L'Art Deco è uno stile di design popolare dei decenni del 1920 e 1930 particolarmente caratterizzato da eleganti forme geometriche o stilizzate e dall'uso di materiali fatti dall'uomo.
Le caratteristiche dello stile art deco originarono in Francia nel mezzo e alla fine degli anni '10 degli anni '30.
Le caratteristiche delle caratteristiche di Art Deco riflettono l'ammirazione per la modernità della macchina e dalle qualità di progettazione inerenti agli oggetti realizzati dalla macchina, ad esempio semplicità relativa, planarità, simmetria e ripetizione invariabile di elementi. Gli oggetti art deco mostrano spesso forme semplici e pulite, di solito con un aspetto "stilizzato"; Ornamento geometrico o stilizzato da forme figurative come fiori, animali e raggi solari; e l'uso di sostanze fatte dall'uomo, tra cui materie plastiche, vetro vitaminico e cemento armato, spesso combinati con materiali naturali come giada, argento, avorio e cromo.
Art Deco - Poster
Tra le influenze formative di Art Deco ci sono Art Nouveau, Bauhaus, Cubism and Russes Ballets di Serge Diaghilev. I praticanti di art deco hanno anche trovato ispirazione nelle fonti degli indiani americani, degli egiziani e dei primi classici, nonché nella natura.
Come Art Deco, Art Nouveau è uno stile ornamentale che si applica ai media come architettura, design degli interni, gioielli e illustrazioni. Entrambi gli stili erano popolari in Europa e negli Stati Uniti, ma Art Nouveau fioriva prima, tra il 1890 e il 1910.
A sua volta, Art Deco raggiunse il suo picco alla fine degli anni 1920 e all'inizio del 1930 di fiori, viticci di vite, ali di insetti e altri delicati oggetti naturali. L'Art Deco, d'altra parte, ha celebrato la macchina moderna e ha promosso linee geometriche e forme eleganti.
La sua principale differenza con Art Nouveau è l'influenza del cubismo che dà al design di Art Deco un carattere geometrico più frammentato. Tuttavia, le immagini basate su piante e curve sinuose sono rimaste in alcuni disegni art deco, ad esempio quello di Clarice Cliff in Gran Bretagna. L'Art Deco era molto varie nelle sue influenze, ispirata all'antica arte egiziana, arte azteca e altre antiche arte centroamericana, nonché nel design di navi, treni e automobili moderni. È stato anche ispirato dalla moderna architettura e dal design dei Bauhaus e degli architetti come Le Corbusier e Mies van de Rohe.
Art Deco derivava il suo nome dalla mostra Internationale des Arts Decoraratifs et Industries Moderges, tenutasi a Parigi nel 1925, dove fu esposto lo stile. Il design Art Deco rappresentava il modernismo trasformato in moda. I loro prodotti includevano entrambi gli articoli di lusso individualmente realizzati come articoli prodotti in serie, ma, in ogni caso, l'intenzione era quella di creare un'eleganza elegante e antitradicente che simboleggiava la ricchezza e la raffinatezza.
La maggior parte dei principali creatori di articoli progettati da Art Deco realizzati a mano o in edizione limitata. Includevano i designer di mobili Jacques Ruhlmann e Maurice Dufrène; l'architetto Eliel Saarinen; The Goldsmith Jean Puiforcat; il designer di gioielli e cristalli René Lalique; lo stilista Erté; Gli artisti-morgano Raymond Templier, Hg Murphy e Wiwen Nilsson; e lo scultore figurativo di Chiparus.
Art deco- jacques ruhlmann mobili
Art deco del Opberes Jean Puiforcat
Early Art Deco
Alla fine del XIX secolo in Francia, molti artisti, architetti e importanti designer che avevano svolto un ruolo importante nello sviluppo dello stile Art Nouveau hanno riconosciuto che stava diventando sempre più alla moda. Alla fine di un secolo che vide stabilire la rivoluzione industriale, la vita contemporanea divenne molto diversa da quella di pochi decenni prima. Era tempo per qualcosa di nuovo, qualcosa che esclama "il ventesimo secolo" dal modernista e dal buon gusto.
La società di artisti decorativi di Francia
Da questo desiderio di spostarsi verso il nuovo secolo al passaggio dell'innovazione invece di essere fermato dalla nostalgia, un gruppo di innovativi artistici francesi formarono un'organizzazione chiamata Décorateurs di Societé des Artists (la società degli artisti decorativi). Il gruppo era composto da personaggi riconosciuti come Art Nouveau Eugene Grasset e l'architetto Art Nouveau Hector Guimard, insieme a emergenti artisti decorativi e designer come Pierre Chaareou e Francis Jourdain. Lo stato francese ha sostenuto e incoraggiato questa direzione dell'attività artistica.
Art Deco - The Society of Decorative Artists
Uno dei principali obiettivi del nuovo gruppo era sfidare la struttura gerarchica delle arti visive che relegavano artisti decorativi in uno status inferiore ai mezzi più classici di pittura e scultura. Jourdain è citato famoso: "Pertanto, abbiamo deciso di restituire l'arte decorativa, trattata in modo discreto come una Cenerentola o un povero parente a cui è stato permesso di mangiare con i servi, nel luogo importante, quasi preponderante che ha occupato in passato, di tutti i tempi e in ogni momento "dei paesi del globo".
Il piano per una grande mostra che presentava un nuovo tipo di arte decorativa fu originariamente concepito nel 1914, ma doveva essere sospeso fino a quando la prima guerra mondiale fu finita e poi ritardato per diversi motivi fino al 1925.
La mostra che ha lanciato ufficialmente il movimento Art Deco
Il governo francese, che ha ospitato la mostra tra l'Esplanade di Les Invalides con una cupola dorata e gli ingressi del Petit Palais e del Grand Palais su entrambi i lati del fiume Sena, ha lottato per mostrare il nuovo stile. Più di 15.000 artisti, architetti e designer hanno mostrato il loro lavoro nella mostra. Durante i sette mesi della mostra, oltre 16 milioni di persone hanno visitato le numerose mostre individuali. Questa mostra è stata il catalizzatore per l'inizio del movimento.
Art Nouveau e Art Deco
Art Deco è stata una risposta diretta e filosoficamente diretta allo stile Art Nouveau e al più ampio fenomeno culturale del modernismo. L'Art Nouveau ha iniziato a diventare alla moda durante la prima guerra mondiale, poiché molti critici hanno ritenuto che i dettagli sviluppati, i design delicati, i materiali spesso costosi e i metodi di produzione di stile non si adattavano a un mondo moderno, instabile, instabile e sempre più lavorati. Mentre il movimento Art Nouveau derivava le sue intricate e stilizzate forme di natura e esaltava le virtù di ciò che era stato fatto a mano, l'estetica dell'Art Deco enfatizzava l'aerodinamica e la geometria elegante dell'era della macchina.
Art deco e modernismo
La mostra internazionale ha raccolto non solo opere in stile art deco, ma ha anche collocato oggetti artigianali vicino ad esempi di dipinti e sculture d'avanguardia in stili come cubismo, costruttivismo, bauhaus, stijl e futurismo. Negli anni '20, Art Deco era un contrappunto lussureggiante, ma in gran parte convenzionale, l'estetica più cerebrale Bauhaus e Stijl. I tre hanno condiviso un'enfasi sulle linee pulite e forti come principio di progettazione organizzativa. I praticanti di art deco hanno adottato l'innovazione tecnologica, i materiali e la meccanizzazione moderni e hanno cercato di enfatizzarli nell'estetica generale dello stile stesso. I praticanti hanno anche preso in prestito e appreso da altri movimenti modernisti. Art Deco è stato preso in considerazione dai fan che erano aggiornati con le prospettive future dei movimenti di Avant -Garde contemporanei. Ironia della sorte, la pittura e la scultura modernista hanno svolto un ruolo secondario nella mostra con le poche eccezioni del padiglione sovietico e il padiglione Esprit Nouveau di Le Corbusier.
Art deco dopo la Grande Depressione
L'inizio della seconda fase di Art Deco coincise con l'inizio della Grande Depressione. L'austerità, infatti, potrebbe essere l'estetica centrale per ragioni pragmatiche e concettuali per questo secondo sviluppo dell'Art Deco. Mentre l'architettura Art Deco, per esempio, era stata orientata verticalmente con grattacieli che salivano a grandi altezze, successivamente edifici art deco con i loro esterni principalmente senza ornamenti, curve eleganti e enfasi orizzontale simboleggiavano robustezza, dignità silenziosa e resistenza. Durante i peggiori anni di disastro economico, dal 1929 al 1931, l'American Art Deco passò dalle seguenti tendenze per stabilirli.
Semplificare Modrne
Strepline Modrne divenne la continuazione americana del movimento europeo Art Deco. Al di là delle gravi influenze economiche e filosofiche, l'ispirazione estetica per la prima modella modrne all'inizio di -siglo xx.
Art Deco - Streamline Modrne
Gli artisti e gli architetti della nuova obiettività sono stati ispirati dallo stesso tipo di sobrio pragmatismo che ha costretto i difensori di semplificare Modrne ad eliminare gli eccessi, inclusa l'emozionalità dell'espressionismo. Gli architetti della nuova obiettività si sono concentrati sulla produzione di strutture che potrebbero essere considerate pratiche, come un riflesso delle esigenze della vita reale. Preferivano che i loro disegni si adattano al mondo reale invece di far adeguarsi agli altri a un'estetica un po 'pratica. A tal fine, i nuovi architetti di obiettività erano persino pionieri nella tecnologia di prefabbricazione (aiutando a ospitare in modo rapido ed efficiente i poveri della Germania).
Sono privo di ornamenti, l'architettura moderna a semplificare aveva curve pulite, lunghe linee orizzontali (comprese le fasce di finestre), mattoni di vetro, finestre in stile per gli occhi di bue e forme cilindriche e talvolta nautiche. Più che mai, c'è stata un'enfasi sull'aerodinamica e su altre espressioni della tecnologia moderna. I materiali più costosi e spesso esotici dell'Art Deco sono stati sostituiti da hardware in cemento, vetro e cromo in streaming moderno. Il colore è stato usato con moderazione, poiché i toni Whitish, Beige e Earth hanno sostituito i colori più vividi dell'Art Deco. Lo stile è stato introdotto per la prima volta nell'architettura e poi si è espanso ad altri oggetti, simile allo stile tradizionale Art Deco.
Art deco è nominato retroattivamente
Inizialmente, il termine "art deco" fu usato in modo popolare da un famoso detrattore, l'architetto modernista Le Corbusier, in articoli in cui criticava lo stile per la sua ornamento, una caratteristica che considerava inutile nell'architettura moderna. Mentre i difensori di stile lo hanno acclamato come una risposta modernista e semplificata a eccessive ornamenti, soprattutto rispetto al suo immediato predecessore, Art Nouveau, poiché qualsiasi decorazione era superflua per Le Corbusier. Fu fino alla fine degli anni '60, quando l'interesse per lo stile fu rivitalizzato, che lo storico e critico britannico Bevis Hillier usò il termine "art deco" in modo positivo.
Art deco negli Stati Uniti
Negli Stati Uniti, l'accoglienza del movimento Art Deco si è sviluppato in una traiettoria diversa. Herbert Hoover, il segretario al Commercio degli Stati Uniti. A quel tempo, decretò che designer e architetti statunitensi non potevano esibire il loro lavoro nella mostra internazionale perché sosteneva che il paese doveva ancora concepire uno stile d'arte artistico chiaramente americano che era soddisfacente " Abbastanza nuovo. " In alternativa, ha inviato una delegazione in Francia per valutare le offerte in mostra e quindi applicare ciò che hanno visto a uno stile artistico e architettonico americano contemporaneo. Nel contingente di emissari estetici inviati da Hoover, sono state incluse importanti personaggi dell'American Institute of Architecture, del Metropolitan Museum of Art e del New York Times. La missione ha ispirato un boom quasi immediato dell'innovazione artistica negli Stati Uniti.
Nel 1926, una versione più piccola della fiera francese chiamata "una collezione selezionata di oggetti dalla mostra internazionale di arti moderne, industriali e decorative" visitò molte città degli Stati Uniti. Uu. Come New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis , Boston, Minneapolis. e Filadelfia. Le fiere mondiali americane di Chicago (1933) e New York City (1939) hanno messo in evidenza i progetti Art Deco, mentre Hollywood adottò l'estetica e lo rendeva glamour in tutto il paese. Anche le società statunitensi come General Motors e Ford hanno costruito padiglioni alla New York World Fair.
Art Deco - World Fair a New York
Tra gli esempi più noti dello stile americano Art Deco ci sono i grattacieli e altri edifici di grande scala. In effetti, l'iterazione americana di Art Deco nei progetti di edifici è stata chiamata Zigzag Modern per i suoi modelli angolari e geometrici come facciate architettoniche elaborate. Tuttavia, l'American Art Deco in generale è spesso meno ornamentale del suo predecessore europeo. Al di là delle linee pulite e delle curve forti, forme geometriche audaci, colori intensi e a volte lussuose ornamenti, la versione statunitense è più semplice. Poiché influenze importanti come la nuova obiettività e lo stile internazionale dell'architettura, nonché le serie battute d'arresto economiche della fine degli anni '20 e dei primi anni '30, iniziarono a influenzare l'estetica art deco, lo stile divenne molto meno lussuoso.
Art Deco - Zig Zag Modern
Lo stile americano Art Deco è stato sviluppato come celebrazione del progresso tecnologico, tra cui la produzione di massa e una fede restaurata nel progresso sociale. In sostanza, questi risultati potrebbero essere considerati un riflesso dell'orgoglio nazionale. Negli anni '30 sotto la Works Progress Administration (WPA) di Roosevelt, molte delle opere create erano Art Deco, da strutture municipali come biblioteche e scuole ai murali pubblici di massa. Il WPA intendeva aumentare l'economia post -War attraverso la creazione di posti di lavoro nei lavori pubblici e ha cercato di servire la comunità attraverso la creazione di posti di lavoro e instillare i valori all'interno del design. L'uso dell'American Art Deco ha portato un'espressione della democrazia attraverso il design. Alcuni materiali che venivano spesso utilizzati nella creazione di art deco erano costosi e, quindi, erano al di fuori della portata dell'uomo medio. Tuttavia, l'uso di materiali nuovi o bassi ha permesso di produrre una vasta gamma di prodotti a prezzi accessibili e, quindi, ha portato la bellezza alla sfera pubblica in un modo nuovo.
Crescita globale di art deco
Lo stile Art Deco è stato rafforzato in capitali mondiali diversi come L'Avana, Cuba, Mumbai e Yakarta. L'Avana ha un intero quartiere costruito in stile art deco. Il sistema ferroviario della metropolitana di Londra incorpora in gran parte lo stile. Il porto di Shanghai contiene più di cinquanta strutture art deco, la maggior parte delle quali progettate dall'ungherese Laszlo Hudec. Dai monumenti di guerra agli ospedali, città lontane come Sydney e Melbourne in Australia hanno anche assorbito lo stile fenomenale.
Art Deco - Laszlo Hudec
Le principali caratteristiche visive dell'Art Deco sono derivate dall'uso ripetitivo di forme lineari e geometriche che includono forme triangolari, in zigzag, trapezoidale e con il modello di Chevron. Come il suo predecessore, Art Nouveau, quando sono rappresentati oggetti come fiori, animali o figure umane, questi sono molto stilizzati e semplificati per mantenere l'estetica generale dell'Art Deco. La natura e la portata della stilizzazione e della semplificazione o della semplificazione variano in base all'iterazione regionale dello stile. Ad esempio, una figura come The Fire Bird (1922) del designer francese René Lalique, è elegantemente snella e attenuata, mentre l'Atlante di Lee Lawrie (1937) fuori dal Rockefeller Center è solido e robusto con una muscolatura enfaticamente lineare, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi siano muscolaturi enfaticamente lineari, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, anche se entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi, sebbene entrambi si sono considerati buone rappresentazioni dello stile deco.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie nell'edificio Rockerfeller
Secondo l'enfasi del movimento nella tecnologia moderna, artisti e designer art deco hanno sfruttato materiali moderni come materie plastiche, baquelita e acciaio inossidabile. Ma quando era necessario un tocco di ricchezza e raffinatezza, i designer incorporavano materiali più esotici come la pelle di avorio, corno e zebra. Come per i movimenti di Art Nouveau e Arts and Crafts, lo stile Art Deco era molto meno applicato alle forme di espressione delle arti visive tradizionalmente di livello più alto: pittura e scultura.
Design art deco
Lo stile Art Deco ha esercitato la sua influenza sulle arti grafiche in un modo che rivela l'influenza del futurismo italiano con il suo amore per la velocità e il culto della macchina. Gli artisti futuristi hanno usato le linee per indicare il movimento, noto come "baffi di velocità", che è uscita dalle ruote di auto e treni di moles. Inoltre, i praticanti di art deco hanno usato linee parallele e forme coniche che suggeriscono simmetria e aerodinamica. La tipografia è stata influenzata dall'influenza internazionale dell'Art Deco e dai tipi di carattere Bifur, Broadway e Peignot ricordano lo stile.
Art Deco - Fuente Bifur
In termini di immagini, forme semplici e grandi aree solide ricordano le incisioni di legno giapponese, che erano diventate un'importante fonte di influenza per gli artisti occidentali, specialmente in Francia, dopo la fine del periodo isolazionista Edo nel 1868. Il successivo afflusso del Giappone L'arte in Europa ha avuto un impatto enorme. In particolare, gli artisti hanno trovato nella semplicità formale delle incisioni in legno un modello per creare i propri stili distintamente moderni, a partire dall'impressionista.
Mobili art deco
Fino alla fine degli anni '20, il design di mobili d'avanguardia in Francia consisteva principalmente da variazioni nello stile artistico Nouveau, ma semplificati e meno curvilinei. Con il progredire del decennio, Émile-Jacques Ruhlmann emerse come il principale designer di mobili (Ruhlmann aveva il suo padiglione nella mostra del 1925). Sebbene i suoi disegni fossero principalmente ispirati da pezzi del 18 ° secolo prodotti in stile neoclassico, eliminò gran parte dell'ornamento mentre usava materiali esotici preferiti dai designer Art Nouveau, come mogano, ebano, palisandro, avorio e guscio di tartaruga. Certo, i loro pezzi erano spesso troppo costosi per qualcuno che li acquisisca, tranne i più ricchi.
Contrariamente ai lussuosi disegni di Ruhlmann, che sembrava essere a cavallo tra gli stili Art Nouveau e Art Deco, il designer di mobili Art Deco in Francia era Jules Leleu. Era stato un designer tradizionale fino a quando il nuovo stile non ha soppiantato l'Art Nouveau ed è noto per il design della grande sala da pranzo del Palazzo Elysium di Parigi e le lussuose cabine sul ponte di prima classe dell'elegante battello a vapore Normandie.
Art deco - Jules Leleu Furniture
Contrariamente a Leleu e Ruhlmann, Le Corbusier era un difensore di una versione molto piccola e senza ornamenti dello stile art deco, spesso creando mobili adeguati per gli interni austera delle loro strutture architettoniche. La sua intenzione era di progettare prototipi, in particolare sedie, che potevano essere prodotte dalla massa e, quindi, erano convenienti per un mercato di amplificatore
disordine. Va anche notato che l'interior design di Donald Deskey del famoso luogo di interesse a New York City, la City Music Hall, è un eccellente esempio del design di mobili art deco americani che rimane ancora intatto nella sua forma originale nella forma originale presente.
Art deco - Le Corbusier mobili
Architettura Art Deco
L'architettura Art Deco è caratterizzata da design a bordo duro, spesso riccamente ornati, accentuati da dettagli metallici luccicanti. Molti di questi edifici hanno un'enfasi verticale, costruita con l'intenzione di attirare l'attenzione. Le forme rettangolari, spesso in blocchi, sono disposte geometricamente, con l'aggiunta di aghi sul tetto e/o elementi ornamentali curvi per fornire un effetto aerodinamico. I grattacieli di New York e gli edifici colorati pastello di Miami sono tra gli esempi americani più famosi, sebbene lo stile sia stato implementato in una varietà di strutture in tutto il mondo.
Negli Stati Uniti, la Works Progress Administration ha aiutato l'Architecture Art Deco a generalizzare. È interessante notare che la fusione del classicismo Art Deco e Beaux-Arts viste in molte opere pubbliche della depressione è conosciuta come PWA Modrne o Moderne Depressione.
Art Deco PWA Moderne - Moderne depressione
Sviluppi successivi: dopo Art Deco
Art Deco è uscito di moda durante gli anni della seconda guerra mondiale in Europa e Nord America, con l'austerità del tempo di guerra che ha reso lo stile sempre più sorprendente e decadente. I metalli si sono ripresi per usarli nella costruzione di armamenti, invece di decorare edifici o spazi interni. I mobili non erano più considerati oggetti di stato. Altri progressi tecnologici hanno consentito una produzione più economica di articoli di base di consumo, eliminando la necessità e la popolarità dei progettisti di art deco.
Un movimento che in molti modi ha cercato di rompere con il passato è ora diventato un classico che genera nostalgia suprema ed è ricordato con amore. Dagli anni '60, c'è stato un interesse costante e continuo per lo stile. Puoi vedere Art Deco echi nel design moderno della metà del secolo, che esegue l'estetica aerodinamica di DECO e rivede la pulita semplicità del Bauhaus. DECO ha anche contribuito a ispirare il gruppo Memphis, un movimento di design e architettura incentrato su Milano negli anni '80. Memphis era anche basato su pop art e kitsch come fonti per i loro design colorati e consapevolmente postmoderni.
KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
