Le 10 Pitture Astratte Più Famosa

In Senza Titolo - Prima Acquaforte Astratta troviamo una buona esplosione di colori, come si trova nella maggior parte delle sue pitture, ma l'uso delle acqueforti anziché degli oli lascia una finitura visibilmente diversa che rende quest'opera interessante e piuttosto unica nella sua produzione del 1910. L'opera da vicino appare completata rapidamente, il che è tipico di questa forma d'arte poiché la pittura si asciuga molto rapidamente. Lavora anche in modo espressivo, senza preoccuparsi troppo della precisione, ma concentrandosi di più nella scelta dei colori e riempiendo la tela con diverse forme e linee. Era realmente astratto e questo era qualcosa che appariva sempre di più man mano che avanzava nella sua carriera, mentre si allontanava sempre di più dalla realtà nelle forme che utilizzava.

Kandinsky si specializzò negli oli ma lavorò con le acqueforti di tanto in tanto. Avrebbe trovato questo mezzo facile da lavorare e qualcosa che si adattava anche bene ai pezzi di studio rapidi, dove cercava di comprendere il design per un pezzo futuro. Fece anche uso di litografie, xilografie e acqueforti in altre epoche, particolarmente nelle fasi iniziali della sua carriera quando era particolarmente sperimentale.

Lavorando con le acqueforti, Kandinsky riuscì a completare questo dipinto in soli tre giorni. Tuttavia, nonostante la sua fretta, Kandinsky realizzò diversi studi per questa opera d'arte prima di iniziare la composizione finale. Ciò che contribuì alla velocità che si può interpretare in Senza titolo fu la sua scelta di colore, poiché Kandinsky scelse sapientemente colori che sapeva rappresentassero fedelmente le sue emozioni in quel momento. Le linee e le forme disegnate contribuiscono anche ad enfatizzare il caos e l'urgenza che si sperimenta ammirando questo dipinto.

L'astrazione è chiaramente dimostrata all'interno di quest'opera d'arte attraverso le linee sciolte e vaghe rappresentate, il che suscitò un considerevole interesse tra il pubblico artistico in quel momento. Senza Titolo esiste come un importante istigatore del movimento dell'arte astratta, poiché fu la prima volta che qualcosa remotamente separato e senza restrizioni fu accettato come un tema adeguato all'interno delle opere d'arte di quel periodo. Senza Titolo segnò un punto definitorio all'interno dell'arte europea come allontanamento dalle opere d'arte tradizionali verso pezzi d'arte più astratti e disinibiti.

Il periodo tra il 1910 e il 1914 è considerato il culmine della carriera di Kandinsky e l'apice dei suoi maggiori successi artistici. Pertanto, Senza titolo esistette come una delle prime opere d'arte che discartarono sfacciatamente tutti i riferimenti a forme riconoscibili ed emersero dalle limitazioni imposte dalle convenzioni di rappresentazione della pittura dell'Europa occidentale.

Questa nozione di libertà totale divenne prominente nella maggior parte delle opere create da Kandinsky in questo periodo.

No. 2 Età Adulta # 7 - Hilma AF Klint

Sebbene non sia così conosciuta come molti degli artisti maschili della sua epoca, l'artista svedese Hilma af Klint è stata una pioniera dell'arte astratta le cui pitture radicali sono precedenti a molti dei suoi contemporanei maschili. Ha chiesto che la sua grande opera, gran parte della quale non fu mai esibita durante la sua vita, rimanesse nascosta fino a 20 anni dopo la sua morte.

La collezione rappresenta le fasi della vita, inclusa l'infanzia, la gioventù, la maturità e la vecchiaia. Combinano elementi botanici e oggetti organici riconoscibili che fanno riferimento alla nascita e alla crescita.

L'Età Adulta No. 7 di Hilma Klint è un enorme tela, di 3 metri di altezza e 2 metri di larghezza, dipinto su carta, sul pavimento dello studio, e poi incollato su una tela.

Af Klint interpreta l'età adulta in piena fioritura dipingendo varie forme che fluiscono liberamente in diverse dimensioni e colori su uno sfondo lilla. Il simbolo giallo centrale assomiglia a un fiore, mentre le spirali e le forme biomorfiche sono simboli di crescita e fertilità.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Completato nel 1922, il dipinto Senecio è un manifestazione del senso dell'umorismo e della cultura africana di Paul. I colori e le forme semplici, Paul utilizza diverse tonalità di arancione, rosso e giallo per rivelare il ritratto di un anziano. L'uso artistico delle forme dà una falsa impressione che sembri elevarsi un occhio. La sua sopracciglia sinistra è rappresentata da un triangolo mentre l'altra è formata da una semplice linea curva. Il ritratto è anche chiamato Testa di un uomo che sta diventando senile e imita intenzionalmente le opere d'arte dei bambini utilizzando forme e forme ambigue con minimi dettagli facciali.

Questo adattamento del volto umano è diviso per colore in rettangoli. I quadrati geometrici piatti sono mantenuti all'interno di un cerchio che rappresenta una faccia mascherata e mostra il costume multicolore di un pagliaccio. Un ritratto dell'artista performante Senecio, può essere visto come un simbolo della relazione mutevole tra arte, illusione e il mondo del dramma. Questo dipinto dimostra i principi dell'arte di Klee, in cui gli elementi grafici di linea, piani di colore e spazio sono messi in movimento da un'energia della mente dell'artista. Nei suoi scarabocchi fantasiosi, gli piaceva, secondo le sue parole, "portare a passeggio una linea".

No. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Il dipinto Etoile Bleue è stata la transizione di Miró tra l'arte figurativa e quella astratta.

Questo dipinto è conosciuto per essere uno dei dipinti più importanti nella carriera di Miró. In particolare, il blu abrasivo utilizzato si può vedere in diversi dei suoi lavori futuri e persino influenzò pittori come Mark Rothko e Yves Klein.

Etoile Bleue è un grande dipinto, ma è un dipinto di domande più che di risposte.

Miró è stato il grande sintetizzatore di un'epoca di molte idee diverse, un po' come oggi, ma le idee artistiche del tempo erano molto più complesse di quelle attuali.

Il dipinto combina colori fauves, forme cubiste e intenzioni surrealiste in un'opera che lo spettatore può esplorare visivamente più e più volte. È tra tante cose che ci rimangono molte domande le cui risposte sono tanto oniriche quanto il quadro.

Se osserviamo la forma blu nell'angolo superiore sinistro. È un uccello. È probabile che sia così, ma quale uccello non è chiaro. Guardandolo a lungo, si può sicuramente dire che è una forma dinamica, ma si potrebbe facilmente sostenere che vola verso sinistra o verso destra o persino verso il basso e verso di noi.

Il grande pezzo rosso al centro inferiore. È un piede? Definitivamente sembra così stabile e ancorato quanto il pezzo blu è dinamico.

Questo dipinto è una gemma per i suoi amanti. A prima vista, oscilla un po' e si muove, ma un attimo, si muove contro quella figura elastica nell'angolo in basso a destra.

Miró, un artista catalano nato a Barcellona nel 1893, ha definito il suo paesaggio onirico surrealista Peinture (Étoile Bleue) del 1927 un'immagine chiave, incorporando simboli che avrebbe utilizzato ripetutamente negli anni successivi, e persino il colore blu abrasivo influenzò pittori successivi, tra cui Mark Rothko e Yves. Klein.

No. 5 Composizione VII - Wassily Kandinsky

Il dipinto Composizione VII di Wassily Kandinsky è considerato da molti amanti dell'arte astratta, come l'opera d'arte più importante del XX secolo, forse persino il dipinto astratto più importante mai creato.

Quest'opera è una continuazione logica della Composizione V e Composizione VI . I tre dipinti sono uniti dal tema dell'Apocalisse. Elementi come il Diluvio e la Resurrezione della Composizione VI possono essere tracciati in quest'opera. Il suo tema principale è il giudizio finale, ma non è visto come un disastro ma come una liberazione, la transizione dal mondo materiale a quello spirituale. Pertanto, la Composizione VII si differenzia dalle altre opere della serie per i suoi colori chiari e le sue linee di contrasto scoppiettanti.

Kandinsky costruì ciascuna delle sue composizioni affinché lo spettatore potesse entrare nell'immagine come se vi girasse dentro. Fece in modo che il bordo inferiore della composizione fosse più pesante, spingendolo in avanti, mentre la parte superiore rimane più leggera e più distante per lo spettatore. Uno dei principali contrasti dell'artista, il blu e il giallo formano la zona centrale di movimento attivo verso dentro e verso fuori.

Kandinsky trascorse molti mesi preparando la sua Composizione VII, ma impiegò solo quattro giorni a dipingerla. L'artista realizzò circa 30 studi di questo dipinto. Alcuni di essi ricordano Caravaggio o Leonardo da Vinci con i loro studi dettagliati dei pieghe della stoffa, delle foglie degli alberi o degli arti umani. In questa serie alcune opere presentano ripetutamente la stessa linea curva, altre mostrano schematicamente gli elementi strutturali base della composizione e alcune contengono un piano dettagliato della composizione. Inoltre, ci sono circa 15 quadri diversi che sono correlati alla Composizione VII: si tratta di bozzetti a olio o a matita, acqueforti, dipinti su vetro e incisioni.

Gabrielle Munter, che fu testimone della creazione di questo dipinto, scrisse nel suo diario il 25 novembre 1913 che la tela per la Composizione VII fu consegnata a casa sua a Murnau, e Kandinsky si mise al lavoro quella stessa notte. La mattina dopo scattò la prima fotografia del quadro e dopo il pranzo scattò la seconda. L'entrata del 28 novembre nel diario di Munter diceva che il quadro era completo. Il 29 novembre scattò una foto dell'opera finita. Così si registrò la nascita di un grande capolavoro.

Composizione VII occupa il posto no. 100 nella nostra lista di dipinti famosi

No. 6 Composizione X - Kandinsky

Citato come uno dei primi campioni della pittura astratta, Wassily Kandinsky non fu solo un pittore russo, ma anche un teorico dell'arte. L'influenza che instigò e lasciò nel mondo dell'arte e nell'astrazione fu immensa poiché co-fondò il gruppo d'arte Phalanx e The New Group of Artists, organizzando mostre per i suoi contemporanei durante gli anni come artista. Produsse più di 600 opere durante la sua carriera, con un dipinto del 1913 che raggiunse il suo prezzo record d'asta di 41,6 milioni di dollari nel 2017.

Nonostante questo impressionante record, il suo lavoro più significativo fu forse Composizione X. Ultima nella sua vita di serie di 'Composizioni'. Con essa cercò di culminare la sua ricerca sulla purezza della forma e dell'espressione attraverso questo lavoro. Avendo utilizzato il colore nero con moderazione nella sua pratica fino a quel punto, è stato criticato per evocare sia il cosmo che l'oscurità del presagio che si avvicina alla fine della sua vita. 

Inizialmente, la creazione della Composizione X fu influenzata dalle forme biomorfiche del surrealismo.

Tuttavia, Wassily Kandinsky impiegò in seguito l'arte di usare forme organiche nei suoi dipinti. Questo è uno stile che poi usò in tutto il suo lavoro.

Lo stile conferì al suo lavoro la singolarità. Era facile e quasi impossibile non riconoscere i dipinti creati da Wassily Kandinsky quando venivano mostrati in mostre o altrove.

Inoltre, la Composizione X fu creata in Francia. Guardando il dipinto da vicino si nota che il pittore utilizzò uno sfondo nero. La ragione principale per utilizzare lo sfondo nero era affinché i colori del primo piano potessero essere visti chiaramente.

No. 7 Convergenza - Jackson Pollock

Convergenza —un dipinto in bianco e nero su cui Pollock lanciò colori primari— riflette la crisi della Guerra Fredda. È uno dei suoi capolavori, e potrebbe anche essere il dipinto più conosciuto di un espressionista astratto. Nel 1964, Springbok Editions produsse un puzzle del dipinto, che fu pubblicizzato come il "puzzle più difficile del mondo", e centinaia di migliaia di americani lo acquistarono.

Nel 1951, Pollock disse: “Mi sembra che il pittore moderno non possa esprimere la sua epoca, l'aereo, la bomba atomica, la radio, nelle vecchie forme del Rinascimento o qualsiasi altra cultura passata. Ogni epoca trova la propria tecnica.” Pollock trovò la sua tecnica nella pittura a getto e goccia, e la usò per esprimere il suo tempo.

Con una dimensione di 237 x 394 centimetri, Convergenza è una delle pitture più ambiziose di Pollock. È conosciuta per la sua brillantezza visiva e per evocare emozioni profonde nello spettatore. Sebbene le opere di Jackson rimangano difficili da decifrare anche per gli esperti d'arte, i suoi dipinti sono considerati manifestazioni della libertà di espressione. Convergenza, che è un esempio eccezionale in questo senso, rimane uno dei suoi capolavori più celebri.

No. 8 Elegia alla Repubblica Spagnola - Robert Motherwell

Sebbene Robert Motherwell avesse solo 21 anni quando scoppiò la Guerra Civile spagnola, le sue atrocità lo colpirono molto negli anni successivi. Questo lo portò a creare una serie di oltre 200 dipinti in risposta a essa. La serie 'Elegia alla Repubblica Spagnola' serve come una molteplicità di commemorazioni della sofferenza umana, così come "simboli astratti e poetici per il ciclo inesorabile della vita e della morte".

Riguardo le Elegie, Motherwell dichiarò che, “Dopo un periodo di pittura, scoprii il nero come uno dei miei temi, e con il nero, il bianco contrastante, un senso di vita e morte che per me è abbastanza spagnolo. Essenzialmente, sono il nero spagnolo della morte confrontato con il riverbero di una luce solare come Matisse.”

Le sue Elegie costituiscono una meditazione astratta estesa sulla vita e la morte. Nel corso della serie, le tele bianche orizzontali sono suddivise ritmicamente da due o tre barre verticali disegnate liberamente e punteggiate a vari intervalli da forme ovoidi. I dipinti sono spesso composti completamente in bianco e nero, i colori del lutto e del riverbero, della morte e della vita. Motherwell ha commentato sull'intreccio di queste forze come una metafora della sua comprensione dell'esperienza di essere vivi.

Elegia alla Repubblica spagnola descrive un maestoso passaggio dall'organico al geometrico, dall'accidentale al deliberato. Come altri espressionisti astratti, Motherwell si sentì attratto dal principio surrealista dell'automatismo —metodi che sfuggivano all'intenzione consapevole dell'artista— e il suo tocco ha una carica emotiva, ma all'interno di una struttura generale di certa severità. Infatti, Motherwell vedeva gli arrangiamenti attenti di colore e forma come il cuore dell'arte astratta, che, disse, "si spoglia di altre cose per intensificarla, i suoi ritmi, intervalli spaziali e struttura di colore".

No. 9 Iris Nero – Georgia O'Keeffe

Questo monumentale dipinto di fiori è uno dei primi capolavori di O'Keeffe. Ingigantendo i petali ben al di là delle proporzioni del naturale, costringe lo spettatore a osservare i piccoli dettagli che altrimenti potrebbero essere trascurati. Quando i dipinti di questo gruppo furono esibiti per la prima volta nel 1924, anche Alfred Stieglitz, suo marito e mercante, rimase colpito dalla sua audacia.

L'Iris Nero di Georgia O'Keeffe è un esempio di uno dei suoi molti lavori sul tema dei fiori e in particolare dell'iris, un fiore ricco di simbolismo. Tuttavia, in Iris Nero III, l'obiettivo di O'Keeffe non era riferirsi a questo simbolismo né aggiungerlo, ma piuttosto incoraggiare lo spettatore a guardare e vedere il fiore e considerare i diversi modi in cui le persone vedono. Si trasforma così in una profonda meditazione sull'arte di guardare, non solo all'arte ma alla vita. In questo articolo, Singulart analizza il simbolismo proiettato nella pittura di O'Keeffe, così come le sue intenzioni nel creare Iris Nero III.

Georgia O'Keeffe si occupò del tema della pittura di iris per molti anni, in particolare dell'iris nero, che era più difficile da trovare e disponibile solo per poche settimane all'anno a New York. L'iris è un simbolo familiare nel mondo occidentale: nella mitologia greca, la dea Iris personifica l'arcobaleno e la connessione tra cielo e terra; nel cristianesimo l'iris simboleggia la passione di Cristo e la resurrezione, così come la sofferenza di Maria. Da parte sua, Linda Nochlin, storica dell'arte, trasformò gli iris di O'Keeffe in un simbolo femminista descrivendoli come una “metafora morfologica” degli organi genitali femminili, riflettendo “l'unità del femminile e dell'ordine naturale”. La descrizione di Nochlin di Iris Nero III e delle altre pitture di iris di O'Keeffe le ancorò nella storia dell'arte e nella storia del femminismo e dell'arte femminista.

Tuttavia, O'Keeffe rifiutò questa descrizione, affermando che: “Nessuno vede un fiore, davvero, è così piccolo. Non abbiamo tempo, e vedere richiede tempo così come avere un amico richiede tempo. Se potessi dipingere il fiore esattamente come lo vedo, nessuno vedrebbe ciò che vedo perché lo dipingerei piccolo come il fiore è piccolo. Quindi mi sono detta: dipingerò ciò che vedo, ciò che il fiore è per me, ma lo dipingerò in grande e si sorprenderanno di prendersi il tempo per guardarlo, farò in modo che anche i newyorkesi occupati si prendano il tempo di vedere ciò che vedo dei fiori. Ti feci prendere il tempo per vedere quello che vedevo e quando ti prendesti il tempo per davvero notare il mio fiore, mettesti tutte le tue associazioni con i fiori nel mio fiore e scrivesti sul mio fiore come se io pensassi e vedessi ciò che tu pensi e vedi. il fiore, e io no.

No. 10 Scambio - William de Kooning

Nel 1955, Willem de Kooning completò l'opera Scambio. Si era concentrato a lungo su studi di figure che coinvolgevano donne iniziati nel 1948. Questi erano associati alla sua esposizione individuale nel 1953, dipinti sul tema della donna, che fu inaugurata a New York in quel momento. Alcuni titoli di queste opere includono Donna I, Donna III e Donna V, così come Due donne con natura morta.

Nel 1955, de Kooning aveva smesso di dipingere figure umane e continuava a utilizzare rappresentazioni astratte dell'architettura e delle comunità di New York.

Willem de Kooning utilizzò segni gestuali rapidi sulla tela. L'immagine mostra una donna seduta su una sedia, ma le donne appaiono solo come una massa di picco. Quando si trattava di nominare i suoi quadri, preferiva sempre un collegamento con l'area in cui viveva. Lo Scambio ottenne il nome dall'ambiente circostante, il centro di New York, il luogo in cui visse in quel periodo.

Originariamente il dipinto fu venduto dall'artista nel 1955 per 4.000 dollari.

Successivamente fu venduto dalla Fondazione David Geffen a Kenneth C. Griffin per 300 milioni di dollari nel settembre 2015, collocandolo al secondo posto nella lista dei dipinti più costosi, superato solo da Salvator Mundi di Leonardo da Vinci, che fu venduto per 450,3 milioni di dollari nel novembre 2017.

KUADROS ©, un dipinto famoso sulla tua parete.