Molte delle opere della lista sono state rubate di seguito.
Altri distrutti dall'uomo o dalla natura e, di altri, il suo destino finale è semplicemente conosciuto in modo esagiente. Le cause per le quali questi tesori sono stati persi sono diverse, ma in tutti i casi c'è un colpevolezza comune: l'essere umano.
No.1 Il colosso di Rhodes
Una delle sette meraviglie del mondo antico, il colosso di Rhodes era un'enorme statua in bronzo del dio del sole, Helios, che cresceva sulla città greca di Rodi. La statua era accanto al porto della città dall'anno 280 a.C., essendo uno dei più importanti porti commerciali del vecchio Mediterraneo.
Helios era un discendente di Titans Hyperion e Theia. Un luogo in cui Helios era particolarmente adorato era Rodi, il più grande delle isole Dodecanesi nell'est del Mediterraneo. Rhodes era una polis o una città-stato e ha generato molti soldi dal suo redditizio controllo commerciale. Non c'era un modo migliore per celebrare il suo status commerciale che commissionare una statua enorme in onore del dio della città, un movimento che celebrava la libertà vinta dall'isola.
La statua gigante originale ha misurato 33 metri di altezza e, secondo i rapporti di antichità, ha preso lo scultore Chari di Caring, 12 anni pieno per finirlo. Sebbene il Colossus si sia sicuramente dimostrato una visione incredibile per i visitatori del vivace porto della città, sfortunatamente, i giganti Helios sono rimasti a malapena 56 anni.
Disabilitato da un terremoto in 228 o 226 ac, i loro pezzi rotti riempirono le sorgenti di rodi durante un millennio prima di sciogliersi in rottami a metà del settimo secolo. Nessun disegno del colosso di Rhodes sopravvive fino ad oggi, ma le vecchie fonti sottolineano che Helios era rappresentato in piedi con una torcia sostenuta nella sua mano estesa. Queste descrizioni in seguito sono state ispiratrici per la progettazione della statua della libertà.
No.2 The Jellyfish Shield - Leonardo da Vinci
Lo scudo di Medusa è stato perso nel tempo, ma è una di quelle misteriose opere di Leonardo da Vinci con un alto livello di spirito e dibattito.
Secondo una storia del 1550 dello storico dell'arte Giorgio Vasari, il viso era dipinto su uno scudo di legno tagliato di fichi, come favore per un suo amico contadino che progettò lo scudo. Leonardo nel suo stile sperimentale prese lo scudo e lo riscaldò con il fuoco e lo ammorbidì.
Secondo la storia, quando suo padre, essendo Piero, venne a vedere lo scudo e bussò alla porta, Leonardo gli disse di aspettare. Prese la vernice e la aggiustò vicino a una finestra con la luce morbida che appariva. Essere Piero entrò e diede un'occhiata al dipinto e fece un passo indietro con un grido.
Leonardo ha quindi detto: “Questo lavoro ha lo scopo per il quale è stato fatto; Prendilo e prendilo, dal momento che questo è l'effetto che era destinato a produrre ".
Il dipinto finì per essere così realistico che inizialmente spaventò il padre di Leonardo, che lo considerava il capolavoro qualcosa di macabra e lo vendette segretamente a un gruppo di commercianti fiorentina.
Lo scudo di Medusa era destinato a essere una di quelle storie della giovinezza di Leonardo, quindi poteva essere a Vinci (a Toscana, dove nacque Leonardo) o poteva essere a Firenze.
Lo scudo è scomparso molto tempo fa e alcuni esperti moderni ora sostengono che la storia di Vasari potrebbe essere stata poco più di un mito, leggenda urbana del suo tempo.
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No.3 Stone Burrs - Gustave Coubet
Realismo e pura realtà in un'unica opera.
Se osservassimo da vicino il dipinto di Courbet, la pietra innovativa, la preoccupazione dell'artista per la difficile situazione dei poveri era evidente.
La pietra innovativa, dipinta nel 1849, rappresenta due comuni lavoratori contadini. Courbet dipinto senza alcun sentimento apparente; Invece, ha lasciato l'immagine dei due uomini, uno troppo giovane per il lavoro forzato e l'altro troppo vecchio, esprime i sentimenti di difficoltà e stanchezza che stava cercando di ritrarre. Courbet mostra simpatia per i lavoratori e disgusto da parte della classe superiore dipingendo questi uomini con la propria dignità.
Ispirato da un incontro informale con due lavoratori oppressi, Courbet ha deliberatamente rotto con la convention del momento, catturando uomini con dettagli sabbiosi, dai loro muscoli tesi ai loro vestiti fatti e sporchi.
Tradizionalmente, un artista ha trascorso la maggior parte del tempo nelle mani, nei volti e nei primi aerei. Non era il caso della corte. Se osservi attentamente, noterai che cerca di essere imparziale, partecipando alle facce e alla roccia allo stesso modo, lasciando da parte il glamour che la maggior parte dei pittori francesi in quel momento si è aggiunta alle loro opere. Per questo motivo, Coubet divenne noto come leader del movimento realistico.
Mentre il dipinto ha contribuito a lanciare la carriera artistica di Courbet, "The Stone Groundwater" è stato finalmente condannato a diventare una delle tante vittime culturali della seconda guerra mondiale. Nel 1945, il dipinto fu distrutto durante un bombardamento alleato vicino alla città di Dresda, in Germania.
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No.4 The Man at the Crossroads - Diego Rivera
Diego Rivera ha dipinto molti murales populisti e freschi, ma il suo lavoro più famoso potrebbe essere quello che non esiste più. Nel 1932, l'artista messicano fu commissionato da John D. Rockefeller di creare un murale per le pareti del Rockefeller Center di New York.
All'artista è stato dato il tema: "L'uomo all'incrocio che cercava Hope e High Vision di scegliere un nuovo e migliore futuro".
Rockefeller voleva che il dipinto facesse fermare e pensare le persone. Rivera verrebbe pagato $ 21.000 per lavoro. È stato ufficialmente commissionato da Todd-Robertson-Alld Engineering, gli agenti di sviluppo dell'edificio. La commissione completa prevedeva tre murales. L'uomo all'incrocio sarebbe al centro. Sarebbe affiancato dal confine dell'evoluzione etica e dal confine dello sviluppo materiale. La composizione centrale aveva lo scopo di contrastare il capitalismo e il socialismo. Questa idea compositiva di base è stata approvata da Rockefeller.
Il 24 aprile 1933, il quotidiano mondiale-telegramma di New York pubblicò un articolo che attaccava il murale come propaganda anti-capitalista. Pochi giorni dopo, Rivera aggiunse il ritratto di Lenin al lavoro. Il leader è apparso sul davanti, a destra. Si vede che Lenin prenda mano con un gruppo di lavoratori multi -regolari.
I soldati e la macchina da guerra occuparono la parte superiore sinistra sulle donne della società e una manifestazione russa del 1 maggio con bandiere rosse fu vista a destra, sopra Lenin. Per Rivera, questo rappresentava visioni sociali contrastanti: il "ricco depravato" osservato dai disoccupati mentre la guerra è scatenato, mentre un'utopia socialista è stata introdotta da Lenin.
Delle centinaia di personaggi nell'uomo all'incrocio, Lenin è stato quello che ha prodotto il massimo dibattito. Un titolo del 24 aprile del New York World-Telegram ha dichiarato "Rivera perpetua scene di attività comunista per le pareti di RCA e Rockefeller, Jr. Foots Bill". Dieci giorni dopo, Nelson Rockefeller, il patrono di Rivera e un membro di una famiglia famosa e ricca, chiese all'artista di eliminare Lenin. Quando Rivera rifiutò, il suo lavoro fu pagato completamente e lo licenziò. I murales furono coperti e poi distrutti, mentre i sostenitori di Rivera si unirono per salvare il lavoro.
Preoccupato perché Rockefeller avrebbe distrutto il lavoro, Rivera aveva chiesto a un assistente, Lucienne Bloch, di scattare fotografie del murale prima di essere distrutta. Usandoli come riferimento, Rivera dipinse di nuovo il murale, sebbene su scala più piccola, nel palazzo delle belle arti di Città del Messico, dove fu ribattezzato uomo, controllore dell'universo. La composizione era quasi identica, la differenza principale è che la figura centrale si muoveva leggermente per allinearsi con l'albero di supporto del telescopio cilindrico su di esso. La nuova versione includeva un ritratto di Leon Trotsky accanto a Karl Marx e Friedrich Engels a destra, e altri, tra cui Charles Darwin, a sinistra e padre di Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr. , bevendo in una discoteca con una donna. In testa, l'artista aveva un piatto di batteri sifilis.
No.5 Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
Nel 1954, i membri del Parlamento britannico commissionarono un ritratto dell'artista Graham Sutherland e presentò Winston Churchill come un regalo di 80 ° compleanno.
Graham rimane ricordato, soprattutto, come l'artista il cui ritratto di Sir Winston Churchill ha offeso la venerabile figura che lo ha distrutto.
Mentre affermava di essere onorato dal gesto, Churchill non era un fan dell'interpretazione realistica di Sutherland, che pensava di averlo catturato in una posa un po 'lusinghiera. In effetti, il Primo Ministro ha tenuto così tanto il ritratto che considerava di non partecipare alla cerimonia di presentazione e ha persino scritto a Sutherland una lettera che esprimeva personalmente la sua delusione.
Non era che il ritratto si risolvesse deliberatamente di stile "moderno" o addirittura scarsamente eseguito. Piuttosto, era un ritratto francamente onesto e diretto di un uomo che, dopo tutto, aveva poco più di 80 anni, era fragile e fisicamente esausto. Tuttavia, il ritratto è stato anche uno studio completo che è riuscito a trasmettere la serietà del modello, mentre ne ha rivelato la vulnerabilità. Tuttavia, questa realtà si è scontrata in modo spettacolare con l'immagine che a Churchill piaceva proiettare la società britannica, l'uomo d'azione, il leader senza pretese e indomita in tempi di guerra.
Data la coraggiosa franchezza e onestà dell'immagine, la reazione di Churchill era forse inevitabile.
Churchill e sua moglie hanno respinto tutte le richieste di esibire pubblicamente la pittura e il lavoro è scomparso dall'opinione del pubblico per diversi anni. Dopo la morte del leader nel 1977, fu finalmente rivelato che Lady Churchill aveva distrutto e bruciato personalmente il ritratto odiato meno di un anno dopo la sua presentazione.
In retrospettiva, tutte le "polemiche ritratti di Churchill" si sono rivelate una spada a doppio taglio per Sutherland. Da un lato, era una testimonianza del potere del suo ritratto. D'altra parte, il dipinto ha portato molta notorietà indesiderata e ingiustificata, specialmente nella stampa popolare. Ciò era particolarmente irritante per Sutherland, perché era un artista serio che era profondamente impegnato nella sua professione.
No.6 Bamiyan Buddhas
Immagine di Bamiyan Buddha prima della loro distruzione.
Costruito ad un certo punto del settimo secolo, questa leggendaria coppia di Buddini in pietra era per 1.500 anni prima di essere vittima di una purga culturale da parte dei talebani. Le dimensioni di 41 e 53 metri sono state originariamente create direttamente da una scogliera di arenaria e servivano come il monumento più spettacolare di Bamiyan per un momento in cui la città fioriva come un centro commerciale della rotta della seta.
Prima della loro distruzione, si vedevano due sculture monumentali di Buddha scolpite nella scogliera di fronte alla valle. La più grande delle due figure si trovava all'estremità occidentale. La storica dell'arte Susan Huntington ha sostenuto di rappresentare il Buddha Vairocana. Le più piccole delle due statue monumentali, situate in Oriente, rappresentavano il Buddha Shakyamuni.
Come molti dei grandi vecchi monumenti del mondo, si sa poco su che hanno commissionato i Buddha agli scultori che li hanno scolpiti. Tuttavia, la sua stessa esistenza indica l'importanza della fede buddista e della valle di Bamiyan durante questo periodo.
La distruzione in Bamiyan è l'attacco più spettacolare contro il patrimonio storico e culturale dell'Afghanistan. Anche la sua distruzione è unica per la mobilitazione del mondo che ha suscitato, sebbene, sfortunatamente, non è l'unico danno inflitto ai resti archeologici di quel paese.
Mentre resistette a una dozzina di secoli, diversi attacchi da parte di imperatori musulmani e persino un'invasione di Genghis Kahn, i Buddha furono finalmente distrutti nel marzo 2001, quando i talebani e i loro alleati di Al Qaeda diedero un ordine condannando le immagini "idolatri".
Ignorando le chiamate generalizzate della comunità internazionale, i gruppi hanno sparato contro le statue con armi antiaeree prima di esplodere con la dinamite.
Sebbene la distruzione dei Buddha sia stata condannata come un crimine contro la cultura, sono state scoperte una serie di grotte e testi di precedentemente nascosti tra le macerie, e nel 2008 gli archeologi hanno portato alla luce una terza statua di Buddha, precedente una specie di vendetta della cultura contro il terrore.
No.7 Natività con San Francisco e San Lorenzo - Caravaggio
La natività con San Francisco e San Lorenzo è l'unica opera conosciuta associata al breve soggiorno di Caravaggio a Palermo ed è molto più tradizionale del culto di Messina, non solo perché il bambino Gesù è solo a terra mentre la vergine si trova in un sedile basso , ma anche a causa delle pose più convenzionali e delle apparizioni ben vestite delle figure circostanti.
La gestione della pittura è anche molto più precisa e finita rispetto a molte delle ultime fotografie di Caravaggio. Tuttavia, la sua nuova umiltà acquisita non era completamente persa, e la figura contadina di San José a destra, con il suo ampio cappello ala e le sue mani bruna, sembra essere stato un prototipo per molte delle figure simili delle composizioni realistiche popolari in i seguenti due secoli.
L'immagine era, secondo Belllori, dipinto per l'oratorio di Compagnia di San Lorenzo.
Dalla sua rapina nel 1969, la scena della Natività di Caravaggio è stata considerata uno dei più famosi dipinti rubati nella storia del mondo dell'arte. Il capolavoro non è stato visto da quando è stata cresciuta da una cappella a Palermo, in Italia, sebbene l'evidenza indichi che la mafia siciliana potrebbe aver avuto un ruolo nella rapina.
Le speranze di risolvere uno dei peggiori crimini artistici della storia sono state rianimate dopo che i ricercatori italiani hanno annunciato di aver ricevuto nuove informazioni.
Nel 1996, un informatore della mafia ha testimoniato che lui e molti altri uomini avevano rubato il dipinto a un acquirente privato, solo per distruggerlo accidentalmente mentre tagliava la tela della loro cornice. Più di un decennio dopo, un altro ex gangster affermò che il dipinto era stato nascosto in un fienile per la custodia, ma che ratti e maiali la danneggiavano irreparabilmente prima di bruciarla. Il destino della natività alla fine rimane un mistero, ma se esiste ancora, il dipinto varrebbe ora per almeno 40 milioni di dollari.
Il sindaco di Palermo, Leoluca Orlando, che ha contribuito a trasformare la capitale siciliana di una forza della mafia in una capitale europea della cultura, ha affermato che il furto della pittura aveva colpito la città un colpo in un momento in cui era dominato da mafia e padrini . "Oggi questa città è cambiata e chiede che restituiscano tutto ciò che la mafia lo ha portato via."
"Anche il recupero di una piccola parte di essa sarebbe considerata una vittoria", ha concluso.
No.8 Ambar's Room
Creato dallo scultore Andreas Schlüter e dal maestro artigiano di Amber Gottfried Wolfram, questa impressionante macchina fotografica ha assunto la forma di 16 metri quadrati.
La stanza era coperta da pannelli dorati decorati che brillavano di oro e ambra: pietre preziose luminose e gemme di alberi fossilizzati linfa con un ricco colore rosso giallo. L'ambra era sostenuta con copertura dorata, specchi tagliati e concesso in bellissimi disegni, era abbagliante in vista. La stanza fu costruita per la prima volta nel 1701 e nel 1716 il re di Prussia, poi Federico Guillermo I, lo diede a Pedro El Grande per aiutare a cementare un'alleanza tra Prussia e Russia. Spesso chiamata "ottava meraviglia del mondo", la fotocamera decorata era considerata un capolavoro di arte barocca e oggi varrebbe più di 140 milioni di dollari.
Il destino della stanza che una volta simboleggiava la pace divenne tutto tranne che i nazisti smantellarono la telecamera e poi la portarono a Königsberg, in Germania, dove scomparve verso la fine della seconda guerra mondiale. La maggior parte degli storici crede che sia stato distrutto da un bombardamento alleato del 1944, ma ci sono anche prove che suggeriscono che la stanza era piena e rimossa dalla città. Da lì, alcune teorie suggeriscono che avrebbe potuto essere caricato in una nave che affondò nel Mar Baltico o semplicemente nascosto in una volta o bunker.
L'ultima teoria afferma che i sovietici sapevano che la stanza ambra era stata distrutta dalle loro stesse truppe nella loro stessa invasione di Königsberg.
La storia della nuova stanza ambra, almeno, è al sicuro. Tutto il possibile per creare una riproduzione il più perfetta possibile, fino al punto di definire 350 diversi toni di ambra. La ricostruzione è iniziata nel 1979 a Tsarskoye Selo ed è stata completata 25 anni dopo, con un costo di 11 milioni di dollari
Dedicato dal presidente russo Vladimir Putin e dall'allora cancelliere tedesco Gerhard Schröder, la nuova stanza ha segnato il 300 ° anniversario di San Pietroburgo in una cerimonia unificante che ha fatto eco alla sensazione del Pacifico che ha evocato la stanza originale.
La replica della camera rimane esposta al pubblico nella riserva del museo statale Tsarskoye Selo, alla periferia di San Pietroburgo.
Anche così, i cacciatori di tesori insistono sul fatto che una favolosa stanza d'oro spera ancora di essere trovata nelle profondità di una grotta buia e misteriosa.
KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
