Non c'è dubbio che molte persone siano d'accordo sul fatto che la maggior parte delle opere famose d'arte che si trovano nei musei e nelle collezioni private del mondo non abbiano prezzo.
Essendo uniche nel loro genere, diventa difficile attribuire un valore a molte pitture famose; tuttavia, quasi quotidianamente, l'arte viene venduta e comprata, spesso a prezzi esorbitanti che la maggior parte delle persone non potrà mai permettersi. Ma ci sono alcuni acquirenti eccentrici che possono concedersi questo lusso.
Kuadros offre una compilazione delle 5 pitture famose più costose della storia.
No.1 Salvator Mundi (Cristo Salvatore del Mondo) - Leonardo da Vinci (US$ 450,3 milioni)
Nel maggio del 2008, alcuni dei migliori esperti del famoso pittore si sono riuniti attorno a un cavalletto in uno studio molto sopra Trafalgar Square. L’oggetto che erano stati invitati a esaminare, nel dipartimento di conservazione della National Gallery, era una pittura su un pannello di legno di noce. Mostrava un uomo con barba e capelli lunghi che guardava dritto, con una mano sollevata in segno di benedizione e l'altra che teneva una sfera trasparente.
Leonardo ha dipinto Salvator Mundi probabilmente per il re Luigi XII di Francia e la sua consorte, Anna di Bretagna. Il inquietante dipinto ad olio su un pannello di 66 centimetri rappresenta una figura a mezzo busto di Cristo come Salvatore del Mondo, con vista frontale e vestito con tuniche dell'epoca del Rinascimento. In questo famoso dipinto, Leonardo rappresenta Cristo come è caratterizzato nel Vangelo di Giovanni 4:14: "Abbiamo visto e testimoniamo che il Padre ha inviato suo Figlio come salvatore del mondo". Cristo guarda fisso lo spettatore, leggermente barbuto con riccioli castani, mentre tiene una sfera di cristallo nella mano sinistra e offre benedizione con la destra.
Il dipinto è scomparso dal 1763 al 1900, quando fu acquistato da Sir Charles Robinson come opera di Bernardino Luini, un seguace di Leonardo. Riappare poi da Sotheby's in Inghilterra nel 1958. Scomparve di nuovo fino a quando fu venduto in una piccola casa d'aste negli Stati Uniti nel 2005.
Proprio come molte delle opere sopravvissute di Leonardo, questo famoso dipinto non era in perfette condizioni quando riemerse all'inizio degli anni 2000. Richiese un'ampia restaurazione. Sebbene ci siano alcuni esperti rispettabili dell'arte rinascimentale che mettono in dubbio l'attribuzione del dipinto a Leonardo, esso fu infine venduto all'asta da Christie's a New York nel novembre del 2017 per 450 milioni di dollari, un nuovo prezzo record per un'opera d'arte famosa. L'acquirente non è stato rivelato.
Oggi è considerato un dipinto falso.
No.2 Scambio - Willem de Kooning (US $ 300 milioni)
L'idea di affrontare il primitivo fu avviata da Gauguin, ma potrebbe essere in parte discernibile nel lavoro di De Kooning.
Sebbene ci piace esplorare le qualità meno tangibili dell'arte astratta, siamo anche molto consapevoli che possa essere un meraviglioso investimento finanziario. Fino ad oggi, il dipinto più costoso mai venduto dell'arte astratta è un paesaggio di Willem de Kooning chiamato Scambio, che è stato venduto per 300 milioni di dollari nel 2015. La famosa pittura raggiunse quel prezzo record in una vendita privata al gestore di fondi assicurativi a Chicago, Kenneth Griffin, come parte di un pacchetto di 500 milioni di dollari che includeva anche il dipinto Numero 17A di Jackson Pollock.
Il dipinto di Jackson Pollock che Kenneth Griffin acquistò insieme a Scambio apparve nella diffusione della rivista Life del 1949 che rese Jackson Pollock e l'Espressionismo astratto conosciuti. Poche opere d'arte catturano un momento nel tempo in modo così conciso. Quel articolo della rivista fu una delle ragioni principali per cui De Kooning e gli altri espressionisti astratti poterono finalmente guadagnarsi da vivere con la loro arte. Insieme, questi due dipinti famosi rappresentano il momento in cui gli Stati Uniti diedero origine al loro primo movimento d'arte moderna nativo. Lo scambio non è solo prezioso come oggetto. Il suo valore è nel suo mito.
Stilisticamente, Scambio segna una delle epoche più trasformative nella carriera di uno degli artisti astratti più importanti del XX secolo. Oltre a essere un pittore influente, Willem de Kooning è stato una forza vitale di connessione tra i suoi contemporanei. Fu amico e sostenitore di Arshile Gorky, Jackson Pollock, Franz Kline e decine di altri espressionisti astratti.
Durante il periodo in cui questi artisti lottavano, De Kooning continuò ad essere un sostenitore appassionato del loro lavoro. Lo Scambio fu dipinto proprio quando la fortuna di De Kooning e dei suoi contemporanei stava subendo un enorme cambiamento. Stavano diventando finanziariamente stabili, molti per la prima volta, il che significava che avevano l'opportunità di prendere nuove decisioni, sia professionalmente che personalmente. Per De Kooning, questo si manifestò in una domesticazione graduale del suo stile di vita notoriamente selvaggio, culminata con un trasferimento in una fattoria a East Hampton.
Culturalmente, De Kooning si manifestò in un periodo di 11 anni dedicato a dipingere paesaggi astratti, di cui Scambio fu una delle prime opere.
No.3 I giocatori di carte - Paul Cezanne (stimato tra US $ 250 e $ 300 milioni)
I Giocatori di Carte è una serie di pitture impressioniste dell'modernista francese Paul Cezanne. Uno dei suoi progetti più ambiziosi, ora visto come un contributo importante all'arte moderna. Sebbene dipinte durante il periodo finale di Cezanne, rappresentano alcune delle migliori opere di genere della Scuola Francese. Ci sono cinque versioni nella serie, ognuna delle quali varia in contenuto e dimensione: una è in una collezione privata, le altre si trovano al Museo d'Orsay, alla Galleria Courtauld, alla Fondazione Barnes e al Museo Metropolitano d'Arte. La versione privata è stata acquistata nel 2011 dalla Famiglia Reale del Qatar per una somma stimata tra $ 250 milioni e $ 300 milioni. Cezanne è famoso per i suoi dipinti di natura morta, e gli storici dell'arte credono che avesse scelto il tema delle carte perché le persone che giocavano erano essenzialmente una forma di natura morta umana.
Probabilmente fu anche influenzato dai fratelli Nain (1599-1677) i cui giocatori di carte (c.1642) erano nella collezione del suo museo d'arte locale a Aix-en-Provence.
I due uomini studiano attentamente le loro carte, ma nessuna mossa sembra imminente. I dettagli del gioco sono ulteriormente diminuiti e la vita si è calmata. I giocatori di carte di Cézanne, come molte delle sue figure, occupano uno spazio tra la pittura di figure e la pittura di oggetti. Si spostano tra generi diversi.
Negli anni '90, Cézanne era indipendentemente ricco; poteva pagare comodamente i suoi modelli per posare e le opere risultanti erano fatte con pigmenti prodotti industrialmente, solitamente applicati a tele di dimensioni standard fabbricate commercialmente. Quasi contemporaneamente alla conclusione della serie, l'artista ebbe una relazione con un venditore di quadri parigino, Ambroise Vollard, che divenne poi il primo proprietario del famoso tela. I registri commerciali di Vollard attestano che ottenne un buon profitto dall'opera, acquistandola per 250 franchi e, all'inizio del 1900, rivendendola per 4.500. Tuttavia, l'attrattiva duratura de I Giocatori di Carte di Cézanne potrebbe essere dovuta al modo in cui i cinque dipinti forniscono un contrasto distintivo con il capitalismo moderno che circondava la loro creazione. Se la vita può sembrare sempre più veloce, superficiale e mercenaria, allora forse qui si può trovare un certo conforto, nel nostro impegno prolungato con tele fatte a mano che mostrano un passatempo atemporale, radicato e sociale.
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No.4 Nafea Faa Ipoipo? (Quando ti sposerai?) - Paul Gaugain (US $ 300 milioni)
Una donna più giovane con abbigliamento tradizionale si distende sul pavimento. Sta guardando indietro, mentre parzialmente oscurata si trova una figura più matronale con un vestito in stile occidentale che alza la mano in un gesto di importanza. Il fiore dietro l'orecchio della ragazza è un simbolo tahitiano tradizionale con cui le donne nubili segnalano la disponibilità per il matrimonio. Alla base dell'immagine c'è un'iscrizione nella lingua: "NAFEA Faa ipoipo", che si traduce come: "Quando ti sposerai?"
Nel 1891, il padre fondatore del primitivismo, Eugene Henri Paul Gauguin, viaggiò a Tahiti in cerca di un paradiso edenico dove potesse creare arte pura e primitiva.
Fuggendo dalla società europea, dalla tecnologia e dalle tradizioni culturali, Gauguin sperava di catturare società spirituali primitive intatte dal mondo moderno. Ma la realtà polinesiana non ha soddisfatto le aspettative di Gauguin sulla vita rurale primitiva. Tahiti era già stata colonizzata nel XVIII secolo, quindi quando l'artista arrivò lì non riuscì a trovare la cultura che stava cercando. Sfortunatamente, due terzi della popolazione nativa furono sterminati da malattie europee, e la religione indigena fu distrutta da missionari cattolici e mormoni.
Gauguin si adattò con successo alla vita locale e aveva preso una giovane di nome Teha’amana come sua moglie nativa. Il loro matrimonio era stato organizzato dalla famiglia della ragazza, che considerava un grande privilegio che sua figlia si legasse a un uomo bianco, mentre per Gauguin era un'unione informale secondo qualsiasi norma europea. E sebbene la sua vita tahitiana non fosse così primitiva come Gauguin aveva anticipato, egli scelse di rimanere lì. Durante quel periodo, produsse molte delle sue "pitture Gauguin" più conosciute di donne tahitiane, e con tutta probabilità Teha’amana fu il modello per molte di queste immagini.
Nafea Faa Ipoipo (Quando ti sposerai?), è stata recentemente discussa come una delle opere famose più costose della storia, vendendosi per quasi 300 milioni di dollari nel 2015, con il Museo del Qatar come acquirente. Gauguin (1848-1903) non fu un artista particolarmente popolare mentre era in vita, e solo dopo la sua morte all'età di cinquantaquattro anni il suo talento fu completamente riconosciuto. La sua opera d'arte si distingue per la sua audace sperimentazione con il colore e lo stile sintetico.
Si considera che il famoso pittore Gauguin abbia avuto una grande influenza sull'avanguardia francese, così come su artisti del XX secolo come Pablo Picasso, Joan Miró e Henri Matisse.
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No.5 Numero 17A - Jackson Pollock (US $ 200 milioni)
Questa opera d'arte astratta fu creata nel 1948 dal famoso pittore espressionista astratto americano Jason Pollock. Fu realizzata con vernice ad olio su una tela di fibra di legno. È un esempio della serie di pittura per goccia di Pollock, ed è uno dei pezzi precedenti di questa serie. Il No. 17A non ha alcun tipo di titolo creativo ed è uno dei migliori esempi della forma d'arte radicale e eccezionalmente unica della pittura a goccia, che Pollock introdusse al mondo nel 1947. Nonostante tale pittura possa sembrare avvenire per caso e spontaneamente, si può davvero tracciare il movimento preciso e il controllo che Pollock ha avuto nel creare questo pezzo. Inizialmente, queste pitture a goccia di Pollock furono accolte con un grande scrutinio pubblico e furono per lo più impopolari e, quindi, avevano poco valore nei mercati d'arte.
Questa forma estrema di astrazione divise i critici: alcuni elogiarono l'immediatezza della creazione, mentre altri deridevano gli effetti casuali.
Ricordi i sorprendenti 500 milioni di dollari che Ken Griffin spese per due dipinti della collezione di David Geffen? Bene, il secondo dipinto, acquistato per 200 milioni di dollari, altrettanto impressionante, fu il Numero 17A.
Questo rende il No. 17A il quinto dipinto famoso più costoso mai venduto nella storia. Prima di questa vendita, il dipinto era stato esposto all'Art Institute di Chicago.
KUADROS ©, un dipinto famoso sulla tua parete.
