Per scoprire le vere radici e il significato dell'astrazione lirica, e comprendere come interagiscono con le sue tendenze nell'arte, dobbiamo guardare ai primi giorni dell'arte astratta.

L'astrazione lirica è un termine apparentemente semplice e, tuttavia, per generazioni si è dibattuto sul suo origine e significato. Il collezionista d'arte statunitense Larry Aldrich utilizzò il termine nel 1969 per definire la natura di varie opere che aveva recentemente raccolto e che, a suo avviso, indicavano un ritorno all'espressione personale e all'esperimentazione dopo il minimalismo.

Ma il critico d'arte francese Jean José Marchand usò una variazione del termine, Abstraction Lyrique, decenni prima, nel 1947, per fare riferimento a una tendenza europea emergente nella pittura simile all'espressionismo astratto negli USA. Entrambi gli usi del termine si riferivano all'arte che si caratterizzava per essere composizioni libere, emotive e personali estranee alla realtà oggettiva.

Ma queste tendenze possono essere rintracciate anche più indietro, almeno fino ai primi anni del XX secolo nel lavoro di Wassily Kandinsky. 

L'astrazione lirica - primi passi

Vassily Kandinsky 1911, Composition No. 4

Sebbene si possa dire che il pittore russo Wassily Kandinsky (1866-1944) sia stato un pioniere nella combinazione elegante di narrativa, forma e colore che costituisce la base dell'astrazione lirica, la tendenza emerse in una mostra intitolata "L'Imaginaire", che si tenne alla Galerie du Luxembourg a Parigi, nel 1947, e che includeva opere di Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) e Jean-Paul Riopelle, tra gli altri.

Il termine attuale "Abstracción Lyrique" fu coniato dal pittore francese e coorganizzatore della mostra Georges Mathieu (1921-2012), mentre il suo collega curatore Jose-Jean-Marchand scrisse che alcune delle opere esposte mostrano "un lirismo slegato da ogni servitù ...", il che significa che i dipinti non erano derivati o appesantiti dal peso della teoria intellettuale.

Cercando il lirico nell'astrazione lirica

Negli anni 1910, diversi gruppi di artisti s'attardavano sul concetto di astrazione lirica, ciascuno da una prospettiva unica. Gli artisti cubisti e futuristi lavoravano con immagini del mondo reale e le modificavano in modo concettuale per esprimere idee astratte. Gli artisti suprematisti e costruttivisti stavano lavorando con forme riconoscibili nella loro arte, ma usandole in modo ambiguo o simbolico, o in un modo che cercava di trasmettere universalità.

Ma un altro gruppo di artisti si avvicinava all'astrazione da una prospettiva completamente diversa rispetto al resto.

Questo gruppo, impersonato da Wassily Kandinsky, affrontò l'astrazione dalla prospettiva di non sapere quale significato potesse avere ciò che dipingevano. Speravano che semplicemente dipingendo liberamente, senza nozioni preconcette di estetica o del mondo oggettivo, si potesse esprimere qualcosa di sconosciuto attraverso il loro lavoro. Kandinsky paragonò i suoi dipinti a composizioni musicali, che comunicavano emozioni in un modo completamente astratto. I suoi dipinti astratti erano immaginativi, emotivi, espressivi, personali, appassionati e completamente soggettivi; in altre parole, lirici.

Caratteristiche dell'astrazione lirica: confusione di stili

"Hombres Encendidos", Taro Okamoto (1955), Museo Nazionale d'Arte Moderna, Tokyo

In teoria, l'Art Informel fu il principale movimento che abbracciava numerosi sottostili e sottogruppi, come Forces Nouvelles, CoBrA, Tachisme, Art Brut, Art Non Figuratif e l'Astrazione Lirica. Tutte queste scuole erano astratte o almeno semi-astratte, tutte rifiutavano l'astrazione geometrica così come il naturalismo e i generi figurativi. Tutti gli artisti cercavano di creare uno stile di pittura nuovo e spontaneo, libero da teorie passate o convenzioni presenti. Nonostante tutto ciò, molti pittori astratti dell'epoca erano membri di uno o più di questi sottogruppi e, di conseguenza, è quasi impossibile identificare con autorità i dipinti appartenenti a ciascuno di questi movimenti.

Astrazione Lirica del dopoguerra

De Stijl, Medio

L'astrazione lirica di Kandinsky contrastava con molte delle altre tendenze dell'arte astratta degli anni 1920 e 1930. La sua arte non era specificamente associata a nessuna religione, ma vi era qualcosa di apertamente spirituale in essa. Altri artisti associati a stili come De Stijl, Art Concrete e Surrealism stavano facendo arte che era secolare e si prestava a un'interpretazione accademica oggettiva. Kandinsky cercava qualcosa che non potrebbe mai essere completamente definito o spiegato. Esprimeva apertamente la sua connessione personale con i misteri dell'universo. Sembrava quasi aver inventato una sorta di esistenzialismo spirituale.

L'esistenzialismo fu una filosofia che crebbe in popolarità dopo la Seconda Guerra Mondiale, quando le persone lottavano per comprendere quello che percepivano come il non senso della vita. I pensatori critici non potevano credere che potesse esistere un potere superiore che permettesse il tipo di distruzione che avevano da poco assistito. Ma invece di diventare nichilisti nell'apparente assenza di dio, gli esistenzialisti cercarono di aprirsi una strada attraverso il non senso generale della vita, cercando un significato personale. Come scrisse l'autore esistenzialista Jean-Paul Sartre nel suo libro L'essere e il nulla nel 1943, “L'uomo è condannato a essere libero; è responsabile di tutto ciò che fa". La ricerca di ciò che è essenzialmente personale è stata fondamentale per l'esistenzialismo, e anche per il risorgimento generalizzato dell'astrazione lirica dopo la Seconda Guerra Mondiale.

Altri nomi associati all'Astrazione Lirica

Nel corso degli anni '40 e '50, emersero una grande quantità di movimenti d'arte astratta che, in un modo o nell'altro, coinvolsero l'espressione personale soggettiva come base per esprimere il significato nell'arte. Abstracción Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Espressionismo astratto, Color Field art e persino l'arte concettuale e di performance, tutti, fino a un certo punto, risalgono alla stessa ricerca esistenziale generale. Uno dei critici d'arte più influenti di questo tempo, Harold Rosenberg, lo comprese quando scrisse: "Oggi, ogni artista deve impegnarsi a reinventare se stesso... Il significato dell'arte nel nostro tempo sgorga da questa funzione di auto-creazione".

Ma man mano che la cultura cambiò con la generazione successiva, molte di queste tendenze esistenziali nell'arte caddero in disgrazia. E ancora una volta, un approccio geometrico, concreto e privo di emozioni all'arte astratta, incarnato dal minimalismo, prese il suo posto.

Ma non tutti gli artisti abbandonarono la tradizione lirica. Alla fine degli anni '60, la marea era cambiata nuovamente. Come notò Larry Aldrich, che recuperò il termine Astracción lirica nel 1969, “All'inizio della scorsa stagione, divenne evidente che nella pittura c'era un movimento che si allontanava dal geometrico, dal duro e dal minimalista, verso cose più liriche, astratti sensuali, romantici in colori più morbidi e vibranti… Il tocco dell'artista è sempre visibile in questo tipo di pittura, anche quando i dipinti sono realizzati con pistole, spugne o altri oggetti ”.

Astrazione lirica contemporanea

Jimenez-Balaguer, dettaglio

È evidente che, come spesso accade con i movimenti artistici, le tendenze che definiscono l'astrazione lirica sono precedenti alla coniazione del termine. Nelle prime decadi del XX secolo, artisti come Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee e Wols incarnarono per la prima volta le tendenze liriche nell'astrazione. E decenni dopo, artisti come Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages e Joan Mitchell continuarono a portarle avanti. Poi, alla fine degli anni sessanta e settanta, artisti come Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko e decine di altri rivitalizzarono e ampliarono la rilevanza del genere.

Nel 2015 è scomparsa una delle voci più affascinanti dell'astrazione lirica contemporanea, l'artista spagnolo Laurent Jiménez-Balaguer. Ma i suoi concetti, teorie e tecniche continuano a manifestarsi in modo potente oggi nel lavoro di artisti come Margaret Neill, le cui composizioni istintive di linee liriche intrecciate invitano lo spettatore a una partecipazione soggettiva del significato personale e di Ellen Priest, il cui lavoro dà vita alla sua conversazione estetica con la musica jazz. Ciò che unisce tutti questi artisti in un legame comune è la ricerca fondamentale dell'astrazione lirica: esprimere qualcosa di personale, soggettivo ed emotivo, e farlo in modo poetico e astratto.

Astrazione lirica statunitense (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

Un movimento che si conosciuto come astrazione lirica emerse negli Stati Uniti durante gli anni '60 e '70, in risposta alla crescita del minimalismo e dell'arte concettuale. Numerosi pittori iniziarono a allontanarsi dagli stili geometrici, di precisione, con bordi netti e minimalisti, verso uno stile più armonioso e pittorico, impiegando colori ricchi e sensoriali. Intendevano ripristinare i principi estetici, piuttosto che continuare con un'iconografia sociopolitica spontanea. Questa forma americana di astrazione lirica si esemplifica nelle opere di Helen Frankenthaler (n. 1928) e Jules Olitski (1922-2007), tra gli altri. Una mostra intitolata "Astracción lirica" si tenne nel Museo Whitney d'Arte Americana, da maggio a luglio del 1971.

Durante questo periodo, però, ci fu una serie di variazioni simili dell'espressionismo astratto di seconda generazione (astrazione post-pittorica). E sebbene ci fossero chiare distinzioni teoriche tra Color Field Painting, Hard Edge Painting, Color Stain Painting e Lyrical Abstraction, tra gli altri, questi punti di differenza non sono in alcun modo ovvi per l'occhio nudo.

I dipinti del movimento Lyrical Abstraction sono oggi esposti nei migliori musei d'arte del mondo.

L'astrazione lirica - senso estetico e filosofico

Jean Paul Riopelle

L'astrazione lirica non fu una scuola o un movimento specifico, piuttosto una tendenza all'interno dell'Art Informel. Consideratela uno stile d'arte astratta equilibrato, elegante (a volte animato, a volte rilassante) che è quasi sempre carico di contenuto estratto dal mondo naturale.

È spesso incorniciata da un colore sontuoso, la sua bellezza armoniosa e pittorica può essere contrapposta alle immagini dure, angosciate e dissonanti prodotte da altri gruppi di Art Informel come Cobra o neo-espressionisti recenti.

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