5 Femmes Peintres Célèbres

Comme dans beaucoup d'autres domaines, historiquement, les femmes étaient découragées de poursuivre une carrière dans les arts. Cependant, de nombreuses artistes extraordinaires ont ignoré les règles sociales et ont persévéré.

Bien sûr, ces femmes seraient probablement agacées d'être incluses dans une liste de peintres féminines, préférant être reconnues comme des artistes en dehors de leur genre. Malheureusement, alors que les femmes continuent de lutter pour l'égalité dans tous les domaines, ces artistes exceptionnelles sont souvent mentionnées en fonction de leur genre.

Sans entrer dans la controverse, KUADROS a voulu rendre hommage à cette touche féminine dans l'histoire de l'art, en rappelant ces 5 virtuoses de l'art.

No. 1 Sofonisba Anguissola - 1532 – 1625

Sofonisba Anguissola, (née vers 1532, Crémone (Italie), décédée en novembre 1625, Palerme), peintre de la Renaissance tardive. Née dans une famille noble relativement pauvre, son père s'est assuré qu'elle et ses sœurs aient une éducation complète intégrant les beaux-arts. Cela comprenait des apprentissages avec des peintres locaux respectés.

Cela a établi un précédent pour les futures artistes féminines, qui jusqu'à ce moment-là apprenaient généralement seulement si un membre de la famille avait un atelier.

Le talent d'Anguissola a attiré l'attention de Michel-Ange, avec qui elle a eu un tutorat informel par échange de dessins. Bien que, en tant qu'artiste féminine, on ne lui ait pas permis d'étudier l'anatomie ou de pratiquer le dessin de modèles en raison de sa vulgarité perçue, elle a néanmoins réussi à avoir une carrière réussie.
Anguissola a expérimenté de nouveaux styles de portraits, établissant des sujets, souvent elle-même et sa famille, de manière informelle, ce qui était très inhabituel. Ses peintures ont donné aux spectateurs un aperçu de la vie quotidienne aristocratique.
Elle est devenue célèbre pour ce style et a reçu des commandes de toute l'Italie.

En 1558, elle était une peintre établie et à 26 ans, elle a quitté l'Italie après avoir reçu une invitation de Philippe II, roi d'Espagne, pour rejoindre la cour espagnole. Elle a servi à Madrid comme peintre de la cour et dame d'honneur de la reine Isabelle de Valois. Elle a gagné l'admiration de la jeune reine et a passé les années suivantes à peindre de nombreux portraits officiels de la cour. Pendant sa résidence de 14 ans, elle a guidé le développement artistique de la reine Isabelle et a influencé l'art réalisé par les filles de la reine. Une fois que la jeune reine est morte en 1568, Philippe II a décidé d'organiser le mariage d'Anguissola.

En 1571, elle épousa le noble sicilien Fabrizio Moncada Pignatelli, qui, disait-on, soutenait sa peinture.

Ce qui aurait été son 100ème anniversaire, son mari a gravé sa tombe avec un texte incluant cette dédicace : Sofonisba, ma femme, qui est enregistrée parmi les femmes illustres du monde, exceptionnellement douée pour représenter les images de l'homme. Orazio Lomellino, triste de la perte de son grand amour Orazio Lomellino, Inscription sur la tombe d'Anguissola. Le féminisme de la deuxième vague dans les années 1970 a vu redécouvrir l'importance d'Anguissola.

Son succès a ouvert des portes pour d'autres femmes, comme Lavinia Fontana et Artemisia Gentileschi, pour poursuivre des carrières professionnelles en tant qu'artistes.

Ses peintures sont connues pour capturer l'esprit et la vitalité de ses modèles et peuvent maintenant être trouvées dans des collections du monde entier.
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No. 2 Artemisia Gentileschi - 1593 – 1654 ou plus tard

Artemisia Gentileschi, (née le 8 juillet 1593, Rome, États pontificaux (Italie), décédée en 1652/53, Naples, Royaume de Naples), peintre italienne, fille d'Orazio Gentileschi, qui était un grand suiveur du peintre baroque révolutionnaire Caravage.

En tant que fille d'un peintre accompli, Artemisia Gentileschi a eu accès au monde de l'art dès son plus jeune âge. Au début, elle était dans l'atelier de son père à mélanger des peintures et il a soutenu sa carrière lorsqu'il a remarqué qu'elle était exceptionnellement talentueuse. En tant que peintre notable de la période baroque italienne, Artemisia Gentileschi n'a pas laissé son genre l'arrêter dans son sujet. Elle a peint des œuvres bibliques et mythologiques à grande échelle, tout comme ses homologues masculins et a été la première femme acceptée à la prestigieuse Académie des Beaux-Arts de Florence.

Son premier travail connu est Susanna Y Los Viejos (1610), un travail longtemps attribué à son père. Elle a également peint deux versions d'une scène déjà tentée par Caravage (mais jamais tentée par son père), Judith Décapitant A Holofernes (env. 1612–13 ; env. 1620). Elle a été violée par Tassi et, lorsque celui-ci n'a pas tenu sa promesse de l'épouser, Orazio Gentileschi l'a poursuivi en justice en 1612. Au cours de cet événement, elle-même a été contrainte de témoigner sous la torture.

Son héritage est parfois éclipsé par sa biographie, avec ses représentations sanglantes de Judith et Holofernes souvent interprétées à travers le prisme de sa viol. Cependant, son talent est indéniable et elle continue d'être reconnue pour sa représentation réaliste de la forme féminine, la profondeur de ses couleurs et son utilisation saisissante de la lumière et de l'ombre.

Artemisia est la peintre la plus célèbre du XVIIe siècle. Elle a travaillé à Rome, Florence, Venise, Naples et Londres, pour les plus hauts niveaux de la société européenne, y compris le Grand-duc de Toscane et Philippe IV d'Espagne.

À partir de 1630, elle s'est installée à Naples, où elle a dirigé un atelier couronné de succès jusqu'à sa mort. Elle a brièvement visité Londres en 1639, peut-être pour aider son père malade dans la peinture du plafond de la Maison de la Reine à Greenwich (maintenant à Marlborough House à Londres), mais elle est retournée à Naples l'année suivante. La date exacte de sa mort est inconnue, mais un document récemment découvert indique qu'elle vivait toujours à Naples en août 1654.
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No. 3 Judith Leyster - 1609 – 1660

Judith Leyster, (baptisée le 28 juillet 1609, Haarlem, Pays-Bas - enterrée le 10 février 1660, Heemstede, près d'Amsterdam), peintre néerlandaise, l'une des rares artistes féminines de l'époque à sortir de l'obscurité, en plus d'être un personnage éminent pendant l'âge d'or néerlandais. Typique des artistes néerlandais durant cette période. Elle a commencé à peindre très jeune, et à 24 ans, elle était devenue membre de la guilde des peintres de Haarlem. Son sujet englobait un éventail plus large que celui typique des peintres néerlandais de l'époque, et elle a été l'une des premières à exploiter la scène du genre domestique.

Leyster s'est spécialisée dans les peintures de genre, les natures mortes et les portraits. Les détails concernant sa formation artistique ne sont pas clairs.

Plus tard, elle a dirigé un atelier couronné de succès avec plusieurs apprentis masculins et était connue pour la nature décontractée et informelle de ses portraits.

Elle a peut-être travaillé dans l'atelier de Frans Hals ou, selon le poète Samuel Ampzing, a passé du temps avec le portraitiste Frans Pieterszoon de Grebber. Cependant, l'influence de Hals dans son travail est claire. Elle était également intéressée par le style tenebrist de l'école d'Utrecht. Elle a introduit des sources de lumière dans ses peintures. La plupart de ses œuvres datées ont été peintes entre 1629 et 1635. En 1636, elle épousa le peintre de genre Jan Miense Molenaer et déménagea avec lui à Amsterdam.

Bien qu'elle ait eu beaucoup de succès de son vivant, sa réputation a souffert après sa mort en raison de circonstances malheureuses. Toute son œuvre a été attribuée à son contemporain Frans Hals ou à son mari. Dans de nombreux cas, sa signature a été recouverte par des collectionneurs cherchant à réaliser des bénéfices en raison de la forte valeur marchande du travail de Frans Hals. Ce n'est qu'à la fin du XIXe siècle que ces erreurs furent découvertes et que les académiciens commencèrent à apprécier à nouveau le talent de Leyster en tant qu'artiste.
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No. 4 Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 – 1842

Élisabeth Vigée-Lebrun, de son nom complet Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, Lebrun aussi LeBrun ou Le Brun, (née le 16 avril 1755, Paris, France, morte le 30 mars 1842, Paris), peintre française, l'une des artistes féminines les plus réussies (de manière inhabituellement pour son époque), particulièrement remarquable pour ses portraits de femmes.

En tant que fille d'un peintre, elle a reçu des instructions précoces de son père et peignait des portraits professionnellement lorsqu'elle était adolescente. Sa grande opportunité professionnelle est arrivée lorsqu'elle a été nommée portraitiste de Marie-Antoinette. Les deux femmes sont devenues amies, et au cours des années suivantes, Vigée-Lebrun a peint plus de 20 portraits de Marie-Antoinette dans une grande variété de poses et de déguisements. Elle a également peint de nombreux autoportraits, dans le style de plusieurs artistes dont elle admirait le travail. En 1783, en raison de son amitié avec la reine, Vigée-Lebrun a été acceptée à contrecœur à l'Académie Royale.

Lorsque la Révolution a éclaté en 1789, elle a quitté la France et a vécu à l'étranger pendant 12 ans, voyageant à Rome, Naples, Vienne, Berlin, Saint-Pétersbourg et Moscou, peignant des portraits et jouant un rôle de leader dans la société. En 1801, elle est revenue à Paris, mais n'aimait pas la vie sociale parisienne sous Napoléon, elle est vite partie pour Londres, où elle a peint des portraits de la cour et de Lord Byron. Plus tard, elle est allée en Suisse (et a peint un portrait de Mme de Staël) et puis à nouveau (vers 1810) à Paris, où elle a continué à peindre jusqu'à sa mort. Vigée-Lebrun était une femme pleine d'esprit et de charme, et ses mémoires, Souvenirs de ma vie, fournissent un récit animé de sa vie. Elle était l'une des portraitistes les plus techniquement habiles de son époque, et ses images se distinguent par leur fraîcheur, leur charme et leur sensibilité de présentation. Pendant sa carrière, selon son propre compte, elle a peint 900 tableaux, dont environ 600 portraits et environ 200 paysages.

Ses peintures comblent le fossé entre le style théâtral rococo et la période néoclassique plus sobre. Elle a continué à connaître un succès constant dans sa carrière, même en exil après la Révolution française, car elle était une peintre favorite de l'aristocratie à travers l'Europe. Les assistants appréciaient sa capacité à les apaiser, ce qui a conduit à des portraits vifs et sans rigidité. La forme naturelle et décontractée de ses portraits était considérée comme révolutionnaire à une époque où le portrait exigeait souvent des représentations formelles des classes supérieures.
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No. 5 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Il s'agit peut-être de la peintre féminine la plus célèbre de toutes.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 juillet 1907 - Coyoacán, 13 juillet 1954)

L'artiste mexicaine Frida Kahlo est connue pour ses autoportraits, sa douleur et sa passion, ainsi que pour ses couleurs vives et audacieuses. Elle est célébrée au Mexique pour son attention à la culture mexicaine et indigène et par les féministes pour sa description de l'expérience et de la forme féminine.

Avec son travail profondément personnel et symbolique, elle est devenue l'une des artistes les plus célèbres du XXe siècle. Pendant une grande partie de sa carrière, elle a souvent été ignorée simplement comme l'épouse de Diego Rivera, mais l'appréciation de ses peintures n'a cessé de croître depuis les années 1970. Fier de son identité mexicaine, elle a souvent incorporé des symboles précolombiens dans ses peintures et est connue pour sa robe mexicaine colorée. Kahlo, qui a souffert de problèmes de santé tout au long de sa vie en raison d'un accident de bus dans sa jeunesse, a subi de multiples fractures de la colonne vertébrale, de la clavicule et des côtes, un pelvis broyé, un pied cassé et une épaule disloquée.

Elle a commencé à se concentrer sur la peinture alors qu'elle se remettait d'un plâtre sur le corps. Au cours de sa vie, elle a subi 30 opérations. L'expérience de la vie est un thème commun dans les quelque 200 peintures, esquisses et dessins de Kahlo. Sa douleur physique et émotionnelle est clairement visible sur les toiles, tout comme sa relation tumultueuse avec son mari, l'artiste Diego Rivera, qu'elle a épousé deux fois. Sur ses 143 peintures, 55 sont des autoportraits. La dévastation de son corps due à l'accident de bus est montrée en détail dans La colonne brisée. Kahlo se représente presque nue, divisée en deux, avec sa colonne vertébrale présentée comme une colonne décorative brisée. Sa peau est parsemée de clous. Elle est également équipée d'un appareil chirurgical.

Largement connue pour ses opinions marxistes, Frida, avec le marxiste révolutionnaire Che Guevara et un petit groupe de figures contemporaines, est devenue un symbole de la contre-culture du XXe siècle et a créé un héritage dans la peinture qui continue d'inspirer l'imagination et l'esprit.
Elle a vu sa carrière florissante interrompue par sa mort prématurée à l'âge de 47 ans. Son héritage perdure et continue d'être un icône de nombreux mouvements féministes et politiques.

KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.