. To uproszczenie i stylizacja są charakterystyczne dla ostatniego okresu jego pracy, który był coraz bardziej skłonny do abstrakcyjnej czystości. Sposób, w jaki Matisse używa tutaj koloru, również odzwierciedla jego aspekt jako mistrzowski kolor. Białe i niebieskie nie są zwykłe nadziewane, są ekspresyjne i żywe oraz przenoszą uczucie spokoju i kontemplacji.
Należy zauważyć, że „biały tułów i niebieski tułów” powstały w burzliwej erze, podczas II wojny światowej, w okresie, w którym Matisse był ograniczony w wygaśnięciu z powodu operacji chirurgicznej. Pomimo fizycznych ograniczeń i niekorzystnych okoliczności historycznych Matisse udało się skupić na poszukiwaniu piękna i innowacji artystycznych. Prace można również postrzegać jako świadectwo jej odporności i niezachwianego poświęcenia się sztuce.
Obraz ten jest również oprawiony w serii prac, w których Matisse eksperymentował z cięciami tapet - technika o nazwie „Decoure Gouache” - chociaż ten konkretny utwór nie wykorzystuje tej techniki, z pewnością jego prostota i skupienie się na podstawowych kolorach są łączące się z nimi Eksploracje w tym środowisku.
Podsumowując, „biały tułów i niebieski tułów” to dzieło, które syntetyzuje wiele formalnych i chromatycznych interesów Henri Matisse. Ekonomia linii, czystość kolorów i redukcja istotnej oznaczają scenę wysublimowanej prostoty w karierze artysty, będąc dziełem, który zaprasza długie kontemplacje i wiele odczytów. Matisse po raz kolejny oferuje nam okno do jego prywatnego wszechświata, w którym każdy kształt i każdy kolor wyrysku z miejsca głębokiego odbicia i mistrzostwa technicznego.