La storia dietro le 10 pitture religiose più famose dell'arte occidentale

Nel corso dei secoli, l'arte cristiana ha presentato molti diversi tipi di pittura, eseguiti in una vasta gamma di media.

L'arte religiosa usa questioni religiose e motivi che generalmente hanno una narrazione morale riconoscibile o cercano di indurre forti emozioni spirituali nello spettatore. Nel mondo occidentale, l'arte religiosa può essere definita come qualsiasi opera d'arte che ha un tema cristiano. La pittura religiosa occidentale è dominata da scene dell'Antico Testamento e dalla vita di Gesù Cristo.

Tra i temi più rappresentati ci sono le rappresentazioni della Vergine Maria con il bambino Gesù e Cristo sulla croce. Molti dei dipinti religiosi più famosi furono creati durante il Rinascimento, un influente movimento culturale originato in Italia.

I tre grandi maestri del Rinascimento Leonardo da Vinci, Miguel Ángel e Rafael appaiono più volte in questa lista. Kuadros Ti porta i 10 dipinti religiosi più famosi.

No.1 La creazione di Adamo - Miguel Ángel (1512)

La sezione più famosa del tetto della Cappella Sistina è la creazione di Adamo di Miguel Ángel. Questa scena si trova accanto alla creazione di Eva, che è il pannello al centro della stanza, e la congregazione delle acque, che è più vicina all'altare.

Il lavoro svolto da Miguel Ángel, è una pietra miliare dell'arte rinascimentale. Il dipinto illustra la narrativa biblica della creazione del Libro della Genesi in cui Dio insuppone la vita ad Adamo, il primo uomo.

La creazione di Adamo differisce dalle scene di creazione tipiche dipinte finora. Qui, due figure dominano la scena: Dio a destra e Adamo a sinistra. Dio è mostrato in una forma di nebulosa galleggiante composta da tende e altre figure. La forma si basa su angeli che volano senza ali, ma il cui volo è chiaramente visto dalle tende che spuntano sotto di loro. Dio è rappresentato come un vecchio, ma muscoloso, con capelli grigi e una lunga barba che reagisce al movimento in avanti del volo. Questo è lontano dalle immagini imperiali di Dio che altrimenti aveva creato in Occidente e risalgono al tempo della tarda antichità. Invece di usare vestiti veri e rappresentato come un sovrano onnipotente, usa solo una veste leggera che lascia gran parte delle braccia e delle gambe esposte. Si potrebbe dire che è un ritratto molto più intimo di Dio perché è mostrato in uno stato non intoccabile e lontano dall'uomo, ma accessibile a Lui.

A differenza della figura di Dio, che è estesa e alta, Adamo è rappresentato come una figura pigra che risponde indifferentemente al tocco imminente di Dio. Questo tocco non solo darà vita ad Adamo, ma darà vita a tutta l'umanità. È quindi la nascita della razza umana. Il corpo di Adamo assume una forma concava che fa eco alla forma del corpo di Dio, che si trova in una postura convessa all'interno della nebulosa e della forma galleggiante. Questa corrispondenza in un certo senso con l'altro sembra sottolineare l'idea più ampia che l'uomo corrisponde a Dio; Cioè, sembra riflettere l'idea che l'uomo sia stato creato a immagine e somiglianza di Dio, un'idea con cui Michelangelo doveva essere familiare.

La vernice è stata analizzata molto e, tra le altre cose, è stato scoperto che i bordi della vernice sono correlati con le scanalature sulla superficie interna ed esterna del cervello, il tronco cerebrale, l'arteria basilare, la ghiandola pituitaria e la ghiandola pituitaria Chiasma ottico. La mano di Dio non tocca Adamo, ma Adamo è già vivo come se la scintilla della vita fosse trasmessa attraverso una fessura sinaptica. Sotto il braccio destro di Dio c'è un angelo triste in un'area del cervello che a volte viene attivata nelle esplorazioni di animali domestici (tomografie) quando qualcuno sperimenta un pensiero triste. Dio si sovrappone al sistema limbico, al centro emotivo del cervello e forse alla controparte anatomica dell'anima umana. Il braccio destro di Dio si estende alla corteccia prefrontale, la regione cerebrale più creativa e unicamente umana; Il tessuto rosso che circonda Dio ha la forma di un utero umano; E si ritiene che la sciarpa verde sia un cordone ombelicale appena tagliato. La creazione di Adam è forse la pittura più conosciuta dopo Mona Lisa; E insieme all'ultima cena, è la pittura religiosa più replicata di tutti i tempi. L'immagine delle mani quasi toccate di Dio e Adamo è diventata un'icona dell'umanità ed è stata imitata e parodiata innumerevoli volte.

Il tetto della cappella di Sistina ha subito gli effetti dannosi dei secoli di fumo che avevano fatto scurirsi considerevolmente il tetto. Fu solo nel 1977 che iniziò la pulizia del soffitto. La pulizia è stata sorprendente dopo il suo completamento nel 1989; Ciò che era precedentemente oscuro e monotono è diventato vivido. Il cambiamento nella pulizia precedente della successiva pulizia è stato così grande che alcuni inizialmente si sono rifiutati di credere che Miguel Ángel abbia dipinto. Oggi capiamo molto meglio la tavolozza colorata di Michelangelo e il mondo che ha dipinto, magnificamente catturato sul tetto della cappella Sistina.

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 No.2 The Last Change - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Ultima cena, o il Cenacolo italiano, una delle opere d'arte più famose, dipinta da Leonardo da Vinci probabilmente tra il 1495 e il 1498 per il monastero domenicano Santa Maria Delle Grazie a Milano.

Questo famoso dipinto rappresenta la scena drammatica descritta in diversi momenti strettamente correlati nei Vangeli, tra cui Matteo 26: 21-28, in cui Gesù dichiara che uno degli apostoli lo tradirà e quindi istituirà l'Eucaristia. Secondo la convinzione di Leonardo che la posizione, il gesto e l'espressione devono manifestare le "nozioni della mente", ciascuno dei 12 discepoli reagisce in modo tale che Leonardo considerasse adeguata per la personalità degli apostoli. Il risultato è uno studio complesso di varie emozioni umane, espresso in una composizione ingannevolmente semplice.

Leonardo non aveva lavorato in un dipinto così grande e non aveva esperienza nel murale standard dell'affresco. La vernice è stata eseguita usando pigmenti sperimentali direttamente sulla parete di gesso secco e, a differenza degli affreschi, dove i pigmenti vengono miscelati con l'intonaco umido, il passare del tempo non ha resistito bene. Ancor prima che fosse finito, c'erano problemi con la vernice più ricca del muro e Leonardo dovettero ripararlo. Nel corso degli anni è crollato, è stato soggetto a vandalismo, bombardato e restaurato. Oggi probabilmente vediamo ben poco del dipinto originale.

Il tema dell'Ultima Cena è il cibo finale di Cristo con i suoi apostoli prima che Giuda identifichi Cristo davanti alle autorità che lo arrestano. L'ultima cena (si ritiene che corrisponda al seder della Pasqua ebraica), è ricordato per due eventi: Cristo dice ai suoi apostoli "Uno di voi mi tradirà", e gli Apostoli reagiscono, ciascuno secondo la loro personalità. Riferendosi ai Vangeli, Leonardo rappresenta Felipe chiedendo "Signore, sono io?" Cristo risponde: "Chi mi mette la mano con me sul piatto mi darà" (Matteo 26). Vediamo Cristo e Giuda diffondersi contemporaneamente verso un piatto che è tra loro, anche quando Giuda torna alla difensiva. Leonardo rappresenta anche contemporaneamente Cristo benedire il pane e dire agli apostoli “Take, Eat; Questo è il mio corpo "e benedire il vino e dire" bevendo tutto; Perché questo è il mio sangue dal patto, che viene versato per il perdono dei peccati ”(Matteo 26). Queste parole sono il momento fondatore del sacramento dell'Eucaristia (la miracolosa trasformazione di pane e vino nel corpo e nel sangue di Cristo).

La composizione equilibrata è ancorata da un triangolo equilatero formato dal corpo di Cristo. Si siede sotto un frontone arcuato che, se completato, disegna un cerchio. Queste forme geometriche ideali si riferiscono all'interesse rinascimentale per il neoplatonismo (un elemento della rinascita umanistica che riconcilia gli aspetti della filosofia greca con la teologia cristiana). Nella sua allegoria, "La Cueva", il filosofo greco Platone ha sottolineato l'imperfezione del regno terreno. La geometria, usata dai Greci per esprimere la perfezione celeste, è stata usata da Leonardo per celebrare Cristo come l'incarnazione del cielo sulla terra. Leonardo ha disegnato un paesaggio verde oltre le finestre. Spesso interpretato come un paradiso, è stato suggerito che questo santuario celeste può essere raggiunto solo attraverso Cristo. I dodici apostoli sono disposti in quattro gruppi di tre e ci sono anche tre finestre. Il numero tre è spesso un riferimento alla Santissima Trinità nell'arte cattolica. Al contrario, il numero quattro è importante nella tradizione classica (ad esempio, le quattro virtù di Platone).

Dall'ultima cena è stata completata, quando è stato dichiarato capolavoro, il murale ha guadagnato la lode di artisti come Rembrandt Van Rijn e Peter Paul Rubens e scrittori come Johann Wolfgang von Goethe e Mary Wollstonecraft Shelley. Ha anche ispirato innumerevoli riproduzioni, interpretazioni, teorie della cospirazione e opere di finzione. Il delicato stato dell'ultima cena non ha ridotto l'attrattiva del dipinto; Invece, è diventato parte dell'eredità dell'opera d'arte. 

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No.3 The Return of the Prodigal Son - Rembrandt (1669)

Nella parabola del figlio prodigo, un padre ha due figli; Il più giovane chiede la sua eredità, ha sprecato la sua fortuna e tornare a casa dopo essere rimasto nella miseria. Intende chiedere a suo padre di renderlo uno dei suoi servitori, ma il padre, d'altra parte, celebra il suo ritorno. Quando il figlio maggiore si oppone, il padre gli dice che stanno celebrando perché suo fratello, che era stato perso, ora ha riacquistato significato.

L'ultima parola di Rembrandt si verifica nel suo monumentale dipinto del ritorno del figlio prodigo. Qui interpreta l'idea cristiana di misericordia con straordinaria solennità, come se questa fosse la sua volontà spirituale per il mondo. Va oltre le opere di tutti gli altri artisti barocchi nell'evocazione dell'umorismo religioso e della simpatia umana. Il potere del realismo dell'artista anziano non diminuisce, ma aumenta con la percezione psicologica e la coscienza spirituale. L'illuminazione e il colore espressivo e il suggerimento magico della sua tecnica, insieme a una semplicità selettiva di ambientazione, ci aiutano a sentire l'intero impatto dell'evento.

Il gruppo principale del padre e del figlio prodigo si distinguono alla luce contro un'enorme superficie scura. Particolarmente vivido sono l'abito a brandelli del figlio e delle maniche dell'anziano, che sono color ocra con oliva dorata; Il colore di ocra combinato con un intenso rosso scarlatto nel mantello del padre forma un'armonia di colorista indimenticabile. L'osservatore si sveglia alla sensazione di uno straordinario evento. Il figlio, rovinato e disgustoso, con una testa calva e l'aspetto di un emarginato, torna a casa di suo padre dopo lunghe avventure e molte vicissitudini. Ha sprecato la sua eredità in terre straniere e ha affondato nelle condizioni del vagabondo.

Il suo vecchio padre, vestito con abiti ricchi, come l'assistente figure, si è affrettato a riceverlo alla porta e riceve il figlio perduto con il più grande amore paterno. L'evento è privo di qualsiasi emozione violenta momentanea, ma aumenta a una solenne calma che presta alle cifre alcune delle qualità delle statue e dà alle emozioni un carattere duraturo, che non è più soggetto a cambiamenti nel tempo. Indimenticabile è l'immagine del peccatore pentito sostenuto dal petto di suo padre e dal vecchio padre di moda su suo figlio. Le caratteristiche del padre parlano di una bontà sublime e di agosto; Così fanno le loro mani estese, non libere dalla rigidità della vecchiaia. Il tutto rappresenta un simbolo di ogni casa di ritorno, dell'oscurità dell'esistenza umana illuminata dalla tenerezza, dell'umanità affaticata e peccaminosa che si rifugia nel rifugio della misericordia di Dio.

Il messaggio intrinseco che questo famoso dipinto trasmette è chiaro. Dio perdonerà sempre un peccatore pentito, qualunque cosa accada.

L'iconoclasia religiosa avvenuta dopo il rilascio dei Paesi Bassi del giogo coloniale della Spagna e della Chiesa cattolica, convertì le chiese calviniste in gusci nudi, dedicati all'adorazione, alla predicazione e alla preghiera. Le autorità olandesi non avevano alcun desiderio di decorare i loro luoghi di culto con palette, freschi o qualsiasi altro tipo di arte religiosa per parlare.

D'altra parte, l'Olanda è diventata famosa per il realismo olandese, un tipo di stile di pittura e ritratto di genere su piccola scala, dettagliato e altamente realistico, molti dei quali contenevano messaggi moralistici di vari tipi.

Un terzo tipo di arte in cui gli artisti realistici olandesi si sono distinti è stato il dipinto di natura morta (in particolare la pittura di vanitas), che conteneva anche un messaggio morale, a volte religioso. Questo è stato il più vicino che molti olandesi sono arrivati ​​all'arte protestante.

Pertanto, è ancora più sorprendente che un pittore protestante olandese come Rembrandt diventi un interprete così perspicace delle scene bibliche.

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No.4 The Weddings of Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Il tema di questo famoso dipinto si basa sulla storia biblica raccontata nel Vangelo di San Giovanni (Giovanni 2: 1-11), su un matrimonio tenuto a Cana, Galilea, frequentato da Maria, Gesù e dai suoi discepoli. Verso la fine della festa di nozze, quando il vino inizia a finire, Gesù chiede che i barattoli di pietra siano riempiti d'acqua, che l'insegnante si trasforma quindi in vino. Questo episodio, il primo dei sette segni del Vangelo di Giovanni che attesta la divina condizione di Gesù, è un precursore dell'Eucaristia.

I matrimoni di Cana (o banchetto di nozze di Cana) di Paolo Veronese è un olio su tela che fu dipinto nel 1563 per il monastero benedettino di San Giorgio Maggiore a Venezia. Veronese traspose la storia biblica nella fase più moderna di un matrimonio veneziano tipicamente stravagante.
Il matrimonio di Cana combina elementi di diversi stili, adattandosi alla composizione per la disastra dell'alto rinascimento - esemplificato dalle opere di Leonardo, Rafael e Miguel Ángel. A questo ha aggiunto una o due caratteristiche del manierismo, nonché una quantità di caratteristiche allegoriche e simboliche.

Il contenuto del dipinto consiste anche in una complessa miscela di sacro e profano, religioso e secolare, teatrale e banale, europeo e orientale. Rappresentato nel grande stile della società veneziana contemporanea, il banchetto si svolge all'interno di un patio affiancato da colonne Doric e Corinzi e delimitato da una bassa balaustra. In lontananza puoi vedere una torre porticato, progettata dall'architetto nato a Padova Andrea Palladio. In primo piano, un gruppo di musicisti tocca diversi liuti e strumenti a corda. Le figure musicali includono i quattro grandi pittori di Venezia: lo stesso Veronese (vestito di bianco, suonando la viola da gamba), Jacopo Bassano (in flauto), Tintoretto (violino) e Tiziano (vestito rosso, toccando il violoncello).

I commensali sul tavolo da sposa, tutti che li aspettano, insieme a una varietà sconcertante di membri di royalty, nobili, funzionari, dipendenti, servitori e altri, che rappresentano un campione rappresentativo della società veneziana e vestiti in vari modi con biblici, veneziani o orientali e costumi adornati adornati con sontuose acconciature e articoli di gioielliere. Numerose figure storiche compaiono nei matrimoni di Cana, tra cui: Imperatore Carlos V, Leonor de Austria, Francisco I di Francia, María I d'Inghilterra, Solimán The Magnificent, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Pole cardenale e Sokollu Mehmet Pass. In totale, in questo famoso dipinto reciproco sono rappresentati circa 130 figure uniche.

Nel lavoro, i simboli religiosi della passione sono inclusi insieme a lussuose navi d'argento del XVI secolo. I mobili, il comodo, la brocca e gli occhiali e i vasi di vetro rivelano la festa in tutto il suo splendore. Ogni ospite al tavolo ha un posto individuale, completo di tovagliolo, forchetta e coltello. In questa duplicazione del significato, nessun dettaglio sfugge all'occhio dell'artista.
Il pittore ha selezionato costosi pigmenti importati da est dai commercianti veneziani: giallo arancione, rossi intensi e lapislázuli sono ampiamente usati nelle tende e in paradiso. Questi colori svolgono un ruolo importante nella leggibilità della pittura; Contribuiscono, per i loro contrasti, all'individualizzazione di ciascuna delle figure.

Nota: mentre molte figure nell'immagine interagiscono tra loro, nessuna di esse sta davvero parlando. Questo per soddisfare il codice di silenzio osservato da tutti i monaci benedettini nel refettorio in cui l'immagine sarebbe stata appesa.

La festa di nozze di Cana contiene molto simbolismo. L'intero lavoro, ad esempio, simboleggia l'interazione tra piacere terreno e mortalità terrena. Dietro la balaustra, sulla figura di Gesù, un animale viene sacrificato, in allusione al prossimo sacrificio di Gesù, come l'Agnello di Dio, un riferimento che si basa sul cane che mastica un osso ai piedi del dipinto. Nel frattempo, a sinistra di Gesù, la Vergine Maria Ahueca ha le mani per rappresentare un bicchiere che conterrà il nuovo vino dell'umanità, cioè il sangue di Cristo. Inoltre, di fronte ai musicisti c'è un orologio di sabbia, un riferimento standard alla transitorie dei piaceri terreni, inclusa la vanità umana.

I Benedictina del monastero di San Giorgio Maggiore de Venezia commissionarono questo immenso quadro nel 1562 per decorare il loro nuovo refettoria. Il contratto che ha commesso il Veronese nella realizzazione del banchetto di nozze è stato estremamente preciso. I monaci hanno insistito sul fatto che il lavoro fosse monumentale, al fine di riempire l'intero muro del refettorio. Appese ad un'altezza di 2,5 metri da terra, è stato progettato per creare un'illusione di spazio esteso. Questo lavoro di 70 m² ha occupato il veronese per 15 mesi, molto probabilmente con l'aiuto di suo fratello Benedetto Caliari. La commissione fu una svolta nella carriera di Veronese; Dopo il successo del dipinto, altre comunità religiose piangevano per un'opera simile nei propri monasteri. Nonostante le sue dimensioni eccezionali, il dipinto fu confiscato, iscritto e inviato a Parigi dalle truppe di Napoleone nel 1797.

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 No.5 The Athens School - Rafael (1509-1511)

Milioni di occhi si sono meravigliati dell'eterno incontro di ex filosofi e matematici, statisti e astronomi che Rafel immagina brillantemente nel suo famoso affresco.

In particolare, l'affresco di Rafael, la scuola di Atene è arrivata a simboleggiare l'unione dell'arte, della filosofia e della scienza che era un sigillo distintivo della rinascita italiana. Dipinto tra il 1509 e il 1511, si trova nella prima delle quattro stanze progettate da Rafael, la strofa della segnatura. A quel tempo, una commissione del papa era la cuspide della carriera di qualsiasi artista. Per Rafel, è stata la convalida di una carriera già fiorente.

Rafael è stato all'altezza della sfida, creando un ampio catalogo di schizzi preparativi per tutti i suoi affreschi. Questi verrebbero quindi ampliati a cartoni su larga scala per aiutare a trasferire il design all'intonaco bagnato. Lavorando contemporaneamente a Miguel Ángel sul tetto della Cappella Sistina, si ritiene che ciò abbia contribuito a aumentare e ispirare Rafael stimolando la sua natura competitiva.

Rafel ha portato l'idea a un livello completamente nuovo con composizioni di massa che riflettevano filosofia, teologia, letteratura e giurisprudenza. Leggi nel loro insieme, hanno immediatamente trasmesso l'intelletto del papa e avrebbero causato una discussione tra menti istruite che sono state abbastanza fortunate da entrare in questo spazio privato. La scuola di Atene è stata la terza foto che Rafael ha completato dopo la disputa (che rappresenta la teologia) e Parnassus (che rappresenta la letteratura). È posto contro le controversie e simboleggia la filosofia, stabilendo un contrasto tra credenze religiose e secolari.

Ambientato in un'immensa illusione architettonica, la scuola di Atene è un capolavoro che rappresenta visivamente un concetto intellettuale. In un dipinto, Rafael ha usato gruppi di figure per presentare una lezione complessa sulla storia della filosofia e le diverse credenze sviluppate dai grandi filosofi greci. Rafael sarebbe stato certamente a conoscenza delle mostre private della Cappella Sistina in Progreso organizzate da Bramante.

Chi sono le figure della scuola di Atene?
I due pensatori del centro stesso, Aristotele, a destra e Platone, a sinistra, indicando verso l'alto, sono stati molto importanti per il pensiero occidentale in generale. In diversi modi le loro diverse filosofie sono state incorporate nel cristianesimo.

A sinistra di Platone, Socrate è riconoscibile grazie alle sue caratteristiche distintive. Si dice che Raphael possa usare un vecchio ritratto del filosofo come guida. È anche identificato dal gesto della sua mano, come sottolinea Giorgio Vasari nella vita degli artisti.

In primo piano, Pitagora si siede con un libro e un calamaio, circondato anche da studenti. Sebbene Pitagora sia ben noto per le sue scoperte matematiche e scientifiche, ha anche saldamente creduto nella metempsicosi.
Riflettendo la posizione di Pitagora dall'altra parte, Euclide è inclinato a dimostrare qualcosa con una bussola. I loro giovani studenti cercano di catturare le lezioni che stanno insegnando.

Il grande matematico e astronomo Tolomeo si trova proprio accanto a Euclid, con le spalle allo spettatore. Con una veste gialla, tiene in mano un palloncino di terra. Si ritiene che l'uomo con la barba si sia fermato davanti a lui con in mano un pallone celeste sia l'astronomo Zoroastro. È interessante notare che il giovane in piedi accanto a Zoroaster, guardando lo spettatore, non è altro che Raphael stesso. L'incorporazione di questo tipo di auto -portrait non è qualcosa di inaudito in quel momento, sebbene fosse un movimento audace per l'artista incorporare la sua somiglianza con un'opera di tale complessità intellettuale.

È universalmente accettato che il signore più anziano sdraiato sui gradini è Diogene. Il fondatore della filosofia cinica, era una figura controversa ai suoi tempi, vivendo una vita semplice e criticando le convenzioni culturali.
Una delle figure più sorprendenti della composizione è un uomo riflessivo seduto in primo piano, con la mano in testa in una posizione classica di "pensatore".

Nel campo dei filosofi, è Eraclito, un pioniere della saggezza autodidatta. Era un personaggio malinconico e non piaceva la compagnia degli altri, il che lo ha reso uno dei pochi personaggi isolati dall'affresco.

Completando il programma di Rafael, due grandi statue siedono a nicchie sul retro della scuola. A destra di Platone, vediamo Apollo, mentre a sinistra di Aristotele è Minerva. Minerva, la dea della saggezza e della giustizia, è un rappresentante adeguato dalla parte della filosofia morale dell'affresco. È interessante notare che la sua posizione lo avvicina anche all'affresco di Rafael sulla giurisprudenza, che si sviluppa direttamente alla sua sinistra.

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N.6 trasfigurazione - Rafael (1520)

 

Responsabile nel 1517 dal cardinale Giulio de 'Medici (1478-1534) (della famiglia di medicinali fiorentina), che presto sarebbe diventato Papa Clemente VII (1523-34), come palavole della Cattedrale francese di Narbonne (in competizione con concorrenza con competizione La risurrezione di Lázaro di Sebastiano del Piombo) di cui era arcivescovo, questa famosa opera di arte religiosa fu incompiuta da Rafael alla sua morte nel 1520 e fu completata dai suoi assistenti Giulio Romano (1499-1546) e Giovanni Francesco Penni (1496 - 1536).

Dopotutto, il cardinale mantenne il dipinto a Roma e, accedendo al papato nel 1523, lo diede alla Chiesa di San Pietro a Montorio, Roma. Nel 1774, il nuovo papa Pio VI (1775-99) ordinò una copia in mosaico e installava nella basilica di San Pedro. Il dipinto stesso fu saccheggiato da Napoleone nel 1797 e portato a Parigi, da dove fu rimpatriato nel 1815.

Questo lavoro racconta due eventi biblici non correlati. Sopra è la storia della trasfigurazione di Cristo. Nella parte inferiore c'è la storia di un giovane che è posseduto da un demone.

Gesù mostra in cima al Monte Tabor (Israele) con una veste bianca come la neve luccicante e accanto a lui i profeti Mosè a destra e Elia a sinistra. Le nuvole dietro Gesù sono illuminate. Gesù alza le braccia e guarda verso Dio.

Sotto Gesù ci sono tre dei suoi discepoli, da sinistra a destra, Santiago, Pedro e Giovanni. Si coprono il viso con le mani perché il paradiso è troppo luminoso per i suoi occhi. Le due figure a sinistra sono probabilmente Justus e Pastor. Questi sono due martiri cristiani a cui è dedicata la chiesa in cui il dipinto era inizialmente destinato a collocare.

Di seguito puoi vedere i nove discepoli di Gesù che non sono saliti sulla montagna posizionati sul lato sinistro. Cercano di curare un giovane che è posseduto da uno spirito malvagio. La figura della tunica blu in basso a sinistra è probabilmente Mateo. Consultare un libro ma non trovare la soluzione per curare il giovane. Il giovane discepolo della tunica gialla è Felipe. A destra di Felipe, con la veste rossa, c'è Andrés. L'uomo dietro Andrés, che indica il bambino malato, è Giuda Tadeo e l'uomo più anziano alla sua sinistra è Simon. L'uomo all'estrema sinistra è probabilmente Giuda Iscariota. I discepoli non possono curare il giovane. Questo può spiegare perché il discepolo rosso indica Gesù sulla cima della montagna. Il giovane malato sulla destra ha un tessuto blu avvolto intorno alla vita e sembra molto pallido mentre fa un gesto selvaggio. Puoi vedere che i tuoi occhi guardano in direzioni diverse. L'uomo dietro di lui con la veste verde è suo padre che lo tiene e guarda i discepoli con speranza e paura allo stesso tempo. Di fronte al giovane, due donne guardano i discepoli mentre indicano il giovane.

Entrambe le storie sono descritte in Matteo 17, Marcos 9 e Luca 9. La storia della Bibbia descrive come Gesù si trasforma in una gloria radiosa quando prega con tre dei suoi discepoli in una montagna. Gesù parla con Mosè ed Elia e ascolta anche la voce di Dio. La festa di trasfigurazione è ancora celebrata in molte chiese, il 6 agosto o il 19 agosto.

Le dimensioni della trasfigurazione sono 403x276 cm. Rafael preferiva dipingere su tela, ma questo dipinto era realizzato con dipinti ad olio sul legno come media scelti. Rafael ha effettivamente mostrato manierismo e tecniche avanzate del periodo barocco in questo dipinto. Le pose stilizzate e contorte delle figure della metà inferiore indicano il manierismo. La drammatica tensione all'interno di queste figure e l'uso liberale della luce all'oscurità, o contrasti di chiaroscuro, rappresentano il periodo barocco del movimento esagerato per produrre drammaticità, tensione, esuberanza o illuminazione. IL Trasfigurazione Avanzava al suo tempo, proprio come la morte di Raphael arrivò troppo presto.

IL La trasfigurazione era la uLa grande opera di Rafael e un indubbia capolavoro del Rinascimento italiano Alto, è ora nell'apostolica Pinacoteca, uno dei musei del Vaticano. A seguito di un importante restauro effettuato nel 1977 da esperti di conservazione del Vaticano, la tavolozza dei colori del Rinascimento Rafael è ora completamente visibile e il dipinto ha recuperato il suo splendore incontaminato. Il restauro ha anche dissipato qualsiasi domanda persistente sul creatore del dipinto. Sebbene incompiuto, questo grande capolavoro era totalmente il prodotto del genio di Rafael.

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No.7 Il giudizio finale - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros Dà al lettore uno sguardo più vicino alla storia di questo iconico affresco per capire meglio come il giudizio finale abbia avuto un impatto duraturo sul mondo dell'arte religiosa.

Le religioni profetiche occidentali (cioè lo zoroastrismo, l'ebraismo, il cristianesimo e l'Islam) hanno sviluppato concetti del giudizio finale che sono ricchi di immagini.

"Verrà a giudicare Alive and Dead" (dal Credo degli Apostoli, una delle prime dichiarazioni della fede cristiana).

Il giudizio finale fu una delle prime opere d'arte che Paolo III commissionò di essere scelta nel papato nel 1534. La chiesa che ereditava era in crisi; Il saccheggio di Roma (1527) era ancora una memoria recente. Paolo cercò di affrontare non solo i molti abusi che avevano causato la riforma protestante, ma affermò anche la legittimità della Chiesa cattolica e l'ortodossia delle sue dottrine (compresa l'istituzione del papato). Le arti visive avrebbero svolto un ruolo chiave nella loro agenda, a partire dal messaggio che ha rivolto al suo circolo intimo quando ha commissionato il giudizio finale.

Dipinto quando Miguel Ángel era completamente nel suo stile maturo, il lavoro d'arte ebbe un impatto immediato e causò polemiche. Mentre questo ultimo giudizio sull'umanità non era un tema insolito per un artista del Rinascimento, Miguel Ángel lo fece esclusivamente usando uno stile apprezzato e sminuito.

Questo nuovo muro della cappella Sistina avrebbe un tema specifico: il giudizio finale. La descrizione della seconda venuta di Gesù Cristo e il giudizio finale di Dio sull'umanità era un tema popolare in tutto il Rinascimento. La visione di Miguel Ángel sull'argomento, nel tempo, è diventata iconica. In affreschi, vediamo più di 300 figure dipinte da esperti per realizzare questa storia. Cristo siede nel mezzo, con la sua mano alzata per giudicare i condannati che affondano nelle profondità dell'inferno. Con i muscoli ondulati, questo Cristo è una figura imponente. Alla sua sinistra, la Vergine Maria siede. Ha adottato un possesso pubblicato e guarda a coloro che sono stati salvati. Immediatamente intorno a questa coppia centrale c'è un gruppo di santi importanti. San Pedro, che ha le chiavi del cielo, e San Giovanni il battista sono mostrati sulla stessa scala di Cristo. Caronte e le anime del condannato. La composizione generale ruota in un movimento fluido, con quelli salvati a sinistra di Cristo nella foto che sorge dalle loro tombe mentre i condannati vengono spinti all'inferno. Nella parte inferiore dell'affresco, vediamo Caronte, una figura mitologica. Nella mitologia greca e romana trasportava anime negli inferi. Qui, li porta direttamente all'inferno, che è pieno di personaggi macabre.

Come Dante nella sua grande poesia epica, la commedia divina, Miguel Ángel ha cercato di creare una pittura epica, degna della grandezza del momento. Ha usato metafore e allusioni per decorare il suo soggetto. Il suo pubblico istruito si diletterà con i suoi riferimenti visivi e letterari. Originariamente destinato a un pubblico limitato, le incisioni riproduttive dell'affresco lo diffondono rapidamente ovunque, mettendolo nei dibattiti del centro animato sui meriti e gli abusi dell'arte religiosa.

Mentre alcuni hanno esultato questo famoso dipinto come l'apice dei risultati artistici, altri lo consideravano l'epitome di tutto ciò che poteva andare storto con l'arte religiosa e chiedevano la loro distruzione. Alla fine, è stato raggiunto un impegno. Poco dopo la morte dell'artista nel 1564, Daniele da Volterra fu assunto per coprire le nalghe e l'inglese nuda con pezzi di tende e ridipingendo Santa Catalina de Alejandría, originariamente ritratta senza vestiti, e San Blas, che lo litigava per minacciarla con i suoi combs di acciaio (cosa pesa il peso (cosa pesa !).

Contrariamente al suo pubblico limitato nel XVI secolo, ora migliaia di turisti vedono quotidianamente il giudizio finale. Tuttavia, durante le concerti papali diventa ancora una volta un potente promemoria per il Cardinale College del suo posto nella storia della salvezza, poiché si incontrano per scegliere il vicario terreno di Cristo (il prossimo papa), la persona che sarà responsabile del pascolo Il fedele. Nella comunità di quelli eletti.

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No.8 The Tower of Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Secondo la storia dell'Antico Testamento, Dio punì l'umanità in tre modi.

Il primo fu l'espulsione di Adamo ed Eva dall'Eden, dopo il peccato originale. Poi arrivò la grande alluvione, la punizione per la molteplicità delle iniquità umane. E il terzo fu quando Dio, diffidente per l'orgoglio e la presunzione dei cittadini della nuova città violenta di Babilonia, "confidò il discorso di tutti e li allargò attraverso l'ampio volto della terra".

Cosa avevano fatto i babilonesi così infiammatori? Agli occhi di Dio, avevano sfidato l'ordine delle cose con il loro dichiarato desiderio di diventare un "grande popolo", rappresentato dalla costruzione di un'enorme torre, "con una cuspide che raggiunge il paradiso". Gli umani avrebbero dovuto aspirare ad alte altezze, fisiche o metaforiche. La punizione scelta da Dio per questo era quella di porre fine al linguaggio comune che era solito unire tutti i popoli e creare una molteplicità di lingue diverse, "in modo che non possano essere compresi". La conseguente confusione significava che "la costruzione della città si è conclusa". Secondo la Bibbia, "ecco perché la città si chiamava Babele" o Babilonia. Di tutte le rappresentazioni artistiche di questa grande torre che aveva offeso Dio così tanto, la più memorabile è la torre di Babele di Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Questo famoso dipinto, uno dei tanti dipinti dedicati all'arte religiosa, fu la seconda delle tre versioni della Torre Babele dipinte da Pieter Bruegel. La prima versione (ora persa), era una miniatura avorio, che era nell'inventario del miniaturista italiano nato in Croazia Giulio Clovio (1498-1578), con il quale Bruegel collaborava a Roma nel 1553. La terza versione era un olio più piccolo dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto dipinto più piccolo dipinto di un olio più piccolo su Wood, datato nel 1564, che ora si trova al Boijmans Van Beuningen Museum di Rotterdam. Si ritiene generalmente che il dipinto di Rotterdam risale a circa un anno dopo l'immagine di Vienna. La "grande" torre viennese è quasi doppia della "piccola" torre Rotterdam ed è caratterizzata da un trattamento più tradizionale del soggetto. Basato su Genesi 11: 1-9, in cui il Signore confonde le persone che hanno iniziato a costruire "una torre la cui cima può raggiungere il paradiso", include, come non fa l'altra versione, la scena del re Nimrod e del suo entourage. Prima della moltitudine di lavoratori in ginocchio. Questo evento non è menzionato nella Bibbia, ma è stato suggerito in oggetti d'antiquariato degli ebrei di Flavio Josephus.

Per Bruegel era importante perché sottolineava il peccato di orgoglio e arroganza del re che dovrebbe evidenziare l'immagine.

Realismo dettagliato La torre di Babele presenta una grande quantità di dettagli meticolosi, relativi alla costruzione dell'edificio, senza dubbio, dalle intricate conoscenze di Bruegel sulle tecniche di costruzione, acquisite durante l'esecuzione di numerosi dipinti che illustrano lo scavo degli Amberes-Busela canale. A destra c'è un'enorme gru, molto simile a quella visibilmente posizionata sul porto nel breviario di Grimani.

Formiche che lavoratori simili sono impegnati a trasportarlo con enormi lastre di pietra che hanno ricevuto dal basso e passerà alla rampa superiore dove gli altri sono pronti a riceverli. Un lavoratore sale su una scala verso quella sezione, che si sta trasformando da roccia all'architettura strutturata da una moltitudine di altre persone. A sinistra, parte della facciata sta già finendo in parte; Una donna entra attraverso una delle porte, una scala appare attraverso una delle finestre superiori. Sopra, un'altra grande moltitudine di lavoratori lavora sul tetto e così via all'infinito.

Qualunque sia la ragionevolezza di queste azioni individuali, e questo punto non è stato ancora completamente studiato, lo spettatore sente immediatamente l'insufficienza grottesca dei media ingegneristici, nonché la follia di tutta la società di costruzioni.

Come sono laboriose di queste "formiche", affrontano avversità disperate che sono brillantemente dimostrate. All'interno dello stesso livello, la risoluzione dell'ultimo dettaglio si oppone agli inizi nudi, con fasi intermedie nel mezzo, che suggerisce una corsa frenetica contro il tempo inesorabile, mentre la parte superiore è ancora invasa da nuvole.

Quando abbiamo guardato il dipinto di Bruegel e abbiamo cercato di interpretarlo, siamo anche immersi in un esercizio di traduzione: stava semplicemente dando un'espressione visiva alla storia biblica? O stavo cercando di fare qualcosa di più ampio? O semplicemente una combinazione di entrambi?

Non dovrebbe sorprenderci che nel mondo dell'arte non ci sia necessariamente un accordo sulle intenzioni di Bruegel. Invece di essere apertamente controverso, l'insegnante ha incorporato il suo lavoro con i segni e ci lascia, i suoi fedeli spettatori per interpretarli per noi stessi.

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No.9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Il Virgen Del Jilguero, uno dei pannelli fiorentini di Rafael, è stato dipinto da Rafael per il matrimonio della sua amica Lorenzo Nasi e Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Il dipinto fu gravemente danneggiato dopo il parziale crollo della casa Nasi nel 1547, come menziona Vasari. Successivamente è stato probabilmente ripristinato da Michele di Ridolfo del Ghirlandi (Michele Tosini), un lavoratore del Workshop di Ghirrandi, che è stato profondamente influenzato da Rafael.

Il bambino Gesù sta accarezzando amorevolmente un uccello Jilguez che il bambino battista gli ha appena dato. Un simbolo di passione (il picco, perché si nutre tra spine) è così combinato in una scena che, al primo livello di significato, può essere visto semplicemente come bambini che giocano.

Rafael ha assorbito i successi dell'arte fiorentina che all'epoca era in prima linea in Europa. L'artista è stato fortemente influenzato dalla figura di Leonardo. L'influenza del grande artista-scientifico, si manifesta nella bellissima Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), recentemente restaurata (2008) saggiamente e qualificata. Rafael accetta l'approccio della composizione piramidale, gli effetti morbidi della luce debole e il dialogo emotivo tra i personaggi, rivelando gli elementi del dipinto di Leonardo. Nonostante ciò, è anche chiaro quale sarà lo stile personale di Rafael: l'estrema dolcezza dei volti, in particolare i Madonnas, l'uso magistrale dei colori, la riproduzione realistica del paesaggio e la profonda intimità tra le figure.

La Vergine Maria è vestita di rosso e blu. Il rosso è un simbolo della passione di Cristo e Blu è il simbolo della Chiesa e Maria. Era uno dei pigmenti più costosi e, quindi, appropriato da usare in una figura importante come Maria. Il Jilguero europeo è associato alla crocifissione di Gesù. In questo dipinto, San Giovanni passa l'uccello a Gesù come avvertimento della sua morte violenta. Dal libro in possesso di Mary, gli esperti hanno identificato le parole "sede sapientiae". Questo è uno dei titoli devozionali dati a Maria e significa "sede della saggezza". Sottolinea che Maria ha dato alla luce Gesù (che rappresenta la saggezza). Quando Maria è rappresentata nel ruolo di "sede della saggezza", di solito viene mostrato su un trono con Gesù in grembo. Tuttavia, in questo caso, la roccia su cui Maria sente funge da trono.

Nel dipinto puoi vedere diversi fiori. Sebbene non tutti i fiori siano stati identificati in modo conclusivo, molti credono che i fiori siano: anemoni (che rappresentano il dolore di Maria per la passione di Gesù), le margarita (che rappresentano l'innocenza del bambino Gesù), banane (che rappresentano la strada per Segui Gesù) e Violets. (che rappresenta l'umiltà).

Nell'arte europea, il picco è spesso usato come simbolo. L'European Jilguero, Carduelis Carduelis, ha una faccia rossa e la testa in bianco e nero. Centinaia di dipinti di rinascita hanno rappresentato il Jilguero. Il Jilguero europeo è spesso associato alla risurrezione, ma anche all'anima, al sacrificio e alla morte. La leggenda narra che il giocatore ricevesse la macchia rossa in testa durante la crocifissione di Gesù quando voleva strappare una spina dalla corona di Gesù e una goccia di sangue di Gesù gli schizzò la testa. In effetti, è noto che il giocatore mangia carri e spine e, quindi, è stato associato alla corona delle spine che Gesù ha usato nella sua crocifissione.

Il paesaggio, e in particolare le forme architettoniche che contiene, riflette l'influenza dell'arte del flamenco, sebbene sia ancora strutturato in termini di umbria. Questa influenza è stata viva in Firenze come in Urbino nella seconda metà del Quattrocento. Forse è più visibile su tetti inclinati e aghi alti, elementi insoliti in un paesaggio mediterraneo. L'influenza di Miguel Ángel è di nuovo evidente nella figura ben strutturata del bambino Cristo.

Questa famosa immagine ha subito gravi danni alla fine del XVI secolo a causa del crollo dell'edificio dove si trovava. Ha subito gravi danni, come i tagli profondi e lunghi che avevano sfigurato il pannello di legno. Molti restauri seguirono nel corso dei secoli, ma solo grazie all'ultimo (realizzato nel 2008) il lavoro tornò al suo splendore originale. Pertanto, il Virgen del Jilguero può essere amato e ammirato di nuovo come uno degli esempi più belli del grande pittore di Rafael il "Divino".

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N.10 Cristo di San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Il Cristo di San Juan de La Cruz fu dipinto dal surreale pittore surreale Salvador Dalí nel 1951 in un momento in cui emerse dal forte ateismo anti -religioso dalla sua giovinezza e abbracciò di nuovo la fede cattolica.

Senza dubbio, l'opera religiosa più conosciuta di Dalí è il suo "Cristo di San Juan de la Cruz", la cui figura domina Port Lligat Bay. Il dipinto è stato ispirato da un disegno, conservato nel convento dell'incarnazione a Ávila, in Spagna, e realizzato dallo stesso San Juan de la Cruz dopo aver visto questa visione di Cristo durante un'estasi.

Nel dipinto di Dali, le persone accanto alla nave derivano da un'immagine di Le Nain e da un disegno di Diego Velázquez per la resa di Breda. Alla fine dei suoi studi per il Cristo, Dalí scrisse: "In primo luogo, nel 1950, avevo un" sogno cosmico "in cui ho visto questa immagine a colori e che nel mio sogno rappresentava il nucleo dell'atomo. Questo nucleo Successivamente acquisito un senso metafisico: ho considerato in "L'unità dell'universo", al Cristo! Secondo, quando, grazie alle istruzioni di padre Bruno, un carmelita, ho visto il Cristo disegnato da San Giovanni della Croce Geometricamente un triangolo e un cerchio, che ha estetico esteticamente tutti i miei precedenti esperimenti, e ha iscritto il mio Cristo in questo triangolo. "

Nel ritratto, Salvador Dalí ha usato ingegnosamente due diversi colori realistici che includono blu e verde per interpretare lo straordinario paesaggio del mare, probabilmente un'allegoria nel mare di Galilea. Il pittore usava una tecnica unica per dipingere il mare a livello degli occhi mentre il corpo di Cristo pende nell'aria della croce. Dietro la croce, il pittore ha usato la vernice a olio nero. Questo per rendere il corpo di Cristo il centro dell'attenzione.

Dalí è stato in grado di interpretare i muscoli di Cristo in tono raffinato. A parte questo, è riuscito a dipingere ombre che hanno creato profondità. Inoltre, Salvador ha dipinto le montagne distanti all'altezza degli occhi. In fondo all'immagine, puoi vedere un uomo solitario in piedi su un molo con la sua barca. Il famoso pittore è stato in grado di combinare colori realistici e un design ordinato per creare un impressionante ritratto surreale della figura religiosa.

È stato detto che la versione originale del XVI secolo ritrae un crocifisso dall'angolazione in cui una persona morente lo vedrebbe quando lo mostra per venerarlo.

Dalí ci fa vedere Cristo e la croce direttamente dall'alto e guardiamo in basso sul set di nuvole sotto e la terra sotto. È una prospettiva celeste, in effetti, quella di Dio Padre. È interessante notare che il figlio, Cristo condivide la stessa prospettiva del Padre: il suo punto di vista segue e continua a quello del Padre. Il quarto Vangelo sottolinea che il Figlio viene dal Padre ed è uno con lui, vedendo e facendo tutto il Padre che gli dice di fare. In un certo senso, il padre offre anche al figlio al mondo per salvarlo.

Nel dipinto di Cristo di San Juan, il sacro cuore di Gesù non si riflette esternamente, ma è coinvolto nello schieramento artistico di una forza che supera l'ignominia della croce. Dalí ci dipinge un Cristo vittorioso. Mostra che il Cristo di San Juan de la Cruz scade a morte per amore.

Nel "Cristo di San Juan de la Cruz" di Dalí, Gesù appeso dalla croce ha disarmato i poteri e le autorità e li ha resi uno spettacolo pubblico, trionfando su di loro con il potere del loro amore sulla croce (Col. 2: 15).

Pertanto, la croce è il luogo in cui il bene scade con il male, dove l'oscurità è sconfitta dalla luce, dove il seme della donna infine schiaccia la testa del serpente (Gen 3:15), dove le accuse contro il mondo sono state distrutte e inchiodato quando si attraversa. Soprattutto, è dove l'amore conquista o tutte le forme di malizia.

Questo famoso lavoro Dalí è stato considerato banale da un importante critico d'arte quando è stato esposto per la prima volta a Londra. Tuttavia, diversi anni dopo, fu tagliato da un fan mentre era appeso al Museo Glasgow, prova dello straordinario effetto opposto sugli spettatori.

Nel dipinto ci sono diverse prospettive, un segno del talento fenomenale di Dalí.

Poiché le opere di Dalí non sono ancora di dominio pubblico, Kuadros Non fa repliche di questo pittore, non ha smesso di ammirarlo ovviamente. 

KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.