Espressionismo astratto È il termine che si applica alle nuove forme di arte astratta sviluppate da pittori americani come Jackson Pollock, Mark Rothko e Willem di Kooning negli anni '40 e '50. È spesso caratterizzato da pennellate o segni gestuali e la stampa di spontaneità .
Espressionismo astratto - I post blu di Jackson Pollock
Sebbene sia la designazione accettata, l'espressionismo astratto non è una descrizione precisa del corpo di lavoro creato da questi artisti. In effetti, il movimento comprendeva molti stili pittorici diversi che variano sia nella tecnica che nella qualità dell'espressione. Nonostante questa varietà, i dipinti dell'espressionismo astratto condividono diverse caratteristiche generali. Spesso usano gradi di astrazione; Cioè, rappresentano forme non realistiche o, all'estremo, non estratte dal mondo visibile (non oggettivo). Sottolineano l'espressione emotiva libera, spontanea e personale ed esercitano una notevole libertà di tecnica e esecuzione per raggiungere questo obiettivo, con particolare enfasi sullo sfruttamento del carattere fisico variabile della pittura per evocare qualità espressive (ad esempio sensualità, dinamismo, violenza, Mistero, lirismo). Mostrano un'enfasi simile sull'applicazione intuitiva e non studiata di quella pittura in una forma di improvvisazione psichica simile all'automatismo dei surrealisti, con un'intenzione simile di esprimere la forza dell'inconscio creativo nell'arte. Gli artisti spesso mostrano un'enfasi simile all'abbandono della composizione strutturata costruita convenzionalmente da elementi discreti e segregabili e la loro sostituzione con un singolo campo, rete o altre immagini unificate e indifferenziate che esiste in uno spazio non strutturato. E infine, i dipinti riempiono grandi tele per dare questi effetti visivi menzionati sopra sia la monumentalità che il potere assorbente.
Gli espressionisti astratti avevano il loro quartier generale principalmente a New York City e erano anche conosciuti come la scuola di New York. Il nome evoca il suo obiettivo di fare arte che, anche se è astratto, è anche espressivo o emotivo nel suo effetto. Sono stati ispirati dall'idea surreale che l'arte doveva derivare dalla mente inconscia e dall'automatismo dell'artista Joan Miró.
Nel Grand Manazana un piccolo gruppo di artisti non formati ha creato un corpo stilisticamente diversificato che ha introdotto nuove direzioni radicali nell'arte e ha cambiato l'approccio al mondo dell'arte. Senza essere un'associazione formale, gli artisti invariabilmente noti come "espressionisti astratti" o "scuola di New York" hanno condiviso alcune ipotesi comuni. Tra gli altri, artisti come Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziots, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart e Clyfford sono ancora avanzati con un'audacia formale alla ricerca di contenuti significativi. Rompere le convenzioni accettate sia nella tecnica che nell'argomento, gli artisti hanno creato opere di scala monumentale che erettevano come riflessi della loro psiche individuale e, nel fare ciò, hanno cercato di accedere alle fonti interne universali. Questi artisti hanno valutato la spontaneità e l'improvvisazione e hanno concesso la massima importanza al processo.
Espressionismo astratto - Kooning Willem Abstraction
Il lavoro degli espressionisti abastratti resiste alla categorizzazione stilistica, ma può essere raggruppato attorno a due inclinazioni di base: un'enfasi sul gesto dinamico ed energetico, in contrasto con un approccio riflettente e cerebrale in campi più aperti. In ogni caso, le immagini erano principalmente astratte.
I primi espressionisti astratti avevano due precursori notevoli: Arshile Gorky, che dipingeva forme biomorfiche suggestive usando un'applicazione di vernice liquida, delicatamente lineare e libera e Hans Hofmann, che usava pennellate dinamiche e fortemente strutturato in opere astratte ma composizione convenzionale. Un'altra influenza importante sul nascente espressionismo astratto è stata l'arrivo sulla costa americana alla fine degli anni '30 e all'inizio del 1940. Tali artisti hanno molto stimolato i pittori nativi di New York City e hanno dato loro una visione più intima dell'avanguardia della pittura europea. In generale, si ritiene che il movimento espressionista astratto sia iniziato con i dipinti realizzati da Jackson Pollock e Kooning Willem alla fine degli anni '40 e all'inizio degli anni '50.
Espressionismo astratto - Un anno Arshile Gorky's Algodoncillo
Espressionismo astratto - Tale è il percorso delle stelle di Hans Hofmann
Tipi di espressionismo astratto
Nonostante la diversità del movimento espressionista astratto, si possono distinguere tre approcci generali. Uno "Action Paint", è caratterizzato da una gestione sciolta, veloce, dinamica o forte della vernice in pennellate spazzate o di fossa e nelle tecniche parzialmente dettate per caso, come gocciolare o rovesciare la vernice direttamente sulla tela. Jason Pollock ha praticato la vernice d'azione per la prima volta che versano dipinti commerciali su tele per creare complesse mazze di vernice in motivi lineari eccitanti e suggestivi. De Kooning ha usato pennellate estremamente vigorose ed espressive per creare immagini ricche di colori e trame. Kline ha usato colpi neri potenti e ampi su una tela bianca per creare forme marcatamente monumentali.
Il termine medio all'interno dell'espressionismo astratto è rappresentato da diversi stili vari, che vanno dalle immagini più liriche e delicate e forme fluide di dipinti di Guston e Frankenthaler a immagini quasi calligrafiche, forti e chiaramente strutturate di Motherwell e Gottlieb.
Il terzo approccio e il minimo emotivamente espressivo fu quello di Rothko, Newman e Reinhardt. Questi pittori hanno usato grandi aree o campi, colore piatto e vernice fine e diafano per ottenere effetti tranquilli, sottili, quasi meditativi. Il pittore di colori era Rothko, la maggior parte le cui opere consistono in combinazioni su larga scala di aree rettangolari di colori solidi e bordi morbidi che tendono a brillare e risuonare.
All'interno dell'espressionismo astratto c'erano due gruppi principali: i pittori d'azione così chiamati, che attaccarono le loro tele con pennelli espressivi; e pittori del campo a colori che hanno riempito le tele con ampie aree di un singolo colore.
I pittori d'azione sono stati diretti da Jackson Pollock e Willem di Kooning, che lavoravano spontaneamente e improvvisamente, spesso usando grandi pennelli per effettuare segni di scansione gestuale. Pollock mise la sua tela a terra e danzava attorno a lui versando la vernice dalla lattina o trascinandola dal pennello o un bastone. In questo modo, i pittori d'azione riflettono direttamente i loro impulsi interni sulla tela.
Il secondo gruppo includeva Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford ancora. Questi artisti erano profondamente interessati alla religione e al mito e creavano semplici composizioni con grandi aree di colore volta a produrre una risposta contemplativa o meditativa nello spettatore. In un saggio scritto nel 1948, Barnett Newmann disse: "Invece di fare cattedrali con Cristo, uomo o" vita ", le stiamo facendo con noi stessi, con i nostri sentimenti". Questo approccio dipinto è stato sviluppato intorno al 1960 in quella che era conosciuta come la vernice per campi a colori, caratterizzata da artisti che usano ampie aree di colore più o meno piatto.
Espressionismo astratto si è sviluppato nel contesto di fonti e ispirazioni diverse e sovrapposte. Molti dei giovani artisti avevano iniziato negli anni '30. La Grande Depressione ne produceva due Movimenti artistici Popolare, regionalismo e realismo sociale, nessuno dei quali soddisfaceva il desiderio di questo gruppo di artisti di trovare un contenuto ricco di significato e odore di responsabilità sociale, ma privo di provincialismo e politica esplicita. La Grande Depressione ha anche promosso lo sviluppo di programmi governativi, tra cui la Works Progress Administration (WPA), un programma di lavoro per americani disoccupati a cui hanno partecipato molti membri del gruppo e che ha permesso a così tanti artisti di stabilire una carriera.
Ma è stata la mostra e l'assimilazione del modernismo europeo che ha preparato lo scenario per l'arte americana più avanzata. C'erano diversi posti a New York per vedere l'arte d'avanguardia in Europa. Il Museum of Modern Art aprì le sue porte nel 1929, e lì gli artisti videro anche una rapida collezione di crescita acquisita dal regista Alfred H. Barr, Jr. furono esposti a mostre temporanee innovative di nuove opere, tra cui cubismo e arte astratta (1936), Arte fantastica, dadaismo, surrealismo (1936-1937) e retrospettiva di Matisse, Léger e Picasso, tra gli altri.
Un altro forum per vedere l'arte più avanzata fu il Museo di arte dal vivo di Albert Gallatin, che fu ospitato all'Università di New York dal 1927 al 1943. Lì gli espressionisti astratti videro il lavoro di Mondrian, Gabo, The Lissitzky e altri. Il precursore del Museo di Solomon R. Guggenheim, il Museo della pittura non oggettiva, aprì le porte nel 1939. Anche prima di quella data, la sua collezione Kandinsky era stata esposta pubblicamente più volte. Le lezioni europee di modernismo sono state anche diffuse attraverso l'insegnamento. L'espatriato tedesco Hans Hofmann (1880-1966) divenne il professore di arte moderno più influente negli Stati Uniti e il suo impatto raggiunse sia artisti che critici.
La crisi della guerra e i suoi sequel sono fondamentali per comprendere le preoccupazioni degli espressionisti astratti. Questi giovani artisti, preoccupati per il lato oscuro dell'uomo e consapevolmente consapevoli dell'irrazionalità e della vulnerabilità umana, volevano esprimere le loro preoccupazioni in una nuova arte di significato e sostanza. I surrealisti europei hanno aperto nuove possibilità con la loro enfasi sul toccare l'inconscio. Una risorsa surrealista per liberarsi dalla mente cosciente era l'automatismo psichico, in cui i gesti automatici e l'improvvisazione ottengono un berretto libero.
Inizialmente, espressionisti astratti, alla ricerca di un tema senza tempo e potente, hanno fatto ricorso al mito primitivo e all'arte arcaica in cerca di ispirazione. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman e Baziots cercarono espressione in culture antiche o primitive. Le sue prime opere hanno elementi pittografici e biomorfi trasformati in un codice personale. La psicologia junghiana era anche convincente nella sua affermazione dell'inconscio collettivo. La franchezza dell'espressione era essenziale ed è stata ottenuta meglio senza premeditazione. In una famosa lettera al New York Times (giugno 1943), Gottlieb e Rothko, con l'aiuto di Newman, scrissero: “Per noi, l'arte è un'avventura in un mondo sconosciuto dell'immaginazione libera da fantasie e si oppone violentemente al buon senso . Non esiste un buon dipinto su nulla. Affermiamo che il problema è fondamentale. "
Espressionismo astratto - Rhodes di Adolph Gottlieb
L'espressionismo astratto nel suo picco: Action Painting
Nel 1947, Pollock sviluppò una tecnica radicalmente nuova, versando e gocciolando vernice diluita su una tela lorda posizionata a terra (invece di metodi di vernice tradizionali in cui il pigmento viene applicato con una spazzola su una tela allungata posizionata su una cavalleria). I dipinti non erano completamente obiettivi. Nel suo tema (o apparente mancanza di uno), scala (enorme) e tecnica (senza pennello, senza rack, senza cavalletto), le opere hanno avuto un impatto su molti spettatori. Kooning stava anche sviluppando la sua versione di uno stile gestuale molto carico, alternando tra lavoro astratto e potenti immagini figurative iconiche. Altri colleghi, tra cui Krasner e Kline, erano ugualmente impegnati nella creazione di un'arte gesto dinamica in cui ogni centimetro di un'immagine è completamente caricato. Per espressionisti astratti, autenticità o valore di un'opera risiede nella sua franchezza e immediatezza dell'espressione. Un dipinto è destinato a essere una rivelazione dell'autentica identità dell'artista. Il gesto, la "firma" dell'artista, è la prova del vero processo di creazione del lavoro. È in riferimento a questo aspetto del lavoro che il critico Harold Rosenberg coniò il termine "dipinto d'azione" nel 1952: "A un certo punto, la tela iniziò ad apparire a un pittore americano dopo l'altro come scenario in cui agire, in atto di come uno spazio in cui riprodurre, riprogettare, analizzare o "esprimere" un oggetto, reale o immaginario. Quello che sarebbe andato sulla tela non era un dipinto ma un evento. " "È la prova del vero processo di creazione del lavoro. È in riferimento a questo aspetto del lavoro che il critico Harold Rosenberg coniò il termine "dipinto d'azione" nel 1952: "A un certo punto, la tela iniziò ad apparire a un pittore americano dopo l'altro come scenario in cui agire, in atto di come uno spazio in cui riprodurre, riprogettare, analizzare o "esprimere" un oggetto, reale o immaginario. Quello che sarebbe andato sulla tela non era un dipinto ma un evento. " "È la prova del vero processo di creazione del lavoro. È in riferimento a questo aspetto del lavoro che il critico Harold Rosenberg coniò il termine "dipinto d'azione" nel 1952: "A un certo punto, la tela iniziò ad apparire a un pittore americano dopo l'altro come scenario in cui agire, in atto di come uno spazio in cui riprodurre, riprogettare, analizzare o "esprimere" un oggetto, reale o immaginario. Quello che sarebbe andato sulla tela non era un dipinto ma un evento. "
Abogeo Expressionismo astratto: il campo di colore
Un altro percorso risiedeva nel potenziale espressivo del colore. Rothko, Newman e Still, ad esempio, hanno creato arte basata sull'arte, grande formato e dominato dal colore. L'impulso era, in generale, riflessivo e cerebrale, con mezzi pittorici semplificati per creare una sorta di impatto elementare. Rothko e Newman, tra gli altri, hanno parlato di un obiettivo di raggiungere il "sublime" invece del "bello", ricordando Edmund Burke in un impulso per la grande ed eroica visione in opposizione a un effetto rilassante o confortante. Newman ha descritto il suo riduzionismo come un mezzo per "liberarci dagli accessori obsoleti di una moda passata e della leggenda obsoleta ... liberaci dagli impedimenti di memoria, associazione, nostalgia, leggenda e mito che sono stati i dispositivi di pittura dell'Europa occidentale".
Per Rothko, i rettangoli dei bordi luminescenti morbidi dovrebbero causare agli spettatori un'esperienza quasi religiosa, persino causando lacrime. Come con Pollock e gli altri, la scala ha contribuito al significato. Per il momento, le opere erano di larga scala. Ed erano destinati ad essere visti in ambienti relativamente vicini, in modo che lo spettatore fosse visualizzato praticamente avvolto nell'esperienza di affrontare il lavoro. Rothko ha detto: "Pinto grande per essere intimo". La nozione è verso l'espressione personale (autentica dell'individuo) più che verso il Grande. In modo che lo spettatore fosse praticamente avvolto nell'esperienza di affrontare il lavoro.
Espressionismo astratto: il suo impatto
L'espressionismo astratto ha avuto un grande impatto sulla scena artistica americana ed europea durante gli anni '50. In effetti, il movimento ha segnato il cambiamento del centro creativo della pittura moderna di Parigi a New York City nei decenni del dopoguerra. Nel corso degli anni '50, aumentano i più giovani seguaci del movimento.
In questo momento le opere erano ampiamente viste nelle mostre di viaggio e attraverso pubblicazioni. Seguendo l'espressionismo astratto, le nuove generazioni di artisti, sia americani che europei, erano profondamente contrassegnate dai progressi fatti dalla prima generazione e hanno creato le proprie espressioni importanti basate su coloro che hanno forgiato la strada.
KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
