Opis
Giovanni Bellini i jego warsztat stworzyli lamentację o ciele Chrystusa podczas wysokiego odrodzenia. Wytworzyli kilka odmian tego problemu, ale ta konkretna praca jest znacząca ze względu na dramatyczną technikę zastosowanej Chiaroscuro. To stawia malarstwo w okresie wysokiego renesansu, wykorzystując ulubioną technikę artystów w tym czasie, w tym Leonardo da Vinci. Dosłownie Claroscuro oznacza jasne i ciemne. Kontrast między ciemnością a światłem pozwala na bardziej dramatyczny efekt i powstał w okresie renesansu.
Można powiedzieć, że sztuka renesansowa jest odrodzeniem starożytnych tradycji. Artyści zaczęli łączyć tradycje klasycznej starożytności i nowych pomysłów wyjętych z rozwoju artystycznego w Europie Północnej. Pojawił się humanistyczny styl i zintegrowany ze sztuką tej epoki. Inne charakterystyki okresu wykazały perspektywę liniową i atmosferyczną, doskonalenie anatomii, równowagi i symetrii.
Na tym obrazie Giovanni Bellini wraca do problemu, z którym wielokrotnie borykał się przez całą swoją pracę: Dziewica i apostoł John siedzący na ziemi, aby utrzymać ciało Chrystusa, opuścili krzyż. Kilka postaci jest rozmieszczonych wokół centralnych tematów, najprawdopodobniej pomalowanych przy pomocy jednego z współpracowników Belliniego. Po prawej stronie jest postać mnicha, anachronizm w historii Chrystusa, który pokazuje, że malarstwo było raczej natury oddania niż narracji i przeznaczone do medytacji.
Jest to bardziej zatłoczona kompozycja niż poprzednia „imago pietatis”, w której izolacja postaci staje się membraną, która oddziela przeglądarkę dramatu. Tutaj wybitne kolana Chrystusa i jego nagle bieganie nagle łamie tę idealną ścianę i zbliżają świętą grupę, a zatem do bardziej natychmiastowej komunikacji z tymi, którzy uwielbiają.
Technika malarstwa monochromatycznego jest szczególnie interesująca, co daje wrażenie badania przygotowawczego i powodując, że niektórzy krytycy rozważają możliwość niedokończenia malowania. W rzeczywistości, według XXI wieku weneckiego uczonego Paolo Pino, Giovanni Bellini był przyzwyczajony do tworzenia starannie wykonanych badań przygotowawczych, do których następnie dodał kolor. Alternatywną interpretacją jest to, że praca była modelem pozostawionym w warsztacie jako szablon innych obrazów.
W obrazie Belliniego figurki są uporządkowane tak, aby osoby najbliższe widzowi znajdowały się po lewej stronie, podczas gdy osoby po prawej były najdalej od widza. Jednak największa postać po lewej stronie Jezusa pomaga zrównoważyć obraz, tak że przed sceną postacie, które są bardziej widoczne, są również największe, i stają się mniejsze i lekkie, gdy cofają się. W związku z tym scena jest dobrze zrównoważona z Chrystusem jako centralnym punktem pośrodku. Wszystkie postacie otaczające Chrystusa koncentrują się na Nim z głowami, wskazując centralnie w jego kierunku, przyciągając tam widoki widza. Centrum dzieła sztuki jest również wyraźniejsze tam, gdzie stwarza ciało Jezusa, podczas gdy krawędzie stopniowo ciemnieją.
Malowane w Grisalli i pomimo przeciwnej opinii niektórych krytyków, należy to uznać za gotowe dzieło.