De nombreuses œuvres dans la liste ci-dessous ont été volées.
D'autres ont été détruites par l'homme ou par la nature, et pour d'autres, on ne sait tout simplement pas exactement quel est leur destin final. Les causes de la perte de ces trésors sont variées, mais dans tous les cas, il y a un coupable commun : l'être humain.
No.1 Le Colosse de Rhodes
Une des Sept Merveilles du Monde Antérieur, le Colosse de Rhodes était une énorme statue en bronze du dieu du soleil, Hélios, qui se dressait au-dessus de la ville grecque de Rhodes. La statue était située près du port de la ville depuis 280 av. J.-C., étant l'un des ports commerciaux les plus importants de l'Antiquité méditerranéenne.
Hélios était un descendant des titans Hypérion et Théia. Un endroit où Hélios était particulièrement adoré était Rhodes, la plus grande des îles du Dodécanèse dans l'est de la Méditerranée. Rhodes était une polis, ou cité-État, et généré beaucoup d'argent grâce à son contrôle lucratif du commerce. Il ne semblait pas y avoir de meilleure façon de célébrer son statut commercial que de commander une statue massive en l'honneur du dieu de la ville, un mouvement qui célébrait la liberté acquise par l'île.
La statue géante originale mesurait 33 mètres de hauteur et, selon les rapports de l'Antiquité, il fallut au sculpteur Chares de Lindos 12 années entières pour la terminer. Bien que le Colosse ait sûrement été une vue incroyable pour les visiteurs du port animé de la ville, malheureusement, le géant Hélios ne resta debout que 56 ans.
Renversé par un tremblement de terre en 228 ou 226 av. J.-C., ses morceaux brisés remplirent les quais de Rhodes pendant un millénaire avant d'être fondus en ferraille au milieu du VIIe siècle. Aucun dessin du Colosse de Rhodes n'a survécu jusqu'à ce jour, mais des sources anciennes indiquent qu'Hélios était représenté debout avec une torche tenue dans sa main tendue. Ces descriptions ont plus tard inspiré le design de la Statue de la Liberté.
No.2 Le Bouclier de Méduse - Léonard de Vinci
Le Bouclier de Méduse a été perdu dans le temps, mais c'est l'une de ces œuvres mystérieuses de Léonard de Vinci avec un haut niveau d'esprit et de débat.
Selon un récit de 1550 de l'historien de l'art Giorgio Vasari, le visage avait été peint sur un bouclier en bois découpé dans des figuiers, comme un service pour un ami paysan qui a conçu le bouclier. Léonard, dans son style expérimental, a pris le bouclier, l'a chauffé avec du feu et l'a assoupli.
Selon le récit, lorsque son père, Ser Piero, est venu voir le bouclier et a frappé à la porte, Léonard lui a dit d'attendre. Il a pris la peinture et l'a ajustée près d'une fenêtre avec la lumière douce qui passait. Ser Piero est entré, a jeté un coup d'œil à la peinture et a reculé en s'écriant.
Léonard a alors dit : “Cette œuvre sert à l'objectif pour lequel elle a été faite ; prends-la et emporte-la, car c'est l'effet qu'elle était destinée à produire”.
La peinture est devenue si réaliste qu'elle a d'abord effrayé le père de Léonard, qui l'a considérée comme une œuvre maîtresse quelque peu macabre et l'a secrètement vendue à un groupe de marchands florentins.
Le Bouclier de Méduse était censé être l'une de ces histoires de la jeunesse de Léonard, donc il pourrait être à Vinci (en Toscane, où Léonard est né), ou il pourrait être à Florence.
Le bouclier a disparu depuis longtemps, et certains experts modernes soutiennent maintenant que l'histoire de Vasari pourrait n'avoir été que peu plus qu'un mythe, une légende urbaine de son époque.
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No.3 Les Casseurs de pierres - Gustave Courbet
Réaliste et pure réalité dans une seule œuvre.
Si l'on examine de près la peinture de Courbet, Les Casseurs de pierres, la préoccupation de l'artiste pour la situation difficile des pauvres était évidente.
Les Casseurs de pierres, peints en 1849, représentent deux travailleurs agricoles ordinaires. Courbet a peint sans aucun sentiment apparent ; au lieu de cela, il a laissé l'image des deux hommes, l'un trop jeune pour un travail forcé et l'autre trop vieux, exprimer les sentiments de difficulté et d'épuisement qu'il tentait de représenter. Courbet montre de la sympathie pour les travailleurs et du dégoût pour la classe élevée en peignant ces hommes avec une dignité propre.
Inspiré par une rencontre fortuite avec deux travailleurs opprimés, Courbet s'est délibérément éloigné de la convention de l'époque, capturant les hommes avec des détails granuleux, depuis leurs muscles tendus jusqu'à leurs vêtements en haillons et sales.
Traditionnellement, un artiste passait la plupart de son temps sur les mains, les visages et les gros plans. Ce n'était pas le cas de Courbet. Si l'on observe attentivement, on remarquera qu'il tente d'être impartial, s'occupant des visages et des roches de manière égale, laissant de côté le glamour que la plupart des peintres français ajoutaient à leurs œuvres à ce moment-là. Pour cela, Courbet est devenu connu comme le leader du mouvement réaliste.
Bien que la peinture ait aidé à lancer la carrière artistique de Courbet, "Les Casseurs de pierres" a finalement été condamnée à devenir l'une des nombreuses victimes culturelles de la Seconde Guerre mondiale. En 1945, la peinture a été détruite lors d'un bombardement allié près de la ville de Dresde, en Allemagne.
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No.4 L'homme au carrefour - Diego Rivera
Diego Rivera a peint de nombreuses fresques et murales populistes, mais son œuvre la plus célèbre pourrait être celle qui n'existe plus. En 1932, l'artiste mexicain a été mandaté par John D. Rockefeller pour créer une fresque destinée aux murs du Rockefeller Center de New York.
A l'artiste a été donné le thème : "l'homme au carrefour regardant avec espoir et vision élevée pour choisir un nouvel avenir meilleur".
Rockefeller souhaitait que la peinture incite les gens à s'arrêter et à réfléchir. À Rivera, on a promis 21,000 $ pour le travail. Il a été officiellement mandaté par Todd-Robertson-Todd Engineering, les agents de développement du bâtiment. La commande complète prévoyait trois fresques. L'homme au carrefour serait au centre. Il serait flanqué de La frontière de l'Évolution Éthique et La Frontera du Développement Matériel. La composition centrale était destinée à contraster le capitalisme et le socialisme. Cette idée de composition de base a été approuvée par Rockefeller.
Le 24 avril 1933, le journal New York World-Telegram a publié un article attaquant la fresque comme étant de la propagande anti-capitaliste. Quelques jours plus tard, Rivera a ajouté le portrait de Lénine à l'œuvre. Le leader apparaissait au premier plan, à droite. On voit Lénine tenant la main d'un groupe de travailleurs multiraciaux.
Des soldats et de la machinerie de guerre occupaient le coin supérieur gauche au-dessus des femmes de la société, et on pouvait voir une manifestation russe du Premier Mai avec des drapeaux rouges à droite, au-dessus de Lénine. Pour Rivera, cela représentait des visions sociales contrastantes : les "riches dépravés" observés par les chômeurs alors que la guerre éclatait, tandis qu'une utopie socialiste était introduite par Lénine.
Parmi les centaines de personnages dans L'Homme au carrefour, Lénine a été celui qui a suscité le plus de débats. Un titre du 24 avril dans le New York World-Telegram déclarait "Rivera perpétue des scènes d'activité communiste pour les murs de RCA, et Rockefeller, Jr. Foots Bill." Dix jours plus tard, Nelson Rockefeller, le mécène de Rivera et membre d'une famille célèbre et riche, a demandé à l'artiste de supprimer Lénine. Lorsque Rivera a refusé, l'artiste a été payé en totalité et a été renvoyé. Les fresques ont été recouvertes puis détruites, tandis que les partisans de Rivera se sont unis pour sauver le travail.
Inquiet que Rockefeller détruise l'œuvre, Rivera avait demandé à une assistante, Lucienne Bloch, de prendre des photographies de la fresque avant qu'elle ne soit détruite. En les utilisant comme référence, Rivera a recommencé à peindre la fresque, bien que à une échelle plus petite, au Palais des Beaux-Arts de Mexico, où elle a été renommée Homme, Contrôleur de l'Univers. La composition était presque identique, la principale différence étant que la figure centrale a été légèrement déplacée pour s'aligner avec le mât de support du télescope cylindrique au-dessus de lui. La nouvelle version incluait un portrait de Léon Trotsky à côté de Karl Marx et Friedrich Engels à droite, et d'autres, dont Charles Darwin, à gauche, et le père de Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., un abstème de toute une vie, buvant dans une discothèque avec une femme. Au-dessus de leurs têtes, l'artiste a disposé une assiette de bactéries de syphilis.
No.5 Portrait de Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
En 1954, des membres du Parlement britannique ont commandé un portrait de l'artiste Graham Sutherland et l'ont présenté à Winston Churchill comme un cadeau pour son 80e anniversaire.
Graham continue d'être rappelé, surtout, comme l'artiste dont le portrait de Sir Winston Churchill a tellement offensé la vénérable figure qu'elle l'a détruit.
Bien qu'il affirmait être honoré par le geste, Churchill n'était pas fan de l'interprétation réaliste de Sutherland, qu'il pensait le capturait dans une pose peu flatteuse. En fait, le Premier ministre détestait tellement le portrait qu'il a envisagé de ne pas assister à la cérémonie de présentation, et il a même écrit à Sutherland une lettre exprimant personnellement sa déception.
Ce n'était pas que le portrait était délibérément d'un style "moderne", ou même mal exécuté. Plutôt, c'était un portrait franchement honnête et direct d'un homme qui, après tout, avait un peu plus de 80 ans, était fragile et physiquement épuisé. Pourtant, le portrait était également une étude compréhensive qui parvenait à transmettre la gravité du modèle, tout en révélant sa vulnérabilité. Cependant, cette réalité s'est heurtée spectaculairement à l'image que Churchill aimait projeter de lui-même à la société britannique, celle de l'homme d'action, le leader sans prétention et indomptable en temps de guerre.
Étant donné la franchise audacieuse et l'honnêteté de l'image, la réaction de Churchill était peut-être inévitable.
Churchill et sa femme ont refusé toutes les demandes d'exposition publique de la peinture, et l'œuvre a effectivement disparu de la vue du public pendant plusieurs années. Après le décès du leader en 1977, il a finalement été révélé que Lady Churchill avait personnellement déchiré et brûlé le portrait détesté moins d'un an après sa présentation.
Avec le recul, toute la "controverse sur le portrait de Churchill" s'est révélée être une épée à double tranchant pour Sutherland. D'un côté, c'était un témoignage de la puissance de son portrait. Mais d'un autre côté, la peinture lui a apporté une grande notoriété non souhaitée et injustifiée, en particulier dans la presse populaire. Cela était particulièrement irritant pour Sutherland, car il était un artiste sérieux profondément engagé dans sa profession.
No.6 Les Bouddhas de Bamiyan
Image des Bouddhas de Bamiyan avant leur destruction.
Construit à un moment donné au VIe siècle, ce légendaire duo de Bouddhas de pierre a duré 1 500 ans avant d'être victime d'une purge culturelle par les talibans. Les sculptures de 41 et 53 mètres de hauteur ont été initialement créées directement d'une falaise de grès, et ont servi comme le monument le plus spectaculaire de Bamiyan pendant une période où la ville prospérait comme un centre commercial de la Route de la Soie.
Avant leur destruction, deux sculptures monumentales de Bouddha taillées dans la falaise étaient visibles face à la vallée. La plus grande des deux figures se trouvait à l'extrémité occidentale. L'historienne de l'art Susan Huntington a soutenu qu'elle représentait le Bouddha Vairochana. La plus petite des deux statues monumentales, située à l'est, représentait le Bouddha Shakyamuni.
Comme pour beaucoup des grands monuments anciens du monde, on en sait peu sur qui a commandé les bouddhas aux sculpteurs qui les ont taillés. Cependant, leur propre existence souligne l'importance de la foi bouddhiste et de la vallée de Bamiyan au cours de cette période.
La destruction à Bamiyan est l'attaque la plus spectaculaire contre le patrimoine historique et culturel de l'Afghanistan. De plus, sa destruction est unique en raison de la mobilisation mondiale qu'elle a suscité, mais malheureusement, ce n'est pas le seul dommage infligé aux vestiges archéologiques de ce pays.
Tandis qu'ils ont résisté pendant plus d'une douzaine de siècles à plusieurs attaques d'empereurs musulmans et même une invasion de Gengis Khan, les Bouddhas ont finalement été détruits en mars 2001, lorsque les talibans et leurs alliés d'Al-Qaïda ont donné l'ordre de condamner les images "idolâtriques".
Ignorant les appels largement répandus de la communauté internationale, les groupes ont tiré sur les statues avec des armes anti-aériennes avant de les faire exploser avec de la dynamite.
Bien que la destruction des Bouddhas ait été condamnée comme un crime contre la culture, une série de dessins et de textes de grottes précédemment cachés parmi les décombres a été découverte, et en 2008, des archéologues ont déterré une troisième statue de Bouddha, précédemment inconnue, près des ruines, ce qui s'est avéré être une sorte de revanche de la culture contre le terrorisme.
No.7 Nativité avec Saint François et Saint Laurent - Caravage
La Nativité avec Saint François et Saint Laurent est le seul travail connu associé au bref séjour de Caravage à Palerme et est beaucoup plus traditionnel que l'Adoration de Messine, non seulement parce que l'Enfant Jésus est seul sur le sol tandis que la Vierge est assise sur un siège bas, mais également en raison des poses plus conventionnelles et des apparences bien habillées des figures environnantes.
Le traitement de la peinture est également beaucoup plus précis et abouti que dans beaucoup de dernières œuvres du Caravage. Cependant, son humilité nouvellement acquise n'a pas été complètement perdue, et la figure paysanne de Saint Joseph à droite, avec son chapeau à larges bords et ses mains bronzées, semble avoir été un prototype pour beaucoup des figures similaires dans les compositions réalistes populaires au cours des deux siècles suivants.
L'image a été, selon Bellori, peinte pour l'Oratoire de la Compagnia di San Lorenzo.
Depuis son vol en 1969, la Nativité de Caravage est considérée comme l'une des peintures volées les plus notoires dans l'histoire du monde de l'art. Le chef-d'œuvre n'a pas été vu depuis qu'il a été retiré d'une chapelle à Palerme, en Italie, bien que les preuves indiquent que la mafia sicilienne a pu jouer un rôle dans le vol.
Les espoirs de résoudre l'un des pires crimes artistiques de l'histoire ont été ravivés après que les enquêteurs italiens aient annoncé avoir reçu de nouvelles informations.
En 1996, un informateur de la mafia a témoigné qu'il avait volé la peinture avec plusieurs autres hommes à un acheteur privé, seulement pour la détruire accidentellement en coupant la toile de son cadre. Plus d'une décennie plus tard, un autre ancien mafieux a affirmé que la peinture avait été cachée dans une grange pour son stockage, mais que les rats et les cochons l'avaient endommagée irrémédiablement avant de la brûler. Le sort de la nativité reste finalement un mystère, mais si elle existe encore, la peinture vaudrait maintenant au moins 40 millions de dollars.
Le maire de Palerme, Leoluca Orlando, qui a aidé à transformer la capitale sicilienne d'une forteresse de la mafia en une capitale culturelle européenne, a déclaré que le vol de la peinture avait porté un coup à la ville à un moment où elle était dominée par les mafieux et les parrains. "Aujourd'hui, cette ville a changé et exige que tout ce que la mafia lui a pris soit rendu".
"Récupérer même une petite partie de cela serait considéré comme une victoire", a-t-il conclu.
No.8 La Salle d'Ambre
Créée par le sculpteur Andreas Schlüter et le maître artisan d'ambre Gottfried Wolfram, cette impressionnante chambre mesurait 16 mètres carrés.
La pièce était couverte de panneaux dorés ornés qui brillaient d'or et d'ambre : des pierres précieuses brillantes et des gemmes de sève d'arbres fossilisés d'une riche couleur jaune-rouge. L'ambre était soutenu par des couvertures d'or, des miroirs découpés et intégrés dans de beaux designs, et était éblouissant à la vue. La salle a été construite pour la première fois en 1701 et en 1716, le roi de Prusse, alors Frédéric-Guillaume Ier, l'a offerte à Pierre le Grand pour aider à cimenter une alliance entre la Prusse et la Russie. Souvent appelée "la huitième merveille du monde", cette chambre ornée était considérée comme un chef-d'œuvre de l'art baroque et vaudrait aujourd'hui plus de 140 millions de dollars.
Le destin de la salle qui symbolisait autrefois la paix est devenu tout sauf pacifique : les nazis ont démonté la chambre et l'ont ensuite emportée à Königsberg, en Allemagne, où elle a disparu près de la fin de la Seconde Guerre mondiale. La plupart des historiens pensent qu'elle a été détruite lors d'un bombardement allié en 1944, mais il existe aussi des preuves suggérant que la salle a été empaquetée et retirée de la ville. À partir de là, certaines théories suggèrent qu'elle aurait pu être chargée sur un navire qui a coulé en mer Baltique ou simplement cachée dans un coffre ou un bunker.
La dernière théorie affirme que les Soviétiques savaient que la Salle d'Ambre avait été détruite par leurs propres troupes lors de leur propre invasion de Königsberg.
Au moins, l'histoire de la nouvelle Salle d'Ambre est sûre. Tous les efforts ont été déployés pour créer une reproduction aussi parfaite que possible, même jusqu'à définir 350 teintes différentes d'ambre. La reconstruction a commencé en 1979 à Tsarskoye Selo et a été achevée 25 ans plus tard, à un coût de 11 millions de dollars.
Dédiée par le président russe Vladimir Poutine et l'ancien chancelier allemand Gerhard Schröder, la nouvelle salle a marqué le 300e anniversaire de Saint-Pétersbourg lors d'une cérémonie unificatrice qui évoquait le sentiment pacifique que le quatrième original suscitait.
La réplique de la salle reste exposée au public dans la Réserve du Musée d'État de Tsarskoye Selo, à la périphérie de Saint-Pétersbourg.
Cependant, les chasseurs de trésors insistent sur le fait qu'une fabuleuse salle dorée attend encore d'être retrouvée dans les profondeurs d'une caverne sombre et mystérieuse.
KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.
