L'Art Deco è uno stile di design popolare degli anni '20 e '30 caratterizzato soprattutto da forme geometriche o stilizzate eleganti e dall'uso di materiali artificiali.
Le caratteristiche dello stile Art Deco sono emerse in Francia a metà e alla fine degli anni '10, maturando durante l'Esposizione Internazionale delle Arti Decorative e delle Industrie Moderne tenutasi a Parigi nel 1925, diventando uno stile importante in Europa occidentale e Stati Uniti durante gli anni '30.
I tratti distintivi dell'Art Deco riflettono l'ammirazione per la modernità della macchina e per le qualità di design insite negli oggetti prodotti dalle macchine, ad esempio, relativa semplicità, planarità, simmetria e ripetizione invariabile di elementi. Gli oggetti Art Deco spesso mostrano forme semplici e pulite, generalmente con un aspetto "stilizzato"; ornamenti geometrici o stilizzati a partire da forme figurative come fiori, animali e raggi di sole; e l'uso di sostanze artificiali, inclusi plastica, vetro vitreo e cemento armato, spesso combinati con materiali naturali come giadeite, argento, avorio e cromo.
Art Deco - poster
Tra le influenze formative dell'Art Deco ci sono l'Art Nouveau, la Bauhaus, il Cubismo e i Ballets Russes di Serge Diaghilev. I praticanti dell'Art Deco trovarono anche ispirazione nelle fonti degli indiani americani, egiziani e classici antichi, così come nella natura.
Proprio come l'Art Deco, l'art nouveau è uno stile ornamentale che si applica a mezzi come architettura, design d'interni, gioielleria e illustrazione. Entrambi gli stili furono popolari in Europa e negli Stati Uniti, ma l'Art Nouveau fiorì prima, tra il 1890 e il 1910.
L'Art Deco raggiunse il suo apice alla fine degli anni '20 e all'inizio degli anni '30. L'Art Nouveau enfatizzava la natura, e gli oggetti erano caratterizzati specialmente da linee sinuose asimmetriche, che spesso assumevano la forma di steli e boccioli di fiori, viticci, ali di insetti e altri oggetti naturali delicati. L'Art Deco, al contrario, celebrò la macchina moderna e promosse linee geometriche e forme eleganti.
La principale differenza con l'art nouveau è l'influenza del cubismo che conferisce al design dell'Art Deco un carattere geometrico più frammentato. Tuttavia, le immagini basate su forme vegetali e curve sinuose rimasero in alcuni design Art Deco, ad esempio, in quello di Clarice Cliff in Gran Bretagna. L'Art Deco era molto vario nelle sue influenze, estraendo ispirazione dall'arte egizia antica, dall'arte azteca e da altre arti centroamericane antiche, così come dal design di navi, treni e automobili moderne. Si ispirò anche all'architettura moderna e al design della Bauhaus e di architetti come Le Corbusier e Mies van der Rohe.
L'Art Deco derivò il suo nome dall'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, tenutasi a Parigi nel 1925, dove lo stile venne esposto per la prima volta. Il design Art Deco rappresentò il modernismo trasformato in moda. I suoi prodotti comprendevano sia articoli di lusso realizzati a mano individualmente che articoli prodotti in massa, ma, in ogni caso, l'intento era di creare un'eleganza sofisticata e antitradizionale che simboleggiasse ricchezza e sofisticatezza.
La maggior parte dei noti creatori di Art Deco progettavano articoli realizzati a mano o in edizione limitata. Tra loro c'erano i designer di mobili Jacques Ruhlmann e Maurice Dufrène; l'architetto Eliel Saarinen; l'orafo Jean Puiforcat; il designer di gioielli e cristallo René Lalique; il designer di moda Erté; gli artisti-orafo Raymond Templier, HG Murphy e Wiwen Nilsson; e lo scultore figurativo Chiparus.
Art Deco - mueble di Jacques Ruhlmann
Art Deco dell'orafo Jean Puiforcat
Cominci d'Art Deco
Alla fine del XIX secolo in Francia, molti degli artisti, architetti e designer noti che avevano svolto un ruolo importante nello sviluppo dello stile Art Nouveau riconobbero che stava diventando sempre più antiquato. Alla fine di un secolo che vide affermarsi la Rivoluzione Industriale, la vita contemporanea divenne molto diversa da quella di qualche decennio prima. Era ora di qualcosa di nuovo, qualcosa che esclamasse "XX secolo" dai tetti modernisti e di buon gusto.
La Società degli Artisti Decorativi di Francia
A partire da questo desiderio di avanzare verso il nuovo secolo al passo con l'innovazione invece di essere frenati dalla nostalgia, un gruppo di innovatori artistici francesi formò un'organizzazione chiamata Société des Artistes Décorateurs (La Società degli Artisti Decorativi). Il gruppo era composto da figure riconosciute come il designer e incisore di stile Art Nouveau Eugene Grasset, e l'architetto Art Nouveau Hector Guimard, insieme ad artisti e designer decorativi emergenti come Pierre Chareau e Francis Jourdain. Lo stato francese sostenne e promosse questa direzione dell'attività artistica.
Art Deco - La Società degli Artisti Decorativi
Uno dei principali obiettivi del nuovo gruppo era sfidare la struttura gerarchica delle arti visive che relegava gli artisti decorativi a uno status inferiore rispetto ai mezzi più classici di pittura e scultura. Si cita celebremente Jourdain: "Pertanto, abbiamo deciso di restituire l'arte decorativa, trattata scorrettamente come una Cenerentola o un parente povero cui era permesso mangiare con i servitori, al posto importante, quasi predominante che occupava in passato, di tutti i tempi e in tutte le epoche" dei paesi del globo".
Il piano per una grande esposizione che presentasse un nuovo tipo di arte decorativa fu concepito originariamente per il 1914, ma dovette essere sospeso fino a dopo la conclusione della Prima Guerra Mondiale e poi fu rinviato per vari motivi fino al 1925.
La Esposizione che lanciò ufficialmente il movimento Art Deco
Il governo francese, che ospitò l'esposizione tra l'esplanade des Invalides con cupola dorata e le entrate del Petit Palais e del Grand Palais ai lati della Senna, si sforzò di mostrare il nuovo stile. Più di 15.000 artisti, architetti e designer esposero il proprio lavoro nell'esposizione. Nei sette mesi dell'esposizione, oltre 16 milioni di persone visitarono le molte esposizioni singole. Questa esposizione fu il catalizzatore per l'inizio del movimento.
Art Nouveau e Art Déco
Art Deco fu una risposta diretta sia esteticamente che filosoficamente allo stile Art Nouveau e al fenomeno culturale più ampio del modernismo. L'Art Nouveau cominciò a passare di moda durante la Prima Guerra Mondiale, poiché molti critici sentirono che i dettagli elaborati, i design delicati, i materiali spesso costosi e i metodi di produzione dello stile non si adattavano a un mondo moderno sfidante, instabile e sempre più meccanizzato. Mentre il movimento Art Nouveau derivava le sue forme intricate e stilizzate dalla natura e celebrava le virtù dell'artigianato, l'estetica dell'Art Deco enfatizzava l'aerodinamica e la geometria elegante dell'era della macchina.
Art Deco e Modernismo
L'Exposition Internationale riunì non solo opere nello stile Art Deco, ma collocò anche articoli artigianali vicino a esempi di pitture e sculture d'avanguardia in stili come il cubismo, il costruttivismo, la Bauhaus, De Stijl e il futurismo. Negli anni '20, l'Art Deco era un contrapunto sontuoso, ma per lo più convenzionale, all'estetica più cerebrale della Bauhaus e di De Stijl. I tre condividevano un'enfasi su linee pulite e forti come principio di design organizzatore. I praticanti dell'Art Deco adottarono l'innovazione tecnologica, i materiali moderni e la meccanizzazione e cercarono di enfatizzarli nell'estetica generale dello stile stesso. I praticanti presero anche in prestito e appresero da altri movimenti modernisti. L'Art Deco arrivò ad essere considerato da ammiratori che erano al passo con le prospettive future dei movimenti d'avanguardia contemporanei. Ironia della sorte, la pittura e la scultura modernista giocarono un ruolo secondario nell'esposizione con le poche eccezioni del padiglione sovietico e del padiglione Esprit Nouveau di Le Corbusier.
Art Deco dopo la Grande Depressione
L'inizio della seconda fase dell'Art Deco coincise con l'inizio della Grande Depressione. L'austerità, infatti, potrebbe essere l'estetica centrale sia per motivi pragmatici che concettuali per questo secondo sviluppo dell'Art Deco. Mentre l'architettura Art Deco, per esempio, si era orientata verticalmente con grattacieli che si innalzano a grandi altezze, gli edifici Art Deco successivi con i loro esterni per lo più privi di decorazioni, curve eleganti e un'enfasi orizzontale simboleggiavano robustezza, dignità tranquilla e resilienza. Durante gli anni peggiori del disastro economico, dal 1929 al 1931, l'Art Deco americano passò dal seguire tendenze all'essere un trendsetter.
Streamline Moderne
Streamline Moderne divenne la continuazione americana del movimento Art Deco europeo. Oltre alle serie influenze economiche e filosofiche, l'ispirazione estetica per le prime strutture Streamline Moderne furono edifici progettati da sostenitori del movimento della Nuova Oggettività in Germania, che sorse da un'associazione informale di architetti, designer e artisti tedeschi formatisi all'inizio del XX secolo.
Art Deco - Streamline Moderne
Gli artisti e architetti della Nuova Oggettività si ispirarono allo stesso tipo di pragmatismo sobrio che costrinse i sostenitori dello Streamline Moderne ad eliminare gli eccessi, inclusa l'emotività dell'espressionismo. Gli architetti della Nuova Oggettività si concentrarono sulla produzione di strutture che potessero essere considerate pratiche, come un riflesso delle esigenze della vita reale. Preferirono che i loro progetti si adattassero al mondo reale piuttosto che costringere altri ad adattarsi a un'estetica poco pratica. A tal fine, gli architetti della Nuova Oggettività furono persino pionieri nella tecnologia della prefabbricazione (aiutando a sistemare rapidamente ed efficientemente i poveri di Germania).
Privo di decorazioni, l'architettura Streamline Moderne presentava curve pulite, lunghe linee orizzontali (incluse le bande di finestre), mattoni di vetro, finestre a oblò e forme cilindriche e, a volte, nautiche. Più che mai, ci fu un'enfasi sull'aerodinamica e altre espressioni della tecnologia moderna. I materiali più costosi e spesso esotici dell'Art Deco furono sostituiti da elementi in cemento, vetro e cromo nello Streamline Moderne. Il colore fu usato con moderazione, poiché le tonalità bianche, beige e terrose sostituirono i colori più vivaci dell'Art Deco. Lo stile fu introdotto prima nell'architettura e poi si espanse ad altri oggetti, in modo simile allo stile Art Deco tradizionale.
Art Deco è nominato retroattivamente
Originariamente, il termine "Art Deco" fu utilizzato in modo dispregiativo da un famoso detrattore, l'architetto modernista Le Corbusier, in articoli in cui criticava lo stile per la sua ornamentazione, caratteristica che considerava superflua nell'architettura moderna. Mentre i sostenitori dello stile lo acclamarono come una risposta modernista e semplificata all'ornamentazione eccessiva, specialmente rispetto al suo immediato predecessore, l'Art Nouveau, poiché ogni decorazione era superflua per Le Corbusier. Non fu fino alla fine degli anni '60, quando ci fu una rivitalizzazione dell'interesse per lo stile, che lo storico e critico d'arte britannico Bevis Hillier utilizzò il termine "Art Deco" in modo positivo.
Art Deco negli Stati Uniti
Negli Stati Uniti, la ricezione del movimento Art Deco si sviluppò su una traiettoria diversa. Herbert Hoover, il Segretario di Commercio degli Stati Uniti a quel tempo, decretò che i designer e gli architetti americani non potevano esporre il loro lavoro all'Esposizione Internazionale poiché sosteneva che il paese doveva ancora concepire uno stile d'arte chiaramente americano che fosse soddisfacentemente "abbastanza nuovo". In alternativa, inviò una delegazione in Francia per valutare le offerte all'Esposizione e poi applicare ciò che videro a uno stile artistico e architettonico americano contemporaneo. Nel contingente di emissari estetici inviati da Hoover c'erano figure importanti dell'Istituto Americano di Architettura, del Museo Metropolitano d'Arte e del The New York Times. La missione ispirò un'immediata fioritura di innovazione artistica negli Stati Uniti.
Nel 1926, una versione più piccola della fiera francese chiamata "Una collezione selezionata di oggetti dall'Esposizione Internazionale di Arti Moderne, Industriali e Decorative" viaggiò attraverso molte città degli Stati Uniti come New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis e Filadelfia. Le fiere mondiali americane a Chicago (1933) e a New York (1939) evidenziarono i design Art Deco, mentre Hollywood adottò l'estetica e la rese glamour in tutto il paese. Anche corporations americane come General Motors e Ford costruirono padiglioni alla Fiera Mondiale di New York.
Art Deco - Fiera Mondiale di New York
Tra i più noti esempi dello stile Art Deco americano ci sono i grattacieli e altri edifici di grande scala. Infatti, l'iterazione americana dell'Art Deco nei design degli edifici è stata chiamata Zigzag Modern per i suoi modelli angolari e geometrici come facciate architettoniche elaborate. Tuttavia, l'Art Deco americano in generale è spesso meno ornamentale rispetto al suo predecessore europeo. Oltre alle linee pulite e alle curve forti, le forme geometriche audaci, i colori intensi e, a volte, l'ornamentazione lussuosa, la versione americana è più sobria. Man mano che importanti influenze come la Nuova Oggettività e lo Stile Internazionale dell'architettura, così come i seri contraccolpi economici della fine degli anni '20 e dell'inizio degli anni '30, iniziarono a influenzare l'estetica dell'Art Deco, lo stile divenne molto meno lussuoso.
Art Deco - Zig Zag Modern
Lo stile Art Deco americano si sviluppò come celebrazione del progresso tecnologico, inclusa la produzione di massa, e una fede restaurata nel progresso sociale. In essenza, questi successi potrebbero essere considerati un riflesso dell'orgoglio nazionale. Negli anni '30 sotto la Works Progress Administration (WPA) di Roosevelt, molte delle opere create furono Art Deco, da strutture municipali come biblioteche e scuole a murales pubblici massivi. La WPA aveva l'intento di stimolare l'economia americana del dopoguerra creando posti di lavoro in lavori pubblici, cercando di servire la comunità creando posti di lavoro e infondendo valori americani nel design. L'uso dell'Art Deco americano portò così un'espressione di democrazia attraverso il design. Alcuni materiali usati spesso nella creazione di Art Deco erano costosi e quindi fuori dalla portata dell'uomo comune. Tuttavia, l'uso di materiali nuovi o a basso costo rese possibile produrre una vasta gamma di prodotti accessibili e quindi portò la bellezza nell'arena pubblica in un modo nuovo.
Crescita globale dell'Art Deco
Lo stile Art Deco si affermò in capitali mondiali così diverse come L'Avana, Cuba, Mumbai e Giacarta. L'Avana presenta un'intera zona costruita in stile Art Deco. Il sistema di metropolitana di Londra incorpora in gran parte lo stile. Il porto di Shanghai contiene più di cinquanta strutture Art Deco, la maggior parte delle quali furono progettate dall'ungherese Laszlo Hudec. Dai monumenti di guerra agli ospedali, città così lontane come Sydney e Melbourne in Australia hanno anch'esse assorbito lo stile fenomenale.
Art Deco - Laszlo Hudec
Le principali caratteristiche visive dell'Art Deco deriveranno dall'uso ripetitivo di forme lineari e geometriche che includono forme triangolari, a zigzag, trapezoidali e con motivo a chevron. Proprio come il suo predecessore, l'Art Nouveau, quando si rappresentano oggetti come fiori, animali o figure umane, questi vengono stilizzati e semplificati molto per mantenere l'estetica generale dell'Art Deco. La natura e l'ampiezza della stilizzazione e della semplificazione variano a seconda dell'iterazione regionale dello stile. Ad esempio, una figura come Il uccello di fuoco (1922) del designer francese René Lalique è elegantemente slanciata e attenuata, mentre l'Atlas di Lee Lawrie (1937) fuori dal Rockefeller Center è solido e robusto con una muscolatura enfatizzata e lineare, sebbene entrambi siano considerati buone rappresentazioni dello stile Deco.
Art Deco - Atlas di Lee Lawrie nell'edificio Rockefeller
In conformità con l'enfasi del movimento sulla tecnologia moderna, gli artisti e i designer Art Deco sfruttarono materiali moderni come plastica, bachelite e acciaio inossidabile. Ma quando era necessario un tocco di ricchezza e raffinatezza, i designer incorporarono materiali più esotici come avorio, corno e pelle di zebra. Proprio come con i movimenti Art Nouveau e Arts and Crafts, lo stile Art Deco si applicò molto meno a forme di espressione delle arti visive tradizionalmente di rango più alto: pittura e scultura.
Design Art Deco
Lo stile Art Deco esercitò la sua influenza sulle arti grafiche in un modo che rivela l'influenza del futurismo italiano con il suo amore per la velocità e l'adorazione della macchina. Gli artisti futuristi usavano linee per indicare il movimento, conosciute come "baffi di velocità", che uscivano dalle ruote delle automobili e dei treni in rapido movimento. Inoltre, i praticanti dell'Art Deco utilizzarono linee parallele e forme coniche che suggeriscono simmetria e aerodinamica. La tipografia fu influenzata dall'influenza internazionale dell'Art Deco e i caratteri tipografici Bifur, Broadway e Peignot richiamano immediatamente lo stile.
Art Deco - font Bifur
In termini di immagini, le forme semplici e le ampie aree di colore solido richiamano i legni giapponesi, che erano diventati una fonte importante di influenza per gli artisti occidentali, specialmente in Francia, dopo la fine del periodo isolazionista Edo nel 1868. L'afflusso successivo dell'arte del Giappone in Europa ebbe un impatto enorme. In particolare, gli artisti trovarono nella semplicità formale delle incisioni su legno un modello per creare i propri stili distintivamente moderni, a partire dagli impressionisti.
Mobili Art Deco
Fino alla fine degli anni '20, il design dei mobili all'avanguardia in Francia consisteva principalmente in variazioni dello stile Art Nouveau, ma semplificato e meno curvilineo. Man mano che il decennio avanzava, Émile-Jacques Ruhlmann emerse come il principale designer di mobili (Ruhlmann aveva un proprio padiglione all'Esposizione del 1925). Sebbene i suoi design si ispirassero principalmente a pezzi del XVIII secolo prodotti nello stile neoclassico, egli eliminò gran parte dell'ornamentazione mantenendo però l'uso di materiali esotici preferiti dai designer Art Nouveau, come mogano, ebano, palissandro, avorio e tartaruga. Naturalmente, i suoi pezzi erano spesso troppo costosi affinché qualcuno potesse acquistarli, eccetto per i più ricchi.
In contrasto con i lussuosi design di Ruhlmann, che sembravano essere a cavallo tra i stili Art Nouveau e Art Deco, il designer di mobili più definitamente Art Deco in Francia fu Jules Leleu. Era stato un designer tradizionale fino a quando il nuovo stile soppiantò l'Art Nouveau ed è conosciuto per il design della grande sala da pranzo del Palazzo dell'Eliseo a Parigi e per le lussuose cabine di prima classe della elegante nave a vapore Normandie.
Art Deco - mueble di Jules Leleu
In contrasto con Leleu e Ruhlmann, Le Corbusier era un sostenitore di una versione molto ridotta e priva di decorazioni dello stile Art Deco, spesso creando mobili adatti agli interni austeri delle sue strutture architettoniche. La sua intenzione era di progettare prototipi, in particolare sedie, che potessero essere prodotti in massa e quindi accessibili a un mercato più ampio.
Art Deco - mueble di Le Corbusier
Architettura Art Deco
L'architettura Art Deco è caratterizzata da design con bordi netti, spesso riccamente decorati, accentuati da dettagli metallici luccicanti. Molti di questi edifici hanno un'enfasi verticale, costruiti con l'intento di attirare l'attenzione verso l'alto. Le forme rettangolari, spesso a blocchi, sono disposte geometricamente, con l'aggiunta di guglie sul tetto e/o elementi ornamentali curvi per fornire un effetto aerodinamico. I grattacieli di New York e gli edifici dai colori pastello di Miami sono tra i più famosi esempi americani, sebbene lo stile sia stato implementato in una varietà di strutture in tutto il mondo.
Negli Stati Uniti, la Works Progress Administration contribuì a rendere popolare l'architettura Art Deco. Curiosamente, la fusione del classicismo Art Deco e Beaux-Arts che si vede in molte opere pubbliche dell'era della Depressione è conosciuta come PWA Moderne o Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Sviluppi successivi: dopo l'Art Deco
L'Art Deco passò di moda durante gli anni della Seconda Guerra Mondiale in Europa e Nord America, con l'austerità dell'epoca bellica che rese lo stile sempre più appariscente e decadente. I metalli furono recuperati per l'uso nella costruzione di armamenti, piuttosto che per decorare edifici o spazi interni. I mobili non erano più considerati oggetti di status. Altri progressi tecnologici permisero una produzione più economica di articoli di consumo di base, eliminando la necessità e la popolarità dei designer Art Deco.
Un movimento che in molti aspetti cercò di rompere con il passato, ora è diventato un classico che genera una nostalgia suprema e viene ricordato con affetto. Dalla fine degli anni '60, c'è stato un interesse costante e continuo per lo stile. Si possono vedere echi di Art Deco nel design moderno di metà secolo, che porta avanti l'estetica aerodinamica di Deco e rivisita la pulita semplicità della Bauhaus. Deco ha anche aiutato a ispirare il Gruppo Memphis, un movimento di design e architettura con sede a Milano negli anni '80. Memphis si basò anche sull'arte pop e sul kitsch come fonti per i suoi design colorati e consapevolmente postmoderni.
KUADROS ©, una famosa pintura sulla tua parete.
