Descrizione
Giovanni Bellini e il suo seminario hanno creato il lamento sul corpo di Cristo durante l'alta rinascita. Hanno prodotto diverse varianti di questo problema, ma questo particolare lavoro è significativo a causa della drammatica tecnica del chiaroscuro utilizzato. Questo mette la pittura nell'alto periodo rinascimentale, usando la tecnica preferita degli artisti durante questo periodo di tempo, incluso Leonardo Da Vinci. Letteralmente, Claroscuro significa chiaro e oscuro. Il contrasto tra oscurità e luce consente un effetto più drammatico e ha avuto origine durante il periodo del Rinascimento.
Si può dire che l'arte rinascimentale è la rinascita delle antiche tradizioni. Gli artisti hanno iniziato a combinare le tradizioni dell'antichità classica e le nuove idee tratte dagli sviluppi artistici nel Nord Europa. Uno stile umanistico stava emergendo e integrato nell'arte di questa era. Altre caratterizzazioni del periodo di tempo hanno mostrato una prospettiva lineare e atmosferica, perfezionando l'anatomia, l'equilibrio e la simmetria.
In questo dipinto, Giovanni Bellini torna a un problema che ha affrontato in numerose occasioni durante il suo lavoro: la Vergine e l'apostolo Giovanni seduti a terra per sostenere il corpo di Cristo hanno lasciato la croce della croce. Diverse figure sono disposte attorno ai temi centrali, molto probabilmente dipinti con l'aiuto di uno dei collaboratori di Bellini. Sulla destra c'è la figura di un monaco, un anacronismo nella storia di Cristo che dimostra che la pittura era di natura devozionale piuttosto che narrativa e destinata alla meditazione.
È una composizione più affollata della precedente "Imago Pietatis", in cui l'isolamento delle figure diventa un diaframma che separa lo spettatore drammatico. Qui le ginocchia di spicco di Cristo e la sua brusca corsa rompono bruscamente questo muro ideale e avvicinano il gruppo sacro e, quindi, a una comunicazione più immediata con coloro che adorano.
La tecnica del dipinto monocromatico è particolarmente interessante, dando l'impressione di uno studio preparatorio e causando la considerazione della possibilità che la possibilità sia incompiuta. In effetti, secondo lo studioso veneziano del XVI secolo Paolo Pino, Giovanni Bellini è stato abituato a creare studi preparativi con cura a cui ha aggiunto il colore. Un'interpretazione alternativa è che l'opera era un modello rimasto nel seminario come modello per altri dipinti.
Nel dipinto di Bellini, le figure sono ordinate in modo che quelli più vicini allo spettatore siano sul lato sinistro, mentre quelli a destra sono più lontani dallo spettatore. Tuttavia, la figura più grande a sinistra di Gesù aiuta a bilanciare l'immagine, in modo che nella parte anteriore della scena, le figure che sono più importanti sono anche le più grandi e diventano più piccole e luce come tornano indietro. Di conseguenza, la scena è ben bilanciata da Cristo come punto focale nel mezzo. Tutte le figure che circondano Cristo si concentrano su di lui con le sue teste indicando centralmente nella sua direzione, attirando lì le opinioni dello spettatore. Il centro dell'opera d'arte è anche più chiaro dove posa il corpo di Gesù, mentre i bordi si scuriscono gradualmente.
Dipinto a Grisalla e, nonostante l'opinione opposta di alcuni critici, dovrebbe essere considerato un lavoro finito.