Nel corso della storia dell'arte, gli artisti hispanofoni hanno forgiato una posizione importante come pionieri. Senza paura di correre rischi, spesso incorporano simboli e tecniche che ricordano le loro culture native. Oltre a questo, molti degli artisti ispanici più famosi utilizzano la loro creatività come piattaforma per discutere le turbolenze politiche e sociali nel tentativo di influenzare il cambiamento e ispirare orgoglio nazionale.
No.1 Diego Velázquez - 1599 – 1660
Diego Velázquez è stato un pittore spagnolo del XVII secolo che ha prodotto "Las Meninas", forse il suo dipinto più famoso e molti ritratti di fama come membro della corte reale del re Filippo IV.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nacque a Siviglia, Spagna, intorno al 6 giugno 1599. All'età di 11 anni iniziò un apprendistato di sei anni con il pittore locale Francisco Pacheco. Le prime opere di Velázquez trattavano temi religiosi tradizionali favoreggiati dal suo maestro, ma fu anche influenzato dal naturalismo del pittore italiano Caravaggio. Velázquez stabilì il proprio studio dopo aver completato il suo apprendistato nel 1617. Divenne famoso per i suoi ritratti realistici e complessi come membro della corte del re Filippo IV, carica che ricoprì per quasi 40 anni. Diego Velázquez ha avuto una carriera di successo che lo ha reso l'artista leader di quella che è conosciuta come l'età d'oro spagnola.
Negli ultimi anni, il maestro spagnolo produsse un rinomato ritratto di Papa Innocenzo X e le famose "Las Meninas". Morì il 6 agosto 1660 a Madrid.
Velázquez è ricordato come uno dei grandi maestri dell'arte occidentale. Pablo Picasso e Salvador Dalí sono tra gli artisti che lo hanno considerato una grande influenza, mentre l'impressionista francese Édouard Manet descrisse il grande spagnolo come "il pittore dei pittori".
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No.2 Francisco de Goya - 1746 – 1828
Francisco Goya, per intero Francisco José de Goya y Lucientes, (nato il 30 marzo 1746, Fuendetodos, Spagna; morto il 16 aprile 1828, Bordeaux, Francia).
Francisco Goya, uno dei pittori più influenti del XVIII secolo, ebbe un enorme successo durante la sua vita. Il suo lavoro è spesso associato al movimento romantico ed è considerato uno degli ultimi grandi maestri antichi. Uno dei dipinti più famosi di Goya, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, è un capolavoro politicamente carico che onora la resistenza spagnola durante l'occupazione del paese da parte di Napoleone. Questo lavoro innovativo ha stabilito un nuovo precedente su come venivano rappresentati gli orrori della guerra nell'arte.
Il suo studio delle opere di Velázquez nella collezione reale ha portato a una tecnica di pittura più flessibile e spontanea. Allo stesso tempo, Goya ha ottenuto il suo primo successo popolare. Fu eletto all'Accademia Reale di San Fernando nel 1780, nominato pittore del re nel 1786, e divenne pittore di corte nel 1789. Una malattia grave nel 1792 ha lasciato Goya sordo permanentemente. Sviluppò uno stile nuovo audace e libero, vicino alla caricatura. Nei suoi affreschi religiosi impiegò uno stile ampio e libero e un realismo terreno senza precedenti nell'arte religiosa. Goya ha svolto il ruolo di direttore di pittura nell'Accademia Reale dal 1795 al 1797 ed è stato nominato primo pittore della corte spagnola nel 1799.
Durante l'invasione napoleonica e la guerra di indipendenza spagnola dal 1808 al 1814, Goya fu pittore di corte di Francia. Dopo il ripristino della monarchia spagnola, Goya fu indultato per aver servito i francesi, ma il suo lavoro non fu favorito dal nuovo re. Nel 1816 pubblicò le sue incisioni sulle corride di tori, chiamate Tauromachia. Dal 1819 al 1824 Goya visse recluso in una casa nei sobborghi di Madrid. Libero da restrizioni legali, adottò uno stile sempre più personale. Nelle Pitture nere, eseguite sulle pareti della sua casa, Goya espresse le sue visioni più oscure. Una qualità da incubo simile perseguita i Disparates satirici, una serie di incisioni chiamate anche Proverbi. Nel 1824, dopo il fallimento di un tentativo di ripristinare il governo liberale, Goya si esiliò volontariamente in Francia. Si stabilì a Bordeaux e continuò a lavorare fino alla sua morte il 16 aprile 1828.
Oggi molte delle sue migliori opere si trovano nel museo d'arte del Prado a Madrid.
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No.3 Frida Kahlo - 1907 – 1954
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 luglio 1907- Coyoacán,13 luglio 1954)
L'artista messicana Frida Kahlo è ricordata per i suoi autoritratti, dolore e passione, e colori vivaci e audaci. È celebrata in Messico per la sua attenzione alla cultura messicana e indigena e dalle femministe per la sua descrizione dell'esperienza e della forma femminile.
Con il suo lavoro profondamente personale e simbolico, è diventata una delle artiste più famose del XX secolo. Durante gran parte della sua carriera, è stata spesso trascurata semplicemente come la moglie di Diego Rivera, ma l'apprezzamento per i suoi dipinti è cresciuto solo dagli anni '70 in poi. Feroce orgogliosa della sua identità messicana, spesso incorporò simboli precolombiani nei suoi dipinti ed è famosa per il suo colorato abito messicano. Kahlo, che soffrì di problemi di salute per tutta la vita a causa di un incidente d'autobus nella sua gioventù, subì numerose fratture alla colonna vertebrale, clavicola e costole, un bacino distrutto, un piede rotto e una spalla lussata. Iniziò a concentrarsi molto sulla pittura mentre si riprendeva con un gesso sul corpo. Nella sua vita, subì 30 operazioni. L'esperienza della vita è un tema comune nelle circa 200 pitture, schizzi e disegni di Kahlo. Il suo dolore fisico ed emotivo è chiaramente visibile sui telai, così come la sua turbolenta relazione con il marito, l'artista collega Diego Rivera, con cui si sposò due volte. Delle sue 143 opere, 55 sono autoritratti. La devastazione del suo corpo a causa dell'incidente d'autobus è mostrata con grande dettaglio in La colonna rotta. Kahlo si rappresenta quasi nuda, divisa a metà, con la sua colonna vertebrale presentata come una colonna decorativa rotta. La sua pelle è spruzzata di chiodi. È anche dotata di un apparecchio chirurgico.
Ampliamente conosciuta per le sue inclinazioni marxiste, Frida, insieme al marxista rivoluzionario Che Guevara e a un piccolo gruppo di figure contemporanee, è diventata un simbolo controculturale del XX secolo e ha creato un'eredità nella pittura che continua a ispirare l'immaginazione e la mente.
Vide la sua fiorente carriera interrotta a causa della sua prematura morte a 47 anni. La sua eredità vive e rimane un'icona di molti movimenti femministi e politici.
No.4 Diego Rivera - 1886 – 1957
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, conosciuto come Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Città del Messico, 1957), è stato un importante pittore messicano. I suoi grandi affreschi hanno contribuito a stabilire il movimento murale nell'arte messicana e internazionale.
Messicano di nascita, Rivera trascorse gran parte della sua vita adulta in Europa e negli Stati Uniti, così come nella sua casa nella Città del Messico. All'inizio della sua carriera, si cimentò nel cubismo e poi abbracciò il post-impressionismo, ma il suo stile e la sua prospettiva unici sono immediatamente riconoscibili come propri. Fu coinvolto nel mondo della politica come un marxista dedicato e si unì al Partito Comunista Messicano nel 1922. Ricevette l'esiliato russo Leon Trotsky e sua moglie nella sua casa nella Città del Messico negli anni '30. Visse in tempi instabili e condusse una vita turbolenta, Diego Rivera, ampiamente conosciuto per le sue inclinazioni marxiste, insieme al marxista rivoluzionario Che Guevara e a un piccolo gruppo di figure contemporanee, è diventato un simbolo controculturale del XX secolo e ha creato un'eredità nell'arte che continua a ispirare l'immaginazione e la mente.
Ha contribuito a forgiare un'identità nazionale basata sulla messicanità. Questo orgoglio per l'identità messicana è visibile nell'arte di Rivera attraverso la sua tavolozza di colori vivaci e l'uso di forme semplificate influenzate dall'arte maya e azteca. Mentre alcune delle sue opere più conosciute si trovano nella Città del Messico, Rivera ha anche dipinto ampiamente negli Stati Uniti. Il suo murale Uomo all'incrocio delle strade fu rimosso dal Rockefeller Center di New York a causa di un'immagine di Lenin nel lavoro.
No.5 Pablo Picasso - 1881 – 1973
Pablo Picasso, per intero Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, chiamato anche (prima del 1901) Pablo Ruiz o Pablo Ruiz Picasso, (nato il 25 ottobre 1881, Malaga, Spagna) morì l'8 aprile 1973, Mougins, Francia), pittore, scultore, incisore, ceramista e scenografo spagnolo in esilio, uno dei più grandi e influenti artisti del XX secolo e il creatore (insieme a Georges Braque) del cubismo.
Era un bambino prodigio che prima dominò le tecniche classiche, prima di uscire per conto proprio per distruggere la forma tradizionale di creare arte. La sua opera è impressionante, avendo prodotto circa 50.000 opere d'arte durante la sua vita tra dipinti, sculture, ceramiche, disegni e incisioni.
Come uno dei genitori del cubismo all'inizio del 1900, evitò la realtà nell'arte e mirò a rappresentare il puramente astratto, qualcosa che non era stato fatto in quel modo prima. Il corpo principale del lavoro di Picasso si divide in periodi abbastanza distinti, iniziando con il Periodo Blu, poi il Periodo Rosa, il Periodo di influenza africana, il Periodo del cubismo e il Periodo del Surrealismo e del Classicismo.
Poiché l'arte di Picasso dell'epoca delle Demoiselles era di natura radicale, praticamente nessun artista del XX secolo poté sfuggire alla sua influenza. Picasso continuò a essere un innovatore nell'ultimo decennio della sua vita. Questo portò a malintesi e critiche sia durante la sua vita che da allora, e fu solo negli anni '80 che i suoi ultimi dipinti iniziarono a essere apprezzati sia per se stessi che per la loro profonda influenza sulla crescente generazione di giovani pittori. Poiché Picasso riuscì a vendere opere a prezzi molto elevati a partire dagli anni '20, poté conservare la maggior parte della sua opera nella propria collezione.
No.6 Salvador Dali - 1904 – 1989
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marchese di Dalí di Púbol (Figueras, 11 maggio 1904- Figueras, 23 gennaio 1989).
È considerato uno dei massimi rappresentanti del surrealismo.
Con una carriera che copre più di sei decenni, Salvador Dalí è uno degli artisti più influenti nell'arte moderna. Famoso per i suoi dipinti surrealisti come La persistenza della memoria, Dalí fu anche un prolifico scultore, cineasta, fotografo e illustratore. Creò persino un libro di cucina basato sulle leggendarie cene che lui e sua moglie Gala organizzavano.
Sin da giovane, Salvador Dalí fu incoraggiato a praticare la sua arte e infine studiò in un'accademia a Madrid. Negli anni '20 andò a Parigi e iniziò a interagire con artisti come Pablo Picasso, René Magritte e Miró, il che portò alla prima fase surrealista di Dalí.
Era un artista molto immaginativo, con tendenze al narcisismo e alla megalomania, amava attirare l'attenzione pubblica. Questo comportamento irritava coloro che apprezzavano la sua arte e giustificava i suoi critici, che rifiutavano le sue condotte eccentriche. Dalí attribuiva il suo amore per tutto ciò che è dorato e risulta eccessivo, la sua passione per il lusso e il suo amore per la moda orientale a una presunta discendenza araba, che risaliva ai tempi della dominazione araba della penisola iberica.
Man mano che la guerra si avvicinava in Europa, specificamente in Spagna, Dalí ebbe conflitti con i membri del movimento surrealista. In un "processo" tenuto nel 1934, fu espulso dal gruppo.
Nel 1980, Dalí fu costretto a ritirarsi dalla pittura a causa di un disturbo motorio che gli causò tremori permanenti e debolezza delle mani. Non poteva più tenere un pennello, aveva perso la capacità di esprimersi nel modo in cui sapeva fare meglio. Ulteriore tragedia si verificò nel 1982, quando morì la amata moglie e amica di Dalí, Gala. I due eventi lo portarono a una profonda depressione. Si trasferì a Pubol, in un castello che aveva acquistato e ristrutturato per Gala, forse per nascondersi dal pubblico o, come alcuni sospettano, per morire. Nel 1984, Dalí rimase gravemente ustionato in un incendio. A causa delle sue ferite, fu confinato su una sedia a rotelle. Amici, mecenati e compagni artisti lo salvarono dal castello e lo riportarono a Figueras, facendolo sentire a suo agio nel Teatro-Museo. Nel novembre del 1988, Dalí fu ricoverato in un ospedale a Figueras con un cuore malato. Dopo una breve convalescenza, tornò al Teatro-Museo. Il 23 gennaio 1989, nella città in cui era nato, Dalí morì di insufficienza cardiaca all'età di 84 anni. Il suo funerale si svolse nel Teatro-Museo, dove fu sepolto in una cripta.
Con una personalità eclettica ed eccentrica che si abbinava alla sua produzione artistica, continua a catturare l'immaginazione del pubblico 30 anni dopo la sua morte.
No.7 Fernando Botero - 1932 –
Fernando Botero (colombiano, nato nel 1932) è celebre per le sue scene dipinte e scolpite con animali e figure dalle proporzioni inflazionate, il che riflette la predilezione dell'artista per la satira, la caricatura e i commenti politici. Nato a Medellín, Colombia, è stato il secondo di tre figli, suo padre, un venditore ambulante, morì quando Botero aveva solo quattro anni. Sua madre dovette lavorare come sarta per mantenere la famiglia. Dopo un periodo in una scuola di matadori, Botero decise che l'arte era la sua vera vocazione e nel 1948, a 16 anni, ebbe la sua prima esposizione. Tre anni dopo, dopo essersi trasferito nella capitale della Colombia, Bogotá, ospitò la sua prima esposizione personale.
Negli anni '50, viaggiò in vari paesi europei, tra cui Spagna, Italia e Francia, per studiare il lavoro dei maestri del Rinascimento e del Barocco. Viaggiò anche in Messico per familiarizzarsi con l'attuale avanguardia messicana. Botero divenne famoso per il vario materiale fonte che utilizzò, da immagini folcloristiche colombiane a opere canoniche di Diego Velázquez, Pablo Picasso e Francisco de Goya.
Nelle sue rappresentazioni della vita latinoamericana contemporanea, ritrae la povertà e la violenza che prevalgono in Colombia in immagini cupe, così come nelle sue iconiche figure inflazionate, immagini satiriche di presidenti latinoamericani, prime donne e funzionari del governo. Un incontro con Dorothy Miller del Museo di Arte Moderna all'inizio degli anni '60 si rivelò un punto di svolta nella sua carriera; lei acquistò il suo lavoro in un momento in cui l'astrazione era il linguaggio famoso, e poi espose il suo lavoro in una mostra importante nel museo, consolidando la sua reputazione internazionale.
Negli anni '70, Botero si trasferì a Parigi, dove creò grandi sculture di figure con le sue forme inflazionate caratteristica. Rimane impegnato con le immagini della sua città natale latinoamericana e con immagini apertamente politiche; I suoi lavori recenti includono grandi dipinti di prigionieri ad Abu Ghraib in un commento diretto sulla guerra in Iraq. Botero ha esposto la sua opera al Museo di Arte Moderna di Copenaghen, al Museo Maillol di Parigi, al Palazzo Benezia di Roma, al Museo Hermitage di San Pietroburgo e al Museo Nazionale di Bogotá. Attualmente vive e lavora a Parigi, Montecarlo e New York.
Botero ha ora 80 anni ed è prolifico come sempre. Un creativo appassionato, ha prodotto migliaia di dipinti e centinaia di sculture e continuerà a affascinare con il suo marchio personale di persone e oggetti. Come dice lo stesso Botero, "un artista non è mai completo".
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