L'espressionismo astratto è il termine applicato alle nuove forme d'arte astratta sviluppate da pittori statunitensi come Jackson Pollock, Mark Rothko e Willem de Kooning nelle decadi del 1940 e 1950. È spesso caratterizzato da pennellate gestuali o segni, e dalla impressione di spontaneità.
Espressionismo astratto - I pali blu di Jackson Pollock
Sebbene sia la designazione accettata, l'espressionismo astratto non è una descrizione precisa del corpo di lavoro creato da questi artisti. In effetti, il movimento comprendeva molti stili pittorici diversi che variano sia nella tecnica che nella qualità di espressione. Nonostante questa varietà, i dipinti dell'espressionismo astratto condividono diverse caratteristiche generali. Spesso utilizzano gradi di astrazione; cioè, rappresentano forme poco realistiche o, in casi estremi, forme non estratte dal mondo visibile (non oggettive). Sottolineano l'espressione emozionale libera, spontanea e personale, e esercitano una considerevole libertà di tecnica ed esecuzione per perseguire questo obiettivo, con particolare enfasi sull'exploitation del carattere fisico variabile della pittura per evocare qualità espressive (ad esempio, sensualità, dinamismo, violenza, mistero, lirismo). Mostrano un'enfasi simile sull'applicazione intuitiva e non studiata di quella pittura in una forma di improvvisazione psichica simile all'automatismo dei Surrealisti, con un intento simile di esprimere la forza dell'inconscio creativo nell'arte. Gli artisti mostrano spesso un'enfasi simile nell'abbandonare la composizione strutturata convenzionalmente costruita da elementi discreti e segregabili e nel sostituirla con un unico campo, rete o altra immagine unificata e indifferenziata che esiste in uno spazio non strutturato. E infine, i dipinti riempiono grandi tele per dare a questi effetti visivi sopra menzionati sia monumentalità che potere assorbente.
Gli espressionisti astratti avevano la loro sede principalmente a New York e furono anche conosciuti come la Scuola di New York. Il nome evoca il loro obiettivo di creare arte che, sebbene astratta, sia anche espressiva o emozionale nel suo effetto. Si ispirarono all'idea surrealista che l'arte debba sorgere dalla mente inconscia e all'automatismo dell'artista Joan Miró.
Nella Grande Mela, un piccolo gruppo di artisti poco affiliati creò un corpo di lavoro stilisticamente vario che introdusse nuove direzioni radicali nell'arte e cambiò l'approccio del mondo dell'arte. Sebbene non fosse un'associazione formale, gli artisti noti invarabilmente come "Espressionisti astratti" o "La Scuola di New York", condividevano alcune assunzioni comuni. Tra gli altri, artisti come Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart e Clyfford Still avanzarono audacemente nella ricerca di contenuti significativi. Rompendo con le convenzioni accettate sia nella tecnica che nel tema, gli artisti crearono opere di scala monumentale che si eressero come riflessi delle loro psiche individuali e, facendolo, tentarono di accedere a fonti universali interne. Questi artisti valorizzavano la spontaneità e l'improvvisazione, e attribuivano la massima importanza al processo.
Espressionismo astratto - Astrazione di Willem de Kooning
Il lavoro degli espressionisti astratti resiste alla categorizzazione stilistica, ma può essere raggruppato attorno a due inclinazioni di base: un'enfasi sul gesto dinamico ed energico, in contrasto con un approccio riflessivo e cerebrale in campi di colore più aperti. In ogni caso, le immagini erano principalmente astratte.
I primi espressionisti astratti ebbero due precursori notevoli: Arshile Gorky, che dipinse forme biomorfiche suggerenti utilizzando un'applicazione di pittura liquida, delicatamente lineare e libera, e Hans Hofmann, che utilizzò pennellate dinamiche e fortemente testurizzate in opere astratte ma di composizione convenzionale. Un'altra influenza importante nell'espressionismo astratto nascente fu l'arrivo sulle coste statunitensi, alla fine degli anni '30 e all'inizio degli anni '40, di un gran numero di surrealisti e altri importanti artisti europei d'avanguardia che fuggivano dall'Europa dominata dai nazisti. Tali artisti stimolarono enormemente i pittori nativi di New York e fornendo loro una visione più intima dell'avanguardia della pittura europea. In generale, si considera che il movimento espressionista astratto sia iniziato con i dipinti realizzati da Jackson Pollock e Willem de Kooning alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50.
Espressionismo astratto - Un anno il algodoncillo di Arshile Gorky
Espressionismo astratto - Tal es el camino de las Estrellas di Hans Hofmann
Tipi di Espressionismo Astratto
Nonostante la diversità del movimento espressionista astratto, si possono distinguere tre approcci generali. Uno, "la pittura d'azione", è caratterizzato da una gestione sciolta, rapida, dinamica o incisiva della pittura in pennellate ampie o taglienti e in tecniche parzialmente dettate dal caso, come colare o versare la vernice direttamente sulla tela. Jackson Pollock praticò per la prima volta la pittura d'azione versando colori commerciali su tele grezze per costruire matasse di vernice complesse e ingarbugliate in schemi lineari emozionanti e suggestivi. De Kooning usò pennellate estremamente vigorose ed espressive per creare immagini ricche di colori e texture. Kline usò tratti neri potenti e ampi su una tela bianca per creare forme notevolmente monumentali.
Il termine medio all'interno dell'espressionismo astratto è rappresentato da vari stili variati, che vanno dalle immagini più liriche e delicate e dalle forme fluide dei dipinti di Guston e Frankenthaler fino alle immagini quasi calligrafiche, incise e chiaramente strutturate di Motherwell e Gottlieb.
Il terzo approccio e meno emotivamente espressivo fu quello di Rothko, Newman e Reinhardt. Questi pittori utilizzarono ampie aree, o campi, di colore piatto e vernice fine e traslucida per ottenere effetti tranquilli, sottili, quasi meditativi. Il pittore dei campi di colore era Rothko, la maggior parte delle cui opere consistono in combinazioni su larga scala di aree rettangolari di colori solidi e bordi morbidi che tendono a brillare e risuonare.
All'interno dell'espressionismo astratto c'erano due grandi raggruppamenti: i cosiddetti pittori d'azione, che attaccavano le loro tele con espressive pennellate; e i pittori di campo di colore che riempivano le loro tele con ampie aree di un solo colore.
I pittori d'azione furono guidati da Jackson Pollock e Willem de Kooning, che lavorarono in modo spontaneo e improvvisato, utilizzando spesso pennelli grandi per fare segni gestuali ampi. Pollock posizionava la sua tela sul pavimento e danzava intorno versando vernice dal barattolo o trascinandola dal pennello o da un bastone. In questo modo, i pittori d'azione trasferirono direttamente i loro impulsi interni sulla tela.
Il secondo gruppo includeva Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford Still. Questi artisti erano profondamente interessati alla religione e al mito e crearono composizioni semplici con ampie aree di colore destinate a produrre una risposta contemplativa o meditativa nello spettatore. In un saggio scritto nel 1948, Barnett Newman diceva: 'Invece di costruire cattedrali con Cristo, l'uomo o la 'vita', le stiamo costruendo con noi stessi, con i nostri stessi sentimenti'. Questo approccio alla pittura si sviluppò attorno al 1960 in quello che è stato conosciuto come pittura di campo di colore, caratterizzato da artisti che usano ampie aree di più o meno un solo colore piatto.
L'espressionismo astratto si sviluppò nel contesto di fonti diverse e sovrapposte. Molti dei giovani artisti avevano iniziato negli anni '30. La Grande Depressione produsse due movimenti d'arte popolari, il regionalismo e il realismo sociale, nessuno dei quali soddisfaceva il desiderio di questo gruppo di artisti di trovare un contenuto ricco di significato e con un profumo di responsabilità sociale, ma libero da provincialismo e politica esplicita. La Grande Depressione ha anche spinto lo sviluppo di programmi governativi di assistenza, tra cui la Works Progress Administration (WPA), un programma di impiego per americani disoccupati al quale parteciparono molti membri del gruppo e che permise a tanti artisti di stabilire una carriera.
Ma fu l'esposizione e l'assimilazione del modernismo europeo a preparare il terreno per l'arte americana più avanzata. C'erano diversi luoghi a New York dove vedere arte d'avanguardia dall'Europa. Il Museo di Arte Moderna aprì le porte nel 1929, e lì gli artisti videro una collezione in rapida crescita acquisita dal direttore Alfred H. Barr, Jr. Furono anche esposti a innovative mostre temporanee di nuovi lavori, tra cui Cubismo e Arte Astratta (1936), Arte Fantastica, dadaismo, surrealismo (1936-1937) e retrospettive di Matisse, Léger e Picasso, tra gli altri.
Un altro forum per vedere l'arte più avanzata fu il Museo di Arte Vivo di Albert Gallatin, che fu ospitato all'Università di New York dal 1927 al 1943. Lì gli espressionisti astratti videro il lavoro di Mondrian, Gabo, El Lissitzky e altri. Il precursore del Museo Solomon R. Guggenheim, il Museo di Pittura Non Oggettiva, aprì nel 1939. Anche prima di quella data, la sua collezione di Kandinsky era stata esposta pubblicamente diverse volte. Le lezioni del modernismo europeo si diffusero anche attraverso l'insegnamento. L'emigrato tedesco Hans Hofmann (1880–1966) divenne il professore di arte moderna più influente degli Stati Uniti, e il suo impatto raggiunse sia artisti che critici.
La crisi di guerra e le sue conseguenze sono chiave per comprendere le preoccupazioni degli espressionisti astratti. Questi giovani artisti, preoccupati per il lato oscuro dell'uomo e ansiosamente consapevoli dell'irrazionalità e della vulnerabilità umane, volevano esprimere le loro preoccupazioni in una nuova arte di significato e sostanza. I surrealisti europei aprirono nuove possibilità con il loro enfasi nel toccare l'inconscio. Una risorsa surrealista per liberarsi dalla mente conscia fu l'automatismo psichico, in cui il gesto automatico e l'improvvisazione si scatenano.
Inizialmente, gli espressionisti astratti, alla ricerca di un tema atemporale e potente, si rivolsero al mito primitivo e all'arte arcaica per trovare ispirazione. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman e Baziotes cercarono espressione in culture antiche o primitive. Le loro prime opere presentano elementi pittografici e biomorfici trasformati in un codice personale. La psicologia junghiana fu anche convincente nella sua affermazione dell'inconscio collettivo. La franchezza di espressione era primordiale, e si otteneva meglio senza premeditazione. In una famosa lettera al New York Times (giugno 1943), Gottlieb e Rothko, con l'aiuto di Newman, scrissero: “Per noi, l'arte è un'avventura in un mondo sconosciuto dell'immaginazione che è libera da fantasie e si oppone violentemente al senso comune. Non esiste tale cosa come un buon dipinto su nulla. Affermai che il tema è critico”.
Espressionismo astratto - Ruote di Adolph Gottlieb
L'Espressionismo astratto nel suo apice: la pittura d'azione
Nel 1947, Pollock sviluppò una tecnica radicalmente nuova, versando e gocciolando vernice diluita su una tela grezza posizionata sul pavimento (invece dei metodi tradizionali di pittura in cui il pigmento viene applicato con un pennello su una tela tesa posizionata su un cavalletto). I dipinti erano completamente non oggettivi. Nel loro tema (o apparente mancanza di uno), scala (enorme) e tecnica (senza pennello, senza telai, senza cavalletto), le opere colpirono molti spettatori. De Kooning stava anche sviluppando la sua versione di uno stile gestuale molto carico, alternando tra il lavoro astratto e potenti immagini figurative iconiche. Altri colleghi, tra cui Krasner e Kline, erano altrettanto impegnati a creare un'arte di gesto dinamico in cui ogni centimetro di un'immagine è completamente carico. Per gli espressionisti astratti, l'autenticità o il valore di un'opera risiede nella sua franchezza e immediatezza di espressione. Un dipinto è destinato a essere una rivelazione dell'autentica identità dell'artista. Il gesto, la "firma" dell'artista, è prova del reale processo di creazione dell'opera. È con riferimento a questo aspetto dell'opera che il critico Harold Rosenberg coniò il termine "pittura d'azione" nel 1952: “A un certo punto, la tela cominciò a apparire a un pittore statunitense dopo l'altro come un palcoscenico in cui agire, piuttosto che come uno spazio in cui riprodurre, ripensare, analizzare o 'esprimere' un oggetto, reale o immaginario. Quello che sarebbe andato sulla tela non era un quadro ma un evento”. ” è prova del reale processo di creazione dell'opera. È con riferimento a questo aspetto dell'opera che il critico Harold Rosenberg coniò il termine "pittura d'azione" nel 1952: “A un certo punto, la tela cominciò a apparire a un pittore statunitense dopo l'altro come un palcoscenico in cui agire, piuttosto che come uno spazio in cui riprodurre, ripensare, analizzare o 'esprimere' un oggetto, reale o immaginario. Quello che sarebbe andato sulla tela non era un quadro ma un evento”. ” è prova del reale processo di creazione dell'opera. È con riferimento a questo aspetto dell'opera che il critico Harold Rosenberg coniò il termine "pittura d'azione" nel 1952: “A un certo punto, la tela cominciò a apparire a un pittore statunitense dopo l'altro come un palcoscenico in cui agire, piuttosto che come uno spazio in cui riprodurre, ripensare, analizzare o 'esprimere' un oggetto, reale o immaginario. Quello che sarebbe andato sulla tela non era un quadro ma un evento”.
Espressionismo astratto nel suo apice: il campo di colore
Un'altra strada risiedeva nel potenziale espressivo del colore. Rothko, Newman e Still, ad esempio, crearono arte basata su campi semplificati, di grande formato e dominati dal colore. L'impulso era, in generale, riflessivo e cerebrale, con mezzi pittorici semplificati per creare una sorta di impatto elementare. Rothko e Newman, tra gli altri, parlarono di un obiettivo per raggiungere lo "sublime" anziché il "bello", richiamando Edmund Burke in un impulso verso una visione grandiosa e eroica in opposizione a un effetto calmante o confortante. Newman descrisse il suo riduzionismo come un mezzo per “liberarci dagli accessori obsoleti di una leggenda passata di moda e antiquata… liberarci dagli impedimenti della memoria, dell'associazione, della nostalgia, della leggenda e del mito che sono stati i dispositivi della pittura dell'Europa occidentale”.
Per Rothko, i rettangoli dai bordi morbidi di colore luminescente dovrebbero provocare negli spettatori un'esperienza quasi religiosa, persino provocando lacrime. Come con Pollock e gli altri, la scala contribuì al significato. Per l'epoca, le opere erano di grande scala. E erano destinate a essere viste in ambienti relativamente vicini, in modo che lo spettatore si visualizzasse praticamente avvolto nell'esperienza di confrontarsi con l'opera. Rothko disse: "Pinto in grande per essere intimo". L'idea è verso il personale (espressione autentica dell'individuo) piuttosto che verso il grandioso. in modo che lo spettatore fosse virtualmente avvolto nell'esperienza di affrontare l'opera.
L'Espressionismo Astratto: il suo impatto
L'espressionismo astratto ebbe un grande impatto sulla scena artistica americana ed europea durante gli anni '50. In effetti, il movimento segnò il cambiamento del centro creativo della pittura moderna da Parigi a New York nelle decadi del dopoguerra. Nel corso degli anni '50, i seguaci più giovani del movimento seguirono sempre più l'esempio dei pittori di campo di colore e, nel 1960, i loro partecipanti si erano generalmente allontanati dall'espressività altamente carica dei pittori d'azione.
In questo periodo i lavori furono ampiamente esposti in mostre itineranti e attraverso pubblicazioni. A seguito dell'espressionismo astratto, le nuove generazioni di artisti, sia americani che europei, furono profondamente influenzate dagli sviluppi ottenuti dalla prima generazione e crearono le proprie espressioni importanti basate su coloro che hanno aperto la strada.
KUADROS ©, un dipinto famoso sulla tua parete.
