Ekspresjonizm abstrakcyjny to termin stosowany do nowych form sztuki abstrakcyjnej rozwijanych przez amerykańskich malarzy, takich jak Jackson Pollock, Mark Rothko i Willem de Kooning w latach 40. i 50. XX wieku. Często charakteryzuje się gesturalnymi pociągnięciami pędzla lub znakami, oraz wrażeniem spontaniczności.
Ekspresjonizm abstrakcyjny - Niebieskie słupy Jacksona Pollocka
Chociaż jest to akceptowana nazwa, ekspresjonizm abstrakcyjny nie jest dokładnym opisem ciała pracy stworzonym przez tych artystów. W rzeczywistości ruch ten obejmował wiele różnych stylów malarskich, które różniły się techniką i jakością ekspresji. Pomimo tej różnorodności, obrazy ekspresjonizmu abstrakcyjnego dzielą kilka ogólnych cech. Często wykorzystują stopnie abstrakcji; to znaczy, przedstawiają formy mało realistyczne lub, w skrajnych przypadkach, formy niepochodzące ze świata widzialnego (nieobiektywne). Akcentują swobodną, spontaniczną i osobistą ekspresję emocjonalną oraz stosują znaczną swobodę w technice i wykonaniu, aby osiągnąć ten cel, z szczególnym naciskiem na wykorzystanie zmiennego charakteru fizycznego farby, aby wywołać cechy ekspresyjne (na przykład, zmysłowość, dynamizm, przemoc, tajemniczość, liryzm). Pokazują podobny nacisk na intuicyjne i nieskuteczne zastosowanie tej farby w formie psychicznej improwizacji, podobnej do automatyzmu surrealistów, z podobną intencją wyrażenia siły kreatywnego nieświadomego w sztuce. Artyści często pokazują podobny nacisk na porzucenie konwencjonalnie skonstruowanej, ustrukturalizowanej kompozycji zbudowanej z wyodrębnionych i segregowalnych elementów oraz zastąpienie jej pojedynczym polem, siecią lub innym zintegrowanym i niedyferencjonowanym obrazem istniejącym w przestrzeni nieustrukturalizowanej. I w końcu, obrazy wypełniają dużą płaszczyznę, aby nadać wymienionym wcześniej efektom wizualnym zarówno monumentalność, jak i wchłaniającą moc.
Ekspresjoniści abstrakcyjni mieli swoją siedzibę głównie w Nowym Jorku i byli również znani jako szkoła nowojorska. Nazwa ta przywołuje ich cel tworzenia sztuki, która, chociaż abstrakcyjna, jest także ekspresyjna lub emocjonalna w swoim efekcie. Inspiracje czerpali z surrealistycznej idei, że sztuka powinna pochodzić z nieświadomego umysłu oraz z automatyzmu artysty Joana Miró.
W Wielkiej Jabłoni mała grupa mało związanych ze sobą artystów stworzyła stylistycznie różnorodne ciało pracy, które wprowadziło nowe radykalne kierunki w sztuce i zmieniło podejście świata sztuki. Nie będąc formalnym stowarzyszeniem, artyści znani niezmiennie jako "ekspresjoniści abstrakcyjni" lub "szkoła nowojorska", dzielili niektóre wspólne założenia. Wśród innych artyści tacy jak Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart i Clyfford Still odważnie posunęli się do przodu w poszukiwaniu znaczącej treści. Łamiąc akceptowane konwencje zarówno w technice, jak i temacie, artyści stworzyli dzieła monumentalnej skali, które stały się odzwierciedleniem ich indywidualnych psychik i w ten sposób starali się uzyskać dostęp do uniwersalnych wewnętrznych źródeł. Artyści cenili sobie spontaniczność i improwizację, nadając najwyższe znaczenie procesowi twórczemu.
Ekspresjonizm abstrakcyjny - Abstrakcja Willem de Kooninga
Praca ekspresjonistów abstrakcyjnych opiera się na oporze stylowej kategoryzacji, ale można ją pogrupować w oparciu o dwie podstawowe skłonności: akcent na dynamiczny i energetyczny gest, w przeciwieństwie do refleksyjnego i umysłowego podejścia do bardziej otwartych pól koloru. W każdym razie obrazy były głównie abstrakcyjne.
Pierwsi ekspresjoniści abstrakcyjni mieli dwóch wybitnych prekursorów: Arshile'a Gorky'ego, który malował sugestywne formy biomorficzne, używając płynnej, delikatnie liniowej i swobodnej aplikacji farby oraz Hansa Hofmanna, który stosował dynamiczne i silnie teksturowane pociągnięcia pędzla w abstrakcyjnych, ale konwencjonalnie skomponowanych dziełach. Innym ważnym wpływem na rodzący się ekspresjonizm abstrakcyjny było dotarcie do amerykańskich brzegów pod koniec lat 30. i na początku lat 40. dużej grupy surrealistów i innych znaczących europejskich artystów awangardowych uciekających przed nazistowską Europą. Tacy artyści bardzo pobudzili rodzimych malarzy nowojorskich, dając im bardziej intymne spojrzenie na awangardę europejskiego malarstwa. W ogólności uważa się, że ruch ekspresjonizmu abstrakcyjnego rozpoczął się od obrazów stworzonych przez Jacksona Pollocka i Willema de Kooninga pod koniec lat 40. i na początku lat 50. XX wieku.
Ekspresjonizm abstrakcyjny - Rok z siewką Arshile'a Gorky'ego
Ekspresjonizm abstrakcyjny - Oto droga gwiazd Hansa Hofmanna
Rodzaje ekspresjonizmu abstrakcyjnego
Pomimo różnorodności ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, można wyróżnić trzy ogólne podejścia. Pierwsze, "malarstwo akcji", charakteryzuje się luźnym, szybkim, dynamicznym lub zdecydowanym podejściem do malarstwa w gestach zamachowych lub cięciowych oraz technikami częściowo dyktowanymi przez przypadek, takimi jak kapanie lub wylewanie farby bezpośrednio na płótno. Jason Pollock po raz pierwszy stosował malarstwo akcji, wylewając farby komercyjne na surowe płótna, aby stworzyć złożone i splątane kłęby farby w ekscytujących i sugestywnych wzorach liniowych. De Kooning używał niezwykle energicznych i ekspresywnych pociągnięć pędzla do tworzenia obrazów bogatych w kolory i tekstury. Kline używał mocnych i szerokich czarnych pociągnięć na białym płótnie, aby stworzyć wyraźnie monumentalne formy.
Średnica w ramach ekspresjonizmu abstrakcyjnego reprezentowana jest przez różne zróżnicowane style, które sięgają od bardziej lirycznych i delikatnych obrazów oraz płynnych form malarstwa Gustona i Frankenthalera do prawie kaligraficznych, solidnych i wyraźnie ustrukturyzowanych obrazów Motherwella i Gottlieba.
Trzecim podejściem, najmniej emocjonalnie ekspresywnym, było podejście Rothko, Newmana i Reinhardta. Ci malarze używali dużych obszarów, lub pól, płaskiego koloru oraz cienkiej i przezroczystej farby, aby osiągnąć spokojne, subtelne, prawie medytacyjne efekty. Malarzem pól kolorystycznych był Rothko, którego większość prac składała się z dużych kombinacji prostokątnych obszarów solidnych kolorów i miękkich krawędzi, które mają tendencję do świecenia i rezonowania.
W ramach ekspresjonizmu abstrakcyjnego istniały dwie główne grupy: tzw. malarze akcji, którzy atakowali swoje płótna ekspresyjnymi pociągnięciami pędzla; oraz malarze pól kolorystycznych, którzy wypełniali swoje płótna dużymi obszarami jednego koloru.
Malarze akcji byli kierowani przez Jacksona Pollocka i Willema de Kooninga, którzy pracowali w sposób spontaniczny i improwizowany, często używając dużych pędzli do tworzenia gestów zamachowych. Pollock kładł swoje płótno na ziemi i tańczył wokół niego, wylewając farbę z puszki lub przeciągając ją z pędzla lub kija. W ten sposób malarze akcji bezpośrednio wyrazili swoje wewnętrzne impulsy na płótnie.
Drugą grupę stanowili Mark Rothko, Barnett Newman i Clyfford Still. Ci artyści byli głęboko zainteresowani religią i mitem, tworząc proste kompozycje z dużymi obszarami koloru, które miały wywoływać kontemplacyjną lub medytacyjną odpowiedź u widza. W eseju napisanym w 1948 roku Barnett Newman mówił: „Zamiast budować katedry z Chrystusem, człowiekiem lub 'życiem', budujemy je z nas samych, z naszych własnych uczuć”. To podejście do malarstwa rozwinęło się około 1960 roku w to, co nazywane było malarstwem pól kolorystycznych, charakteryzującym się artystami używającymi dużych obszarów więcej lub mniej jednego płaskiego koloru.
Ekspresjonizm abstrakcyjny rozwijał się w kontekście różnorodnych i nakładających się źródeł i inspiracji. Wielu młodych artystów zaczęło swoją karierę w latach 30. XX wieku. Wielki kryzys spowodował powstanie dwóch ruchów artystycznych ludowych, regionalizmu i realizmu społecznego, z których żaden nie zaspokajał pragnienia tej grupy artystów, aby znaleźć treść bogatą w sens i pachnącą odpowiedzialnością społeczną, ale wolną od lokalności i polityki. Wielki kryzys doprowadził również do rozwoju programów pomocy rządowej, w tym Works Progress Administration (WPA), programu zatrudnienia dla bezrobotnych Amerykanów, w którym uczestniczyli wielu członków grupy i który pozwolił wielu artystom na zbudowanie kariery.
Ale to wystawa i asymilacja europejskiego modernizmu przygotowały grunt pod bardziej zaawansowaną sztukę amerykańską. W Nowym Jorku było kilka miejsc, gdzie można było zobaczyć awangardową sztukę z Europy. Muzeum Sztuki Nowoczesnej otworzyło swoje drzwi w 1929 roku, a tam artyści zobaczyli szybko rosnącą kolekcję nabytą przez dyrektora Alfreda H. Barra, Jr. Zostali również wystawieni na innowacyjne wystawy czasowe nowych prac, w tym Kubizm i Sztuka Abstrakcyjna (1936), Fantastyczne Sztuki, dadaizm, surrealizm (1936-1937) oraz retrospektywy Matisse'a, Légera i Picassa, między innymi.
Innym forum do oglądania najbardziej zaawansowanej sztuki było Muzeum Sztuki Żywej Alberta Gallatina, które mieściło się na Uniwersytetcie Nowojorskim od 1927 do 1943 roku. Tam ekspresjoniści abstrakcyjni zobaczyli prace Mondriana, Gabo, El Lissitzky'ego i innych. Prekursor Muzeum Solomona R. Guggenheima, Muzeum Malarstwa Nieobiektywnego, otworzyło swoje drzwi w 1939 roku. Nawet przed tym datą jego kolekcja Kandinsky'ego była wielokrotnie prezentowana publicznie. Lekcje europejskiego modernizmu były również rozpowszechniane poprzez nauczanie. Niemiecki eksponowany artysta Hans Hofmann (1880–1966) stał się najważniejszym nauczycielem nowoczesnej sztuki w Stanach Zjednoczonych, a jego wpływ dotarł jak do artystów, tak i do krytyków.
Kryzys wojenny i jego następstwa są kluczowe dla zrozumienia zmartwień ekspresjonistów abstrakcyjnych. Ci młodzi artyści, zaniepokojeni ciemną stroną człowieka i z niepokojem świadomi ludzkiej irracjonalności i wrażliwości, chcieli wyrazić swoje obawy w nowej sztuce o znaczeniu i substancji. Europejscy surrealistowie otworzyli nowe możliwości, kładąc nacisk na dostęp do nieświadomości. Surrealistycznym środkiem na uwolnienie się od świadomego umysłu było automatyzm psychiczny, w którym automatyczny gest i improwizacja zyskują luz.
Na początku ekspresjoniści abstrakcyjni, w poszukiwaniu ponadczasowego i potężnego tematu, sięgnęli po prymitywne mity i archaiczną sztukę, by czerpać inspirację. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman i Baziotes szukali ekspresji w starych lub prymitywnych kulturach. Ich pierwsze dzieła przedstawiają elementy pictograficzne i biomorficzne przekształcone w osobisty kod. Psychologia jungowska także wywarła silny wpływ, twierdząc na istnienie kolektywnej nieświadomości. Szczerość ekspresji była kluczowa, a najlepiej osiągnięta bez premedytacji. W słynnej liście do New York Times (czerwiec 1943) Gottlieb i Rothko, z pomocą Newmana, napisali: "Dla nas sztuka jest przygodą w nieznanym świecie wyobraźni, wolnym od fantazji i stanowczym oporem wobec zdrowego rozsądku. Nie ma czegoś takiego jak dobra malarstwo o niczym. Twierdzimy, że temat jest krytyczny”.
Ekspresjonizm abstrakcyjny - Koła Adolfa Gottlieba
Ekspresjonizm abstrakcyjny u szczytu: malarstwo akcji
W 1947 roku Pollock opracował radykalnie nową technikę, wylewając i kapanie rozcieńczonej farby na surowe płótno położone na ziemi (zamiast tradycyjnych metod malowania, w których pigment nakłada się pędzlem na rozciągnięte płótno umieszczone na sztaludze). Obrazy były całkowicie nieobiektywne. W temacie (lub pozornym braku tematu), skali (ogromnej) i technice (bez pędzla, bez ram, bez sztalugi), obrazy robiły wrażenie na wielu widzach. De Kooning również rozwijał własną wersję bardzo obciążonego stylu gestualnego, przeplatając między pracą abstrakcyjną a potężnymi, ikonicznymi obrazami figuralnymi. Inni koledzy, w tym Krasner i Kline, również zaangażowali się w tworzenie sztuki dynamicznego gestu, w której każdy centymetr obrazu jest całkowicie naładowany. Dla ekspresjonistów abstrakcyjnych autentyczność lub wartość dzieła polega na jego szczerości i bezpośredniości ekspresji. Obraz ma być ujawnieniem prawdziwej tożsamości artysty. Gest, "podpis" artysty, jest dowodem rzeczywistego procesu tworzenia dzieła. Odnosi się to do tego aspektu dzieła, do którego krytyk Harold Rosenberg ukuł termin "malarstwo akcji" w 1952 roku: "W pewnym momencie, płótno zaczęło wyglądać dla amerykańskiego malarza, za każdego z rzędu, jak scena do działania, a nie jako przestrzeń do odtwarzania, przekonstruowania, analizy lub 'wyrażania' obiektu, rzeczywistego lub wyobrażonego. To, co miało być umieszczone na płótnie, nie było obrazem, ale wydarzeniem”. " to dowód rzeczywistego procesu tworzenia dzieła. Odnosi się to do tego aspektu dzieła, do którego krytyk Harold Rosenberg ukuł termin "malarstwo akcji" w 1952 roku: "W pewnym momencie, płótno zaczęło wyglądać dla amerykańskiego malarza, za każdego z rzędu, jak scena do działania, a nie jako przestrzeń do odtwarzania, przekonstruowania, analizy lub 'wyrażania' obiektu, rzeczywistego lub wyobrażonego. To, co miało być umieszczone na płótnie, nie było obrazem, ale wydarzeniem”. " to dowód rzeczywistego procesu tworzenia dzieła. Odnosi się to do tego aspektu dzieła, do którego krytyk Harold Rosenberg ukuł termin "malarstwo akcji" w 1952 roku: "W pewnym momencie, płótno zaczęło wyglądać dla amerykańskiego malarza, za każdego z rzędu, jak scena do działania, a nie jako przestrzeń do odtwarzania, przekonstruowania, analizy lub 'wyrażania' obiektu, rzeczywistego lub wyobrażonego. To, co miało być umieszczone na płótnie, nie było obrazem, ale wydarzeniem”.
Ekspresjonizm abstrakcyjny u szczytu: pole koloru
Inną drogą było ekspresyjne potencjału koloru. Rothko, Newman i Still, na przykład, stworzyli sztukę opartą na uproszczonych, dużych formatach zdominowanych przez kolor. Impuls był generalnie refleksyjny i umysłowy, z uproszczonymi środkami malarskimi, aby stworzyć rodzaj elementarnego wpływu. Rothko i Newman, między innymi, mówili o dążeniu do osiągnięcia "wzniosłości", zamiast "piękna", przypominając Edmunda Burke'a w dążeniu do wielkiej i heroicznej wizji w przeciwieństwie do łagodzącego lub pocieszającego efektu. Newman opisał swoje redukcjonizm jako środek do „uwolnienia nas od przestarzałych akcesoriów przestarzałej i staroświeckiej legendy… uwolnienia nas od przeszkód pamięci, skojarzenia, nostalgii, legendy i mitu, które były urządzeniami malarstwa zachodnioeuropejskiego”.
Dla Rothko, prostokąty o miękkich krawędziach w luminescencyjnym kolorze powinny wywoływać w widzach prawie religijne doświadczenie, nawet powodując łzy. Podobnie jak u Pollocka i innych, skala miała znaczenie. W swoim czasie obrazy miały dużą skalę. I miały być oglądane w stosunkowo bliskich środowiskach, aby widz miał praktycznie poczucie otulenia doświadczeniem konfrontacji z dziełem. Rothko mówił: "Maluję na dużych formatach, by być intymnym". Ta koncepcja jest bardziej skierowana ku temu, co osobiste (autentyczna ekspresja jednostki) niż ku monumentalnemu. w ten sposób widz był wirtualnie otulony doświadczeniem konfrontacji z dziełem.
Ekspresjonizm Abstrakcyjny: jego wpływ
Ekspresjonizm abstrakcyjny miał ogromny wpływ na amerykańską i europejską scenę artystyczną w latach 50. W rzeczywistości ruch ten oznaczał zmianę centrum kreatywnego nowoczesnego malarstwa z Paryża do Nowego Jorku w latach powojennych. W ciągu lat 50. młodsi zwolennicy ruchu coraz bardziej podążali za przykładem malarzy pól kolorystycznych, a w 1960 roku ich uczestnicy w ogóle odsunęli się od silnie ekspresyjnej natury malarzy akcji.
W tym czasie prace były szeroko prezentowane na wystawach objazdowych i w publikacjach. W wyniku ekspresjonizmu abstrakcyjnego nowe pokolenia artystów, zarówno amerykańskich, jak i europejskich, zostały głęboko naznaczone postępami pierwszej generacji i stworzyły własne ważne ekspresje, oparte na tych, którzy torowali drogę.
KUADROS ©, znany obraz na twojej ścianie.
