Descrizione
L'opera "Onagras in the Vase" (1885) di Paul Gauguin viene eretta come un esempio paradigmatico della transizione del post -impressionismo in uno stile più personale e distintivo che caratterizzerebbe la produzione artistica dell'autore negli anni successivi. In questo dipinto, Gauguin mostra un'impressionante combinazione di colore e forma, offrendo allo spettatore un'esperienza sensoriale che trascende la semplice rappresentazione della natura.
Quando osserviamo la composizione, troviamo un vaso che occupa il centro del lavoro, contenuto in un ambiente che sembra ogni giorno ma si trasforma in uno scenario visivo di intensa saturazione cromatica. I fiori, rappresentati dalle costole, sono disposti in modo tale che sembrano ballare all'interno del vaso, i loro petali mostrano una gamma di colori gialli e arancioni che contrastano significativamente con lo sfondo scuro. Questo uso del colore, tipico di Gauguin, si riferisce non solo alla realtà dei fiori, ma evoca anche un onere emotivo che invita a riflettere sulla bellezza effimera della vita.
L'uso strategico dei colori complementari intensifica la profondità del lavoro. Il verde scuro dello sfondo, così come il blu che è insinuato nella parte superiore, non solo incornicia il vaso, ma contribuiscono anche a concentrarsi sullo splendore dei fiori. Questo approccio risuona con l'intenzione dell'artista di catturare non solo l'aspetto visivo, ma anche il senso dell'esperienza interna dell'osservatore contro la natura. Il pennello visibile e voluttuoso di Gauguin non fa solo appello a un momento catturato di quiete, ma anche a una sensazione di immediatezza, come se lo spettatore avesse interrotto un momento di natura nel suo essere più puro.
È interessante notare che l'opera è in un contesto in cui Gauguin inizia ad allontanarsi dalla fedele rappresentazione alla natura che ha caratterizzato l'impressionismo, cercando invece un'espressione più soggettiva. Questo può essere visto nel semplicismo quasi astratto di alcune forme e nell'uso del colore non naturalistico. La scelta di una tavolozza vibrante ed emotiva è un preludio alle successive esplorazioni nella sua carriera. Questo approccio al simbolismo e all'emozionalità diventerebbe più evidente nelle sue opere successive, specialmente durante il suo periodo a Tahiti, in cui il suo contatto con culture diverse avrebbe alimentato la sua ricerca di un'autenticità artistica.
Sebbene "Onagres nel vaso" non presenti personaggi in senso tradizionale, la presenza della natura stessa diventa il protagonista. I fiori non solo decorano lo spazio, ma invitano anche la contemplazione della vita, della morte e della bellezza nel loro stato più crudo. È un dialogo visivo che ricorda l'interconnessione che Gauguin ha percepito tra il fisico e lo spirituale.
Attraverso questo lavoro, Gauguin anticipa non solo la sua evoluzione artistica, ma anche le successive influenze nell'arte moderna, dove il colore e la forma sarebbero usati come veicoli per esprimere l'essere interno dell'artista. "Osagras in the Vase" è una testimonianza della sua padronanza nell'uso del colore e nel modo per evocare stati emotivi e un promemoria che la bellezza può risiedere nel semplice e quotidiano. Con ogni fiore dipinto, il gauguin lascia un segno indelebile non solo nella storia dell'arte, ma nella percezione di ciò che quest'ultimo può significare nell'esperienza umana.
KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
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