Les 10 Peintures Abstraites Les Plus Célèbres

Dans Sans Titre - Première Aquarelle Abstraite, nous trouvons une belle explosion de couleur, comme dans la plupart de ses peintures, mais l'utilisation d'aquarelles au lieu d'huiles laisse une finition visiblement différente qui rend cette œuvre intéressante et assez unique de sa production en 1910. L'œuvre, de près, semble avoir été complétée rapidement, ce qui est typique de cette forme d'art, car la peinture sèche très rapidement. Il travaille aussi de manière expressive, sans se soucier trop de la précision, se concentrant davantage sur le choix des couleurs et remplissant la toile avec différentes formes et lignes. C'était vraiment abstrait et c'était quelque chose qui apparaissait de plus en plus au fur et à mesure qu'il avançait dans sa carrière, s'éloignant de plus en plus de la réalité dans les formes qu'il utilisait.

Kandinsky s'est spécialisé dans les huiles mais a travaillé avec des aquarelles de temps en temps. Il aurait trouvé ce médium facile à travailler et quelque chose qui convenait également bien aux pièces d'étude rapides, où il cherchait à comprendre le design pour une future pièce. Il a également utilisé des lithographies, des xylographies et des eaux-fortes à d'autres moments, en particulier dans les premières étapes de sa carrière où il était particulièrement expérimental.

En travaillant avec des aquarelles, Kandinsky a pu compléter cette peinture en seulement trois jours. Cependant, malgré sa précipitation, Kandinsky a réalisé plusieurs études pour cette œuvre d'art avant de commencer la composition finale. Ce qui a contribué à la rapidité que l'on peut interpréter dans Sans titre était son choix de couleur, car Kandinsky a habilement choisi des couleurs qu'il savait représenter fidèlement ses émotions à ce moment-là. Les lignes et formes dessinées ajoutent également et soulignent le chaos et l'urgence ressentis en regardant cette peinture.

L'abstraction se manifeste également clairement dans cette œuvre d'art à travers les lignes lâches et vagues représentées, ce qui a suscité un intérêt considérable parmi le monde artistique à l'époque. Sans Titre existe comme un important instigateur du mouvement de l'art abstrait, car c'était la première fois qu'une chose éloignée et débridée était acceptée comme un sujet approprié dans les œuvres d'art de l'époque. Sans Titre a marqué un point décisif dans l'art européen en tant qu'éloignement des œuvres d'art traditionnelles vers des pièces d'art plus abstraites et désinhibées.

La période entre 1910 et 1914 a été considérée comme le pic de la carrière de Kandinsky et le summum de ses plus grandes réalisations artistiques. Par conséquent, Sans titre existait comme l'une des premières œuvres d'art qui écartent ouvertement toutes les références à des formes reconnaissables et émergent des limitations imposées par les conventions de représentation de la peinture de l'Europe occidentale.

Cette notion de liberté totale est devenue une caractéristique centrale de la plupart des œuvres créées par Kandinsky durant cette période.

No. 2 Âge Adulte # 7 - Hilma AF Klint

Bien qu'elle ne soit pas aussi connue que de nombreux artistes masculins de son époque, l'artiste suédoise Hilma af Klint a été une pionnière de l'art abstrait dont les peintures radicales sont antérieures à de nombreux contemporains masculins. Elle a demandé que son œuvre majeure, dont la plupart n'a jamais été exposée de son vivant, reste cachée pendant 20 ans après sa mort.

La collection représente les étapes de la vie, y compris l'enfance, la jeunesse, la maturité et la vieillesse. Elles combinent des éléments botaniques et des objets organiques reconnaissables faisant référence à la naissance et à la croissance.

L’Âge Adulte No. 7 de Hilma Klint est une immense toile, mesurant 3 mètres de haut sur 2 mètres de large, peinte sur du papier, sur le sol de l'atelier, puis collée sur une toile.

Af Klint interprète l'âge adulte à pleine floraison en peignant plusieurs formes qui flottent librement dans différentes tailles et couleurs sur un fond lilas. Le symbole central jaune ressemble à une fleur, tandis que les spirales et les formes biomorphiques sont des symboles de croissance et de fertilité.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Complétée en 1922, la peinture Senecio est une manifestation de l'humour et de la culture africaine de Paul. Avec des couleurs et des formes simples, Paul utilise plusieurs tons d'orange, de rouge et de jaune pour révéler le portrait d'un vieil homme. L'utilisation artistique des formes donne l'impression trompeuse qu'un œil se lève. Son sourcil gauche est représenté par un triangle tandis que l'autre est formé par une simple ligne courbe. Le portrait est également appelé Tête d'un homme devenant sénile et imite intentionnellement les œuvres d'art d'enfants par l'utilisation de formes et de motifs ambiguës avec des détails faciaux minimes.

Cette adaptation du visage humain est divisée par couleur en rectangles. Les carrés géométriques plats sont maintenus à l'intérieur d'un cercle qui représente un visage masqué et montre le costume multicolore d'un arlequin. Un portrait de l'artiste interprète Senecio peut être vu comme un symbole de la relation changeante entre l'art, l'illusion et le monde du drame. Cette peinture illustre les principes de l'art de Klee, dans lesquels les éléments graphiques de ligne, de plans de couleur et d'espace sont mis en mouvement par une énergie de l'esprit de l'artiste. Dans ses gribouillis imaginatifs, il aimait, selon ses propres mots, "emporter une ligne en promenade".

No. 4 Étoile Bleue - Joan Miró

La peinture Étoile Bleue marque la transition de Miró entre l'art figuratif et l'abstrait.

Cette peinture est connue pour être l'une des œuvres les plus importantes de la carrière de Miro. En particulier, le bleu ardent utilisé peut être vu dans plusieurs de ses travaux futurs et a même influencé des peintres comme Mark Rothko et Yves Klein.

Étoile Bleue est une grande peinture, mais c'est une peinture de questions plus que de réponses.

Miró était le grand synthétiseur d'une époque de nombreuses idées diverses, un peu comme aujourd'hui, mais les idées artistiques de l'époque étaient beaucoup plus complexes que celles d'aujourd'hui.

La peinture mélange des couleurs fauviste, des formes cubistes et des intentions surréalistes dans une œuvre que le spectateur peut explorer visuellement encore et encore. Il y a tant de choses qui laissent de nombreuses questions dont les réponses sont aussi oniriques que l'œuvre.

Si vous observez la forme bleue dans le coin supérieur gauche. C'est un oiseau. C'est probablement le cas, mais quel oiseau, ce n'est pas clair. En l'observant un moment, on peut définitivement dire que c'est une forme dynamique, mais on peut également soutenir qu'elle vole à gauche, à droite ou même vers le bas et vers nous.

La grande pièce rouge au centre inférieur. Est-ce un pied ? Ça a l'air définitivement aussi stable et ancré que la pièce bleue est dynamique.

Cette peinture est un bijou pour ses amateurs. À première vue, elle tangue un peu et se déplace, mais un instant, elle se déplace contre cette figure élastique dans le coin inférieur droit.

Miró, un artiste catalan né à Barcelone en 1893, a décrit son paysage onirique surréaliste Peinture (Étoile Bleue) de 1927 comme une image clé, intégrant des symboles qu'il utiliserait de manière répétée dans les années suivantes, et même la couleur bleue ardente a influencé des peintres ultérieurs, y compris Mark Rothko et Yves. Klein.

No. 5. Composition VII - Wassily Kandinsky

La peinture Composition VII de Wassily Kandinsky est considérée par de nombreux amateurs d'art abstrait comme l'œuvre d'art la plus importante du XXe siècle, peut-être même la peinture abstraite la plus importante jamais créée.

Cette œuvre est une continuation logique de la Composition V et Composition VI . Les trois peintures sont liées par le thème de l'Apocalypse. Des éléments de la Composition VI tels que le Déluge et la Résurrection peuvent être retracés dans ce travail. Son thème principal est le jugement dernier, mais il n'est pas vu comme un désastre mais comme une libération, la transition du monde matériel à l'esprit. Par conséquent, la Composition VII se distingue des autres œuvres de la série par ses couleurs claires et ses lignes de contraste scintillantes.

Kandinsky a construit chacune de ses compositions de manière à ce que le spectateur puisse entrer dans l'image comme s'il tournait à l'intérieur. Il a rendu le bord inférieur de la composition plus lourd, le faisant avancer, tandis que la partie supérieure reste plus légère et plus distante pour le spectateur. L'un des principaux contrastes de l'artiste, le bleu et le jaune composent la zone centrale de mouvement actif vers l'intérieur et l'extérieur.

Kandinsky a passé de nombreux mois à préparer sa Composition VII, mais il ne lui a fallu que quatre jours pour la peindre. L'artiste a réalisé environ 30 études de cette peinture. Certaines d'entre elles rappellent Caravage ou Léonard de Vinci avec leurs études détaillées des plis des tissus, des feuilles d'arbres ou des membres humains. Dans cette série, certaines œuvres présentent à plusieurs reprises la même ligne courbe, d'autres montrent schématiquement les éléments structurels de base de la composition et certaines contiennent un plan détaillé de la composition. De plus, il y a environ 15 tableaux différents qui sont liés à la Composition VII : ce sont des croquis à l'huile ou au crayon, des aquarelles, des peintures sur verre et des gravures.

Gabrielle Munter, qui a été témoin de la création de cette peinture, a écrit dans son journal le 25 novembre 1913 que la toile pour la Composition VII avait été livrée chez elle à Murnau, et Kandinsky s'est mis à travailler cette même nuit. Le lendemain matin, il a pris la première photographie du tableau et, après le déjeuner, il a pris la seconde. L'entrée du 28 novembre dans le journal de Munter disait que le tableau était complet. Le 29 novembre, il a pris une photo de l'œuvre finie. Ainsi fut enregistré la naissance d'un grand chef-d'œuvre.

Composition VII occupe la place no. 100 dans notre liste de peintures célèbres

No. 6 Composition X - Kandinsky

Cité comme l'un des premiers champions de la peinture abstraite, Wassily Kandinsky était non seulement un peintre russe, mais aussi un théoricien de l'art. L'influence qu'il a exercée et laissée dans le monde de l'art et de l'abstraction a été immense, puisqu'il a cofondé le groupe d'art Phalanx et le New Group of Artists, organisant des expositions pour ses contemporains tout au long de ses années en tant qu'artiste. Il a produit plus de 600 œuvres au cours de sa carrière, avec une peinture de 1913 qui a atteint son prix record aux enchères de 41,6 millions de dollars en 2017.

Malgré ce bilan impressionnant, son travail le plus significatif était peut-être Composition X. Dernière de sa série de toute une vie de 'Compositions'. Avec cela, il cherchait à couronner ses recherches sur la pureté de la forme et l'expression à travers ce travail. Ayant utilisé la couleur noire avec modération dans sa pratique jusqu'à ce stade, il a été critiqué pour évoquer à la fois le cosmos et l'obscurité de l'augure qui approche la fin de sa vie.

Au départ, la création de la Composition X a été influencée par les formes biomorphiques du surréalisme.

Cependant, Wassily Kandinsky a ensuite employé l'art d'utiliser des formes organiques dans ses peintures. Ce style, il l'a ensuite utilisé tout au long de ses œuvres.

Le style a conféré à son travail une singularité. Il était facile et presque impossible de ne pas reconnaître les peintures créées par Wassily Kandinsky lorsqu'elles étaient exposées.

De plus, la Composition X a été créée en France. En regardant de près la peinture, on remarque que le peintre autilisé un fond noir. La raison principale d'utiliser le fond noir était de permettre aux couleurs au premier plan d'être clairement visibles.

No. 7 Convergence - Jackson Pollock

Convergence —une peinture en noir et blanc sur laquelle Pollock a lancé des couleurs primaires— reflète la crise de la Guerre froide. C'est l'un de ses chefs-d'œuvre, et pourrait également être la peinture la plus connue d'un expressionniste abstrait. En 1964, Springbok Editions a produit un puzzle de la peinture, qui a été promu comme le "puzzle le plus difficile du monde", et des centaines de milliers d'Américains l'ont acheté.

En 1951, Pollock a déclaré : “Je pense que le peintre moderne ne peut pas exprimer son époque, l'avion, la bombe atomique, la radio, dans les vieilles formes de la Renaissance ou toute autre culture passée. Chaque époque trouve sa propre technique.” Pollock a trouvé sa technique dans la peinture de maisons et les gouttes, et l'a utilisée pour exprimer son propre temps.

D'un format de 237 x 394 centimètres, Convergence est l'une des peintures les plus ambitieuses de Pollock. Elle est connue pour son éclat visuel et pour évoquer des émotions profondes chez le spectateur. Bien que les œuvres de Jackson restent difficiles à déchiffrer même pour les experts en art, ses peintures sont considérées comme des manifestations de la liberté d'expression. Convergence, qui est un exemple remarquable en ce sens, demeure l'un de ses chefs-d'œuvre les plus célèbres.

No. 8 Élégiques à la République espagnole - Robert Motherwell

Bien que Robert Motherwell n'ait eu que 21 ans lorsque la guerre civile espagnole éclata, ses atrocités l'ont beaucoup affecté dans les années suivantes. Cela l'a poussé à créer une série de plus de 200 peintures en réponse. La série 'Élégiques à la République espagnole' sert comme une multiplicité de commémorations de la souffrance humaine, ainsi que des "symboles abstraits et poétiques pour le cycle inexorable de la vie et de la mort".

À propos des Élégiques, Motherwell a déclaré : “Après un certain temps de peinture, j'ai découvert le noir comme l'un de mes thèmes, et avec le noir, le blanc contrasté, un sens de la vie et de la mort qui, pour moi, est assez espagnol. Ils sont essentiellement le noir espagnol de la mort contrasté avec la brillance d'une lumière solaire comme Matisse.”

Ses Élégiques constituent une méditation abstraite étendue sur la vie et la mort. Tout au long de la série, les toiles blanches horizontales sont rythmiquement divisées par deux ou trois barres verticales tracées librement et ponctuées à divers intervalles par des formes ovoïdes. Les peintures sont souvent composées uniquement de noir et de blanc, les couleurs du deuil et de l'éclat, de la mort et de la vie. Motherwell a commenté sur l'entrelacement de ces forces comme une métaphore de sa compréhension de l'expérience d'être vivant.

L'Élégiques à la République espagnole décrit un passage majestueux entre l'organique et le géométrique, l'accidentel et le délibéré. Comme d'autres expressionnistes abstraits, Motherwell a été attiré par le principe surréaliste de l'automatisme — des méthodes échappant à l'intention consciente de l'artiste — et son coup de pinceau a une charge émotionnelle, mais dans une structure générale d'une certaine sévérité. En effet, Motherwell voyait les arrangements soignés de couleur et de forme comme le cœur de l'art abstrait, qui, disait-il, "se dépouille d'autres éléments pour l'intensifier, ses rythmes, intervalles spatiaux et structure de couleur".

No. 9 Iris Noir – Georgia O'Keeffe

Cette peinture monumentale de fleurs est l'une des premières œuvres maîtresses d'O'Keeffe. En agrandissant les pétales bien au-delà des proportions naturelles, elle oblige le spectateur à observer les petits détails qui pourraient passer autrement inaperçus. Lorsque les peintures de ce groupe ont été exposées pour la première fois en 1924, même Alfred Stieglitz, son mari et marchand, a été surpris par son audace.

L'Iris Noir de Georgia O'Keeffe est un exemple de l'un de ses nombreux travaux sur le thème des fleurs et en particulier l'iris, une fleur riche en symbolisme. Cependant, dans Iris Noir III, l'objectif d'O'Keeffe n'était pas de faire référence à ce symbolisme ni de l'ajouter, mais plutôt d'encourager le spectateur à regarder et à voir la fleur et à considérer les différentes façons dont les gens perçoivent. Cela devient ainsi une profonde méditation sur l'art de regarder, non seulement l'art mais la vie. Dans cet article, Singulart analyse le symbolisme projeté dans la peinture d'O'Keeffe, ainsi que ses propres intentions en créant Iris Noir III.

Georgia O'Keeffe s'est préoccupée du thème de la peinture d'iris pendant de nombreuses années, en particulier l'iris noir, qui était plus difficile à trouver et n'était disponible que pendant quelques semaines par an à New York. L'iris est un symbole familier dans le monde occidental : dans la mythologie grecque, la déesse Iris incarne l'arc-en-ciel et la connexion entre le ciel et la terre ; dans le christianisme, l'iris symbolise la passion du Christ et la résurrection, ainsi que la souffrance de Marie. De son côté, Linda Nochlin, historienne de l'art, a transformé les iris d'O'Keeffe en un symbole féministe en les décrivant comme une “métaphore morphologique” des organes génitaux féminins, reflétant “l'unité du féminin et l'ordre naturel”. La description de Nochlin d'Iris Noir III et des autres peintures d'iris d'O'Keeffe les a ancrées dans l'histoire de l'art et l'histoire du féminisme et de l'art féministe.

Cependant, O'Keeffe a rejeté cette description, affirmant que : “Personne ne voit une fleur, vraiment, elle est si petite. Nous n'avons pas le temps, et voir prend du temps comme avoir un ami prend du temps. Si je pouvais peindre la fleur exactement comme je la vois, personne ne verrait ce que je vois parce que je la peindrais petite comme la fleur est petite. Alors je me suis dit : je peindrai ce que je vois, ce que la fleur est pour moi, mais je la peindrai en grand et ils seront surpris de prendre le temps de la regarder, je ferai en sorte que même les New-Yorkais occupés prennent le temps de voir ce que je vois des fleurs. J'ai fait en sorte que vous preniez le temps de regarder ce que j'ai vu et quand vous avez pris le temps de vraiment remarquer ma fleur, vous avez mis toutes vos propres associations avec les fleurs dans ma fleur et vous avez écrit sur ma fleur comme si je pensais et voyais ce que vous pensez et voyez. la fleur, et moi non.

No. 10 Échange - William de Kooning

En 1955, Willem de Kooning a complété l'œuvre Échange. Il avait consacré beaucoup de temps à retravailler des études de figures impliquant des femmes commencées en 1948. Celles-ci étaient associées à son exposition individuelle en 1953, des peintures sur le thème de la femme, qui ont été inaugurées à New York à l'époque. Certains titres de ces œuvres incluent Femme I, Femme III et Femme V, ainsi que Deux femmes avec nature morte.

Pour 1955, de Kooning avait cessé de peindre des figures humaines et continuait à utiliser des représentations abstraites de l'architecture et des communautés de New York.

Willem de Kooning a utilisé des marques gestuelles rapides sur la toile. L'image montre une femme assise sur une chaise, mais les femmes apparaissent seulement comme une masse de bec. En ce qui concerne le nom de ses tableaux, il a toujours préféré un lien avec la zone où il vivait. L'Échange a été nommé d'après les environs, le centre de New York, l'endroit où il a vécu à l'époque.

À l'origine, la peinture a été vendue par l'artiste en 1955 pour 4 000 $.

Elle fut ensuite vendue par la Fondation David Geffen à Kenneth C. Griffin pour 300 millions de dollars en septembre 2015, la plaçant au deuxième rang de la liste des peintures les plus chères, juste derrière Salvator Mundi de Léonard de Vinci, qui a été vendu pour 450,3 millions de dollars en novembre 2017.

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