Często jest więcej na obrazie tego, co się wydaje, a wiele z najbardziej znanych dzieł sztuki ma ukryte sekrety pod powierzchnią. Możesz przestudiować swój ulubiony obraz w kółko i nadal odkryć nowy tajemniczy symbol lub ukryte szczegóły. Niektórzy z najsłynniejszych artystów na świecie celowo pozostawiają tajne przesłania w swoich obrazach, a niektórzy nawet wzbudzili popularne teorie spiskowe, aby obalić autorytet, rzucić wyzwanie społeczeństwu, albo ujawnić coś o sobie. Setki lat później, dzięki postępom technologicznym, po raz pierwszy odkryto wiele z tych tajnych przesłania. Kuadros, aby ukochać te tajemnice dla ciebie. Są to słynne obrazy, które uznaliśmy za najbardziej enigmatyczne.
Nr 1 Ostatnia Wieczerza - Leonardo da Vinci
Słynna reprezentacja Leonarda da Vinci de Jesús i jego uczniów w ostatniej wieczerzy była w centrum niektórych popularnych teorii w ostatnich latach, jak opisano w powieści „The Da Vinci Code” z 2003 r. Książka kinematograficzna z 2006 roku z Tomem Hanksem. Brown zaproponował, aby uczeń po prawej stronie Jezusa jest w rzeczywistości Maria Magdalena w przebraniu Jana Apostoła. Sugeruje również, że forma „V”, która tworzy się między Jezusem a „Janem”, reprezentuje żeńską macicę, która sugeruje, że Jezus i Maria Magdalena mieli razem dziecko. Historycy sztuki są jednak sceptyczni. Ostatnia kolacja Da Vinci jest ważna ze względu na ekspresyjny skład i wykorzystanie perspektywy, która była w tym czasie innowacją. Da Vinci wyrównał figurki i ściany pomieszczenia pomalowane linami, które promieniują gwoździe na ścianie, w której oryginał jest pomalowany, nad jadalnią w klasztorze w Mediolanie. Wielu sugeruje, że wygląd Johna jest kobiecy po prostu dlatego, że tak był reprezentowany. Ekspert Mario Taddei powiedział Artnet.com: „Leonardo musiał skopiować ostatnie kolacje przed nim, a John wygląda jak kobieta”. Ale włoski technik komputerowy odkrył o wiele bardziej przekonującą tajną wiadomość Giovanni Marię Pala. Potwierdza, że Da Vinci ukrył nuty muzyczne w „The Last Supper”, które, czytając od lewej do prawej, odpowiadają 40 -sekundowi hymnie, który brzmi jak żądanie.
Kiedy opat klasztoru narzekał, że obraz trwa zbyt długo, powiedziano, że rozwścieczony artysta zagroził, że użyje twarzy opata jako modelu zdrajcy Judasza. Ostatecznie Da Vinci odwiedził więzienia Mediolanu, aby znaleźć idealną twarz złoczyńcy dla Judasza, który siedzi piąty od lewej. Profesjonalni historycy sztuki twierdzą, że nie ma dowodów na teorie spisku na temat ostatniej kolacji wystawionej w „The Code Da Vinci” i innych książkach, które dotyczą tego tematu; I odrzucają identyfikację postaci po lewej stronie Jezusa jako jej zwolennika Marii Magdalena, zamiast apostoła Jana.
Kup ostatnią reprodukcję obiadową w sklepie internetowym Kadros
Nr 2: Miguel Ángel
„Creation Adama” jest prawdopodobnie najsłynniejszym z dziewięciu biblijnych paneli, które Miguel Ángel namalował na dachu kaplicy Sykstyńskiej. Ale czy wiesz, że scena zawierała ludzki mózg? Ukryte przesłanie znajduje się w tkaninie, w której można rozróżnić kształt mózgu. Najwyraźniej artysta przedstawił go na swoim fresku, ponieważ w tym czasie Kościół był zabroniony. Okazuje się, że Miguel Ángel był ekspertem w dziedzinie anatomii ludzkiej. W wieku 17 lat miał nieco upiorną pracę, rozdzielając zwłoki cmentarza kościelnego. Dlatego niektórzy uważają, że chciałby przedstawić tę pasję do anatomii jednym z jego największych osiągnięć, na dachu kaplicy syktywnej. Według ekspertów neuroanatomii Iana Suk i Rafaela Tamargo malarz umieścił starannie ukryte ilustracje niektórych części ciała na dachu kaplicy syktywnej. A jeśli obserwujesz osłona otaczającego Boga w „Stworzeniu Adama”, przekonasz się, że tworzy on anatomiczną ilustrację ludzkiego mózgu. Suk i Tamargo wierzą, że Miguel Ángel zamierzał, aby mózg reprezentował ideę, że Bóg daje Adamowi nie tylko życie, ale także z ludzką wiedzą.
Lekarz mówi, że Miguel Ángel bardzo dobrze znał ludzki mózg i że wykorzystał swoją wiedzę o neuroanatomii, aby symbolicznie reprezentować mózg w swoim „tworzeniu Adama”. Inne interpretacje idą jeszcze dalej, obraz ten jest sprzeczny z ideologią religijną i przekazuje przesłanie, że wszystko rodzi się od człowieka, w przeciwnym razie. Cóż za faktyczna myśl o świętych świętej. Takie słynne dzieło sztuki i wciąż znajdujemy tajemnice ukryte wieki po jej pojęciu.
Kup reprodukcję tworzenia Adama w sklepie internetowym Kadros
Nr 3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Mianowicie Mona Lisa, najsłynniejszy obraz wśród słynnych obrazów, najczęściej odwiedzane dzieło Muzeum Luwru. Ta zagadkowa dama naprawdę ma tutaj więcej do zobaczenia, że ten niesławny połowę uśmiechu. Po pierwsze, spekuluje się, że jest w ciąży, biorąc pod uwagę sposób, w jaki ich ramiona są umieszczane na brzuchu i zasłonie wokół ramion, których kobiety w ciąży używały podczas włoskiego odrodzenia. Ale najnowsze odkrycia są w ich oczach. W 2011 r. Włoski badacz Silvano Vinceti powiedział, że znalazł w nich mikroskopowo malowane litery i cyfry. Powiedział Associated Press, że „L” o jego prawym oku prawdopodobnie reprezentuje imię artysty. Ale znaczenie litery „S”, które widzisz w lewym oku i liczba „72” poniżej łukowego mostu w tle, jest mniej jasne. Vinceti uważa, że „S” może odnosić się do kobiety w dynastii Sforza, która rządziła Mediolanem, co oznacza, że kobietą w obrazie może nie być Lisa Gherardini, ponieważ wierzyła ją od dłuższego czasu. Jeśli chodzi o „72”, Vinceti twierdzi, że może to wynikać ze znaczenia liczb zarówno w chrześcijaństwie, jak i w judaizmie. Na przykład „7” odnosi się do stworzenia świata, a liczba „2” może odnosić się do dualności mężczyzn i kobiet.
Jeszcze bardziej zaskakujące, w 2015 r. Francuski naukowiec, który użył technologii światła odblaskowego, twierdził, że znalazł kolejny portret kobiety pod obrazem, który widzimy dzisiaj. Konsensus jest taki, że był to „pierwszy szkic” Da Vinci i że namalował go, aby stworzyć swoje arcydzieło.
Kup reprodukcję Lisy Mona w sklepie internetowym Kadros
No.4 Terrace Coffee at Night - Vincent van Gogh
Ten obraz kolorowych widoków na zewnątrz jest malowniczym dziełem, wizją zrelaksowanego widza, który cieszy się urokiem swojego otoczenia bez żadnego moralnego troski. Pamiętaj o nastroju Van Gogha, kiedy napisał, że „noc jest bardziej żywa i ma więcej kolorów niż dzień”. Na pierwszy rzut oka obraz olejny Vincenta Van Gogha z 1888 roku wydaje się być po prostu tym, co opisuje tytuł: malowniczy taras kawy w kolorowym francuskim mieście. Ale w 2015 r. Ekspert Van Gogha, Jareda Baxtera, zaproponował teorię, że malarstwo jest właściwie wersją artysty „The Last Supper”. Szczegółowe badanie pokazuje centralną postać z długimi włosami otoczonymi przez 12 osób, z których jedna wydaje się wsuwać w cienie, takie jak Judasz. Istnieje również małe ukryte ukrzyżowanie na całym obrazie, w tym jeden na centralnej postaci podobnej do Jezusa.
Aluzja religijna nie byłaby zbyt nie na miejscu dla Van Gogha. Zanim poświęcił swoją uwagę malarstwu, słynny holenderski artysta życzył „głoszenia Ewangelii wszędzie”, a jego ojciec Theodorus van Gogh był pastorem holenderskiego renowanego kościoła. W czasie pracy w Cafe Terrace w nocy Van Gogh napisał do swojego brata Theo Van Gogha i wyjaśnił, że ma „ogromną potrzebę, muszę powiedzieć słowo, religię”, z bezpośrednim odniesieniem do obrazu.
Van Gogh nigdy nie podpisał „Café Terrace w nocy”. Jednak specjalnie wspomniał o malarstwie w trzech elementach korespondencji, więc historycy sztuki są pewni siebie.
Kup kawiarnię na tarasie w nocy w sklepie internetowym Kadros
Nr 5 Portret Arnolfini - Jan van Eyck
Obraz jest zawieszony w National Gallery of London i prawdopodobnie reprezentuje Giovanni di Nicolao Arnolfini i jego żonę Costanza Treanta. Tożsamość pary została zmniejszona tylko z kilku możliwości, ale tylko oni żyli w wiedźmach od dawna, aby ściśle spotkać malarza. Pierwszym kluczem do malowania jest środowisko w dość bogatym domu, pełnym pięknych przedmiotów i ubrań. Symbole w obrazie nie można zignorować, chociaż nie są one jednej interpretacji. Znaczenie obrazu nie jest całkowicie jasne. Przez wieki był interpretowany jako portret nowo małżeńskiej pary, z symbolami wydobywanymi z wydarzenia ślubnego, zaczynając od oczywistego symbolu płodności pozycji ciężarnej ciała Constance, która, jak pokazano, była to tylko moda kaprys. W rzeczywistości para w końcu nie miała dzieci. Inne symbole płodności to czerwone łóżko i dywan. Buty, które leżały na drewnianej podłodze, miały również sens jako wspólne prezenty ślubne dla dziewczyny chłopaka. Pomarańcze symbolizują płodność i miłość, lojalność szczeniaka. Ale jeśli uważnie spojrzysz na lustro pośrodku pokoju, zobaczysz, że do pokoju wchodzą dwie postacie. Powszechnie uważa się, że jeden z nich ma być sam Van Eycka. Zauważa również, że na lustrze jest latynoska inskrypcja bardzo opracowana na lustrze, co tłumaczy się jako „Jan Van Eyck był tutaj. 1434”.
Jednak najważniejszą częścią obrazu, którego nie pokazano, jest rozbieżność na przestrzeni lat. Obraz, jak wspomniano wcześniej, był datowany w 1434 r., Podczas gdy Costanza trzydzieści zmarła w 1433 roku. Obraz mógł również mieć inny kontekst niż ten, który został zakończony. Jak pokazała radiografia, Jan Van Eyck dokonał kilku zmian, a jeśli były one związane z takim zdarzeniem lub nie podlegają sporze.
Kup reprodukcję portretu Arnolfini w sklepie internetowym Kadros
Nr 6 The Ambassadors - Hans Holbein the Young
Na długo przed szklankami 3D lub poszukiwaniem wielkanocnych jaj stały się popularne, malarze renesansowi udało się spojrzeć na elementy z nowych punktów bawiących się z perspektywy. Jednym z najbardziej znanych przykładów tej techniki jest podwójny portret Hansa Holbeina, młodego człowieka, ambasadorów, który ma tak bogatą historię jak wiele ukrytych szczegółów w swoich pociągnięciach.
Interpretacja malarstwa jako alegoria politycznego i religijnego zgiełku schizmy Anglii Enrique VIII, w której uwięzione są nieszczęścia, była powszechnie akceptowana przez ponad sto lat.
Obraz stanowi w bazie dość imponującą iluzję. Jeśli spojrzysz na krzywy obraz na dole farby od prawej do lewej, wydaje się, że jest to anamorficzna czaszka. Naukowcy uważają, że ma to być przypomnienie, że śmierć jest zawsze tuż za rogiem.
W lewym górnym rogu, za zieloną i żywiołową zasłoną, znajdziesz Jezusa w kultowej pozie. Niektórzy historycy sztuki uważają, że ta boska kamea jest powiązana z czaszką Memento Mori i że nawiązuje do miejsca poza śmiertelnością. Jest to symbol przeznaczony do sugerowania, że jest coś więcej niż śmierć, to znaczy przyszłe życie przez Chrystusa. Inni uważają, że ukryta ikona reprezentuje podział Kościoła, w którym Enrique VIII wyrządza swoich rodaków.
Postać po lewej stronie ambasadorów jest Jean de Dinteville, francuski ambasador w Anglii. Miałem już 30 lat w momencie tego podwójnego portretu. Jego przyjaciel i partner dyplomatyczny Georges de Selve, na zdjęciu po prawej stronie, miał w tym czasie zaledwie 25 lat i kilkakrotnie służył jako francuski ambasador Republiki Wenecji.
Portret oleju dębowego został wyprodukowany w korytarzach domu Dinteville. Jednak galeria Narodowa wystawiła halucynacyjne malarstwo Holbeina od 1890 roku. Od ponad 125 lat jest jedną z najcenniejszych wystaw Muzeum w Londynie.
Kup reprodukcję ambasadorów w sklepie internetowym Kadros
Nr 7 Narodziny Wenus - Sandro Botticelli
Nagość w słynnym obrazie Botticelli była dość innowacyjna pod koniec XV wieku. Ale nie właśnie tam kończy się śmiałość artysty. Niektórzy historycy sztuki uważają, że skorupa Vieira, w której Wenus jeździ na falach oceanu, ma w rzeczywistości przeznaczyć na genitalia żeńskie, a tym samym odnosić się do płodności, która tworzy scenę porodową, która odzwierciedla oceaniczne pochodzenie Wenus, jednocześnie łącząc się symbolicznie z ludzkimi narodzinami.
Wenus, bogini miłości, jest skromna w skorupce mariny, wciągnięta na brzeg Zephyr, Boga Zachodniego Windera. Tam jeden z czasów, boginie stacji, jest gotowa z warstwą ubrania nowonarodzonego bóstwa. Czwarta postać, którą przenosi Zephyr, ma być aurą (nimfy wiatrowej) lub chloris, nimfa związana ze sprężyną i kwiatami w kwiatach, jak te, które przepływają przez obraz.
Inspiracja chrześcijańska dominowała w sztuce średniowiecza, więc rzadko opisywała nagość. Jednak pojawienie się humanizmu doprowadziło do ponownego zainteresowania mitami starożytnego Rzymu, a wraz z nim zmartwychwstaniem akcji.
W tym okresie wczesnego odrodzenia farba na panelach drewna była modna. Ale popularność płótna rosła, szczególnie w mokrych regionach, w których drewno miała tendencję do deformowania. Ponieważ płótno było tańsze niż drewno, jego postrzegany stan był nieco niższy, więc był zarezerwowany dla prac, które nie były przeznaczone na duże publiczne wystawy. Obraz wyróżnia się jako pierwsza praca na płótnie w La Toscana.
Narodziny Wenus miały wisieć w pokoju. Nagość utworu nabiera bardziej zmysłowego tonu, gdy wiesz, że przeznaczone było zawieszenie się na łóżku małżeńskim. To miejsce i jego odważna reprezentacja przyczyniły się do narodzin Wenus ukrytej przed opinią publiczną przez około 50 lat. Farba ma towarzyszący element. Chociaż został ukończony cztery lata przed jego siostrą, Wiosna Można to postrzegać jako rodzaj kontynuacji narodzin El Wenus. Podczas gdy drugi reprezentuje przybycie Wenus do świata na skraju kwitnienia, pierwszy pokazuje świat kwiatowy wokół matczynej postaci. Mówi się, że para obrazów zamierzała przekazać, w jaki sposób „miłość triumfuje nad brutalnością”.
Botticelli poprosił o pochowanie u stóp swojej Wenus. Nie malowanie, tak. Chciałem kłamać na zawsze z jego ziemskiej inspiracji, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Nazywana najpiękniejszą kobietą we Florencji, a także najpiękniejszą kobietą w renesansie, Simonetta była muzą, która zainspirowała kilka dzieł Botticelli, w tym narodziny Wenus i Spring. Kiedy zmarł w 1510 roku, Botticelli został pochowany w pobliżu tego żonatego Noblemana, dla którego spekulowano, że zamieszkał nieodwzajemnioną miłość.
Kup reprodukcję narodzin Wenus w sklepie internetowym Kadros
Nr 8 samokontret - Rembrandt
Rembrandt namalował, narysował i nagrał tak wiele własnych w swoim życiu, że zmiany ich wyglądu zapraszają nas do oceny ich nastroju poprzez porównanie obrazu z innym. Takie czytanie biograficzne jest zachęcane przez sposób, w jaki artysta bezpośrednio konfrontuje widza. Rembrandt namalował ten samportret w 1659 r., Po tym, jak doznał porażki finansowej pomimo tylu lat sukcesu. Jego przestronny dom w Sint-Anthonisbreestraat i innym mienie został sprzedawany na aukcji w poprzednim roku, aby zadowolić ich wierzycieli. W tej późnej pracy zatopione oczy, które utknęły w widzenia widza, wydają się wyrażać wewnętrzną siłę i godność. Jednak interpretacja obrazów na podstawie biografii artysty jest niebezpieczna, szczególnie w przypadku artysty, którego życie zostało wyidealizowane w zakresie, w jakim Rembrandt zrobił. Światło, które tak skutecznie oświetla głowę, również podkreśla lewe ramię Rembrandta i, w mniejszym stopniu, jego ręce razem, powszechnie wykonane.
W 2001 r. Brytyjski artysta David Hockney i amerykański fizyk Charles Falco ogłosili, że znaleźli oznaki, że Rembrandt i inni starzy nauczyciele zależali w dużej mierze od użycia zakrzywionych soczewek i luster do tworzenia ich prawdziwych scen i portretów. W sierpniu 2016 r. Dwóch badaczy w Wielkiej Brytanii, artysta Francis O'Neil i Physics Sofia Palazzo Corner, opublikowało badanie w Journal of Optics, które wyjaśniły, w jaki sposób Rembrandt mógł użyć kombinacji zakrzywionych luster i okularów, aby stworzyć słynne ja - portrety. . Naukowcy widzą wiele szczegółów w samokontrotach Rembrandt, które wspierają ich teorię, w tym silne światło w centrum portretów i względnej ciemności na krawędziach, które są również widoczne w odbiciach rzutowanych przez zakrzywione lustra.
Artyści nieustannie używają nowych pigmentów i olejków do wytwarzania bardziej żywych, jasnych i interesujących kolorów. Rembrandt van Rijn nie był inny. Stary holenderski nauczyciel miał dla niego technikę, kreatywność i dokładną pracę. Miał też chemię. Nowa analiza jego dzieł pokazuje, że zastosował rzadki związek w niektórych swoich obrazach: ołowiany minerał węglanowy zwany Plumbonacrita, PB5 (CO3) 3rd (OH). Znajomość składu palety artysty pomoże ekologom w odkryciu, jak lepiej zachować swoje dzieła sztuki.
Kup reprodukcję samego siebie Rembrandta w sklepie internetowym Kuadros
Nr 9 Bacchus - Caravaggio
Malarstwo Bacchusa Caravaggio zawiera wszystkie szaleństwa związane z mitologiczną libertiną, która pęka pod jej powierzchnią. To uczucie burzy pod spokojem czyni go tak potężnym dziełem sztuki. Baco, bóg wina, jest zwykle wykazywany pijany; Bachus Caravaggio jest spokojny i autonomiczny. Często widać jeździć na triumfalnym samochodzie leżącym przez tygrysy, lamparty lub kozy; W wersji Caravaggio procesja bachowa wkrótce się rozpocznie lub się skończy. A może ten Bacch ma zupełnie inne plany.
Po raz pierwszy, gdy w tej pracy odkryto coś ukrytego, był w 1922 roku, restaurator sztuki sprzątał płótno tego dzieła z 1595 roku. Kiedy gromadzenie brudu znika na stulecia, widoczny był ukryty portret. W szklanym dzbanku do wina w lewym dolnym rogu maleńki karawggio siedzi w małym odbiciu światła na powierzchni wina.
Dzisiaj, prawie sto lat później, badacze mylą go. Wydaje się, że nie jest to zbyt ukryte, ale dzięki nowoczesnej technologii zwanej reffulmentografią eksperci sztuki w 2009 roku byli w stanie odkryć, że obraz mężczyzny jest naprawdę ukryty w dzbanku wina w lewym dolnym rogu. I może to być ten sam DA CARAVAGGIO. „Caravaggio namalował osobę pionowo, z wydłużonym ramieniem w kierunku płótna w sztaludze. Wydaje się, że jest to portret sam podczas malowania” - powiedziała ekspertka Mina Gregori do telegrafu.
Kup reprodukcję Bachusa w sklepie internetowym Kadros
Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.
