L'histoire derrière les 10 peintures religieuses les plus célèbres de l'art occidental

Au cours des siècles, l'art chrétien a présenté de nombreux types de peinture différents, exécutés dans un large éventail de médias.

L'art religieux utilise des questions et des motivations religieuses qui ont généralement un récit moral reconnaissable ou essaient d'induire de fortes émotions spirituelles dans le spectateur. Dans le monde occidental, l'art religieux peut être défini comme toute œuvre d'art qui a un thème chrétien. La peinture religieuse occidentale est dominée par des scènes de l'Ancien Testament et de la vie de Jésus-Christ.

Parmi les thèmes les plus représentés figurent les représentations de la Vierge Marie avec l'enfant Jésus et le Christ sur la croix. Beaucoup des peintures religieuses les plus célèbres ont été créées pendant la Renaissance, un mouvement culturel influent originaire d'Italie.

Les trois grands maîtres de la Renaissance Leonardo da Vinci, Miguel Ángel et Rafael apparaissent plusieurs fois sur cette liste. Kuadros Il vous apporte les 10 peintures religieuses les plus célèbres.

No.1 La création d'Adam - Miguel Ángel (1512)

La section la plus célèbre du toit de la chapelle Sixtine est la création d'Adam de Miguel Ángel. Cette scène est située à côté de la création d'Eva, qui est le panneau au centre de la salle, et la congrégation des eaux, qui est plus proche de l'autel.

L'œuvre réalisée par Miguel Ángel, est la pierre angulaire de l'art de la Renaissance. La peinture illustre le récit biblique de la création du Livre de Genèse dans lequel Dieu insuffle la vie à Adam, le premier homme.

La création d'Adam diffère des scènes de création typiques peintes jusqu'à présent. Ici, deux figures dominent la scène: Dieu à droite et Adam à gauche. Dieu est montré dans une forme de nébuleuse flottante composée de rideaux et d'autres figures. La forme est basée sur des anges qui volent sans ailes, mais dont le vol est clairement vu par les rideaux qui poussent sous eux. Dieu est représenté comme un vieil homme, mais musclé, avec des cheveux gris et une longue barbe qui réagit au mouvement vers l'avant du vol. C'est loin des images impériales de Dieu qui avaient autrement créé en Occident et remontent à l'heure de l'antiquité tardive. Au lieu d'utiliser de vrais vêtements et représenté comme un souverain tout-puissant, il n'utilise qu'une robe légère qui laisse une grande partie de ses bras et des jambes exposés. On pourrait dire que c'est un portrait de Dieu beaucoup plus intime parce qu'il est montré dans un état non intouchable et loin de l'homme, mais accessible à lui.

Contrairement à la figure de Dieu, qui est étendue et élevée, Adam est représenté comme une figure paresseuse qui répond indifféremment à la touche imminente de Dieu. Cette touche donnera non seulement vie à Adam, mais donnera vie à toute l'humanité. C'est donc la naissance de la race humaine. Le corps d'Adam prend une forme concave qui fait écho à la forme du corps de Dieu, qui est dans une posture convexe dans la nébuleuse et la forme flottante. Cette correspondance d'une manière avec l'autre semble souligner l'idée plus large que l'homme correspond à Dieu; Autrement dit, cela semble refléter l'idée que l'homme a été créé dans l'image et la ressemblance de Dieu, une idée à laquelle Michel-Ange devait être familier.

La peinture a été beaucoup analysée et, entre autres, il a été découvert que les bords de la peinture sont en corrélation avec les rainures de la surface interne et externe du cerveau, du tronc cérébral, de l'artère basilaire, de la glande pituite et de la glande et de la glande pituite et de la glande pituite et de la glande pituite et de la glande pituite et de la glande et de l'hypophyse et de la glande pituite et de la glande et de l'hypophyse et de la glande pituite et de la glande pituite et de la glande pituite et de la glande pituite et de l'hypophyse et de la glande pituite et de la glande pituite et de la glande pituite et de l'hypophyse et de l'hypophyse et de la glande pituite et de la glande pituite et de l'hypophyse et de l'hypophyse et de l'hypophyse chiasma optique. La main de Dieu ne touche pas Adam, mais Adam est déjà vivant comme si l'étincelle de la vie était transmise par une fente synaptique. Sous le bras droit de Dieu, il y a un triste ange dans un domaine du cerveau qui est parfois activé dans les explorations d'animaux de compagnie (tomographies) lorsque quelqu'un éprouve une triste pensée. Dieu chevauche le système limbique, le centre émotionnel du cerveau et peut-être le homologue anatomique de l'âme humaine. Le bras droit de Dieu s'étend au cortex préfrontal, la région du cerveau la plus créative et la plus unique humaine; Le tissu rouge entourant Dieu a la forme d'un utérus humain; Et on pense que l'écharpe verte est un cordon ombilical nouvellement coupé. La création d'Adam est peut-être la peinture la plus connue après Mona Lisa; Et avec le dernier dîner, c'est la peinture religieuse la plus reproduite de tous les temps. L'image des mains presque touchées de Dieu et Adam est devenue une icône de l'humanité et a été imitée et parodiée d'innombrables fois.

Le toit de la chapelle Sixtine a subi les effets néfastes de siècles de fumée qui avaient considérablement provoqué le toit. Ce n'est qu'en 1977 que le nettoyage du plafond a commencé. Le nettoyage a été incroyable après son achèvement en 1989; Ce qui était auparavant sombre et monotone est devenu vivant. Le changement dans le nettoyage antérieur du nettoyage ultérieur était si grand que certains ont initialement refusé de croire que Miguel Ángel a peint. Aujourd'hui, nous comprenons beaucoup mieux la palette colorée de Michelangelo et le monde qu'il a peint, magnifiquement capturé sur le toit de la chapelle Sixtine.

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 No.2 The Last Supper - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Dernière souper, ou le Cenacolo italien, l'une des œuvres d'art les plus célèbres, peintes par Leonardo da Vinci probablement entre 1495 et 1498 pour le monastère dominicain Santa Maria delle Grazie à Milan.

Cette célèbre peinture représente la scène dramatique décrite dans plusieurs instants étroitement liés dans les Évangiles, dont Matthieu 26: 21-28, dans lequel Jésus déclare que l'un des apôtres le trahira puis instituera l'Eucharistie. Selon la conviction de Leonardo que la position, le geste et l'expression doivent manifester les "notions de l'esprit", chacun des 12 disciples réagit de telle manière que Leonardo considérait comme suffisant pour la personnalité des apôtres. Le résultat est une étude complexe de diverses émotions humaines, exprimées dans une composition trompeusement simple.

Leonardo n'avait pas travaillé dans une si grande peinture et n'avait aucune expérience dans la fresque standard de la fresque. La peinture a été réalisée en utilisant des pigments expérimentaux directement sur la paroi sèche en plâtre et, contrairement aux fresques, où les pigments sont mélangés avec le plâtre humide, le passage du temps n'a pas bien résisté. Même avant sa fin, il y avait des problèmes avec la peinture Damer du mur et Leonardo a dû le réparer. Au fil des ans, il s'est effondré, il a fait l'objet de vandalisme, bombardé et restauré. Aujourd'hui, nous voyons probablement très peu de la peinture originale.

Le thème de la dernière souper est la nourriture finale du Christ avec ses apôtres avant que Judas identifie le Christ devant les autorités qui l'arrêtent. La dernière souper (on pense qu'il correspond au Seder des Pâques juives), il est rappelé pour deux événements: Christ dit à ses apôtres "l'un d'entre vous me trahira", et les apôtres réagissent, chacun selon leur personnalité. Se référant aux Évangiles, Leonardo représente Felipe demandant "Seigneur, c'est moi?" Christ répond: "Celui qui met sa main avec moi dans l'assiette me donnera" (Matthieu 26). Nous voyons Christ et Judas se répandre simultanément vers un plat qui fait partie, même lorsque Judas revient à la défensive. Leonardo représente également simultanément le Christ bénissant le pain et disant aux apôtres «prendre, manger; C'est mon corps "et bénir le vin et dire" boire tout; Parce que c'est mon sang du pacte, qui est versé pour le pardon des péchés »(Matthieu 26). Ces mots sont le moment fondateur du sacrement de l'Eucharistie (la transformation miraculeuse du pain et du vin dans le corps et le sang du Christ).

La composition équilibrée est ancrée par un triangle équilatéral formé par le corps du Christ. Il est assis sous un fronton cintré qui, s'il est terminé, tire un cercle. Ces formes géométriques idéales se réfèrent à l'intérêt de la Renaissance pour le néoplatonisme (un élément de la renaissance humaniste qui réconcilie les aspects de la philosophie grecque avec la théologie chrétienne). Dans son allégorie, "La Cueva", le philosophe grec Platon a souligné l'imperfection du royaume terrestre. La géométrie, utilisée par les Grecs pour exprimer la perfection céleste, a été utilisée par Leonardo pour célébrer le Christ comme l'incarnation du ciel sur terre. Leonardo a dessiné un paysage vert au-delà des fenêtres. Souvent interprété comme un paradis, il a été suggéré que ce sanctuaire céleste ne peut être réalisé que par le Christ. Les douze apôtres sont organisés en quatre groupes de trois et il y a aussi trois fenêtres. Le numéro trois est souvent une référence à la Sainte Trinité dans l'art catholique. En revanche, le numéro quatre est important dans la tradition classique (par exemple, les quatre vertus de Platon).

Depuis le dernier dîner terminé, lorsqu'il a été déclaré chef-d'œuvre, la murale a gagné les éloges d'artistes tels que Rembrandt Van Rijn et Peter Paul Rubens et des écrivains tels que Johann Wolfgang von Goethe et Mary Wollstonecraft Shelley. Il a également inspiré d'innombrables reproductions, interprétations, théories du complot et travaux de fiction. L'état délicat du dernier dîner n'a pas diminué l'attractivité de la peinture; Au lieu de cela, il fait partie de l'héritage de l'œuvre d'art. 

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No.3 Le retour du fils prodigue - Rembrandt (1669)

Dans la parabole du fils prodigue, un père a deux enfants; Le plus jeune demande son héritage, gaspillé sa fortune et rentre chez lui après être resté dans la misère. Il a l'intention de supplier son père de faire de lui l'un de ses serviteurs, mais le père, en revanche, célèbre son retour. Lorsque son fils aîné s'oppose, le père lui dit qu'ils célèbrent parce que son frère, qui avait été perdu, a maintenant repris le sens.

Le dernier mot de Rembrandt se produit dans sa peinture monumentale du retour du fils prodigue. Ici, il interprète l'idée chrétienne de la miséricorde avec une solennité extraordinaire, comme si c'était sa volonté spirituelle au monde. Il va au-delà des œuvres de tous les autres artistes baroques dans l'évocation de l'humour religieux et de la sympathie humaine. Le pouvoir du réalisme de l'artiste âgé ne diminue pas, mais augmente avec la perception psychologique et la conscience spirituelle. L'éclairage et la couleur expressive et la suggestion magique de sa technique, ainsi qu'une simplicité sélective de réglage, nous aident à ressentir tout l'impact de l'événement.

Le groupe principal du père et du fils prodigue se démarque en lumière contre une énorme surface sombre. Les manches de l'Elder, qui sont teints, sont teints avec l'olive doré; La couleur ocre combinée avec un rouge écarlate intense dans le manteau du père forme une harmonie coloriste inoubliable. L'observateur se réveille au sentiment d'un événement extraordinaire. Le fils, ruiné et dégoûtant, avec une tête chauve et l'apparition d'un paria, revient chez son père après de longues aventures et de nombreuses vicissitudes. Il a gaspillé son héritage à l'étranger et s'est enfoncé dans l'état de Vagabund.

Son vieux père, vêtu de vêtements riches, comme les figures assistantes, s'est précipité pour le recevoir à la porte et reçoit le fils perdu avec le plus grand amour paternel. L'événement est dépourvu de toute émotion violente momentanée, mais s'élève à un calme solennel qui prête aux chiffres certaines des qualités des statues et donne aux émotions un caractère durable, qui n'est plus soumis à des changements dans le temps. Inoubliable est l'image du pécheur repentant soutenu par la poitrine de son père et le vieux père à la mode sur son fils. Les traits du père parlent d'une bonté sublime et d'août; Il en va de même pour leurs mains étendues, non libres de la rigidité de la vieillesse. L'ensemble représente un symbole de chaque retour chez lui, de l'obscurité de l'existence humaine illuminée par la tendresse, de l'humanité fatiguée et pécheresse qui prend refuge dans le refuge de la miséricorde de Dieu.

Le message inhérent que ce célèbre peinture transmet est clair. Dieu pardonnera toujours un pécheur repentant, quoi qu'il arrive.

L'iconoclasie religieuse qui s'est produite après la libération des Pays-Bas du joug colonial de l'Espagne et de l'Église catholique, a converti les églises calvinistes en coquilles nues, dédiées au culte, à la prêche et à la prière. Les autorités néerlandaises n'avaient aucune envie de décorer leurs lieux de culte avec des retables, des altas, des arts religieux frais ou tout autre type pour parler.

D'un autre côté, la Hollande est devenue célèbre pour le réalisme néerlandais, un type de style de peinture et un petit portrait de genre à l'échelle, détaillé et très réaliste, dont beaucoup contenaient des messages moralistes de divers types.

Un troisième type d'art dans lequel les artistes réalistes néerlandais se démarquaient a été la peinture d'une nature morte (en particulier la peinture de Vanitas), qui contenait également un message moral, parfois religieux. C'était le plus proche que de nombreux Néerlandais sont venus dans «l'art protestant».

Par conséquent, il est encore plus surprenant qu'un peintre protestant néerlandais comme Rembrandt devienne un interprète aussi perspicace des scènes bibliques.

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No.4 Les mariages de Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Le thème de cette célèbre peinture est basé sur l'histoire biblique racontée dans l'Évangile de Saint-Jean (Jean 2: 1-11), sur un mariage tenu à Cana, Galilea, à laquelle Marie, Jésus et ses disciples. Vers la fin de la fête de mariage, lorsque le vin commence à s'épuiser, Jésus demande que les pots en pierre soient remplis d'eau, ce que l'enseignant se transforme alors en vin. Cet épisode, le premier des sept signes de l'Évangile de Jean qui atteste de la condition divine de Jésus, est un précurseur de l'Eucharistie.

Cana's Weddings (ou le banquet de mariage de Cana) de Paolo Veronese est une huile sur toile qui a été peinte en 1563 pour le monastère bénédictin de San Giorgio Maggiore à Venise. Veronese a transposé l'histoire biblique à l'étape la plus moderne d'un mariage vénitien généralement extravagant.
Le mariage de Cana combine des éléments de plusieurs styles différents, s'adaptant à la composition le dissege de la haute Renaissance - illustré par les œuvres de Leonardo, Rafael et Miguel Ángel. À cela, une ou deux caractéristiques de maniérisme, ainsi qu'une quantité de caractéristiques allégoriques et symboliques.

Le contenu de la peinture consiste également en un mélange complexe du sacré et du profane, religieux et laïque, théâtral et banal, européen et oriental. Représenté dans le grand style de la société vénitien contemporaine, le banquet se déroule à l'intérieur d'un patio flanqué de colonnes doriques et corinthiennes et bordée d'une balustrade basse. Au loin, vous pouvez voir une tour potivée, conçue par l'architecte né à Padoue Andrea Palladio. Au premier plan, un groupe de musiciens touche plusieurs lutés et instruments à cordes. Les figures musicales incluent les quatre grands peintres de Venise: Véronais lui-même (vêtu de blanc, jouant le Viola da Gamba), Jacopo Bassano (en flûte), Tintoretto (violon) et Tiziano (habillé en rouge, touchant le violoncelle).

Les convives sur la table nuptiale, tous les attendant, ainsi qu'une variété déconcertante de membres de la royauté, de nobles, de fonctionnaires, d'employés, de serviteurs et d'autres, représentant un échantillon représentatif de la société vénitienne et s'habille de diverses manières avec biblique, vénitien ou oriental et des costumes ornés ornés de coiffures somptueuses et d'articles de bijoutiers. De nombreuses figures historiques apparaissent dans les mariages de Cana, notamment: l'empereur Carlos V, Leonor de Austria, Francisco I of France, María I of England, Solimán le Magnificent, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole et Sokollu Mehmet. Au total, dans cette célèbre peinture ridicule, environ 130 figures uniques sont représentées.

Dans l'œuvre, les symboles religieux de la passion sont inclus avec des navires en argent luxueux du XVIe siècle. Les meubles, le confortable, la cruche et les lunettes de verre et les vases révèlent la fête dans toute sa splendeur. Chaque invité de la table a un endroit individuel, avec une serviette, une fourche et un couteau. Dans cette duplication de sens, aucun détail échappe à l'œil de l'artiste.
Le peintre a sélectionné des pigments chers importés de l'est par les marchands vénitiens: le jaune orange, les rouges intenses et les lapislázuli sont largement utilisés dans les rideaux et dans le ciel. Ces couleurs jouent un rôle important dans la lisibilité de la peinture; Ils contribuent, à leurs contrastes, à l'individualisation de chacune des figures.

Remarque: Bien que de nombreuses chiffres de l'image interagissent les uns avec les autres, aucun d'entre eux ne parle vraiment. Il s'agit de respecter le code de silence observé par tous les moines bénédictins du réfectoire où l'image allait être suspendue.

La fête de mariage de Cana contient beaucoup de symbolisme. L'œuvre entière, par exemple, symbolise l'interaction entre le plaisir terrestre et la mortalité terrestre. Derrière la balustrade, sur la figure de Jésus, un animal est sacrifié, en allusion au sacrifice suivant de Jésus, comme l'Agneau de Dieu, une référence qui s'appuie sur le chien qui mâche un os au pied de la peinture. Pendant ce temps, à gauche de Jésus, la Vierge Marie Ahueca ses mains pour représenter un verre qui contiendra le nouveau vin de l'humanité, c'est-à-dire le sang du Christ. De plus, devant les musiciens, il y a une montre de sable, une référence standard à la transitoire des plaisirs terrestres, y compris la vanité humaine.

Les bénédictines du monastère de San Giorgio Maggiore de Venice ont commandé cette immense image en 1562 pour décorer leur nouveau réfectoire. Le contrat qui a commis des Véronés dans la réalisation du banquet de mariage était extrêmement précis. Les moines ont insisté pour que l'œuvre soit monumentale, afin de remplir la paroi entière du réfectoire. Accroché à une hauteur de 2,5 mètres du sol, il a été conçu pour créer une illusion d'espace prolongé. Ce travail de 70 m² a occupé des Véronés pendant 15 mois, très probablement avec l'aide de son frère Benedetto Caliari. La commission a été un tournant dans la carrière de Veronese; Après le succès de la peinture, d'autres communautés religieuses pleureraient pour une œuvre similaire dans leurs propres monastères. Malgré ses dimensions exceptionnelles, le tableau a été confisqué, inscrit et envoyé à Paris par les troupes de Napoléon en 1797.

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 No.5 The Athènes School - Rafael (1509-1511)

Des millions d'yeux se sont émerveillés par la rencontre éternelle d'anciens philosophes et mathématiciens, hommes d'État et astronomes que Rafel imagine brillamment dans sa célèbre fresque.

En particulier, la fresque de Rafael, l'école d'Athènes est venue symboliser l'union de l'art, de la philosophie et de la science qui était un sceau distinctif de la renaissance italienne. Peint entre 1509 et 1511, il est situé dans la première des quatre pièces conçues par Rafael, la strophe della Segnatura. À cette époque, une commission du pape était la pointe de la carrière de tout artiste. Pour Rafel, c'était la validation d'une carrière déjà florissante.

Rafael a été à la hauteur du défi, créant un vaste catalogue de croquis préparatoires pour toutes ses fresques. Ceux-ci seraient ensuite étendus à de grands caricatures à l'échelle pour aider à transférer la conception dans le plâtre humide. Travaillant en même temps que Miguel Ángel sur le toit de la chapelle Sixtine, on pense que cela a aidé à stimuler et à inspirer Rafael en stimulant sa nature compétitive.

Rafel a apporté l'idée à un niveau complètement nouveau avec des compositions de masse qui reflétaient la philosophie, la théologie, la littérature et la jurisprudence. Lisez dans son ensemble, ils ont immédiatement transmis l'intellect du pape et auraient provoqué une discussion entre les esprits instruits qui ont eu la chance de pénétrer dans cet espace privé. L'école d'Athènes était la troisième image que Rafael a achevée après le différend (qui représente la théologie) et le parnasse (qui représente la littérature). Il est placé contre le différend et symbolise la philosophie, établissant un contraste entre les croyances religieuses et laïques.

Situé dans une immense illusion architecturale, l'école Athènes est un chef-d'œuvre qui représente visuellement un concept intellectuel. Dans une peinture, Rafael a utilisé des groupes de figures pour présenter une leçon complexe sur l'histoire de la philosophie et les différentes croyances développées par les grands philosophes grecs. Rafael aurait certainement été au courant des expositions privées de la chapelle Sixtine à Progreso qui ont été organisées par Bramante.

Qui sont les chiffres de l'école d'Athènes?
Les deux penseurs du centre lui-même, Aristote, à droite et Platon, à gauche, pointant vers le haut, ont été très importants pour la pensée occidentale en général. De différentes manières, leurs différentes philosophies ont été intégrées au christianisme.

À gauche de Platon, Socrate est reconnaissable grâce à ses caractéristiques distinctives. On dit que Raphael pourrait utiliser un vieux portrait de buste du philosophe comme guide. Il est également identifié par le geste de sa main, comme le souligne Giorgio Vasari dans la vie des artistes.

Au premier plan, Pythagore se trouve avec un livre et un encrier, également entouré d'étudiants. Bien que Pythagore soit bien connu pour ses découvertes mathématiques et scientifiques, elle croyait également fermement en la métitempyose.
Reflétant la position de Pythagore de l'autre côté, Euclid est enclin à démontrer quelque chose avec une boussole. Leurs jeunes étudiants essaient de capturer les leçons qu'ils enseignent.

Le grand mathématicien et astronome Ptolémée est juste à côté d'Euclid, le dos au spectateur. Avec une robe jaune, il tient un ballon de terrain à la main. On pense que l'homme barbu s'est arrêté devant lui en tenant un ballon céleste est l'astronome de Zoroastro. Fait intéressant, le jeune se tenant à côté de Zoroaster, regardant le spectateur, n'est autre que Raphael lui-même. L'incorporation de ce type d'auto-portrait n'est pas quelque chose de inconnu à l'époque, bien que ce soit un mouvement audacieux pour l'artiste d'incorporer sa similitude avec une œuvre d'une telle complexité intellectuelle.

Il est universellement admis que le seigneur plus âgé mensonge sur les marches est Diogène. Le fondateur de la philosophie cynique, était une figure controversée en son temps, vivant une vie simple et critiquant les conventions culturelles.
L'une des figures les plus frappantes de la composition est un homme réfléchi assis au premier plan, avec sa main dans la tête dans une position classique de «penseur».

Dans le domaine des philosophes, il est Heraclitus, un pionnier de la sagesse de soi. Il était un personnage mélancolique et n'a pas apprécié la compagnie des autres, ce qui a fait de lui l'un des rares personnages isolés de la fresque.

En terminant le programme de Rafael, deux grandes statues se trouvent dans des niches à l'arrière de l'école. À droite de Platon, nous voyons Apollo, tandis que à gauche d'Aristote se trouve Minerva. Minerva, la déesse de la sagesse et de la justice, est un représentant adéquat du côté de la philosophie morale de la fresque. Fait intéressant, sa position le rapproche également de la fresque de Rafael sur la jurisprudence, qui se développe directement à sa gauche.

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Transfiguration n ° 6 - Rafael (1520)

 

En 1517 par le cardinal Giulio de 'Medici (1478-1534) (de la famille Florentine Medici), qui deviendrait bientôt le pape Clemente VII (1523-34), en tant que retable La résurrection de Lázaro de Sebastiano del Piombo) dont il était archevêque, cette célèbre œuvre d'art religieux n'a pas été finie par Rafael à sa mort en 1520, et a été achevée par ses assistants Giulio Romano (1499-1546) et Giovanni Francesco Penni (1496 - 1536).

Après tout, le cardinal a conservé la peinture à Rome et, en accédant à la papauté en 1523, il l'a donnée à l'église de San Pietro à Montorio, Rome. En 1774, le nouveau pape Pie VI (1775-99) a ordonné une copie en mosaïque et l'installer dans la basilique de San Pedro. La peinture elle-même a été pillée par Napoléon en 1797 et emmenée à Paris, d'où elle a été rapatriée en 1815.

Ce travail indique deux événements bibliques sans rapport. Ci-dessus est l'histoire de la transfiguration du Christ. Dans la partie inférieure se trouve l'histoire d'un jeune homme possédé par un démon.

Jésus montre au sommet du mont Tabor (Israël) avec une robe blanche comme la neige brillante et à côté de lui les prophètes Moïse à droite et Élie à gauche. Les nuages ​​derrière Jésus sont illuminés. Jésus lève les bras et regarde vers Dieu.

Sous Jésus se trouvent trois de ses disciples, de gauche à droite, Santiago, Pedro et John. Ils couvrent leur visage avec leurs mains parce que le paradis est trop brillant pour ses yeux. Les deux chiffres de gauche sont probablement Justus et Pastor. Ce sont deux martyrs chrétiens auxquels l'église est dédiée dans laquelle la peinture était initialement destinée à placer.

Ci-dessous, vous pouvez voir les neuf disciples de Jésus qui ne sont pas allés à la montagne positionnés sur le côté gauche. Ils essaient de guérir un jeune homme possédé par un mauvais esprit. La figure de la tunique bleue en bas à gauche est probablement Mateo. Consultez un livre mais ne trouvez pas la solution pour guérir le jeune homme. Le jeune disciple de la tunique jaune est Felipe. À droite de Felipe, avec la robe rouge, il y a Andrés. L'homme derrière Andrés, pointant vers l'enfant malade, est Judas Tadeo, et l'homme le plus âgé à sa gauche est Simon. L'homme à l'extrême gauche est probablement Judas Iscariot. Les disciples ne peuvent pas guérir le jeune homme. Cela peut expliquer pourquoi le disciple rouge pointe Jésus au sommet de la montagne. Le jeune homme malade à droite a un tissu bleu enroulé autour de sa taille et a l'air très pâle tout en faisant un geste sauvage. Vous pouvez voir que vos yeux ressemblent dans différentes directions. L'homme derrière lui avec la robe verte est son père qui le tient et regarde les disciples d'espoir et de peur en même temps. Devant le jeune homme, deux femmes regardent les disciples tout en pointant le jeune homme.

Les deux histoires sont décrites dans Matthieu 17, Marcos 9 et Luc 9. L'histoire de la Bible décrit comment Jésus se transfigure en une gloire rayonnante lorsqu'il prie avec trois de ses disciples dans une montagne. Jésus parle avec Moïse et Elie et écoute également la voix de Dieu. La fête de la transfiguration est toujours célébrée dans de nombreuses églises, soit le 6 ou le 19 août.

Les dimensions de la transfiguration sont 403x276 CMS. Rafael a préféré peindre sur toile, mais cette peinture a été faite avec des peintures à l'huile sur bois comme support choisi. Rafael a en fait montré un maniérisme et des techniques avancées de la période baroque dans ce tableau. Les poses stylisées et torsadées des figures de la moitié inférieure indiquent le maniérisme. La tension dramatique dans ces figures et l'utilisation libérale de la lumière à l'obscurité, ou des contrastes de chiaroscuro, représentent la période baroque de mouvement exagéré pour produire du drame, de la tension, de l'exubérance ou de l'éclairage. La Transfiguration Il a progressé vers son temps, tout comme la mort de Raphael est arrivée trop tôt.

La La transfiguration était le ULasto Grand travail de Rafael et un chef-d'œuvre incontestable de la Renaissance italienne de l'Alto, est maintenant dans le Pinacoteca apostolique, l'un des musées du Vatican. À la suite d'une restauration importante effectuée en 1977 par des experts de la conservation du Vatican, la palette de couleurs Rafael Renaissance est désormais complètement visible et la peinture a récupéré sa splendeur vierge. La restauration a également dissipé toutes les questions persistantes sur le créateur de la peinture. Bien que non fini, ce grand chef-d'œuvre était totalement le produit du génie de Rafael.

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No.7 Le jugement final - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros Il donne au lecteur un regard plus proche de l'histoire de cette fresque emblématique pour mieux comprendre comment le jugement final a eu un impact durable sur le monde de l'art religieux.

Les religions prophétiques occidentales (c'est-à-dire le zoroastrisme, le judaïsme, le christianisme et l'islam) ont développé des concepts du jugement final riches en images.

"Il viendra juger vivant et mort" (de la croyance des apôtres, l'une des premières déclarations de la foi chrétienne).

Le jugement final a été l'une des premières œuvres d'art que Paul III a commandées pour être choisies à la papauté en 1534. L'Église qu'il a héritée était en crise; Le pillage de Rome (1527) était encore un souvenir récent. Paul a tenté de s'attaquer non seulement aux nombreux abus qui avaient provoqué la réforme protestante, mais aussi pour affirmer la légitimité de l'Église catholique et l'orthodoxie de ses doctrines (y compris l'institution de la papauté). Les arts visuels joueraient un rôle clé dans leur programme, en commençant par le message qu'il a adressé à son cercle intime lorsqu'il a commandé le jugement final.

Peint lorsque Miguel Ángel était complètement dans son style mature, l'œuvre d'art a eu un impact immédiat et a provoqué une controverse. Bien que ce jugement final de l'humanité ne soit pas un thème inhabituel pour un artiste de la Renaissance, Miguel Ángel l'a fait exclusivement en utilisant un style qui a été apprécié et rabaissé.

Ce nouveau mur de la chapelle Sixtine aurait un thème spécifique: le jugement final. La description de la seconde venue de Jésus-Christ et le jugement final de Dieu sur l'humanité étaient un thème populaire à travers la Renaissance. La vision de Miguel Ángel sur le sujet, au fil du temps, est devenue emblématique. En fresque, nous voyons plus de 300 personnages peints par des experts pour réaliser cette histoire. Le Christ est assis au milieu, la main levée pour juger les condamnés qui s'enfoncent dans les profondeurs de l'enfer. Avec des muscles ondulés, ce Christ est une figure imposante. À sa gauche, la Vierge Marie est assise. Il a adopté une possession affichée et se tourne vers ceux qui ont été sauvés. Immédiatement autour de ce couple central, il y a un groupe de saints importants. San Pedro, qui a les clés du ciel, et Saint-Jean-Baptiste sont montrés à la même échelle que le Christ. Caronte et les âmes des condamnés. La composition générale tourne dans un mouvement fluide, avec ceux sauvés à gauche du Christ dans la photo s'élevant de leurs tombes tandis que les condamnés sont poussés en enfer. Dans la partie inférieure de la fresque, nous voyons Caronte, une figure mythologique. Dans la mythologie grecque et romaine, il a transporté les âmes vers les enfers. Ici, il les emmène directement en enfer, plein de personnages macabres.

Alors que Dante dans son grand poème épique, la comédie divine, Miguel Ángel a cherché à créer une peinture épique, digne de la grandeur du moment. Il a utilisé des métaphores et des allusions pour décorer son sujet. Son public instruit se réjouirait de ses références visuelles et littéraires. Initialement destiné à un public restreint, les gravures reproductrices de la fresque la répartissent rapidement partout, la plaçant dans les débats du centre animé sur les mérites et les abus de l'art religieux.

Alors que certains ont applaudi cette célèbre peinture comme le summum des réalisations artistiques, d'autres le considéraient comme la quintessence de tout ce qui pourrait mal tourner avec l'art religieux et a demandé leur destruction. En fin de compte, un engagement a été atteint. Peu de temps après la mort de l'artiste en 1564, Daniele Da Volterra a été embauchée pour couvrir les nalgae et l'anglais nus avec des morceaux de rideaux et repeindre Santa Catalina de Alejandría, à l'origine dépeint sans vêtements, et San Blas, qui la menaçait avec ses combats en acier (ce qui pesait (ce qui pesait (ce qui pesait (ce qui pesait (ce qui pesait (ce qui pèse (ce qui pesait (ce que peserait (ce qui pèse (ce qui pesait (ce que peserait (ce qui pèse (ce que peserait (ce qui pèse (ce qui pèse (ce qui pèse (ce qui pèse (ce qui pèse (What What Pek !).

Contrairement à son public limité au XVIe siècle, maintenant des milliers de touristes voient quotidiennement le jugement final. Cependant, pendant les conclaves papaux redevient un puissant rappel pour le Cardinal College de sa place dans l'histoire du salut, car ils se rencontrent pour choisir le vicaire terrestre du Christ (le prochain pape), la personne qu'il sera responsable du pâturage les fidèles. dans la communauté des élus.

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No.8 La tour de Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Selon l'histoire de l'Ancien Testament, Dieu a puni l'humanité de trois manières.

Le premier a été l'expulsion d'Adam et Eva d'Eden, après le péché original. Puis vint le grand inondation, la punition pour la multiplicité des iniquités humaines. Et le troisième était quand Dieu, méfiant à l'égard de la fierté et de la présomption des citoyens de la violente nouvelle ville de Babylone, "confondait le discours de tout le monde et les répartit à travers la grande face de la terre".

Que les Babyloniens avaient-ils fait ainsi une inflammatoire? Aux yeux de Dieu, ils avaient contesté l'ordre des choses avec leur désir déclaré de devenir un "grand peuple", représenté par la construction d'une énorme tour ", avec une cuspide qui atteint le ciel." Les humains étaient censés aspirer à des hauteurs aussi élevées, qu'elles soient physiques ou métaphoriques. La punition choisie par Dieu pour cela était de mettre fin à la langue commune qui avait utilisé pour unir tous les peuples et créer une multiplicité de langues différentes, "afin qu'ils ne puissent pas être compris". La confusion qui en résulte signifiait que "la construction de la ville a pris fin". Selon la Bible, "c'est pourquoi la ville s'appelait Babel" ou Babylone. De toutes les représentations artistiques de cette grande tour qui avaient tant offensé Dieu, la plus mémorable est la tour de Babel de Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Cette célèbre peinture, l'une des nombreuses peintures dédiées à l'art religieux, était la deuxième des trois versions de la tour Babel peinte par Pieter Bruegel. La première version (maintenant perdue), était une miniature d'ivoire, qui était dans l'inventaire du miniaturiste italien né en Croatie Giulio Clovio (1498-1578), avec qui Bruegel a collaboré à Rome en 1553. La troisième version était un pétrole plus petit peint peint Sur Wood, daté en 1564, qui est maintenant situé au musée Boijmans Van Beuningen à Rotterdam. On pense généralement que la peinture de Rotterdam date d'environ un an après l'image de Vienne. La "grande" tour viennoise est presque double que la "petite" tour de Rotterdam et se caractérise par un traitement plus traditionnel du sujet. Basé sur Genèse 11: 1-9, dans lequel le Seigneur confond les gens qui ont commencé à construire "une tour dont le haut peut atteindre le ciel", comprend, comme l'autre version ne le fait pas, la scène du roi Nimrod et son entourage. Avant la multitude de travailleurs à genoux. Cet événement n'est pas mentionné dans la Bible, mais a été suggéré dans les antiquités des Juifs de Flavio Josephus.

Pour Bruegel, c'était important car il a souligné le péché de fierté et d'arrogance du roi qui est censé mettre en évidence l'image.

Réalisme détaillé La tour de Babel présente une grande quantité de détails méticuleux, liés à la construction du bâtiment, sans aucun doute, par les connaissances complexes de Bruegel sur les techniques de construction, acquises lors de l'exécution de plusieurs peintures qui illustrent l'excavation des Ambères-Buselasas canal. Sur la droite, il y a une énorme grue, très similaire à celle visiblement placée sur le port dans le Brémani Bréviaire.

Les fourmis similaires sont occupés à le porter avec d'énormes dalles de pierre qu'ils ont reçues ci-dessous et passeront à la rampe supérieure où d'autres sont prêts à les recevoir. Un travailleur monte une échelle vers cette section, qui se transforme de la roche à l'architecture structurée par une multitude d'autres personnes. À gauche, une partie de la façade se termine déjà en partie; Une femme entre dans l'une des portes, une échelle apparaît à travers l'une des fenêtres supérieures. Ci-dessus, une autre grande multitude de travailleurs travaille sur le toit, et ainsi de suite à l'infini.

Quelle que soit le caractère raisonnable de ces actions individuelles, et ce point n'a pas encore été complètement étudié, le spectateur ressent immédiatement l'insuffisance grotesque des médias d'ingénierie, ainsi que la folie de l'ensemble de l'entreprise de construction.

Comme le sont les «fourmis» qui travaillent dur, ils sont confrontés à des adversités désespérées qui sont brillamment démontrées. Dans le même niveau, la terminaison du dernier détail s'oppose aux débuts nus, avec des étapes intermédiaires au milieu, qui fait allusion à une course effrénée contre le temps inexorable, tandis que la partie supérieure est toujours envahie par les nuages.

Lorsque nous avons regardé la peinture de Bruegel et que nous avons essayé de l'interpréter, nous sommes également plongés dans un exercice de traduction: donnait-il simplement une expression visuelle à l'histoire biblique? Ou essayais-je de faire quelque chose de plus large? Ou simplement une combinaison des deux?

Il ne devrait pas nous surprendre que dans le monde de l'art, il n'y a pas nécessairement d'accord sur les intentions de Bruegel. Au lieu d'être ouvertement controversé, l'enseignant a intégré son travail avec des signes et nous laisse, ses fidèles spectateurs pour les interpréter par nous-mêmes.

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No.9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

La Virgen del Jilguero, l'un des panneaux florentine de Rafael, a été peint par Rafael pour le mariage de son amie Lorenzo Nasi et Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Le tableau a été gravement endommagé après l'effondrement partiel de la maison Nasi en 1547, comme le mentionne Vasari. Par la suite, il a probablement été restauré par Michele di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), un co-travailleur de l'atelier Ghirlandio, qui a été profondément influencé par Rafael.

L'enfant Jésus caresse avec amour un oiseau Jilguez que l'enfant baptiste vient de lui donner. Un symbole de passion (le pic, car il se nourrit entre épines) est donc combiné dans une scène qui, à un premier niveau de sens, peut être considéré simplement comme des enfants jouant.

Rafael a absorbé les réalisations de l'art florentin qui était à l'époque à l'avant-garde en Europe. L'artiste a été fortement influencé par la figure de Leonardo. L'influence du grand artiste-scientifique, se manifeste dans la belle Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), récemment restaurée (2008) sagement et qualifié. Rafael accepte l'approche de la composition pyramidale, les effets doux de la faible lumière et du dialogue émotionnel entre les personnages, révélant les éléments de la peinture de Leonardo. Malgré cela, il est également clair quel sera le style personnel de Rafael: l'extrême douceur des visages, en particulier les Madonnas, l'utilisation magistrale des couleurs, la reproduction réaliste du paysage et l'intimité profonde entre les figures.

La Vierge Marie est vêtue de rouge et de bleu. Le rouge est un symbole de la passion du Christ et du bleu est le symbole de l'église et de Marie. C'était l'un des pigments les plus chers et, par conséquent, approprié à utiliser dans une figure importante comme Maria. Le Jilguero européen est associé à la crucifixion de Jésus. Dans cette peinture, Saint-Jean passe l'oiseau à Jésus comme un avertissement de sa mort violente. D'après le livre que Mary détient, les experts ont identifié les mots "Sedes Sapientiae". C'est l'un des titres de dévotion donnés à Marie et signifie «siège de la sagesse». Il souligne que Marie a donné naissance à Jésus (qui représente la sagesse). Lorsque Marie est représentée dans le rôle de «siège de la sagesse», il est généralement montré sur un trône avec Jésus sur ses genoux. Cependant, dans ce cas, le rocher sur lequel Maria sent sert de trône.

Dans la peinture, vous pouvez voir plusieurs fleurs. Bien que toutes les fleurs n'aient pas été identifiées de manière concluante, beaucoup croient que les fleurs sont: anémones (qui représentent la douleur de Marie par la passion de Jésus), les margaritas (qui représentent l'innocence de l'enfant Jésus), les bananes (qui représentent le chemin de Suivez Jésus) et les violettes. (qui représente l'humilité).

Dans l'art européen, le pic est fréquemment utilisé comme symbole. Le Jilguero européen, Carduellis Carduelis, a un visage rouge et une tête en noir et blanc. Des centaines de peintures de renaissance ont représenté le Jilguero. Le Jilguero européen est souvent associé à la résurrection, mais aussi à l'âme, au sacrifice et à la mort. La légende raconte que le joueur a reçu la tache rouge sur sa tête pendant la crucifixion de Jésus quand il voulait déchirer une épine de la couronne de Jésus, et une goutte de sang de Jésus a éclaboussé la tête. En fait, il est connu que le joueur mange des chardons et des épines et, par conséquent, a été associé à la couronne d'épines que Jésus a utilisée dans sa crucifixion.

Le paysage, et en particulier les formes architecturales qu'il contient, reflète l'influence de l'art du flamenco, bien qu'elle soit toujours structurée dans la manière de l'Ombrie. Cette influence était aussi vivante à Florence qu'à Urbino dans la seconde moitié du Quattrocento. Il est peut-être plus visible sur les toits inclinés et les aiguilles élevées, les éléments inhabituels dans un paysage méditerranéen. L'influence de Miguel Ángel est à nouveau évidente dans la figure bien structurée de l'enfant Christ.

Cette célèbre image a subi de graves dommages à la fin du XVIe siècle en raison de l'effondrement du bâtiment où il se trouvait. Il a subi de graves dommages, comme les coupes profondes et longues qui avaient défiguré le panneau en bois. De nombreuses restaurations ont suivi au cours des siècles, mais uniquement grâce au dernier (réalisé en 2008), les travaux sont revenus à sa splendeur d'origine. Par conséquent, la Virgen del Jilguero peut être aimée et admirée à nouveau comme l'un des plus beaux exemples du grand peintre de Rafael le "Divin".

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No.10 Christ de San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Le Christ de San Juan de la Cruz a été peint par le peintre surréaliste espagnol Salvador Dalí en 1951 à une époque où il a émergé du fort athéisme anti-religieux de sa jeunesse et a à nouveau émergé la foi catholique.

Sans aucun doute, l'œuvre religieuse la plus connue de Dalí est son "Christ de San Juan de la Cruz", dont la figure domine la baie de Port Lligat. Le tableau a été inspiré par un dessin, conservé dans le couvent de l'incarnation à Ávila, en Espagne, et fabriqué par San Juan de la Cruz lui-même après avoir vu cette vision du Christ pendant une extase.

Dans la peinture de Dali, les gens à côté du navire dérivent d'une image du Nain et d'un dessin de Diego Velázquez pour la reddition de Breda. À la fin de ses études pour le Christ, Dalí a écrit: «En premier lieu, en 1950, j'ai eu un« rêve cosmique »dans lequel j'ai vu cette image couleur et que dans mon rêve représentait le noyau de l'atome. Ce noyau Plus tard, acquis un sens métaphysique: j'ai considéré dans «l'unité de l'univers», au Christ! Deuxième Géométriquement un triangle et un cercle, qui résument esthétiquent toutes mes expériences précédentes, et ont inscrit mon Christ dans ce triangle. "

Dans le portrait, Salvador Dalí a ingénieusement utilisé deux couleurs réalistes différentes qui incluent le bleu et le vert pour représenter le paysage incroyable de la mer, probablement une allégorie de la mer de Galilée. Le peintre a utilisé une technique unique pour peindre la mer au niveau des yeux tandis que le corps du Christ est suspendu dans l'air de la croix. Derrière la croix, le peintre a utilisé de la peinture à l'huile noire. C'était pour faire du corps du Christ le centre d'attention.

Dalí a pu dépeindre les muscles du Christ d'un ton beau. En dehors de cela, il a réussi à peindre des ombres qui ont créé la profondeur. De plus, Salvador a peint des montagnes lointaines à la hauteur des yeux. Au bas de l'image, vous pouvez voir un homme solitaire debout sur un quai avec son bateau. Le peintre renommé a pu combiner des couleurs réalistes et un design ordonné pour créer un portrait surréaliste impressionnant de la figure religieuse.

Il a été dit que la version originale du XVIe siècle dépeint un crucifix sous l'angle dans lequel une personne mourante le verrait quand il le montrera pour le vénérer.

Dalí nous fait voir Christ et la croix directement d'en haut et regarde vers le bas dans l'ensemble des nuages ​​sous et la terre en dessous. C'est une perspective céleste, en fait, celle de Dieu le Père. Il est intéressant que le fils, le Christ partage la même perspective que le père: son point de vue suit et continue à celui du Père. Le quatrième évangile souligne que le fils vient du père et est un avec lui, voyant et faisant tout ce que le père lui dit de faire. D'une certaine manière, le père offre également le fils au monde pour le sauver.

Dans la peinture du Christ de San Juan, le Sacré-Cœur de Jésus n'est pas reflété à l'extérieur, mais est impliqué dans le déploiement artistique d'une force qui surmonte l'ignominie de la croix. Dalí nous dépeint un Christ victorieux. Cela montre que le Christ de San Juan de la Cruz expire par amour.

Dans le "Christ de San Juan de la Cruz" de Dalí, Jésus accroché à la croix a désarmé les pouvoirs et les autorités et en a fait un spectacle public, les triompnant avec la puissance de leur amour sur la croix (Col. 2: 15).

Ainsi, la croix est l'endroit où le bien expire vers le mal, où l'obscurité est vaincue par la lumière, où la graine de la femme écrase enfin la tête du serpent (Gen 3:15), où les accusations contre le monde ont été détruites et cloué lors de la traversée. Surtout, c'est là que l'amour conquiert la haine et toutes les formes de malveillance.

Ce célèbre travail Dalí a été considéré comme banal par un important critique d'art lors de sa première exposition à Londres. Cependant, plusieurs années plus tard, il a été coupé par un fan alors qu'il était suspendu au Glasgow Museum, preuve de l'incroyable effet opposé sur les spectateurs.

Dans le tableau, il y a plusieurs perspectives, signe du talent phénoménal de Dalí.

Puisque les œuvres de Dalí ne sont pas encore dans le domaine public, Kuadros Il ne fait pas de répliques de ce peintre, pas cessé de l'admirer bien sûr. 

KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.