Fundamenty historii sztuki sięgają dziesiątek tysięcy lat, kiedy starożytne cywilizacje korzystały z dostępnych technik i środków, aby przedstawiać kulturowo istotne tematy. Z tych wczesnych przykładów wyłoniło się wiele ruchów artystycznych, z których każdy ma własne style i charakterystyki, odzwierciedlające polityczne i społeczne wpływy swojego czasu.
Czym jest fowizm i o czym jest sztuka konceptualna? Mówienie o sztuce to sama w sobie dyscyplina, a jeśli jesteś nowy w tym świecie, prawdopodobnie masz wiele pytań, szczególnie w odniesieniu do każdego ruchu i różnych rodzajów sztuki.
Wpływowe gatunki sztuki, od renesansu po powstanie modernizmu, pozostawiły niezatarte ślady w historii.
Mając jasne pojęcie o historii i znaczeniu ruchów artystycznych, będziemy lepiej rozumieć, jak znani artyści tacy jak Van Gogh, Picasso i Warhol zrewolucjonizowali świat sztuki.
Kuadros przygotował dla Ciebie listę najważniejszych ruchów.
No.1 Renesans Włoski (1400–1550)
Niektórzy przedstawiciele: Drzwi Ghibertiego, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Rafael.
Pod koniec XIV wieku grupa włoskich myślicieli ogłosiła, że żyje w nowej erze. Mroczna i barbarzyńska "średniowieczna era" dobiegła końca; zaczynała się "rinascità" ("renesans") nauki, literatury, sztuki i kultury. To był narodziny okresu znanego teraz jako renesans. Przez wieki uczeni zgodzili się, że włoski renesans wydarzył się w ten sposób: między XIV a XVII wiekiem nowoczesny sposób myślenia o świecie i miejscu człowieka w nim zastąpił stare pomysły. Wiele osiągnięć naukowych, artystycznych i kulturalnych z tego okresu dzieli wspólne tematy, szczególnie humanistyczne przekonanie, że człowiek jest centrum własnego wszechświata.
W XV wieku Włochy były inne niż jakiekolwiek inne miejsce w Europie. Były podzielone na niepodległe miasta-państwa, z własnymi rządami. Florencja, gdzie rozpoczął się włoski renesans, była niepodległą republiką i ważnym ośrodkiem bankowym i handlowym. Zamożni florentyńczycy manifestowali swoją władzę wspierając artystów i intelektualistów, przekształcając miasto w kulturalne centrum Europy i renesansu.
Renesans dzieli się na dwie główne części:
W okresie wczesnego renesansu artyści zaczęli odrzucać bizantyjski styl malarstwa religijnego i dążyli do stworzenia realizmu w przedstawianiu ludzkiej formy i przestrzeni. Ten cel rozpoczął się z Cimabue i Giotto, a osiągnął swoje apogeum w dziełach takich artystów jak Andrea Mantegna i Paolo Uccello. Chociaż religia nadal miała znaczenie w życiu codziennym, zaczęła pojawiać się również tematyka mitologiczna. Wiele osób wskazuje Narodziny Wenus Botticellego jako pierwsze malowidło na panelu przedstawiające scenę mitologiczną.
Okres znany jako wysoki renesans reprezentuje kulminację celów wczesnego renesansu. Najbardziej wyróżniający się artyści to Leonardo da Vinci, Rafael, Tycjan i Michelangelo. Ich obrazy i freski są niektórymi z najbardziej rozpoznawalnych dzieł na świecie, takich jak Ostatnia Wieczerza, Szkoła Ateńska i malowidła na suficie Kaplicy Sykstyńskiej autorstwa Michelangelo.
Kup reprodukcję Mona Lisy w sklepie internetowym Kuadros
No.2 Barok (1600–1750)
Niektórzy przedstawiciele: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Pałac Wersalski.
Termin barok pochodzi prawdopodobnie z włoskiego "barocco", używanego w średniowieczu do opisania logicznych przeszkód. Później zaczął oznaczać złożone idee lub wykrzywione procesy myślenia. Innym możliwym źródłem jest portugalskie "barroco" (hiszpańskie "barrueco"), które opisuje perłę o nieregularnym lub nietypowym kształcie. Barok to ruch w sztuce i architekturze rozwijający się w Europie od początku XVII wieku do połowy XVIII wieku. Podkreśla dramatyczny i przesadny ruch oraz wyraźne detale, aby wytworzyć dramat, napięcie, przepych i wielkość.
Pierwsze manifestacje miały miejsce we Włoszech w ostatnich dekadach XVI wieku, podczas gdy w regionach takich jak Niemcy i kolonia Ameryki Południowej niektóre szczytowe osiągnięcia baroku nie miały miejsca aż do XVIII wieku.
Artyści przywrócili ideały piękna renesansu, wprowadzając do dzieł sztuki, muzyki i architektury nową ekstrawagancję i ornamentykę. Styl ten, znany jako barok, charakteryzował się innowacyjnymi technikami i wyrafinowanymi szczegółami, oferując bogaty język wizualny w stosunkowo stonowanym okresie dla sztuki. Barok rozprzestrzenił się po całej Europie, zainspirowany przez Papieża w Rzymie i katolickich władców w Włoszech, Francji, Hiszpanii i Flandrii. Rozprzestrzenił się jeszcze bardziej przez zakony religijne poprzez klasztory i konwenty.
Styl barokowy, jaki się wyłonił, był zarówno zmysłowy, jak i duchowy. Naturalistyczne podejście uczyniło religijne obrazy bardziej dostępnymi, podczas gdy dramatyczne i iluzoryczne efekty stymulowały pobożność i przekazywały boską chwałę. Sufity kościołów rozpuszczały się w namalowanych scenach, które kierowały zmysły ku niebu.
Chociaż temat i styl mogą różnić się w ramach obrazów barokowych, większość dzieli dramat jako wspólny element. W dziełach artystów takich jak Caravaggio i Rembrandt zainteresowanie dramatem przejawia się w intensywnych kontrastach światła i cienia.
Wielkim mistrzem regionu katolickiego, rządzonego przez Hiszpanów, był malarz Peter Paul Rubens, którego dynamiczne kompozycje i energiczne postacie są kwintesencją malarstwa barokowego. Eleganckie portrety Anthony'ego van Dycka i solidne prace Jacoba Jordaensa podążały jego śladem. Sztuka w Niderlandach była pod wpływem realistycznych upodobań klasy średniej, co sprawiło, że tacy malarze jak Rembrandt i Frans Hals pozostawali niezależni od stylu barokowego w istotnych aspektach. Barok miał jednak wyraźny wpływ na Anglię, szczególnie w kościołach i pałacach zaprojektowanych przez Sir Christophera Wrena i Sir John'a Vanbrugh.
Podobnie jak rzeźby renesansowe, takie jak ikoniczny Dawid Michelangelo, rzeźby barokowe często miały na celu ozdabianie majestatycznych budynków i innych wspaniałych scenerii, takich jak wnętrza kościołów i ogrody królewskie.
Ostatnie kwitnienie baroku miało miejsce w południowych Niemczech i Austrii, gdzie rodzimi architekci odwrócili się od wzorców włoskich w latach 1720.
Kup reprodukcję Las Meninas w sklepie internetowym Kuadros
No.3 Realizm (1848–1900)
Niektórzy przedstawiciele: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realizm to precyzyjne, szczegółowe i nieprzystrojone przedstawienie natury lub życia współczesnego. Odrzuca idealizację na rzecz bliskiej obserwacji zewnętrznych pozorów. W związku z tym realizm objął wiele kierunków artystycznych w różnych cywilizacjach. W sztukach wizualnych można go znaleźć, na przykład, w hellenistycznych rzeźbach greckich przedstawiających bokserów i staruszki. Dzieła malarzy XVII wieku, takich jak Caravaggio, malarze gatunkowi z Holandii, Hiszpanie José de Ribera, Diego Velázquez i Francisco de Zurbarán, oraz bracia Le Nain we Francji, mają realistyczne podejście. Dzieła angielskich powieściopisarzy XVIII wieku, takich jak Daniel Defoe i Henry Fielding, również można określić jako realistyczne.
Realizm pojawił się we Francji w latach 50. XIX wieku, po Rewolucji 1848 roku, która ustanowiła "prawo do pracy" w kraju. Wprowadził ideę przeciętnego człowieka, współczesnych scenariuszy i codziennych scen jako wartościowych tematów artystycznych.
Rozprzestrzenił się po Europie, od Rosji Aleksandra II po Wielką Brytanię królowej Wiktorii, poprzez Niemcy Wilhelma I, Włochy Risorgimento i dalej. Rok 1855 był znaczący w ustanowieniu realizmu w Europie.
Gustave Courbet jest uważany za postać centralną realizmu. Położył fundamenty tego ruchu w latach 40. XIX wieku, przedstawiając wieśniaków i pracowników bez gloryfikacji, prezentując ich w sposób odważny i surowy, co wywołało kontrowersje.
Styl i temat Courbeta oparty był na pracy malarzy Szkoły Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet i inni osiedlili się w francuskiej wiosce Barbizon, mając na celu wierne odtworzenie lokalnego charakteru krajobrazu.
Realizm malarski poza Francją był dobrze reprezentowany w XIX wieku w Stanach Zjednoczonych. Potężne i ekspresyjne obrazy Winslowa Homera na tematy morskie oraz prace Thomasa Eakinsa to szczere i uważne zapisy współczesnego życia. Realizm był wyraźnym nurtem w sztuce XX wieku, wynikającym z pragnienia artystów do przedstawiania bardziej szczerych i nieidealizowanych wizji codzienności, lub do używania sztuki jako narzędzia krytyki społecznej i politycznej.
Surowe i niemal dziennikarskie sceny życia miejskiego grupy znanej jako The Eight (Ósemka) zaliczają się do tej kategorii. Niemiecki ruch Neue Sachlichkeit (Nowa Obiektywność) pracował w realistycznym stylu, aby wyrazić cynizm i rozczarowanie po I wojnie światowej w Niemczech. Realizm socjalistyczny w Związku Radzieckim używał technik naturalistycznej idealizacji do tworzenia portretów odważnych pracowników i inżynierów.
Co więcej, realizm bezpośrednio zainspirował współczesne ruchy artystyczne, takie jak fotorealizm i hiperrealizm, co pokazuje jego trwałe i ewoluujące dziedzictwo.
Kup reprodukcję Zbieraczek w sklepie internetowym Kuadros
No.4 Impresjonizm (1865–1885)
Niektórzy przedstawiciele: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Francuski impresjonizm to ważny ruch, który rozwijał się głównie we Francji pod koniec XIX wieku i na początku XX wieku. Jego najbardziej charakterystyczną cechą było próba dokładnego i obiektywnego rejestrowania wizualnej rzeczywistości w kategoriach ulotnych efektów światła i koloru. Artyści impresjoniści pokazali nowy sposób obserwowania i przedstawiania świata, rezygnując z realistycznych przedstawień na rzecz ulotnych impresji swojego otoczenia, często na świeżym powietrzu. W muzyce dążył do przekazywania idei lub efektów poprzez płynne brzmienie, zamiast sztywnej struktury formalnej.
Pod koniec lat 60. XIX wieku sztuka Maneta odzwierciedlała nową estetykę, która miała stać się przewodnią siłą w pracy impresjonistycznej, gdzie znaczenie tradycyjnego tematu było redukowane na rzecz manipulacji kolorem, tonem i teksturą.
W 1874 roku grupa artystów pod nazwą Société Anonyme des Peintres, Sculpteurs, Graveurs, itd., zorganizowała wystawę w Paryżu, która zapoczątkowała ruch zwany impresjonizmem. Wśród jej założycieli byli Claude Monet, Edgar Degas i Camille Pissarro. Obraz Moneta Impresja, Wschód Słońca (1872) dał im początkowy, kpiący przydomek "Impresjoniści" od dziennikarza Louisa Leroy. Artyści szybko przyjęli tę nazwę jako opis ich intencji przekazania "wizualnych impresji". Podczas gdy konserwatywni krytycy krytykowali ich dzieła za niedokończony i szkicowy wygląd, bardziej postępowi pisarze chwalili je za ich opis nowoczesnego życia.
Od chwili swojego powstania impresjonizm był definiowany przez cechy takie jak luźne pociągnięcia pędzla, wyraziste kolory, przedstawienia typowych tematów, nacisk na światło i kompozycje inspirowane fotografią.
W połowie lat 80. grupa impresjonistyczna zaczęła się rozwiązywać, gdy każdy malarz dążył do własnych zainteresowań i estetycznych zasad. Mimo to zrewolucjonizowali historię sztuki, dostarczając techniczne punkty wyjścia dla postimpresjonistów takich jak Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh i Georges Seurat, uwalniając zachodnią malarstwo od tradycyjnych technik i podejść.
Dziedzictwo i obecność impresjonizmu dzisiaj
Jako punkt wyjścia modernizmu, impresjonizm miał wpływ na wiele późniejszych ruchów. Postimpresjoniści przyjęli ich luźne pociągnięcia; abstrakcyjni ekspresjoniści znaleźli inspirację w niekonwencjonalnym podejściu Moneta; a wielu współczesnych artystów nadal pracuje w stylu neoimpresjonistycznym.
Kup reprodukcję Kobieta z Parasolą w sklepie internetowym Kuadros
No.5 Postimpresjonizm (1885–1910)
Niektórzy przedstawiciele: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpresjonizm to termin używany do opisania reakcji w latach 80. przeciwko impresjonizmowi. Był kierowany przez Paula Cézanne'a, Paula Gauguina, Vincenta van Gogha i Georgesa Seurata. Postimpresjoniści odrzucili zainteresowanie impresjonizmu spontanicznym i naturalistycznym przedstawianiem światła i koloru.
Ci malarze, z wyjątkiem Van Gogha, byli Francuzami, a większość z nich rozpoczęła jako impresjoniści; każdy z nich porzucił styl, aby stworzyć własną, wysoce osobistą sztukę.
Podobnie jak impresjoniści, podkreślali sztuczność obrazu. Wierzyli, że kolor może być niezależny od formy i kompozycji, jako środek emocjonalny i estetyczny znaczenia. Zarówno impresjonizm, jak i postimpresjonizm obejmują niektóre z najsłynniejszych dzieł sztuki nowoczesnej, takich jak lilie wodne Moneta i Noc Żywych Gwiazd van Gogha.
Dzielili się swoim dziełem z publicznością poprzez niezależne wystawy w Paryżu. W 1910 roku krytyk sztuki Roger Fry ukuł termin "postimpresjonizm" na swojej wystawie "Manet i postimpresjoniści". Fry wierzył, że piękno sztuki ma swoje korzenie w postrzeganiu. "Sztuka jest wyrażeniem i bodźcem dla życia wyobraźni, a nie kopią rzeczywistego życia", wyjaśnił w "Eseju o estetyce".
Postimpresjoniści wierzyli, że dzieło sztuki nie powinno obracać się wokół stylu, procesu ani podejścia estetycznego, lecz podkreślać symbolizm, komunikując wiadomości z podświadomości artysty.
Często wystawiali razem, ale w przeciwieństwie do impresjonistów, którzy zaczęli jako zjednoczona grupa, malowali głównie samotnie. Cézanne malował w izolacji w Aix-en-Provence; Gauguin osiedlił się w Tahiti w 1891 roku; a Van Gogh malował na wsi w Arles. Zarówno Gauguin, jak i Van Gogh odrzucili obiektywność impresjonizmu na rzecz bardziej osobistego wyrazu duchowego.
"Kolor! Jaki głęboki i tajemniczy język, język snów." - Paul Gauguin
W przeciwieństwie do impresjonistów, którzy dążyli do uchwycenia efektu naturalnego światła, postimpresjoniści stosowali sztuczną paletę kolorów, aby przedstawić swoje postrzeganie świata. Nasycone tonacje i wielokolorowe cienie są widoczne w ich obrazach, co demonstruje ich nowatorskie podejście.
Postimpresjonizm oddalił się od naturalistycznego podejścia i skierował ku ruchom takim jak kubizm i fowizm, które dążyły do wywołania emocji za pomocą koloru i linii.
Kup reprodukcję Noc Żywych Gwiazd w sklepie internetowym Kuadros
No.6 Fowizm i Ekspresjonizm (1900–1935)
Malarstwo nakładane grubymi warstwami, kolory wychodzące z płótna i nienaturalne odcienie: fowizm i ekspresjonizm to dwa z ruchów, które ożywiły te cechy. A zatem, jaka jest różnica między nimi, jeśli można je opisać w ten sam sposób? Najpierw wyjaśnimy fowizm i ekspresjonizm osobno.
Fowizm
Niektórzy przedstawiciele: Matisse, Derain, Signac
Fowizm zdominował scenę artystyczną od 1905 do 1910 roku, charakteryzując się intensywnymi kolorami i odważnymi pociągnięciami pędzla. W niektórych przypadkach artyści nakładali farbę bezpośrednio z tuby. Kolory nie musiały być wierne naturze; mogły być zmieniane, aby pokazać emocje. Wybierali proste tematy, a przez to obrazy wyglądały niemal abstrakcyjnie. Krytyk sztuki Louis Vauxcelles ukuł termin, opisując prace Henri Matisse'a i André Deraina jako "les fauves" lub "bestie" podczas wystawy w Salon d’Automne w Paryżu w 1905 roku. Ich prace były pełne nienaturalnych kolorów i dzikich plam farby na płótnie. To był początek fowizmu.
Artyści fowistyczni byli głęboko zainteresowani dziewiętnastowieczną naukową teorią koloru. Specyficznie używając kolorów komplementarnych, rozumieli, jak sprawić, aby kolory wydawały się bardziej jaskrawe i odważne, przyjmując te teorie.
Obraz Matisse'a "Kobieta w kapeluszu" został skrytykowany za nienaturalne kolory na twarzy kobiety. Paul Signac jest sławny za swój punktualizm i był mentorem Matisse'a. Punktualizm to technika, gdzie małe punkty kolorów podstawowych są umieszczane obok siebie; z oddali łączą się w jeden obraz. Można to porównać do pikseli na ekranie komputera.
Oprócz Matisse'a i Deraina, innymi ważnymi artystami fowistycznymi są Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault i Maurice de Vlaminck.
Ekspresjonizm
Niektórzy przedstawiciele: Munch, Kandinsky, Klee
Ekspresjonizm to ogólny termin na każdą pracę sztuki, która zniekształca rzeczywistość, aby pasowała do wewnętrznych uczuć, punktów widzenia lub idei artysty. W skrócie, jest to sztuka, która wyraża wewnętrzne rzeczywistości w świecie zewnętrznym. Istnieją charakterystyczne cechy ekspresjonizmu: intensywne i nienaturalne kolory, farba nakładana w dużych ilościach, tworząca teksturę na płótnie.
Ekspresjonizm pochodził "z wewnątrz", będąc odzwierciedleniem uczuć artysty, a nie przedstawieniem sceny. Dwaj wpływowi artyści ekspresjonistyczni to Emil Nolde i Edvard Munch.
Jeśli chodzi o temat, sztuka ekspresjonistyczna ma tendencję do bycia emocjonalną, a czasem nawet mityczną. Ponieważ ekspresjonizm to tak szeroki termin, łatwo jest przypisać go sztuce z różnych epok, ale ogólnie odnosi się to do sztuki XX wieku. Uważa się, że zaczęło się od prac Vincenta van Gogha i rozprzestrzeniło się w sztuce nowoczesnej tak, jak ją znamy dzisiaj.
Głównymi contributorami ruchu ekspresjonistycznego byli artyści tacy jak Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner i inni.
Kup reprodukcję Krzyku w sklepie internetowym Kuadros
Fowizm można postrzegać jako podzbiór ekspresjonizmu. Używają podobnych technik i klasyfikują się według tych samych cech; rzeczywistą różnicą jest specyficzna natura fowizmu w kontraście do ogólności ekspresjonizmu.
Coś, co można uznać za fowistyczne, może również być częścią dziedziny ekspresjonizmu, ale nie każdy ekspresjonizm jest fowizmem. Fowizm jest nieco bardziej dziki, ale z prostszym tematem.
No.7 Kubizm (1905–1920)
Niektórzy przedstawiciele: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubizm jest bardzo wpływowym stylem sztuk wizualnych XX wieku, stworzonym głównie przez Pablo Picassa i Georges'a Braque'a w Paryżu między 1907 a 1914 rokiem. Styl kubistyczny podkreślał płaską, dwuwymiarową powierzchnię płaszczyzny obrazu, odrzucając tradycyjne techniki perspektywy, skrótu, modelowania i chiaroscuro, odrzucając starą teorię, że sztuka powinna naśladować naturę. Kubizm był przekonany, że tradycje sztuki zachodniej wyczerpały się, i aby ożywić swoją pracę, zwrócili się ku ekspresyjnej energii sztuki innych kultur, szczególnie sztuki afrykańskiej.
Kubizm wywodzi swoją nazwę z komentarza krytyka Louisa Vauxcellesa, który pejoratywnie opisał prace Braque'a w 1908 roku jako składające się z sześcianów. Na obrazie Braque'a, objętości domów, cylindryczne kształty drzew i paleta kolorów przypominają krajobrazy Paula Cézanne'a, który głęboko inspirował kubistów w ich pierwszej fazie rozwoju (do 1909 roku). Jednak to Les Demoiselles d'Avignon, namalowane przez Picassa w 1907 roku, zapowiadało nowy styl; w tym dziele formy pięciu nagich kobiet stają się kanciastymi, złamanymi figurami.
Kubizm rozwinął się w dwóch odrębnych fazach: kubizm analityczny i kubizm syntetyczny. Kubizm analityczny (1908–1912) jest bardziej surowy i charakteryzuje się połączeniem płaszczyzn i linii w stonowanych tonacjach. Kubizm syntetyczny (1912–1914) charakteryzuje się prostszymi formami i jaśniejszymi kolorami, w tym zespolonymi elementami rzeczywistymi, takimi jak gazety. Włączenie rzeczywistych obiektów bezpośrednio do sztuki stało się początkiem jednej z najważniejszych idei nowoczesnej sztuki.
Chociaż to Picasso i Braque są przypisywani za stworzenie tego nowego języka wizualnego, został on przyjęty i rozwinięty przez wielu malarzy, w tym Fernanda Légera, Roberta i Sonię Delaunay, Juana Grisa i innych. Kubizm miał również głęboki wpływ na rzeźbę i architekturę XX wieku.
Uwolnione formalne koncepcje rozpoczęte przez kubizm miały daleko idące skutki dla ruchów takich jak Dada i surrealizm, a także dla artystów dążących do abstrakcji na całym świecie.
No.8 Dada i Surrealizm (1917–1950)
Dada
Niektórzy przedstawiciele: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada był awangardowym ruchem artystycznym w Europie, mającym centra w Zurychu i Nowym Jorku. Powstał jako bezpośrednia reakcja na masakrę, propagandę i szaleństwo I wojny światowej. Niepodległe grupy związane wspólnymi ideami powstały w Berlinie, Paryżu i innych miejscach. Nie dzieliły wspólnego stylu, lecz łączył je ich sprzeciw wobec idealizmu i przestarzałych konwencji artystycznych i intelektualnych.
Nazwa "Dada", losowo wyciągnięta z słownika w 1916 roku, oznacza "koń na biegunach" po francusku lub "tak, tak" po rumuńsku i rosyjsku. Ale jako nazwa ruchu, tak naprawdę nic nie znaczy. Zmęczeni kulturą, która wyprodukowała rzeźnię w I wojnie światowej, dadaiści rzucili wyzwanie wszelkim konwencjom, celebrując przypadek i absurd.
Korzenie Dada sięgają awangardy sprzed wojny. Termin "antiart", poprzednik Dada, został ukuty przez Marcela Duchampa około 1913 roku, aby charakteryzować dzieła, które kwestionują akceptowane ograniczenia sztuki.
Ruch Dada obejmował publiczne zgromadzenia, demonstracje i publikacje czasopism artystycznych i literackich. Sztuka, polityka i kultura były często omawiane w różnych mediach.
Surrealizm
Niektórzy przedstawiciele: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealizm był jednym z najważniejszych i najbardziej subwersywnych ruchów XX wieku. Powstał w latach 20. i zapewnił radykalną alternatywę dla racjonalnych i formalnych cech kubizmu. Był ruchem literackim, filozoficznym i artystycznym, który badał działanie umysłu, broniąc irracjonalności, poezji i rewolucji.
W przeciwieństwie do Dada, z którego w wielu aspektach powstał, podkreślał pozytywne odrzucenie wcześniejszych tradycji. André Breton, lider nowej grupy poetów i artystów w Paryżu, zdefiniował surrealizm w swoim "Manifeście surrealizmu" (1924) jako: "Czysty automatyzm psychiczny, poprzez który dąży się do wyrażenia... rzeczywistego działania myślenia".
W wizualnej manifestacji surrealizmu można wyróżnić kilka wątków. Tacy artyści jak Max Ernst i André Masson favorizowali automatyzm, gdzie kontrola świadoma jest stłumiona, a podświadomość przejmuje kontrolę. Z drugiej strony, Salvador Dalí i René Magritte ścigali halucynacyjny sens superrealności, w której przedstawiane sceny nie mają sensu. Trzecia wariacja polegała na zestawieniu niepowiązanych elementów, tworząc rzeczywistość poza normalnymi ograniczeniami.
Surrealizm powstał w Paryżu, ale jego wpływ rozprzestrzenił się poprzez czasopisma i międzynarodowe wystawy. Po wybuchu II wojny światowej centrum aktywności surrealistycznej przeniosło się do Nowego Jorku. Chociaż jako ruch stracił spójność po wojnie, zachował silny wpływ na sztukę współczesną.
No.9 Ekspresjonizm Abstrakcyjny (1940–1950)
Niektórzy przedstawiciele: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Ekspresjonizm abstrakcyjny" był ruchem, który rozwinął się w Nowym Jorku w latach 40. i 50. XX wieku. Chociaż termin ten nie był idealny, obejmował artystów, którzy wypełniali swoje płótna polami koloru i formami abstrakcyjnymi, jak i tych, którzy atakowali swoje płótna z energicznym ekspresjonizmem gestualnym. Wszyscy byli zaangażowani w sztukę jako wyrażenie siebie, pochodzącą z głębokich emocji i uniwersalnych tematów.
Ruch ten obejmował wiele różnych stylów malarskich. Niektórzy artyści, tacy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, charakteryzowali się luźnym i dynamicznym podejściem do malarstwa. Inni, tacy jak Mark Rothko, używali dużych płaskich pól koloru, aby osiągnąć subtelne i medytacyjne efekty.
Chociaż ruch został w dużej mierze przedstawiony jako należycy do mężczyzn, pojawiło się w nim także wiele ważnych artystek abstrakcyjnych w tym okresie.
No.10 Pop Art (1960)
Niektórzy przedstawiciele: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Pop art rozpoczął się od artystów z Nowego Jorku, takich jak Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist i Claes Oldenburg, którzy inspirowali się popularnymi obrazami i byli częścią międzynarodowego fenomenu. Było to bunt przeciwko dominującym podejściom do sztuki i kultury oraz tradycyjnym opiniom na temat tego, czym powinna być sztuka. Młodzi artyści czuli, że to, czego uczyli się w szkole sztuki i co widzieli w muzeach, nie miało nic wspólnego z ich życiem.
W 1957 roku artysta pop Richard Hamilton wymienił cechy sztuki pop w liście: "Pop art to: popularny, przejściowy, zbędny, niskobudżetowy, masowo produkowany, młody, pomysłowy, seksowny, drastyczny, glamourowy, wielki biznes".
Pop przyniósł sztukę do nowych obszarów tematycznych i rozwinął nowe formy jej prezentacji, i może być postrzegany jako jeden z pierwszych manifestów postmodernizmu.
No.11 Postmodernizm (1970–)
Niektórzy przedstawiciele: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn w Niebie Jamesa Gilla
Termin "sztuka postmodernistyczna" odnosi się do szerokiej kategorii sztuki współczesnej stworzonej od około 1970 roku. Jej wyróżniającą cechą jest odrzucenie estetyki, na której opierał się jej poprzednik, "sztuka nowoczesna". Jednym z odrzucanych wartości jest myśl, że "sztuka" jest czymś "specjalnym", co powinno być oddzielone od gustu popularnego.
Antyautorytarny z natury, postmodernizm odmówił uznania autorytetu jakiegokolwiek stylu lub definicji tego, czym powinna być sztuka. Zawaliła się różnica między wysoką kulturą a kulturą popularną, między sztuką a codziennym życiem. Wprowadziła nową erę wolności i poczucie, że "wszystko jest dozwolone".
Często mieszając różne style i media, sztuka postmodernistyczna może również zapożyczać lub ironicznie komentować style z przeszłości. Postmoderniści uważają swoją pozycję teoretyczną za inkluzywną i demokratyczną.
W latach 80. i 90. postmodernizm stał się nieoficjalną filozofią ruchu "polityki tożsamości".
KUADROS ©, znany obraz na Twojej ścianie.
