Le fondamenta della storia dell'arte risalgono a decine di migliaia di anni fa, quando le civiltà antiche utilizzavano le tecniche e i mezzi disponibili per rappresentare temi culturalmente significativi. Da questi primi esempi, sono emersi numerosi movimenti artistici, ognuno con stili e caratteristiche distintive che riflettono le influenze politiche e sociali del loro tempo.
Cosa significa il fauvismo e di cosa tratta l'arte concettuale? Parlare di arte è una disciplina in sé, e se sei nuovo in questo mondo, probabilmente avrai molte domande, specialmente su ogni movimento e sui diversi tipi di arte.
I generi artistici influenti, dal Rinascimento all'emergere del Modernismo, hanno lasciato un'impronta indelebile nella storia.
Avendo chiari i concetti sulla storia e sull'importanza dei movimenti artistici, avremo una comprensione più profonda di come artisti famosi come Van Gogh, Picasso e Warhol abbiano rivoluzionato il mondo dell'arte.
Kuadros ha preparato per te un elenco dei movimenti più importanti.
No.1 Rinascimento Italiano (1400–1550)
Alcuni esponenti: Porte di Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raffaello.
Verso la fine del XIV secolo, un gruppo di pensatori italiani proclamò di vivere in una nuova era. L'oscura e barbara "Età Media" era giunta al termine; iniziava una "rinascità" dell'apprendimento, della letteratura, dell'arte e della cultura. Questo fu il nascere del periodo ora noto come il Rinascimento. Per secoli, gli studiosi hanno concordato che il Rinascimento italiano si svolse in questo modo: tra i secoli XIV e XVII, una forma moderna di pensare al mondo e al posto dell'uomo in esso ha sostituito le vecchie idee. Molti dei risultati scientifici, artistici e culturali di questo periodo condividono temi comuni, specialmente la credenza umanista che l'uomo sia il centro del proprio universo.
L'Italia nel XV secolo era diversa da qualsiasi altro luogo in Europa. Era divisa in città-stato indipendenti, ognuna con il proprio governo. Firenze, dove ebbe inizio il Rinascimento italiano, era una repubblica indipendente e un centro bancario e commerciale. I fiorentini ricchi mostravano il loro potere sostenendo artisti e intellettuali, trasformando la città nel centro culturale d'Europa e del Rinascimento.
Il Rinascimento è diviso in due parti principali:
Durante il Rinascimento iniziale, gli artisti iniziarono a rifiutare lo stile bizantino della pittura religiosa e si sforzarono di creare realismo nella rappresentazione della forma e dello spazio umani. Questo obiettivo iniziò con Cimabue e Giotto, e raggiunse il suo apice con artisti come Andrea Mantegna e Paolo Uccello. Sebbene la religione continuasse ad essere importante nella vita quotidiana, si aprirono anche temi mitologici. Molti segnalano La Nascita di Venere di Botticelli come la prima pittura su tavola di una scena mitologica.
Il periodo noto come Alto Rinascimento rappresenta il culmine degli obiettivi del Rinascimento iniziale. Gli artisti più celebri sono Leonardo da Vinci, Raffaello, Tiziano e Michelangelo. Le loro pitture e affreschi sono alcune delle opere più riconosciute al mondo, come L'Ultima Cena, La Scuola di Atene e i dipinti del soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo.
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No.2 Barocco (1600–1750)
Alcuni esponenti: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palazzo di Versailles.
Il termine barocco deriva probabilmente dall'italiano "barocco", usato nel Medioevo per descrivere ostacoli logici. Successivamente, giunse a significare idee complesse o processi di pensiero contorti. Un'altra possibile fonte è il portoghese "barroco" (spagnolo "barrueco"), che descrive una perla di forma irregolare o imperfetta. Il barocco è un movimento nell'arte e nell'architettura sviluppato in Europa dai primi del XVII secolo fino a metà del XVIII secolo. Enfatizza il movimento drammatico ed esagerato e dettagli chiari per produrre dramma, tensione, esuberanza e grandezza.
Le prime manifestazioni si verificarono in Italia nelle ultime decadi del XVI secolo, mentre in regioni come Germania e America del Sud coloniale, alcuni risultati culminanti del barocco non avvennero fino al XVIII secolo.
Gli artisti rivitalizzarono gli ideali di bellezza del Rinascimento, infondendo nelle opere d'arte, musica e architettura una nuova stravaganza e ornamento. Questo stile, noto come barocco, si caratterizzò per tecniche innovative e dettagli elaborati, offrendo un linguaggio visivo esuberante in un periodo relativamente moderato per l'arte. Il barocco si diffuse in tutta Europa, sostenuto dal Papa a Roma e da governanti cattolici in Italia, Francia, Spagna e Fiandre. Si estese ulteriormente per ordini religiosi attraverso monasteri e conventi.
Lo stile barocco emerso era sia sensuale che spirituale. Un trattamento naturalista rese le immagini religiose più accessibili, mentre effetti drammatici e illusori stimolavano la pietà e trasmettevano lo splendore divino. I soffitti delle chiese si dissolvono in scene dipinte che indirizzano i sensi verso il celestiale.
Seppur il tema e lo stile possano variare tra i dipinti barocchi, la maggior parte condivide il dramma come elemento comune. Nelle opere di artisti come Caravaggio e Rembrandt, l'interesse per il dramma si manifesta in intensi contrasti di luce e ombra.
Il grande maestro della regione cattolica governata dagli spagnoli fu il pittore Peter Paul Rubens, le cui composizioni dinamiche e figure vigorose sono l'epitome della pittura barocca. I ritratti eleganti di Anthony van Dyck e le opere solide di Jacob Jordaens seguirono il suo esempio. L'arte nei Paesi Bassi era influenzata dai gusti realisti della classe media, per cui pittori come Rembrandt e Frans Hals rimasero indipendenti dallo stile barocco in aspetti importanti. Tuttavia, il barocco ebbe un impatto notevole in Inghilterra, specialmente nelle chiese e nei palazzi progettati da Sir Christopher Wren e Sir John Vanbrugh.
Così come le statue del Rinascimento, come l'iconico David di Michelangelo, le sculture barocche erano spesso destinate ad adornare edifici maestosi e altri scenari grandiosi, come interni di chiese e giardini reali.
L'ultima fioritura del barocco si verificò nel sud della Germania e in Austria, dove architetti nativi si allontanarono dai modelli italiani negli anni '20 del '700.
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No.3 Realismo (1848–1900)
Alcuni esponenti: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Il realismo è la rappresentazione precisa, dettagliata e senza fronzoli della natura o della vita contemporanea. Rifiuta l'idealizzazione a favore di un'osservazione ravvicinata delle apparenze esterne. Come tale, il realismo ha incluso molte correnti artistiche in diverse civiltà. Nelle arti visive, ad esempio, può essere trovato in sculture greche ellenistiche che ritraggono pugili e anziane. Opere di pittori del XVII secolo come Caravaggio, i pittori di genere olandesi, gli spagnoli José de Ribera, Diego Velázquez e Francisco de Zurbarán, e i fratelli Le Nain in Francia, presentano un approccio realistico. Le opere di romanziere inglesi del XVIII secolo come Daniel Defoe e Henry Fielding possono anch'esse essere definite realiste.
Il realismo emerse in Francia negli anni '50 del '800, dopo la Rivoluzione del 1848, che stabilì il "diritto al lavoro" nel paese. Introdusse l'idea della gente comune, scenari contemporanei e scene quotidiane come temi artistici degni.
Si diffuse in tutta Europa, dalla Russia di Alessandro II alla Gran Bretagna della regina Vittoria, passando per la Germania di Guglielmo I, l'Italia del Risorgimento e oltre. L'anno 1855 fu significativo per l'affermazione del realismo in Europa.
Gustave Courbet è considerato la figura principale del realismo. Gettò le basi del movimento negli anni '40, ritraendo contadini e lavoratori senza glorificarli, presentandoli in modo audace e severo, ciò generò controversia.
Lo stile e il tema di Courbet si basarono sul lavoro di pittori della Scuola di Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet e altri si stabilirono nel villaggio francese di Barbizon con l'obiettivo di riprodurre fedelmente il carattere locale del paesaggio.
Il realismo pittorico al di fuori della Francia fu ben rappresentato nel XIX secolo negli Stati Uniti. Le potenti e espressive pitture di Winslow Homer su temi marini e le opere di Thomas Eakins sono registrazioni sincere e molto osservate della vita contemporanea. Il realismo si rivelò una corrente distinta nell'arte del XX secolo, derivata dal desiderio degli artisti di presentare visioni più sincere e non idealizzate della vita quotidiana o di utilizzare l'arte come veicolo per la critica sociale e politica.
Le scene aspre e quasi giornalistiche della vita urbana del gruppo noto come The Eight cadono in questa categoria. Il movimento tedesco Neue Sachlichkeit (Nuova Obiettività) lavorò in uno stile realistico per esprimere il cinismo e la disillusione dopo la Prima Guerra Mondiale in Germania. Il realismo socialista nell'Unione Sovietica utilizzava tecniche di idealizzazione naturalista per creare ritratti di lavoratori e ingegneri temerari.
Inoltre, il realismo ispirò direttamente movimenti di arte contemporanea come il fotorealismo e l'iperrealismo, dimostrando il suo lascito duraturo ed evolutivo.
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No.4 Impressionismo (1865–1885)
Alcuni esponenti: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
L'impressionismo francese è un movimento importante che si sviluppò principalmente in Francia tra la fine del XIX secolo e l'inizio del XX. La sua caratteristica più notevole fu il tentativo di registrare in modo preciso e obiettivo la realtà visiva in termini di effetti transitori di luce e colore. Gli artisti impressionisti mostrarono un nuovo modo di osservare e rappresentare il mondo, rinunciando a rappresentazioni realiste a favore di impressioni fugaci del loro ambiente, spesso all'aperto. In musica, cercava di trasmettere un'idea o un effetto attraverso un lavaggio di suono piuttosto che una struttura formale rigorosa.
Verso la fine degli anni '60 dell'800, l'arte di Manet rifletteva una nuova estetica che sarebbe stata una forza guida nel lavoro impressionista, dove l'importanza del tema tradizionale fu ridotta e l'attenzione spostata sulla manipolazione del colore, del tono e della texture.
Nel 1874, un gruppo di artisti chiamato Società Anonima di Pittori, Scultori, Incisori, ecc., organizzò un'esposizione a Parigi che lanciò il movimento noto come Impressionismo. I suoi membri fondatori includevano Claude Monet, Edgar Degas e Camille Pissarro. Il dipinto di Monet Impression, Sole Nascente (1872) diede loro il nome inizialmente beffardo di "Impressionisti" da parte del giornalista Louis Leroy. Gli artisti presto adottarono il nome come descrittivo della loro intenzione di trasmettere con precisione le "impressioni visive". Mentre i critici conservatori criticavano il loro lavoro per il suo aspetto incompleto e abbozzato, scrittori più progressisti lo elogiavano per la sua descrizione della vita moderna.
Fin dalla sua concezione, l'impressionismo è stato definito da caratteristiche come pennellate sciolte, colori distintivi, rappresentazioni di temi comuni, un focus sulla luce e composizioni ispirate alla fotografia.
Verso la metà degli anni '85 del XIX secolo, il gruppo impressionista iniziò a dissolversi mentre ogni pittore perseguiva i propri interessi e principi estetici. Tuttavia, riuscirono a realizzare una rivoluzione nella storia dell'arte, fornendo un punto di partenza tecnico per artisti post-impressionisti come Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh e Georges Seurat, liberando la pittura occidentale da tecniche e approcci tradizionali.
Eredità e presenza dell'impressionismo oggi
Come punto di partenza del modernismo, l'impressionismo influenzò molti movimenti successivi. I post-impressionisti adottarono la loro pennellata sciolta; gli espressionisti astratti trovarono ispirazione nell'approccio non convenzionale di Monet; e molti artisti contemporanei continuano a lavorare in uno stile neo-impressionista.
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No.5 Post Impressionismo (1885–1910)
Alcuni esponenti: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Il post-impressionismo è un termine usato per descrivere la reazione negli anni '80 contro l'impressionismo. Fu guidato da Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Georges Seurat. I post-impressionisti rifiutarono la preoccupazione dell'impressionismo per la rappresentazione spontanea e naturalista della luce e del colore.
Questi pittori, ad eccezione di Van Gogh, erano francesi e la maggior parte iniziò come impressionisti; ognuno abbandonò lo stile per formare la propria arte altamente personale.
Così come gli impressionisti, enfatizzarono l'artificialità dell'immagine. Credevano che il colore potesse essere indipendente dalla forma e dalla composizione come portatore emotivo ed estetico di significato. Sia l'impressionismo che il post-impressionismo includono alcune delle opere d'arte moderna più famose, come i ninfee di Monet e La Notte Stellata di Van Gogh.
Condividevano il loro lavoro con il pubblico attraverso esposizioni indipendenti a Parigi. Nel 1910, il critico d'arte Roger Fry coniò il termine "post-impressionismo" con la sua esposizione "Manet e i post-impressionisti". Fry credeva che la bellezza dell'arte fosse radicata nella percezione. "L'arte è espressione e stimolo per la vita immaginativa piuttosto che una copia della vita reale," spiegò in "An Essay in Aesthetics".
I post-impressionisti credevano che un'opera d'arte non dovesse ruotare attorno allo stile, al processo o all'approccio estetico, ma enfatizzare il simbolismo, comunicando messaggi dal subconscio dell'artista.
Spesso esponevano insieme, ma a differenza degli impressionisti, che iniziarono come un gruppo unito, dipingevano principalmente da soli. Cézanne dipinse isolato ad Aix-en-Provence; Gauguin si stabilì a Tahiti nel 1891; e Van Gogh dipinse in campagna ad Arles. Sia Gauguin che Van Gogh rifiutarono l'oggettività dell'impressionismo a favore di un'espressione spirituale più personale.
"Colore! Che linguaggio profondo e misterioso, il linguaggio dei sogni." - Paul Gauguin
A differenza degli impressionisti che cercavano di catturare l'effetto della luce naturale, i post-impressionisti usarono una tavolozza di colori artificiali per ritrarre le loro percezioni del mondo. Toni saturi e ombre multicolori sono evidenti nei loro dipinti, dimostrando il loro approccio innovativo.
Il post-impressionismo si allontanò da un approccio naturalista e si diresse verso movimenti come il cubismo e il fauvismo, che cercavano di evocare emozioni attraverso il colore e la linea.
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No.6 Fauvismo ed Espressionismo (1900–1935)
Pittura collocata in colori spessi, colori che escono dalla pagina e tonalità antinaturali: il fauvismo e l'espressionismo sono due dei movimenti che hanno dato vita a queste caratteristiche. Quindi, qual è la differenza tra di loro, se possono essere descritti allo stesso modo? Prima spiegheremo il fauvismo e l'espressionismo da soli.
Fauvismo
Alcuni esponenti: Matisse, Derain, Signac
Il fauvismo dominò la scena artistica dal 1905 al 1910, caratterizzato da colori intensi e pennellate audaci. In alcuni casi, gli artisti applicarono la vernice direttamente dal tubo. I colori non dovevano essere fedeli alla natura; potevano essere alterati per mostrare emozione. Scelsero temi semplici e, per questo, i dipinti sembravano quasi astratti. Il critico d'arte Louis Vauxcelles coniò il termine dopo aver descritto il lavoro di Henri Matisse e André Derain come "les fauves" o "le belve" durante un'esposizione al Salon d’Automne di Parigi nel 1905. Il loro lavoro era pieno di colori antinaturali e macchie selvagge di vernice sulla tela. Questo sarebbe stato l'inizio del fauvismo.
Gli artisti fauvisti erano profondamente interessati alla teoria scientifica del colore del XIX secolo. Specificamente, con l'uso di colori complementari, capivano come far apparire i colori più brillanti e audaci incorporando queste teorie.
Il dipinto di Matisse "Donna con cappello" fu criticato per i colori antinaturali sul volto della donna. Paul Signac è famoso per il suo puntinismo ed è stato mentore di Matisse. Il puntinismo è una tecnica in cui piccoli punti di colori primari sono posti insieme; allontanandosi, si combinano in un'unica immagine. Questo può essere paragonato ai pixel su uno schermo di computer.
Oltre a Matisse e Derain, altri importanti artisti fauvisti includono Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault e Maurice de Vlaminck.
Espressionismo
Alcuni esponenti: Munch, Kandinsky, Klee
L'espressionismo è un termine generale per qualsiasi opera d'arte che distorca la realtà per coincidere con i sentimenti interni, punti di vista o idee dell'artista. In sintesi, è un'arte che esprime realtà interne nel mondo esterno. Ci sono caratteristiche distintive dell'espressionismo: i colori intensi e non naturalistici, la vernice applicata in grandi quantità creando texture sulla tela.
L'espressionismo venne "da dentro", essendo un riflesso dei sentimenti dell'artista piuttosto che una rappresentazione di una scena. Due artisti espressionisti influenti furono Emil Nolde e Edvard Munch.
Quanto al tema, l'arte espressionista tende a essere emotiva e, a volte, persino mitica. Poiché l'espressionismo è un termine così ampio, è facile attribuirlo all'arte di qualsiasi epoca, ma viene generalmente applicato all'arte del XX secolo. Si dice che sia iniziato con il lavoro di Vincent van Gogh e si estenda all'arte moderna così come la conosciamo oggi.
I principali contribuenti al movimento espressionista includono artisti come Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner e altri.
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Il fauvismo può essere visto come un sottogruppo dell'espressionismo. Usano tecniche simili e si classificano per le stesse caratteristiche; la reale differenza è la natura specifica del fauvismo in contrasto con la generalità dell'espressionismo.
Qualcosa che può essere considerato fauvista potrebbe anche far parte del campo dell'espressionismo, ma non tutto l'espressionismo è fauvismo. Il fauvismo è un po' più selvaggio, ma con un tema più semplicistico.
No.7 Cubismo (1905–1920)
Alcuni esponenti: Pablo Picasso, Georges Braque
Il cubismo è uno stile di arti visive molto influente del XX secolo, creato principalmente da Pablo Picasso e Georges Braque a Parigi tra 1907 e 1914. Lo stile cubista enfatizzò la superficie piatta e bidimensionale del piano dell'immagine, rifiutando le tecniche tradizionali di prospettiva, scorcio, modellazione e chiaroscuro, confutando le antiche teorie secondo cui l'arte deve imitare la natura. I cubisti credeva che le tradizioni dell'arte occidentale fossero esaurite e, per rinnovare il loro lavoro, si rivolsero all'energia espressiva dell'arte di altre culture, in particolare l'arte africana.
Il cubismo deriva il suo nome dai commenti del critico Louis Vauxcelles, che descrisse sprezzantemente il lavoro di Braque nel 1908 come composto da cubi. Nella pittura di Braque, i volumi delle case, le forme cilindriche degli alberi e lo schema di colore ricordano i paesaggi di Paul Cézanne, che ispirò profondamente i cubisti nella loro prima fase di sviluppo (fino al 1909). Tuttavia, fu Les Demoiselles d'Avignon, dipinto da Picasso nel 1907, a presagire il nuovo stile; in quest'opera, le forme di cinque nudi femminili diventano figure angolose e fratturate.
Il cubismo si sviluppò in due fasi distinte: il cubismo analitico e il cubismo sintetico. Il cubismo analitico (1908–1912) è più austero e si caratterizza per una combinazione di piani e linee in toni smorzati. Il cubismo sintetico (1912–1914) si caratterizza per forme più semplici e colori più brillanti, inclusi elementi reali combinati, come giornali. L'inclusione di oggetti reali direttamente nell'arte fu l'inizio di una delle idee più importanti dell'arte moderna.
Sebbene a Picasso e Braque venga attribuita la creazione di questo nuovo linguaggio visivo, fu adottato e sviluppato da molti pittori, tra cui Fernand Léger, Robert e Sonia Delaunay, Juan Gris e altri. Il cubismo influenzò profondamente anche la scultura e l'architettura del XX secolo.
I concetti formali liberatori avviati dal cubismo ebbero conseguenze di ampia portata per movimenti come il Dada e il surrealismo, così come per artisti che cercavano l'astrazione in tutto il mondo.
No.8 Dada e Surrealismo (1917–1950)
Dada
Alcuni esponenti: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Il Dada fu un movimento artistico d'avanguardia europeo, con centri a Zurigo e New York. Emerse come una reazione diretta al massacro, alla propaganda e alla follia della Prima Guerra Mondiale. Gruppi indipendenti legati da idee comuni sorsero a Berlino, Parigi e altrove. Non condividevano uno stile universale, ma erano connessi dalla loro avversione all'idealismo e alle convenzioni artistiche e intellettuali obsolete.
Il nome "Dada", estratto a caso da un dizionario nel 1916, significa "cavallo a dondolo" in francese o "sì sì" in rumeno e russo. Ma come nome di un movimento, in realtà non significa nulla. Stanchi della cultura che aveva prodotto la macelleria della Prima Guerra Mondiale, i dadaisti sfidarono tutte le convenzioni, celebrando il caso e l'assurdo.
Le radici del Dada si trovano nell'avanguardia prima della guerra. Il termine "anti-arte", precursore del Dada, fu coniato da Marcel Duchamp attorno al 1913 per caratterizzare opere che sfidano le restrizioni accettate dell'arte.
Il movimento Dada includeva incontri pubblici, dimostrazioni e pubblicazioni di riviste d'arte e letteratura. L'arte, la politica e la cultura furono temi frequentemente discussi in una varietà di media.
Surrealismo
Alcuni esponenti: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Il surrealismo fu uno dei movimenti più importanti e sovversivi del XX secolo. Emerse negli anni '20 e fornì un'alternativa radicale alle qualità razionali e formali del cubismo. Fu un movimento letterario, filosofico e artistico che esplorò il funzionamento della mente, difendendo l'irrazionale, il poetico e il rivoluzionario.
A differenza del Dada, da cui emerse in molti modi, enfatizzò il rifiuto positivo delle tradizioni precedenti. André Breton, leader di un nuovo gruppo di poeti e artisti a Parigi, definì il surrealismo nel suo "Manifesto surrealista" (1924) come: "Automatismo psichico puro, mediante il quale si propone esprimere... il funzionamento reale del pensiero".
Possono essere distinti diversi fili nella manifestazione visiva del surrealismo. Artisti come Max Ernst e André Masson favorirono l'automatismo, dove si sopprime il controllo consapevole e si permette al subconscio di prendere il controllo. Al contrario, Salvador Dalí e René Magritte perseguirono un senso allucinante di superrealtà in cui le scene rappresentate non hanno alcun senso reale. Una terza variazione fu la giustapposizione di elementi non correlati, stabilendo una realtà al di fuori dei confini normali.
Il surrealismo ebbe origine a Parigi, ma la sua influenza si diffuse attraverso riviste ed esposizioni internazionali. Con lo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, il centro dell'attività surrealista si spostò a New York. Sebbene come movimento perse coerenza dopo la guerra, ha mantenuto una forte influenza nell'arte contemporanea.
No.9 Espressionismo Astratto (1940–1950)
Alcuni esponenti: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
L'"espressionismo astratto" fu un movimento che si sviluppò a New York nelle decadi del 1940 e 1950. Anche se il termine non era ideale, abbracciava artisti che riempivano le loro tele con campi di colore e forme astratte, così come quelli che attaccavano le loro tele con espressionismo gestuale vigoroso. Tutti erano impegnati nell'arte come espressione del sé, nati da emozioni profonde e temi universali.
Il movimento comprendeva molti stili pittorici diversi. Alcuni artisti, come Jackson Pollock e Willem de Kooning, si caratterizzarono per un uso sciolto e dinamico della pittura. Altri, come Mark Rothko, utilizzarono grandi aree di colore piatto per raggiungere effetti sottili e meditativi.
Sebbene il movimento sia stato in gran parte rappresentato come appartenente a artisti maschili, emersero durante questo periodo anche importanti espressioniste astratte femminili.
No.10 Pop Art (1960)
Alcuni esponenti: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
La pop art iniziò con artisti di New York come Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist e Claes Oldenburg, che si ispirarono a immagini popolari e furono parte di un fenomeno internazionale. Fu una rivolta contro gli approcci dominanti all'arte e alla cultura e le opinioni tradizionali su ciò che dovrebbe essere l'arte. Gli artisti giovani sentirono che ciò che veniva loro insegnato nella scuola d'arte e ciò che vedevano nei musei non aveva niente a che fare con le loro vite.
Nel 1957, l'artista pop Richard Hamilton elencò le caratteristiche dell'arte pop in una lettera: "L'arte pop è: popolare, transitoria, superflua, a basso costo, prodotta in massa, giovane, ingegnosa, sexy, truculenta, glamour, grande affare".
Il pop portò l'arte in nuove aree tematiche e sviluppò nuove forme di presentazione, e può essere visto come una delle prime manifestazioni del postmodernismo.
No.11 Postmodernismo (1970–)
Alcuni esponenti: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn in Cielo di James Gill
Il termine "arte postmodernista" si riferisce a una ampia categoria di arte contemporanea creata a partire dal 1970 in avanti. Il marchio distintivo è il suo rifiuto dell'estetica su cui si basava il suo predecessore, l'"arte moderna". Uno dei valori rifiutati è l'idea che "l'arte" sia qualcosa di "speciale" che dovrebbe essere separato dal gusto popolare.
Anti-autoritario per natura, il postmodernismo si rifiutò di riconoscere l'autorità di qualsiasi stile o definizione di ciò che dovrebbe essere l'arte. Si sgretolò la distinzione tra alta cultura e cultura popolare, tra arte e vita quotidiana. Introdusse una nuova era di libertà e la sensazione che "tutto vale".
Spesso mescolando stili e mezzi diversi, l'arte postmodernista può anche prendere in prestito o commentare ironicamente stili del passato. I postmoderni considerano la loro posizione teorica come inclusiva e democratica.
Negli anni '80 e '90, il postmodernismo divenne la filosofia non ufficiale del movimento della "politica dell'identità".
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