Le basi della storia dell'arte risalgono a decine di migliaia di anni a quando antiche civiltà usavano le tecniche e i mezzi disponibili per rappresentare un tema culturalmente significativo. Da questi primi esempi, hanno seguito molti movimenti artistici, ognuno con i propri diversi stili e caratteristiche che riflettono le influenze politiche e sociali del periodo da cui sono sorti.
Cosa significa fauvismo e cos'è l'arte concettuale? Parlare di arte sembra una disciplina in sé e se sei nuovo nel mondo dell'arte, probabilmente hai molte domande, specialmente su ogni movimento nell'arte e diversi tipi di arte.
Gli influenti generi artistici, dal rinascimento all'emergere del modernismo, hanno senza dubbio lasciato il segno nella storia.
Avendo i concetti chiari sulla storia e l'importanza dei suoi movimenti artistici, avremo una comprensione più chiara di come artisti famosi come Van Gogh, Picasso e Warhol hanno rivoluzionato il mondo dell'arte.
Kuadros Ha fatto un elenco dei movimenti più importanti per te.
N.1 Rinascimento italiano (1400–1550)
Alcuni esponenti: Doors Giberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Verso la fine del XIV secolo d. C., una manciata di pensatori italiani dichiarò di vivere in una nuova era. La Barbara, non illuminata "Medioevo" era finita; Il nuovo sarebbe un "rinincità" ("rinascimento") di apprendimento e letteratura, arte e cultura. Questa era la nascita del periodo ora conosciuta come il Rinascimento. Per secoli, gli studiosi hanno concordato sul fatto che la rinascita italiana (un'altra parola per "rinascita") è avvenuta esattamente in quel modo: che tra il XIV e il diciassettesimo secolo, un modo nuovo e moderno di pensare al mondo e al luogo dell'uomo in esso Ha sostituito le vecchie idee. In effetti, molti dei risultati scientifici, artistici e culturali del Rinascimento così chiamato condividono questioni comuni, in particolare la convinzione umanistica che l'uomo era il centro del suo universo.
Il Rinascimento italiano nel contesto dell'Italia del XV secolo era diverso da qualsiasi altro luogo d'Europa. Era diviso in stati delle città indipendenti, ognuna con una diversa forma di governo. Florence, dove iniziò la rinascita italiana, era una repubblica indipendente. Era anche una capitale bancaria e commerciale e, dopo Londra e Costantinopoli, la terza città più grande d'Europa. I ricchi florentines hanno sfoggiato i loro soldi e per essere in grado di diventare patrono o sostenitori di artisti e intellettuali. In questo modo, la città divenne il centro culturale dell'Europa e del Rinascimento.
Si può dire che il Rinascimento era diviso in due parti:
Durante la prima rinascita, gli artisti iniziarono a rifiutare lo stile bizantino della pittura religiosa e lottarono per creare realismo nella loro rappresentazione della forma e dello spazio umano. Questo obiettivo verso il realismo è iniziato con Cimabue e Giotto e ha raggiunto il suo apice nell'arte di artisti "perfetti", come Andrea Mantegna e Paolo Uccello. Mentre la religione era un elemento importante nella vita quotidiana delle persone che vivevano durante il Rinascimento, vediamo anche una nuova rotta aperta a Gasp: il tema mitologico. Molti studiosi sottolineano La nascita di Venere di Botticelli come il primo dipinto del pannello di una scena mitologica.
Il periodo noto come l'alta rinascita rappresenta il culmine degli obiettivi della prima rinascita. Gli artisti più noti di questa fase sono Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano e Miguel Ángel. I suoi dipinti e freschi sono tra le opere d'arte più conosciute. L'ultima Cena Da Vinci, La scuola di Atene Rafael e i dipinti del tetto della Cappella Sistina di Miguel Ángel sono i capolavori di questo periodo e incarnano gli elementi dell'alto rinascimento.
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N.2 Barocco (1600–1750)
Alcuni esponenti: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Il termine barocco alla fine deriva dalla parola italiana Barocco, che i filosofi hanno usato durante il Medioevo per descrivere un ostacolo nella logica schematica. Successivamente, la parola è arrivata a indicare qualsiasi idea o processo di pensiero contorto. Un'altra possibile fonte è la parola portoghese barocco (barrueco spagnolo), che viene utilizzata per descrivere una perla irregolare o imperfetta, e questo uso sopravvive ancora nel termine della perla barocca del gioielliere. Il barocco è un movimento nell'arte e nell'architettura sviluppato in Europa dall'inizio del diciassettesimo secolo fino alla metà del XII secolo. Sottolinea il movimento drammatico ed esagerato e il chiaro e facile interpretare i dettagli, che è tutt'altro che surrealismo, per produrre drammaticità, tensione, esuberanza e grandezza.
Le prime manifestazioni, avvenute in Italia, risalgono agli ultimi decenni del XVI secolo, mentre in alcune regioni, specialmente in Germania e coloniale Sud America, alcuni risultati culminanti del barocco non si verificarono fino al 18 ° secolo.
Gli artisti hanno continuato a far rivivere gli ideali di bellezza del Rinascimento, instillando nelle opere d'arte, musica e architettura dell'epoca in cui un occhiolino ha rianimato il classicismo ancora più migliorato da una nuova stravaganza esuberante e inclinazione per l'ornato. Questo stile altamente ornato è stato coniato come un barocco ed è stato caratterizzato dalle sue tecniche e dettagli innovativi, offrendo un linguaggio visivo nuovo e lussureggiante in quello che era stato un periodo relativamente attenuato per l'arte. Il barocco si diffuse in tutta Europa, diretto principalmente dal Papa di Roma e dai sovrani cattolici in Italia, Francia, Spagna e Fiandre. Si è diffuso ancora di più da potenti ordini religiosi attraverso la sua vasta rete di monasteri e conventi. Lo stile si estendeva rapidamente a Francia, Italia settentrionale, Spagna e Portogallo, poi in Austria e Germania meridionale.
Lo stile barocco che si è sviluppato da questo programma era, paradossalmente, sensuale e spirituale; Mentre un trattamento naturalistico ha fatto sì che l'immagine religiosa fosse più accessibile al parrocchiano medio, sono stati usati effetti drammatici e illusorie per stimolare la pietà e la devozione e trasmettere un'impressione dello splendore del divino. I tetti delle chiese barocche si dissolvevano in scene dipinte che presentavano vivide visioni dell'infinito all'osservatore e direvano i sensi verso le preoccupazioni celesti.
Mentre il tema e persino lo stile possono variare tra i dipinti barocchi, la maggior parte dei pezzi di questo periodo ha una cosa comune: il dramma. Nel lavoro dei pittori noti come Caravaggio E Rembrandt, L'interesse per il dramma si materializza come intensi contrasti tra luce radiante e ombre imminenti.
Quel grande insegnante della regione cattolica, in gran parte governata dagli spagnoli, era il pittore Peter Paul Rubens, le cui composizioni diagonali tempestose e ampie figure di sangue completo sono l'epitome della vernice barocca. Gli eleganti ritratti di Anthony Van Dyck e le robuste opere figurative di Jacob Jordaens emularono l'esempio di Rubens. L'arte nei Paesi Bassi era condizionata dai gusti realistici dei loro modelli dominanti della classe media, e quindi, sia gli innumerevoli genere che i pittori del paesaggio di quel paese e gli imponenti insegnanti come Rembrandt e Frans Hals sono rimasti indipendenti dallo stile barocco in aspetti importanti . Tuttavia, il barocco ha avuto un notevole impatto sull'Inghilterra, in particolare nelle chiese e nei palazzi progettati, rispettivamente, da Sir Christopher Wren e Sir John Vanbruch.
Come le statue del Rinascimento, incluso l'iconico David di Miguel Ángel, le sculture barocche erano spesso destinate a decorare edifici maestosi. Sono stati anche commissionati per altri grandi scenari, come gli interni delle chiese d'oro e dei giardini reali.
L'ultima fioritura barocca era in gran parte cattolica romano nella Germania meridionale e nell'Austria, dove architetti nativi si separarono dai modelli di costruzione italiani nel 1720.
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Realismo n. 3 (1848-1900)
Alcuni esponenti: Corot, Court, Daumier, Millet.
Il realismo, nelle arti, la rappresentazione precisa e dettagliata e senza ornamenti di natura o vita contemporanea. Il realismo rifiuta l'idealizzazione fantasiosa a favore di una stretta osservazione delle apparenze esterne. In quanto tale, il realismo nel suo ampio senso ha coperto molte correnti artistiche in diverse civiltà. Nelle arti visive, ad esempio, il realismo può essere trovato nelle antiche sculture greche ellenistiche che descrivono accuratamente pugili e vecchi decrepiti. Le opere dei pittori del 17 ° secolo come Caravaggio, i pittori del genere olandese, i pittori spagnoli José de Ribera, Diego Velázquez e Francisco de Zurbarán e i fratelli Le Nain in Francia sono un approccio realistico. Le opere dei romanzieri inglesi del 18 ° secolo Daniel Defoe, Henry Fielding e Tobias Smollett possono anche essere chiamate realistiche.
Il realismo nacque in Francia negli anni 1850. Immediatamente dopo la rivoluzione del 1848, un evento che stabilì il "diritto al lavoro" nel paese, il movimento introdusse l'idea della classe media, della classe operaia, degli scenari contemporanei, degli scenari contemporanei e delle scene quotidiane come temi artistici decenti.
Il realismo si estendeva in tutta Europa, dalla Russia di Alejandro II alla Gran Bretagna della regina Victoria, dalla Germania di Guillermo I all'Italia del Risorgimento e dall'impero dell'Asburgo alla Scandinavia e ai paesi oltre. L'anno 1855 fu significativo nell'istituzione del realismo in Europa.
Gustave Coubet È spesso considerato la figura principale del realismo. Posò le basi per il movimento negli anni 1840, quando iniziò a ritrarre i contadini e i lavoratori. Il fatto che Courbet non li abbia glorificati, ma che li abbia presentati audacemente e ha creato gravemente una reazione violenta nel mondo dell'arte.
Lo stile e il lavoro di Courbet emessi sono stati costruiti in un campo già rotto dai pittori della Barbizon School. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet e altri nei primi anni del 1830 furono istituiti nella città francese di Barbizon con l'obiettivo di riprodurre fedelmente il carattere locale del paesaggio.
Il realismo pittorico fuori dalla Francia era forse meglio rappresentato nel XIX secolo negli Stati Uniti. Lì, i potenti ed espressivi dipinti di Winslow Homer su questioni e ritratti marini, scene di navigazione e altre opere di Thomas Eakins sono documenti franco, poco attraenti e molto osservati della vita contemporanea. Il realismo era una corrente diversa nell'arte del ventesimo secolo ed era generalmente derivata dal desiderio degli artisti di presentare più sinceri, sinceri e senza idealizzare le opinioni sulla vita quotidiana o i loro tentativi di usare l'arte come veicolo per la critica per la critica sociale e politica .
Le scene difficili, delineate, quasi giornalistiche della vita urbana con cucitura del gruppo di pittori americani noti come otto (l'8) rientrano nella prima categoria. Il movimento artistico tedesco noto come Neue Sachlichkeit. Il realismo socialista, sponsorizzato ufficialmente nell'Unione Sovietica, ha usato tecniche di idealizzazione naturalistica per creare ritratti di intrepidi lavoratori e ingegneri che erano sorprendentemente simili sia nel loro eroico positivismo che nella loro mancanza di vera credibilità.
Inoltre, il realismo ha ispirato direttamente importanti movimenti dell'arte contemporanea, come il fotorealismo e l'iperrealismo. Sulla base dell'approccio straordinariamente moderno del realismo, questi generi dimostrano l'eredità duratura ed evolutiva del movimento innovativo.
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No.4 Impressionismo (1865–1885)
Alcuni esponenti: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
L'impressionismo francese è un movimento importante, prima nella pittura e poi nella musica, che si è sviluppato principalmente in Francia alla fine del XIX e dei primi secoli. La caratteristica più notevole dell'impressionismo nella pittura era un tentativo di registrarsi con precisione e obiettivamente a rappresentazioni realistiche delle fugaci impressioni di ciò che li circonda, che erano spesso fuori. Nella musica, era quello di trasmettere un'idea o un effetto attraverso un lavaggio del suono anziché una struttura formale rigorosa.
Alla fine del 1860, l'arte di MANET Rifletteva una nuova estetica, che dovrebbe essere una forza guida nell'opera impressionista, in cui l'importanza del tema tradizionale era ridotta e l'attenzione si muoveva sulla manipolazione del colore, del tono e della consistenza dell'artista. Finisce in se stessi.
Nel 1874, un gruppo di artisti chiamati pittori, scultori, registratori, ecc. Ha organizzato una mostra a Parigi che ha lanciato il movimento chiamato impressionismo. I suoi membri fondatori includevano Claude Monet, Edgar Degas e Camille Pissarro, tra gli altri. Il gruppo ha fatto il suo primo spettacolo, indipendente dalla sala ufficiale dell'Accademia francese, che aveva costantemente respinto la maggior parte delle sue opere. Il dipinto di Monet Stampa del sole in aumento (1872) ottennero loro il nome inizialmente beffardo "impressionisti" del giornalista Louis Leroy che scrisse sulla rivista satirica Le Charivari nel 1874. Gli artisti adottarono presto il nome come descrittivo della loro intenzione di trasmettere accuratamente le "impressioni visive". Mentre i critici conservatori hanno criticato il loro lavoro per il loro aspetto e schizzo incompleti, gli scrittori più progressisti lo hanno elogiato per la sua descrizione della vita moderna. Edmond Duranty, per esempio, nel suo saggio del 1876 The Nouvelle Peinture (il nuovo dipinto), scrisse sulla sua rappresentazione del tema contemporaneo in uno stile adeguatamente innovativo come una rivoluzione nella pittura.
Dalla sua concezione, l'impressionismo è stato definito da una serie di caratteristiche. Questi includono: pennellate pittoriche, colori distintivi, rappresentazioni di questioni comuni, un focus sulla luce e sulle composizioni ispirate alla fotografia.
A metà del 1980, il gruppo impressionista aveva iniziato a dissolversi mentre ogni pittore perseguiva sempre più i propri interessi e principi estetici. Tuttavia, nella sua breve esistenza, ha raggiunto una rivoluzione nella storia dell'arte, fornendo un punto di partenza tecnico per artisti post -impressionisti Cézanne, Di gas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Georges Seurat e rilasciando tutta la pittura occidentale posteriore delle tecniche tradizionali. e approcci all'argomento.
Eredità e presenza di impressionismo oggi
Naturalmente, come punto di partenza del modernismo, l'impressionismo ha influenzato molti movimenti successivi. I postimpressionisti hanno adottato il loro pennello pittorico; Gli espressionisti astratti hanno trovato ispirazione sull'approccio non convenzionale alla forma di Monet; E molti artisti contemporanei continuano persino a lavorare in uno stile neo -impressionista.
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N.5 post -impressionismo (1885–1910)
Alcuni esponenti: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Il post -impressionismo è un termine usato per descrivere la reazione nel 1880 contro l'impressionismo. È stato diretto da Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh e Georges Seurat. Gli impressionisti post hanno respinto la preoccupazione dell'impressionismo sulla rappresentazione spontanea e naturalistica della luce e del colore.
Tutti questi pittori, tranne van Gogh, erano francesi e la maggior parte di essi iniziava come impressionisti; Ognuno di loro ha abbandonato lo stile, per formare la propria arte altamente personale.
Come gli impressionisti, hanno messo in evidenza l'arteficialità dell'immagine. Post -impressionisti credevano anche che il colore potesse essere indipendente dalla forma e dalla composizione come portatore di significato emotivo ed estetico. Sia l'impressionismo che il post -impressionismo includono alcune delle più famose opere d'arte moderne, come Monet Water Gigli, una serie di paesaggi acquatici e La notte stellata Di Van Gogh.
Gli impressionisti post hanno condiviso il loro lavoro con il pubblico attraverso mostre indipendenti in tutta Parigi. Nel 1910, l'importante critico d'arte, storico e curatore Roger Fry coniò il termine "post -impressionismo" con il suo spettacolo, Manet e post -impressionisti. Come gli stessi post -impressionisti, Fry credeva che la bellezza dell'arte fosse intrinsecamente radicata nella percezione. "L'arte è un'espressione e uno stimolo per la vita fantasiosa invece di una copia della vita reale", spiega Fry in un saggio in estetica.
Come ha spiegato Fry, gli impressionisti post -impressionisti credevano che un'opera d'arte non dovesse ruotare attorno allo stile, al processo o all'approccio estetico. Invece, devi enfatizzare il simbolismo, comunicando i messaggi dal subconscio dell'artista.
I post -impressionisti hanno spesso esposto insieme, ma, a differenza degli impressionisti, che hanno iniziato come un gruppo molto unito e cordiale, hanno dipinto principalmente da soli. Cézanne dipinto in isolamento in Aix-en-Provence nel sud della Francia; La sua solitudine fu abbinata da quella di Paul Gauguin, che nel 1891 fu installata a Tahiti, e Van Gogh, che dipinse sul campo in Arles. Sia Gauguin che Van Gogh hanno respinto l'obiettività indifferente dell'impressionismo a favore di un'espressione spirituale più personale.
"Che colore profondo e misterioso!
A differenza degli impressionisti che hanno lottato per catturare l'effetto della luce naturale sulla tonalità, le impressioniste post -impressionanti hanno usato con scopo una tavolozza di colori artificiale come un modo per ritrarre le loro percezioni del mondo che li circondava. I toni saturi, le ombre multicolori e le gamme di colori ricche sono evidenti nella maggior parte dei dipinti postimpressionisti, dimostrando l'approccio innovativo e fantasioso degli artisti per la rappresentazione.
In generale, il post -impressionismo si allontanò da un approccio naturalistico e andò ai due principali movimenti dell'arte dell'inizio del ventesimo secolo che lo sostituì: cubismo e fauvismo, che cercarono di evocare le emozioni attraverso il colore e la linea.
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No.6 Fauvismo ed espressionismo (1900-1935)
La pittura collocata in densi, colori che escono dalla pagina e toni antinaturali: il fauvismo e l'espressionismo sono due dei movimenti che hanno dato vita a queste caratteristiche. Allora qual è la differenza tra loro, se possono essere descritti allo stesso modo? Innanzitutto, spiegheremo il fauvismo e l'espressionismo da solo.
Fauvismo
Alcuni esponenti: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo ha sequestrato la scena artistica dal 1905 al 1910, più o meno, ed è caratterizzato da un colore intenso e da pennelli audaci. In alcuni casi, gli artisti di questo periodo hanno applicato la vernice direttamente dalla bottiglia. I colori non dovevano essere fedeli alla natura, necessariamente. Potrebbero cambiare per mostrare emozioni. Hanno scelto problemi semplici e per questo motivo, i dipinti sembravano quasi astratti. Il critico d'arte Louis Vauxcelles ha coniato il termine dopo aver descritto il lavoro di Henri Matisse e Andre Derain come "Les Fauves" o The Beasts durante una mostra del 1905 nel soggiorno D'Am Automne a Parigi. L'opera nella mostra di Matisse e Derain era pieno di opzioni di colore innaturaliste e macchie di vernice selvaggia sulla tela. Sarebbe l'inizio del Fauvismo.
Gli artisti del fauvismo erano profondamente interessati alla teoria scientifica del colore del diciannovesimo secolo. In particolare, con l'uso di colori complementari, Fauristtas ha capito come far sembrare i colori più luminosi e audaci per incorporare queste teorie.
Il dipinto di Henri Matisse "Donna con un cappello". È stato criticato dai colori anti -naturali sul viso della donna. Paul Signac (1863-1935) è famoso per il suo punto. Era anche mentore di Henri Matisse. Puntillismo è una tecnica in cui vengono messi insieme piccoli punti di colori primari. Quando ti allontani, è combinato in una singola immagine. Questo può essere confrontato con i pixel sullo schermo di un computer. Ogni singolo pixel ha un colore diverso, ma quando vedi una leggera distanza, creano un'immagine. Lo stile del Point Rill ha mostrato ciò che gli artisti potevano fare con i colori primari e come potevano usare illusioni ottiche nel loro lavoro.
Oltre a Matisse e Derain, altri importanti artisti di Fauristtas includono Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault e Maurice de Vlaminck.
Espressionismo
Alcuni esponenti: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
L'espressionismo è un termine generale per qualsiasi opera d'arte che distorce la realtà per coincidere con sentimenti, opinioni o idee interne dell'artista. In breve, è un'arte che esprime realtà interne nel mondo esterno. Questa è una definizione abbastanza generalizzata, ma ci sono alcune caratteristiche distintive dell'espressionismo. In particolare, i colori usati nell'espressionismo saranno intensi e spesso non naturalisti, il che significa che la pelle di qualcuno potrebbe essere dipinta di blu anziché marrone chiaro o marrone. La vernice viene utilizzata anche spesso in grandi quantità in stile espressionista, che crea molta consistenza sulla tela.
L'espressionismo proveniva da "dall'interno", essendo un riflesso dei sentimenti dell'artista più di una rappresentazione di una scena. Due influenti artisti espressionisti erano Emily Carr e Edvard Munch.
Per quanto riguarda il soggetto, l'arte espressionista tende ad essere emotiva e, a volte, persino mitica, supponendo che l'espressionismo sia un'estensione del romanticismo. Poiché l'espressionismo è un termine così ampio, è facile iniziare ad attribuirlo all'arte in qualsiasi momento. Quindi, per la maggior parte, l'espressionismo si applica generalmente all'arte del ventesimo secolo. Si dice che sia iniziato con il lavoro di Vincent Van Gogh e si estende all'arte moderna come la conosciamo oggi.
I principali contribuenti del movimento espressionista sono artisti come Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch e altri.
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Il fauvismo può essere visto come un sottoinsieme di espressionismo. L'espressionismo può includere una vasta gamma di arte e movimenti che è quasi impossibile separarli per essere davvero diversi. Usano le stesse tecniche e sono classificati dalle stesse caratteristiche e l'unica vera differenza è la natura specifica del fauvismo in contrasto con la natura generale dell'espressionismo.
Qualcosa che può essere considerato Fauvista potrebbe anche far parte del campo dell'espressionismo. Ma qualcosa che è considerato un espressionista non è necessariamente nello stile Fauvista. Il fauvismo è un po 'più selvaggio, ma con un tema più semplicistico.
Quindi, il fauvismo contro l'espressionismo non è una cosa. Non sono in competizione tra loro perché una è semplicemente una versione dell'altra.
No.7 Cubism (1905–1920)
Alcuni esponenti: Pablo Picasso, Georges Braque
Cubismo, stile molto influente di arti visive del ventesimo secolo creato principalmente dagli artisti Pablo Picasso e Georges Braque a Parigi tra il 1907 e il 1914. Lo stile cubista ha sottolineato la superficie piatta e bidimensionale del piano dell'immagine, respingendo le tecniche tradizionali tradizionali . di prospettiva, scorezo, modellazione e chiara e confutazione delle antiche teorie che l'arte dovrebbe imitare la natura. I cubisti credevano che le tradizioni dell'arte occidentale fossero state esaurite e per rivitalizzare il loro lavoro, ricorrerono all'energia espressiva dell'arte di altre culture, in particolare l'arte africana.
Il cubismo deriva il suo nome dai commenti fatti dal critico Louis Vauxcelles, che ha eliminato il lavoro di Braque nelle case del 1908 a L’Estaque come composto da cubi. Nel dipinto di Braque, i volumi delle case, le forme cilindriche degli alberi e lo schema marrone e verde ricordano i paesaggi di Paul Cézanne, che ispiravano profondamente i cubisti nella loro prima fase di sviluppo (fino al 1909). Tuttavia, fu Les Demoiselles D'Avignon, dipinto da Picasso nel 1907, che prefigurava il nuovo stile; In questo lavoro, le forme di cinque nudi femminili diventano forme angolari e fratturate.
Si può vedere che il cubismo si è sviluppato in due diverse fasi: il cubismo analitico iniziale e più austero e una fase posteriore del cubismo noto come cubismo sintetico. Il cubismo analitico fu sviluppato tra il 1908 e il 12. Le sue opere d'arte sembrano più gravi e sono formate da una combinazione di aerei e linee in toni di neri, grigio e ocra. Il cubismo sintetico è la fase posteriore del cubismo, è generalmente considerato che risale al 1912 al 1914 circa ed è caratterizzato da forme più semplici e colori più luminosi. Le opere cubiste sintetiche di solito includono anche elementi reali combinati, come i giornali. L'inclusione di oggetti reali direttamente nell'arte è stata l'inizio di una delle idee più importanti dell'arte moderna.
Mentre la creazione di questo nuovo linguaggio visivo è attribuita a Picasso e Braque, è stata adottata e sviluppata da molti pittori, tra cui Fernand Léger, Robert e Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de La Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleize e Jean Metzinger. Sebbene sia principalmente associato alla pittura, il cubismo ha anche esercitato una profonda influenza sulla scultura e sull'architettura del ventesimo secolo. I principali scultori cubisti erano Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon e Jacques Lipchitz. L'adozione dell'estetica cubista da parte dell'architetto svizzero Le Corbusier si riflette nelle forme delle case che ha progettato negli anni '20.
Durante l'inverno del 1912-1913, Picasso eseguì un gran numero di papevoli. Con questa nuova tecnica di pezzi di pasto di carta colorata o stampata nelle loro composizioni, Picasso e Braque hanno spazzato via le ultime vestigia dello spazio tre -dimensionale (illusione) che sono rimasti ancora nel loro "alto" lavoro analitico.
I concetti liberali formali iniziati dal cubismo hanno avuto anche conseguenze ad alta raggio per Dada e surrealismo, nonché per tutti gli artisti che perseguono l'astrazione in Germania, Olanda, Italia, Inghilterra, Stati Uniti e Russia.
No.8 Dada e surrealismo (1917-1950)
Dadaista
Alcuni esponenti: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Ambito internazionale e diversa produzione artistica, sia il dato che il surrealismo erano movimenti artistici, letterari e intellettuali dell'inizio del XX secolo che erano fondamentali per definire il modernismo. Il movimento dato, lanciato a Zurigo nel 1916 da poeti e artisti come Tristan Tzara e Hans Arp, fu una reazione diretta al massacro, alla propaganda e alla follia della prima guerra mondiale I. Gruppi indipendenti legati a idee comuni emersero poco dopo a New York. , Berlino, Parigi e altri luoghi. Questi vari gruppi non condividevano uno stile universale, ma erano collegati per il loro rifiuto dell'idealismo, obsolete convenzioni artistiche e intellettuali e l'abbraccio incontrollato della società moderna al "razionalismo" e al "progresso".
Dato che si trattava di un movimento artistico d'avanguardia europeo, con i primi centri a Zurigo, Svizzera e New York.
Il nome, estratto da un dizionario a Zurigo nel 1916, significa "cavallo dondolante" in francese o "sì" in rumeno e russo. Ma come il nome di un movimento non significa davvero nulla. Stufo della cultura che aveva prodotto la carneficina della prima guerra mondiale, dato che sfidava tutte le mucche sacre, lanciando l'espressione e la paternità attraverso la finestra e celebrando la possibilità e l'assurdo.
Le radici dada si trovano nell'avanguardia prima della guerra. Il termine Antiarte, un precursore di Dada, fu coniato da Marcel Duchamp intorno al 1913 per caratterizzare le opere che sfidano le restrizioni accettate dell'arte.
Il movimento dadaista includeva incontri pubblici, dimostrazioni e pubblicazione di riviste artistiche / letterarie; La copertura appassionata di arte, politica e cultura è stata spesso discussa in una varietà di media.
Il movimento ha influenzato gli stili posteriori come l'avanguardia e i movimenti della musica centrale e gruppi che includono surrealismo e pop art.
Quindi, il surrealismo arrivò per incanalare le energie anti -dati dei dadaisti come Marcel Duchamp al museo, che scatenò un movimento enormemente riuscito ma frenetico che devastava l'Europa tra le guerre e abbracciò molti media.
Surrealismo
Alcuni esponenti: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Uno dei movimenti più importanti e sovversivi del ventesimo secolo, il surrealismo fioriva in particolare negli anni '20 e '30 e forniva un'alternativa radicale alle qualità razionali e formali del cubismo. Un movimento letterario, filosofico e artistico del ventesimo secolo che ha esplorato il funzionamento della mente, difendendo l'irrazionale, il poetico e il rivoluzionario.
A differenza di Dada, da cui è sorto in molti modi, ha sottolineato il rifiuto positivo, piuttosto che il pessimista delle tradizioni precedenti.
La parola "surrealista" (che suggerisce "oltre la realtà") fu coniata dal poeta d'avanguardia francese -garde Guillaume Apollinaire in un'opera scritta nel 1903 e rappresentata nel 1917. Ma era André Breton, leader di un nuovo gruppo di poeti e artisti A Parigi, che, nel suo manifesto surreale (1924), ha definito il surrealismo come: puro automatismo psichico, attraverso il quale si propone di esprimere, o verbalmente, per iscritto o in qualsiasi altro modo, il vero funzionamento del pensiero. Impiegazione del pensiero in assenza di qualsiasi controllo esercitato per la ragione, al di là di qualsiasi preoccupazione estetica e morale.
Diversi thread diversi possono essere distinti nella manifestazione visiva del surrealismo. Artisti come Max Ernst e André Masson hanno favorito l'automatismo in cui viene soppresso il controllo cosciente e il subconscio può assumere il controllo. Al contrario, Salvador Dalí e René Magritte hanno perseguito un incredibile senso di superrealità in cui le scene rappresentate non hanno un vero senso. Una terza variazione è stata la giustapposizione di elementi non correlati, stabilendo una realtà irrealizzabile al di fuori dei limiti della realtà normale. Il surrealismo originariamente originato a Parigi. La sua influenza è stata estesa attraverso una serie di riviste e mostre internazionali, essendo gli esempi più importanti di quest'ultima mostra surreale internazionale nella nuova Burlington, Londra e Fada di Art Fantastic, Surrealism nel Museum of Modern Art New York 1936. Con lo scoppio della seconda guerra mondiale, il centro dell'attività surrealista fu trasferito a New York e alla fine della guerra il movimento aveva perso la sua coerenza. Tuttavia, ha preservato una potente influenza, chiaramente evidente negli aspetti dell'espressionismo astratto e di altre manifestazioni artistiche della seconda metà del ventesimo secolo.
Molti sostengono che il surrealismo, come movimento culturale identificabile, si sia concluso con la morte di Breton nel 1966. Altri credono che oggi rimanga una forza vitale e pertinente.
No.9 Expressionismo astratto (1940-1950)
Alcuni esponenti: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
L '"espressionismo astratto" non è mai stata un'etichetta ideale per il movimento, che è stata sviluppata a New York negli anni '40 e '50. In qualche modo, era destinato a coprire non solo il lavoro dei pittori che riempivano le loro tele con campi e forme astratte, ma anche coloro che hanno attaccato le loro tele con una vigorosa espressione gestuale. Tutti erano impegnati nell'arte come espressioni del sé, nata da profonde emozioni e temi universali, e la maggior parte erano formati dall'eredità del surrealismo, un movimento che si traduceva in un nuovo stile che si adattava all'umore post -guerra dell'ansia e del trauma. Nel loro successo, questi pittori di New York hanno rubato Parigi come mantello come leader dell'arte moderna e hanno preparato il palcoscenico per la padronanza degli Stati Uniti nel mondo dell'arte internazionale. L'espressionismo astratto ha segnato l'inizio dell'influenza di New York City come centro del mondo dell'arte occidentale. Il mondo degli artisti espressionisti astratti era saldamente radicato a Low Manhattan. Una passeggiata lungo la 8th Street lo avrebbe preso dalla caffetteria di Waldorf, dove gli artisti senza soldi facevano "zuppa di pomodoro" con acqua calda e ketchup gratuito; Dopo la Hans Hofmann School of Plastic Artisti fondata dal pittore con lo stesso nome; Al club, un loft in cui conferenze e riscaldati argomenti sull'arte continuavano fino a tarda notte. Lo studio di Jackson Pollock era all'East 8th Street, Kooning e Philip Guston Willem erano nell'East 10th, e sebbene Franz Kline si trasferì in diverse case e studi nella zona, la maggior parte delle notti trovarono lui e molti dei suoi contemporanei nella Taverna di Cedar Street alla Taverna di Cedar Sito universitario.
Il movimento includeva molti stili pittorici diversi che variavano sia nella tecnica che nella qualità dell'espressione. Spesso usano gradi di astrazione; Cioè, rappresentano le forme non realistiche o, nelle forme estreme, non estratte dal mondo visibile (non obiettivo). Sottolineano l'espressione emotiva libera, spontanea e personale ed esercitano una notevole libertà di tecnica e esecuzione per raggiungere questo obiettivo, con una particolare enfasi posta sullo sfruttamento del carattere fisico variabile del dipinto per evocare qualità espressive (ad esempio, sensualità, dinamismo ). , violenza, mistero, lirismo).
La maggior parte degli artisti associati all'espressionismo astratto maturano negli anni '30. Furono influenzati dalla politica di sinistra del tempo e avevano valutato un'arte basata sull'esperienza personale. Pochi avrebbero mantenuto le loro precedenti opinioni politiche radicali, ma molti hanno continuato ad adottare la posizione di Frank Avant -Garde.
Nonostante la diversità del movimento espressionista astratto, si possono distinguere tre approcci generali. Uno, il dipinto d'azione, è caratterizzato da una gestione sciolta, veloce, dinamica o energetica della vernice nella scansione o nel taglio delle pennellate e nelle tecniche parzialmente dettate per caso, come gocciolare o versare la vernice direttamente sulla tela. Artisti: Pollock, Kooning.
Il termine medio all'interno dell'espressionismo astratto è rappresentato da diversi stili vari, che vanno da forme più liriche, delicate e fluide. Artisti: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Il terzo approccio meno espressivo fu quello di Rothko, Newman e Reinhardt. Questi pittori hanno usato grandi aree o campi, vernice piatta e fine e diafano per ottenere effetti silenziosi, sottili e quasi meditativi.
Sebbene il movimento sia stato rappresentato in gran parte in tutta la documentazione storica come appartenente all'eroico artista maschile costellato di pittura, c'erano diversi importanti espressionisti astratti femminili emersi da New York e San Francisco negli anni '40 e '50 che ora ricevono credito come membri elementari di la tassa.
No.10 Pop Art (1960)
Alcuni esponenti: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist e Claes Oldenburg
La pop art è iniziata con gli artisti di New York Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist e Claes Oldenburg, che sono stati ispirati da immagini popolari e in realtà facevano parte di un fenomeno internazionale.
Era una rivolta contro gli approcci dominanti dell'arte e della cultura e delle opinioni tradizionali su ciò che dovrebbe essere l'arte. I giovani artisti hanno sentito che ciò che hanno insegnato loro alla School of Art e ciò che hanno visto nei musei non avevano nulla a che fare con le loro vite o le cose che vedevano intorno a loro ogni giorno. Invece, fonti come i film di Hollywood, la pubblicità, l'imballaggio del prodotto, la musica pop e i fumetti per ottenere le loro immagini. Dopo la popolarità degli espressionisti astratti, la reintroduzione di immagini identificabili da parte del POP (estratta dai media e dalla cultura popolare) è stata un cambiamento importante nella direzione del modernismo.
Nel 1957, l'artista pop Richard Hamilton elencò le "caratteristiche della pop art" in una lettera ai suoi amici gli architetti Peter e Alison Smithson: Pop Art Is: Popular (progettati per un pubblico di massa), transitorio (soluzione a breve termine) (Facile da dimenticare), a basso costo, prodotto da massa, giovane (diretto alla giovinezza), ingegnoso, sexy, truculento, glamour, grandi imprese. I critici modernisti erano inorriditi dall'uso di artisti pop di un tema così "basso" e per il loro trattamento apparentemente poco critico di ciò. In effetti, Pop ha portato arte in nuove aree tematiche e ha sviluppato nuovi modi di presentarla nell'arte e può essere visto come una delle prime manifestazioni del postmodernismo.
Sebbene siano stati ispirati da questioni simili, il pop britannico è spesso visto come un distintivo pop americano. La prima pop art in Gran Bretagna è stata guidata dalla cultura popolare americana vista da lontano, mentre gli artisti americani sono stati ispirati da ciò che hanno visto e vissuto che vivevano all'interno di quella cultura. Negli Stati Uniti, lo stile pop è stato un ritorno all'arte rappresentativa (arte che rappresentava il mondo visivo in modo riconoscibile) e all'uso di bordi duri e forme diverse dopo la detenzione pittorica dell'espressionismo astratto. Usando immagini impersonali e banali, gli artisti pop volevano anche allontanarsi dall'enfasi sui sentimenti personali e sul simbolismo personale che caratterizzavano l'espressionismo astratto. In Gran Bretagna, il movimento era più accademico nel suo approccio. Mentre usa l'ironia e la parodia, si è concentrato maggiormente su ciò che le immagini popolari americane e il loro potere di manipolare gli stili di vita delle persone rappresentati. Il gruppo artistico degli anni '50, The Independent Group (IG), è considerato il precursore del movimento British Pop Art. La pop art era un discendente di Dada.
La maggior parte degli artisti pop aspirava ad un atteggiamento impersonale e urbano nelle loro opere. Tuttavia, alcuni esempi di arte pop sottilmente hanno espresso le critiche sociali, ad esempio, gli oggetti caduti di Oldenburg e le monotono ripetizioni di Warhol della stessa immagine banale hanno un effetto indubbiamente inquietante, e alcuni, come i misteriosi e solitari quadri segali che sono apertamente espressionisti.
Forse a causa dell'incorporazione di immagini commerciali, la pop art è diventata uno degli stili più riconoscibili dell'arte moderna.
No.11 Postmodernism (1970–)
Alcuni esponenti: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn nel cielo di ©James Gill
Che la postmodernità è indefinibile è una verità. Tuttavia, può essere descritto come un insieme di pratiche critiche, strategiche e retoriche che usano concetti come differenza, ripetizione, traccia, simulazione e iperrealità per destabilizzare altri concetti come la presenza, l'identità, il progresso storico, la certezza epistemica e l'univocità del significato.
Il termine "arte postmoderna" si riferisce a una vasta categoria di arte contemporanea creata da circa 1970 in poi. Il distintivo sigillo di "arte postmoderna" è il suo rifiuto dell'estetica su cui si basava il suo predecessore, "Arte moderna" (1870-1970). Uno di questi valori rifiutati è l'idea che "l'arte" sia qualcosa di "speciale" che dovrebbe essere "alto del" gusto popolare. In concomitanza con una serie di nuovi sviluppi tecnologici, il postmodernismo ha portato a quasi cinque decenni di sperimentazione artistica con nuovi media e nuove forme d'arte, tra cui "arte concettuale", vari tipi di "arte performance" e "arte di installazione", nonché assistito movimenti come il decostruttivismo e l'arte di proiezione. Usando queste nuove forme, gli artisti postmodern hanno ampliato la definizione di arte al punto che "tutto vale".
Il primo importante stile artistico dopo il Rinascimento è stato l'arte accademica, il materiale classico che è stato insegnato dagli insegnanti nelle accademie. L'arte accademica è l'equivalente artistico del tradizionale "abito e cravatta". Successivamente, intorno al 1870, arriva l '"arte moderna". Questo è l'equivalente artistico della "camicia e pantaloni" o "giacca e pantaloni". Successivamente, intorno al 1970, arriva "Arte postmoderna", che è l'equivalente artistico di "Jeans e T -Shirt". Allo stesso modo in cui i codici di abbigliamento sono diventati meno formali e più "tutto vale", gli artisti di oggi sono meno colpiti dalle vecchie idee di ciò che dovrebbe essere l'arte e più focalizzati sulla creazione di qualcosa (qualsiasi cosa) di quanto non si notino.
Anti-Autoritario per natura, il postmodernismo si è rifiutato di riconoscere l'autorità di qualsiasi stile o definizione di ciò che dovrebbe essere l'arte. La distinzione tra alta cultura e cultura di massa è stata crollata tra arte e vita quotidiana. Poiché la postmodernità ha infranto le regole stabilite sullo stile, ha introdotto una nuova era di libertà e la sensazione che "vale tutto vale". Spesso divertente, ironico o ridicolo; Può essere contrario e controverso, sfidando i limiti del gusto; Ma la cosa più importante è che riflette un'auto -consapevolezza dello stile stesso. Spesso, mescolando stili diversi e media artistici e popolari, l'arte postmoderna può anche prendere in prestito consapevolmente o ironicamente o ironicamente commentare una varietà di stili del passato. Pertanto, quelli postmoderni considerano che la loro posizione teorica è eccezionalmente inclusiva e democratica, poiché consente loro di riconoscere l'egemonia ingiusta dei discorsi dell'illustrazione sulle prospettive altrettanto valide dei gruppi non eliti.
Negli anni '80 e '90, i difensori accademici in nome di diversi gruppi etnici, culturali, razziali e religiosi adottarono le critiche postmoderne alla società occidentale contemporanea e il postmodernismo divenne la filosofia non ufficiale del nuovo movimento della "politica di identità"
KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
