10 Najbardziej Znane Malarstwo Abstrakcyjne

W Bez tytułu - Pierwsza Akwarela Abstrakcyjna znajdujemy dobrą eksplozję koloru, jak w większości jego obrazów, ale użycie akwareli zamiast oliwy pozostawia widocznie różniące się wykończenie, które czyni to dzieło sztuki interesującym i dość unikalnym w jego produkcji z 1910 roku. Z bliska wygląda na to, że powstało szybko, co jest typowe dla tej formy sztuki, ponieważ farba schnie bardzo szybko. Również pracuje w sposób ekspresyjny, nie przejmując się zbytnio precyzją, skupiając się bardziej na doborze kolorów i wypełniając płótno różnymi kształtami i liniami. Było to naprawdę abstrakcyjne, co stawało się coraz bardziej wyraźne w miarę upływu jego kariery, w miarę jak oddalał się coraz bardziej od rzeczywistości w używanych formach.

Kandinsky specjalizował się w olejach, ale od czasu do czasu pracował z akwarelami. Musiał uznać ten środek za łatwy do pracy i coś, co również dobrze pasowało do szybkich dzieł studyjnych, w których starał się zrozumieć projekt na przyszłe dzieło. Posługiwał się także litografiami, drzeworytami i akwafortami w innych okresach, szczególnie we wczesnych fazach swojej kariery, kiedy był szczególnie eksperymentalny.

Pracując z akwarelami, Kandinsky zdołał ukończyć ten obraz zaledwie w trzy dni. Jednak pomimo jego pośpiechu, Kandinsky przeprowadził kilka studiów do tej pracy, zanim rozpoczął ostateczną kompozycję. To, co przyczyniło się do szybkości, która może być interpretowana w Bez tytułu, to jego dobór kolorów, ponieważ Kandinsky sprytnie wybrał kolory, które wiedział, że wiernie odzwierciedlą jego emocje w danym momencie. Linie i kształty, które zostały narysowane, również przyczyniają się i podkreślają chaos i pilność, które odczuwa się oglądając ten obraz.

Abstrakcja również wyraźnie manifestuje się w tym dziele sztuki poprzez luźne i niejasne przedstawione linie, co wzbudziło znaczne zainteresowanie wśród artystycznej publiczności w tamtym czasie. Bez Tytułu funkcjonuje jako ważny inicjator ruchu sztuki abstrakcyjnej, ponieważ był to pierwszy raz, kiedy coś w zasięgu uwolnionego i nieograniczonego zostało zaakceptowane jako stosowny temat w dziełach sztuki w tamtym czasie. Bez Tytułu stanowiło definiujący punkt w sztuce europejskiej, jako odejście od tradycyjnych dzieł sztuki w kierunku bardziej abstrakcyjnych i wyzwolonych dzieł sztuki.

Okres między 1910 a 1914 uważany był za szczyt kariery Kandinsky'ego i szczyt jego największych osiągnięć artystycznych. Dlatego Bez tytułu istniało jako jedno z pierwszych dzieł sztuki, które bezwstydnie odrzuciły wszelkie odniesienia do rozpoznawalnych form i wyszły poza ograniczenia, jakie stanowiły konwencje przedstawiające malarstwo zachodnioeuropejskie.

Ta koncepcja całkowitej wolności stała się kluczowym elementem w większości dzieł stworzonych przez Kandinsky'ego w tym okresie.

Nr 2 Wiek dorosły # 7 - Hilma AF Klint

Chociaż nie jest tak znana jak wielu mężczyzn artystów jej czasów, szwedzka artystka Hilma af Klint była pionierką sztuki abstrakcyjnej, a jej radykalne obrazy są wcześniejsze od wielu jej męskich współczesnych. Zażądała, aby jej wielkie dzieło, które większość jej życia nigdy nie była wystawiana, pozostało ukryte przez 20 lat po jej śmierci.

Kolekcja reprezentuje etapy życia, w tym dzieciństwo, młodość, dorosłość i starość. Łączy elementy botaniczne i rozpoznawalne organiczne obiekty, które odnoszą się do narodzin i wzrostu.

Wiek Dorosły Nr 7 Hilmy Klint jest ogromnym płótnem, mierzącym 3 metry wysokości i 2 metry szerokości, namalowanym na papierze, na podłodze studia, a następnie naklejonym na płótno.

Af Klint interpretuje dorosłość w pełnym rozkwicie, malując różne kształty, które swobodnie przepływają w różnych rozmiarach i kolorach na lila tle. Centralny żółty symbol przypomina kwiat, podczas gdy spirale i kształty biomorficzne są symbolami wzrostu i płodności.

Nr 3 Senecio - Paul Klee

Ukończony w 1922 roku, obraz Senecio jest manifestacją poczucia humoru i kultury afrykańskiej Paula. Proste kolory i kształty, Paul wykorzystuje różne odcienie pomarańczowego, czerwonego i żółtego, aby odsłonić portret starego mężczyzny. Artystyczne użycie kształtów daje fałszywe wrażenie uniesionego oka. Jego lewy brwi jest reprezentowany przez trójkąt, podczas gdy druga jest utworzona przez prostą linię krzywą. Portret nazywany jest również Głową Mężczyzny, który staje się senilny i celowo imituje dzieła sztuki dziecięce poprzez użycie kształtów i form niejasnych z minimalnymi detalami twarzy.

Ten sposób przedstawienia ludzkiego oblicza dzieli się przez kolor na prostokąty. Płaskie geometryczne kwadraty są utrzymywane w obrębie okręgu, który reprezentuje zamaskowaną twarz i pokazuje multikolorowy strój arlekina. Portret artysty performer Senecio można postrzegać jako symbol zmieniającej się relacji między sztuką, iluzją a światem dramatu. Ten obraz demonstruje zasady sztuki Kleego, w których elementy graficzne linii, płaszczyzny koloru i przestrzeni są w ruchu pod wpływem energii umysłu artysty. W swoich imaginacyjnych szkicach lubił, według własnych słów, "wyprowadzać linię na spacer".

Nr 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Obraz Etoile Bleue był przejściem Miró między sztuką figuratywną a abstrakcyjną.

Tego obrazu znana jest jako jedna z najważniejszych prac w karierze Miró. W szczególności, użyty żarzący niebieski można zobaczyć w wielu jego przyszłych pracach, a nawet wpłynął na malarzy takich jak Mark Rothko i Yves Klein.

Etoile Bleue to wielki obraz, ale jest to obraz pytań, a nie odpowiedzi.

Miró był wielkim syntezatorem epoki pełnej różnych idei, coś jak dziś, ale artystyczne pomysły tamtych czasów były o wiele bardziej skomplikowane niż obecne.

Obraz łączy kolory fowistyczne, kształty kubistyczne i surrealistyczne zamiary w dziele, które widz może wizualnie eksplorować raz po raz. Wiele pytań pozostaje, których odpowiedzi są tak senne jak obraz.

Jeśli zauważysz niebieski kształt w lewym górnym rogu, to ptak. Prawdopodobnie tak jest, ale jaki ptak nie jest jasne. Patrząc przez chwilę, można rzeczywiście powiedzieć, że jest to dynamiczny kształt, ale można łatwo argumentować, że leci w lewo, w prawo, a nawet w dół i do nas.

Duży czerwony kawałek w dolnym środku. Czy to stopa? Zdecydowanie wygląda tak stabilnie i zakotwiczone, jak niebieski kawałek jest dynamiczny.

Ten obraz jest skarbem dla jego miłośników. Na pierwszy rzut oka, lekko się chwiaje i porusza, ale chociaż na chwilę przemieszcza się w stronę tej elastycznej figury w prawym dolnym rogu.

Miró, kataloński artysta urodzony w Barcelonie w 1893 roku, nazwał swój oniryczny surrealistyczny krajobraz Peinture (Étoile Bleue) z 1927 roku kluczowym obrazem, wprowadzając symbole, które wielokrotnie wykorzystywał w późniejszych latach, a nawet ognisty niebieski wpłynął na późniejszych malarzy, w tym Marka Rothko i Yvese Kleina.

Nr 5 Kompozycja VII - Wassily Kandinsky

Obraz Kompozycja VII Wassily Kandinsky'ego uznawany jest przez wielu entuzjastów sztuki abstrakcyjnej za najważniejsze dzieło sztuki XX wieku, być może nawet za najważniejszy obraz abstrakcyjny, jaki kiedykolwiek stworzono.

To dzieło jest logiczną kontynuacją Kompozycji V i Kompozycji VI . Te trzy obrazy są połączone tematem Apocalypse. Takie elementy Kompozycji VI jak Potop i Zmartwychwstanie można odnaleźć w tym dziele. Jego głównym tematem jest sąd ostateczny, ale nie jest postrzegany jako katastrofa, a raczej jako uwolnienie, przejście ze świata materialnego do duchowego. Dlatego Kompozycja VII różni się od pozostałych dzieł z serii swoimi jasnymi kolorami i błyszczącymi liniami kontrastowymi.

Kandinsky budował każdą ze swoich kompozycji tak, aby widz mógł wejść w obraz, jakby się w nim obracał. Sprawił, że dolna krawędź kompozycji była cięższa, popychając ją w przód, podczas gdy górna część pozostaje lżejsza i bardziej odległa dla widza. Jednym z głównych kontrastów artysty, niebieski i żółty tworzą centralną strefę aktywnego ruchu do wewnątrz i na zewnątrz.

Kandinsky spędził wiele miesięcy przygotowując swoją Kompozycję VII, ale namalował ją w zaledwie cztery dni. Artysta wykonał około 30 badań tego obrazu. Niektóre z nich przypominają Caravaggia lub Leonarda da Vinci z ich szczegółowymi studiami fałd tkaniny, liści drzew czy kończyn ludzkich. W tej serii niektóre dzieła wielokrotnie ukazują tę samą krzywą linię, inne schematycznie przedstawiają podstawowe elementy strukturalne kompozycji, a niektóre zawierają szczegółowy plan kompozycji. Ponadto istnieje około 15 różnych obrazów, które są związane z Kompozycją VII: są to szkice olejne lub ołówkowe, akwarele, obrazy na szkle oraz grafiki.

Gabrielle Munter, która była świadkiem powstawania tego obrazu, napisała w swoim dzienniku 25 listopada 1913, że płótno do Kompozycji VII zostało dostarczone do jej domu w Murnau, a Kandinsky zajął się jego pracą tej samej nocy. Następnego dnia zrobił pierwsze zdjęcie obrazu, a po lunchu drugie. We wpisie z 28 listopada w dzienniku Munter napisano, że obraz był ukończony. 29 listopada zrobił zdjęcie skończonemu dziełu. Tak odnotowano narodziny wielkiego arcydzieła.

Kompozycja VII zajmuje miejsce nr 100 na naszej liście słynnych obrazów

Nr 6 Kompozycja X - Kandinsky

Cytowany jako jeden z pierwszych mistrzów malarstwa abstrakcyjnego, Wassily Kandinsky był nie tylko rosyjskim malarzem, ale także teoretykiem sztuki. Wpływ, jaki spowodował oraz pozostawił w świecie sztuki i abstrakcji, był ogromny, ponieważ współzałożył grupę sztuki Phalanx i The New Group of Artists, organizując wystawy dla swoich współczesnych w trakcie swoich lat jako artysta. Wyprodukował ponad 600 dzieł w trakcie swojej kariery, a jedno z obrazów z 1913 roku osiągnęło rekordową cenę aukcyjną 41,6 miliona dolarów w 2017 roku.

Pomimo tego imponującego rekordu, jego najważniejszą pracą był być może Kompozycja X. Ostatnie w jego całodziennym cyklu 'Kompozycji'. Starając się zwieńczyć swoje badania nad czystością formy i ekspresji przez to dzieło. Po używaniu czarnego koloru z umiarem w swojej praktyce do tego momentu, krytykowano, że to dzieło przywołuje zarówno kosmos, jak i mrok zwiastujący zbliżający się koniec jego życia.

Początkowo tworzenie Kompozycji X było inspirowane biomorficznymi formami surrealizmu.

Niemniej jednak, Wassily Kandinsky później rozpoczął używanie organicznych form w swoich obrazach. To styl, którego później używał w swoich obrazach.

Styl nadał jego pracy wyjątkowość. Było łatwo, a niemal niemożliwe zignorować obrazy stworzone przez Wassily'ego Kandinsky'ego, gdy były wystawiane na wystawach lub w innych miejscach.

Ponadto, Kompozycja X została stworzona we Francji. Patrząc na obraz z bliska, można zauważyć, że malarz użył czarnego tła. Głównym powodem użycia czarnego tła była możliwość wyraźnego pokazania kolorów z pierwszego planu.

Nr 7 Konwergencja - Jackson Pollock

Konwergencja —obraz czarno-biały, na który Pollock rzucił kolory podstawowe— odzwierciedla kryzys zimnej wojny. Jest to jedno z jego arcydzieł, a także może być najbardziej znanym obrazem ekspresjonisty abstrakcyjnego. W 1964 roku Springbok Editions wyprodukowało puzzel z obrazem, który był promowany jako "najtrudniejszy puzzel na świecie", a setki tysięcy Amerykanów go kupiło.

W 1951 roku Pollock powiedział: “Wydaje mi się, że nowoczesny malarz nie może wyrazić swojej epoki, samolotu, bomby atomowej, radia, w starych formach renesansu lub jakiejkolwiek innej minionej kultury. Każda epoka znajduje swoją własną technikę.” Pollock znalazł swoją technikę w malowaniu domów i skapaniu, i wykorzystał ją do wyrażenia swojego własnego czasu.

O wymiarach 237 x 394 centymetrów, Konwergencja jest jednym z najbardziej ambitnych obrazów Pollocka. Znany jest ze swojej wizualnej błyskotliwości i wywołania głębokich emocji u widza. Choć dzieła Jacksona wciąż pozostają trudne do rozszyfrowania nawet dla ekspertów w dziedzinie sztuki, jego obrazy uważane są za manifestacje wolności wyrażania. Konwergencja, która jest w tym sensie bardzo wyróżniającym się przykładem, dalej pozostaje jednym z jego najsłynniejszych arcydzieł.

Nr 8 Elegia dla Hiszpanii - Robert Motherwell

Chociaż Robert Motherwell miał zaledwie 21 lat, kiedy wybuchła hiszpańska wojna domowa, jej okropności głęboko go dotknęły w kolejnych latach. Doprowadziło to go do stworzenia serii ponad 200 obrazów w odpowiedzi na nią. Seria 'Elegia dla Hiszpanii' stanowi wiele upamiętnień cierpienia ludzkiego, jak również "abstrakcyjne i poetyckie symbole niezłomnego cyklu życia i śmierci".

Odnośnie Elegii, Motherwell stwierdził: “Po pewnym okresie malowania ich odkryłem czarny jako jeden z moich tematów, a z czarnym, kontrastującym białym, poczucie życia i śmierci, które dla mnie jest dość hiszpańskie. Są to zasadniczo hiszpańskie czernie śmierci kontrastujące z blaskiem promieni słońca, jak u Matisse’a.”

Jego Elegie stanowią rozszerzoną abstrakcyjną medytację nad życiem i śmiercią. Przez całą serię białe poziome płótna są rytmicznie dzielone przez dwa lub trzy swobodnie narysowane pionowe paski, podzielone w różnych odstępach przez owalne kształty. Obrazy zwykle są w całości z bieli i czerni, kolorów żalu i blasku, śmierci i życia. Motherwell skomentował na temat zawirowania tych sił jako metaforę jego zrozumienia doświadczenia bycia żywym.

Elegia dla Hiszpanii opisuje majestatyczne przejście między tym, co organiczne i geometryczne, przypadkowe i zamierzone. Jak inni ekspresjoniści abstrakcyjni, Motherwell był pociągany przez surrealistyczną zasadę automatyzmu — metod, które uciekały od świadomej intencji artysty — a jego pociągnięcie pędzlem ma ładunek emocjonalny, ale w ogólną strukturę pewnej surowości. W rzeczywistości Motherwell uważał staranne układy koloru i kształtu za sedno sztuki abstrakcyjnej, która, jak powiedział, "pozbawia inne rzeczy, aby ją wyostrzyć, rytmy, odstępy przestrzenne i strukturę koloru".

Nr 9 Czarny Iris – Georgia O'Keeffe

Ten monumentalny obraz kwiatów jest jednym z pierwszych arcydzieł O'Keeffe. Powiększając płatki znacznie poza proporcje naturalnego rozmiaru, zmusza widza do zauważenia drobnych szczegółów, które w przeciwnym razie mogliby przeoczyć. Kiedy obrazy tej grupy po raz pierwszy wystawiono w 1924 roku, nawet Alfred Stieglitz, jej mąż i handlarz, był zaskoczony jej śmiałością.

Czarny Iris Georgia O'Keeffe jest przykładem jednego z jej wielu dzieł na temat kwiatów, a szczególnie irysa, kwiatu bogatego w symbolikę. Jednak w Czarnym Iris III , celem O'Keeffe nie było nawiązanie do tej symboliki ani jej dodanie, ale raczej zachęcenie widza do patrzenia i dostrzegania kwiatu oraz rozważenia różnych sposobów, w jakie ludzie widzą. Staje się głęboką medytacją na temat sztuki patrzenia, nie tylko na sztukę, ale i na życie. W tym artykule Singulart analizuje symbolikę projekcji na obrazie O'Keeffe, jak również jej własne intencje przy tworzeniu Czarny Iris III. 

Georgia O'Keeffe przez wiele lat interesowała się tematyką malowania irysów, w szczególności czarnego irysa, który był trudniejszy do znalezienia i dostępny tylko przez kilka tygodni w roku w Nowym Jorku. Irys jest powszechnym symbolem w zachodnim świecie: w mitologii greckiej bogini Iris personifikuje tęczę i połączenie między niebem a ziemią; w chrześcijaństwie irys symbolizuje pasję Chrystusa i zmartwychwstanie oraz cierpienie Marii. Z kolei Linda Nochlin, historyk sztuki, przekształciła irysy O'Keeffe w symbol feminizmu, opisując je jako "morfologiczną metaforę" żeńskich genitaliów, odzwierciedlając "jedność kobiecości i porządku naturalnego". Opis Nochlin Czarny Iris III i inne obrazy irysów O'Keeffe osadziły je w historii sztuki oraz historii feminizmu i sztuki feministycznej.

Jednak O'Keeffe odrzuciła ten opis, stwierdzając: “Nikt nie widzi kwiatu, naprawdę, jest tak mały. Nie mamy czasu, a patrzenie zajmuje czas, tak samo jak bycie przyjacielem zajmuje czas. Gdybym mogła namalować kwiat dokładnie tak, jak go widzę, nikt nie zobaczyłby tego, co ja widzę, ponieważ namalowałabym go małego, takiego jak jest mały. Więc powiedziałam sobie: namaluję to, co widzę, co kwiat jest dla mnie, ale namaluję go na dużym formacie i zdziwię ich, zmuszając do poświęcenia czasu na jego obserwację, sprawię, że nawet zajęci nowojorczycy poświęcą czas na zobaczenie tego, co widzę w kwiatach. Zmusiłam cię do poświęcenia czasu na zrozumienie tego, co widziałam, a gdy poświęciłeś czas, aby naprawdę dostrzegać mój kwiat, umieściłeś wszystkie swoje skojarzenia ze kwiatami w moim kwiecie i pisałeś o moim kwiecie, jakbym myślała i widziała to, co myślisz i widzisz. ten kwiat, a ja nie.

Nr 10 Wymiana - William de Kooning

W 1955 roku Willem de Kooning ukończył dzieło Wymiana. Skupiał się przez długi czas na przerabianiu studiów postaci, które dotyczyły kobiet, które rozpoczął w 1948 roku. Były one powiązane z jego indywidualną wystawą w 1953 roku, obrazami na temat kobiet, która miała miejsce w Nowym Jorku w tym czasie. Niektóre tytuły tych dzieł to Kobieta I , Kobieta III i Kobieta V, a także Dwie kobiety z martwą naturą.

Do 1955 roku de Kooning przestał malować postaci ludzkie i nadal używał abstrakcyjnych przedstawień architektury i społeczności Nowego Jorku.

Willem de Kooning nawiązał szybkie gesty na płótnie. Obraz przedstawia kobietę siedzącą na krześle, ale kobiety pojawiają się tylko jako masa szczytów. Przy nazywaniu swoich obrazów zawsze preferował nawiązania do otoczenia, w którym żył. Wymiana wzięła nazwę od okolicy, centrum Nowego Jorku, miejsca, w którym mieszkał w tym czasie.

Pierwotnie obraz został sprzedany przez artystę w 1955 roku za 4 000 dolarów.

Później został sprzedany przez Fundację David Geffen Kennethowi C. Griffinowi za 300 milionów dolarów we wrześniu 2015 roku, lokując go na drugim miejscu w rankingu najdroższych obrazów, tylko za Salvator Mundi autorstwa Leonarda da Vinci, który sprzedano za 450,3 milionów dolarów w listopadzie 2017 roku.

KUADROS ©, słynny obraz na twojej ścianie.